Eine gute künstlerische Arbeit entsteht für mich dann, wenn sich der Künstler Gedanken über die Gestaltung des Kunstwerkes gemacht hat und diese auch ausdrücken kann. Dabei geht es nicht darum, das "schwierigste" oder "teuerste" Material zu verwenden, sondern es soll eine Idee dahinter stecken. Diese Idee muss nicht unbedingt sofort beim Betrachten sichtbar sein, sondern kann auch nach Erklärung des Künstlers verstanden werden. Interessant wäre auch, wenn neue Ideen von Betrachtern interpretiert werden können. Dies könnte auch dazu führen, dass eine Diskussion entsteht und sich ein Gespräch entwickelt. 

Der Papierhaufen kann als Symbol für die riesige Informationsflut verstanden werden, die uns täglich erreicht. Viele dieser Informationen sind nicht unbedingt relevant, werden aber dennoch verbreitet. Weiterhin kann der Papierhaufen die kaum verarbeitbaren täglichen Nachrichten darstellen.

In dem Museumsraum fällt dieses Kunstwerk besonders auf, da es sich von den geordneten Gemälden an den Wänden unterscheidet. Der chaotische Papierstapel lenkt sofort die Aufmerksamkeit der Besucher auf sich.

Durch die helle Beleuchtung und die freie Platzierung im Raum wird das Kunstwerk noch stärker hervorgehoben.

Die Blüten bestehen aus recycelten Plastikflaschen – einem Material, das häufig in der Umwelt zu finden ist, sei es im Meer oder auf dem Boden. Der Draht verkörpert den Kontrast zwischen Zerfall und Stabilität: Einerseits sind die Gipsstücke gebrochen und wirken zerstört, andererseits gibt der Draht den Blumen Halt und verbindet den Boden mit den Pflanzen.

Ich habe bewusst grüne Plastikflaschen gewählt, da die Farbe Grün stark mit der Natur assoziiert wird. Gips wurde als Material verwendet, weil seine raue Oberfläche an Asphalt erinnert. Er erscheint stabil, ist aber zugleich zerbrechlich. Als Untergrund diente Rigips, da es ein leicht zu verarbeitendes Baumaterial ist, das oft in Innenräumen verwendet wird – passend dazu befindet sich meine Arbeit ebenfalls in einem Innenraum.

Die Platzierung des Werks auf der Fensterbank und auf dem Boden ist symbolisch: Sie verdeutlicht das Wachstum der Pflanzen. Das Fenster spielt eine wichtige Rolle, da sich dahinter das Freie befindet – der Raum, nach dem sich die Blumen sehnen.

Ich habe mich von Kei Tanimoto inspirieren lassen, einem japanischen Künstler, der mit Keramik arbeitet. Besonders sein Werk Untitled (2020) (Link) hat mich beeinflusst. Die zerbrochene, löchrige Oberfläche seiner Arbeiten hat mich dazu angeregt, meinen Boden ähnlich zu gestalten. Auch ich habe mit der Struktur gearbeitet, indem ich den Gips gebrochen und löchrig erscheinen ließ. Tanimoto bearbeitet die Oberflächen seiner Werke oft per Hand oder mit Schnitzereien. Mein Werk ist ebenfalls flach gehalten; die Oberfläche habe ich mit einem Schwamm strukturiert, indem ich ihn in den feuchten Gips drückte. Zusätzlich habe ich mit Zahnstochern Löcher hineingestochen, um den Draht zu befestigen. Link: https://www.louis-sack.com/artists/31-kei-tanimoto/works/9419-kei-tanimoto-untitled-2020/