É um período dividido entre Paleolítico, Mesolítico (período intermediário) e Neolítico.

Nas estátuas, prevalecia a lei da frontalidade, que consistia em conceber as figuras de reis e deuses para serem vistas de frente, idealizadas e com forte simetria. As representações dos cortesãos, no entanto, são mostradas com maior realismo. 

O povo grego foi na antiguidade um dos que exibiam manifestações culturais mais livres, rendendo-se pouco às ordens de reis e sacerdotes, pois acreditavam que o ser humano era a concepção mais incrível do universo.

A arte grega passou pelos períodos arcaico, clássico e helenístico, e cada uma dessas fases históricas, influenciou a elaboração das obras.

Os escultores mais importantes da Grécia antiga foram: Fídias, Policleto, Miron e Praxíteles. 

Muitas igrejas, conventos, mosteiros e catedrais, pro exemplo, acabaram sendo construídas com esse estilo. Muitos possuíam uma parede bem grossa com pouco adornos em seu interior.

Nessa época foi criado o ícone, uma vertente da pintura bizantina. Ícone em grego significa imagem e nesse contexto representavam personagens religiosas como a Virgem e Cristo, além de santos.

Lembre-se que o Renascimento foi um movimento artístico, intelectual e cultural que teve início no século XV na Itália.

A Catedral de Santa Maria del Fiore é notável pela sua imponente cúpula, projetada por Filippo Brunelleschi, que é considerada uma das maiores cúpulas de alvenaria do mundo. A catedral faz parte de um complexo arquitetônico que inclui o Batistério de São João e a Campanile de Giotto.

Nesse período, a Europa passava por diversas transformações políticas, econômicas e culturais, tal qual o Renascimento e a Contrarreforma.

Isso fez surgir uma nova estética que fugia dos moldes tradicionais e que se espalhou rapidamente por toda a Europa.

Por isso, toda a cultura desse período, incluindo costumes, valores e relações sociais, é chamada de "barroca".

Essa época surgiu no final do Renascimento e manifestava-se por meio de grande ostentação e extravagância entre os grupos beneficiados pelas riquezas da colonização.

Eles que fizeram a melhor literatura do século XVII, assimilada pelo resto da Europa a partir da segunda metade do século XVII.

Além da literatura, o barroco espanhol foi um dos mais marcantes desse período, onde se destaca o pintor Diego Velázquez e as obras: "As meninas", "Velha fritando ovos", "Retrato de um homem" e "Cristo Crucificado".

Ele prosperou na Europa (especialmente no sul da Alemanha e na Áustria) do início ao fim do século XVIII, marcando a passagem do Barroco para o Arcadismo.

Caracterizado pelo uso de conchas, laços e flores em seus adornos, o estilo rococó predominou na esfera da arquitetura, escultura e pintura. Elas deveriam se complementar harmonicamente, muitas vezes pela união de artistas especializados em afazeres distintos.

“Eu já não temo as bruxas, nem os duendes, nem os fantasmas, nem os gigantes fanfarrões, nem os poltrões, nem os larápios, nem qualquer tipo de ser, não temo nada nem ninguém, exceto os humanos.”

Na literatura, o marco inicial do barroco é a publicação da obra “Prosopopeia” (1601) de Bento Teixeira. Na escultura e arquitetura, Aleijadinho foi, sem dúvida, um dos maiores artistas barrocos brasileiros.

• Linguagem dramática;

• Racionalismo;

• Exagero e rebuscamento;

• Uso de figuras de linguagem;

• União do religioso e do profano;

• Arte dualista;

• Jogo de contrastes;

• Valorização dos detalhes;

• Cultismo (jogo de palavras);

• Conceptismo (jogo de ideias).

Courbet demonstrava interesse e empatia pela parcela mais pobre da população do século XIX, e isso transparece em suas telas.

A preocupação do artista era também com a superação das tradições clássica e romântica, além dos temas que essa sugeria, como a mitologia, religião e fatos históricos.

Quando se fala em Rodin, é importante citar também a artista Camille Claudel, que foi sua assistente e amante. Sabe-se hoje que Camille auxiliou e finalizou muitas das obras do famoso escultor.

O termo "Art Noveau" surgiu em 1900, em Paris. Na altura, foram expostos objetos, móveis e tapeçarias na galeria de arte “Mason Art Nouveau” (Casa da Arte Nova), do decorador Siegfried Bing (1838-1905).

• Uso de materiais como: ferro, vidro, madeira e cimento

• Valorização das forma orgânicas e complexas

• Valorização das linhas sinuosas e assimétricas

• Presença da figura feminina e das cores frias nas artes plásticas

• Utilização de conhecimentos nas áreas da física e da matemática

• Valorização da lógica, racionalismo

• Oposição ao Romantismo

• Subjetivismo e Simbolismo

• Produção em série e massificação das artes

• Temas da natureza (flores, folhas, animais)

O mundo da natureza, suas flores e algumas das criaturas misteriosas ajudaram a moldar esta época, a quem devemos o futuro desenvolvimento do período Art Deco, novas ideias experimentais sobre arte gráfica e design de pôsteres. As pinturas Art Nouveau são ainda hoje algumas das imagens mais inspiradoras da história da arte.

Nesse estilo, o objeto de arte não tem propósito ou uso prático além de proporcionar uma estética agradável. Seu intuito é melhorar a aparência de objetos funcionais produzidos em massa — desde relógios e cinzeiros a carros e edifícios. Portanto, não se trata de um movimento.

Além disso, além de combinar movimentos históricos europeus e as vanguardas contemporâneas, também inspira balés russos, arte popular tradicional, iconografia e motivos de diversas culturas.

Os principais pintores impressionistas são os franceses Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet e Pierre-Auguste Renoir. Em extensão ou oposição ao impressionismo, surgiram movimentos como o pós-impressionismo, o neoimpressionismo e o expressionismo.

O nu feminino foi um de seus temas principais

Esse movimento inovador começa a despontar em 1880 e permanece até o surgimento do Cubismo, em 1907.

Os pós-impressionistas valorizavam a expressão do lado subjetivo, humano, emocional e sentimental. Dessa forma, o novo espírito que surgia se distanciava do impressionismo, na medida em que não buscava somente elementos técnicos, estudos da luz natural nos objetos e reprodução da realidade, como fizeram seus antecessores.

Foi um homem intenso, que usava a arte como ferramenta de sobrevivência em meio a uma agitada e instável saúde emocional e psicológica.

• Subjetivismo;

• Liberdade cromática;

• Valorização da luz e textura;

• Técnica pontilhista;

• Valorização de temas do cotidiano;

• Bidimensionalidade em detrimento da perspectiva.

Nesse momento, os artistas que compunham o movimento, fizeram a primeira aparição pública no "Salão de Outono", em Paris. No ano seguinte, em 1906, organizaram uma exposição no "Salão dos Independentes".

Foi justamente nessa ocasião que o grupo recebeu o nome les fauves, expressão francesa que significa “as feras”.

Essa corrente faz parte das vanguardas artísticas europeias que despontaram no início do século XX. Influenciou a literatura, a pintura, a escultura, a música e outras vertentes das artes.

Foi considerado o movimento propulsor das ideias surrealistas e tinha um caráter ilógico, anti-racionalista e de protesto.

Isso porque, através da ironia, buscava questionar a arte e, sobretudo, seu contexto histórico, com a ocorrência da Primeira Guerra Mundial.

Esse movimento originou-se em reação ao racionalismo e ao materialismo da sociedade ocidental. A arte surrealista não se restringiu à pintura, de modo que também influenciou outras manifestações artísticas: a escultura, a literatura, o teatro e o cinema.

Pretendia ver a Natureza e o Ser Humano a partir das experiências, sensações e sentimentos individuais, mas com um sentido universal, para a construção de uma arte pessoal, fundada na meditação que, tal como disse Kandinsky (fundador e idealizador do grupo), nascesse da necessidade interior.

Das muitas influências a obra do grupo são as principais Gauguin, Van Gogh, Munch, os Nabis, os Fauves e o [Primitivismo], que vão incutir na obra do grupo o gosto pelas cores fortes e pelo traçado violento e emocional.

De modo a realçar o efeito e intensidade da pintura, o vocabulário estético é intencionalmente reduzido ao essencial e as formas simples e deformadas, sem indício de perspectiva, são evidenciadas pelo contraste de cores saturadas e complementares e por uma linha forte de contorno.

Estas cores, sempre em seu estado puro, simplificavam as formas. Assim, elas delimitavam e modelavam o volume, por meio de uma gradação fraca ou inexistentes de matizes de cor.

Outro aspecto importante são as pinceladas largas e espontâneas, com as quais os artistas fauvistas delimitavam os planos e criavam sensação de profundidade.

Predominam as linhas retas, modeladas basicamente por cubos e cilindros, dada a geometrização das formas e volumes. Essa técnica que renuncia à perspectiva, assim como ao "claro-escuro", causa uma sensação de pintura escultórica. No plano conceitual, o cubismo pode ser considerado como uma arte que privilegia o exercício mental como maneira de expressão das ideias.

Ao romper com a perspectiva consagrada das linhas de contorno, a natureza passa a ser retratada simplificadamente.

Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram diversos movimentos artísticos voltados para uma nova interpretação e expressão da realidade.

Esses movimentos ficaram conhecidos como "vanguardas europeias". O Surrealismo foi uma dessas correntes e teve como precedente indispensável o Dadaísmo e a pintura metafísica de Giorgio de Chirico (1888-1978).

Quem seguia a linha do Dada era contra a sociedade e, acima de tudo, contra a arte. Eles queriam destruí-la a partir de uma postura ilógica. No Dadaísmo, celebrava-se a infantilidade. Não havia preocupação com a estética visual, mas com a ideia. A falta de sentido era o próprio significado.

O Dadaísmo tinha como estilo o “Shock Art”, ou seja, arte para chocar as pessoas. Com esse foco, os artistas expressavam-se falando obscenidades, apresentavam humor escatológico, faziam trocadilhos visuais, entre outros.

O objetivo era provocar o público, o qual, por vezes, sentia-se revoltado com as formas de antiarte propostas. A intenção dos dadaístas era causar choque e indignação com as suas expressões.

O Dadaísmo sofreu influências da Abstração e do Expressionismo. Também teve pitadas do Cubismo (técnicas de colagem) e, em menor parte, do Futurismo (autopublicidade).

Primeira fase (1922-1930): Conhecida como "Fase Heroica", marcou o início com a Semana de Arte Moderna. Surgiram grupos como o Pau-Brasil e o Movimento Antropofágico, com forte influência das vanguardas europeias e valorização do cotidiano.

Segunda fase (1930-1945): Denominada "Fase de Consolidação", foi marcada pelo destaque da prosa de ficção, com temas regionalistas e urbanos.

Terceira fase (1945-1960): Também conhecida como "Geração de 45", buscou um retorno a uma poesia mais séria e equilibrada, embora a prosa urbana, intimista e regionalista tenha continuado em destaque