La película también se enfoca en los aspectos más oscuros y problemáticos de la vida, mostrando las dificultades y las tragedias a las que se enfrentan los personajes, en lugar de enfocarse en finales felices y soluciones fáciles. Esto se evidencia en el trágico final de Zabel, quien es un personaje incomprendido que se ve arrastrado por sus impulsos, y en el desenlace de la trama, que no ofrece una resolución satisfactoria y feliz para los protagonistas. Además, la película utiliza una puesta en escena detallada y atmosférica, que crea una sensación de realismo y profundidad emocional. Los decorados, la iluminación y la música contribuyen a crear una atmósfera de melancolía y nostalgia, características del realismo poético francés.

Valentina Orejarena Sarmiento
Analisis de la pelicula Le Quai des brumes de Marcel Carné.

El cine noir nace en los años 40 durante la segunda guerra mundial en Estados Unidos como un género cinematográfico que se distingue por su atmósfera oscura y pesimista, historias complejas y temas de crimen, corrupción y ambigüedad moral. Los protagonistas del cine negro suelen ser defectuosos y moralmente ambiguos, y hay un aire general de fatalismo y cinismo en el género. Los criminales sobre sus cabezas, las Femme fatale s y los detectives empedernidos son tropos comunes en el género. Las narraciones son frecuentemente no lineales y están llenas de complejos giros argumentales y flashbacks.

Algo representativo de su protagonista según Robert Mckgee es que es más débil de lo que cree y es capaz de cometer los males más terribles sin que los sospechen.

Los elementos que son característicos de este tipo de cine negro son: Juego de luces, iluminación expresionista y mucho juego con el clarooscuro, cigarrillos, Femme fatal y un ambiente urbano.

Algo interesante de este tipo de género es que evoluciona con la época, de hecho se ha llegado a decir que más que un género es un tono en el caso de Taxi driver.

Laura (nombre de la película): Es una película clásica que contribuyo a sedimentar las bases del cine noir. Esta película gira en torno al asesinato de Laura, en esta película se reemplazan los callejones oscuros, asesinos a sueldo por restaurantes ostentosos y personas de clase alta de la ciudad de Nueva York, que a su manera sigue mostrando la putrefacción, un vividor, un psicopata obsesionado serán los principales sospechosos de la muerte de Laura. Además que el detective al indagar en este asesinato termina enamorándose de ella.   Mediante la utilización de flashbacks vamos conociendo a Laura y su círculo social. Esta película utiliza elementos del cine noir clásico tales como el desarrollo del misterio en una noche lluviosa, cumple los canones de la época, cigarrillos, iluminación expresionista, claroscuros, femme fatal y un final no feliz.

The Big Sleep es una película clásica de cine negro de 1946 dirigida por Howard Hawks. La película se considera una de las mejores peliculas del cine negro la cual está basada por la novela de Raymond Chandler la cual posee el mismo nombre. La película cuenta la historia del detective privado Philip Marlowe (Bogart), que es contratado por una familia adinerada para investigar la extorsión de su hija Carmen Sternwood (Martha Vickers). Mientras Marlowe investiga más el caso, se enreda en una red de mentiras, traiciones y asesinatos que involucran a su familia y amigos. Muchos de los personajes tienen agendas y planes ocultos, y la trama de la película es complicada y difícil de seguir. La película, con su uso de sombras, iluminación intensa y un tono oscuro y cínico, se enfoca menos en los detalles intrincados de la trama y más en el estilo y la atmósfera del cine negro.

( Tiene aires al género policiaco)


Taxi Driver: Taxi Driver es uno de los films más reconocidos de Martin Scorsese que relata la historia de un ex marine solitario con problemas mentales llamado Travis Bickle quien por su insomnio comienza a trabajar como taxista en el bajo mundo de Nueva York. Esta película se centra en la visión del protagonista frente a su entorno y conflictos sociales que se vivían a finales de los 70s y cómo estos influyen en sus acciones, evidenciando así un tono frío, oscuro y pesimista acompañado de una atmósfera hostil que refleja una sociedad marginada llena de conflictos que solo se deja ver en la oscuridad de la noche .El estilo visual y el crudo realismo de la película son un reflejo del mundo sombrío e implacable en el que viven los personajes. El uso de primeros planos, tomas en cámara lenta y una paleta de colores apagados, crea una sensación de tensión e inquietud que destacan los temas de la película.

Edgerunners: Nuestro protagonista David Martinez es un estudiante de una prestigiosa academia donde es acosado por ser de bajos recursos. Un día lo golpea una tragedia y este para buscar sustento económico se implanta una pieza cibernética, que le permite realizar proezas físicas inigualables. Aquellos que abusan de los implantes pueden convertirse en máquina de destrucción o mejor conocidos como cyberpsicopatas.
Esta Serie cuenta con los elementos característicos del noir, nuestro protagonista siendo el antihéroe y terminando con un final trágico, a lo largo de los  capítulos observamos como nuestros personajes buscan salir de las sombras de la sociedad tildados como escorias.
La figura de la femme fatale que claramente no puede faltar, ya que esta es quien lo impulsa a incursionar en el mundo de los narcos cyberneticos. 
Los colores vibrantes están presentes en todo momento junto con el claroscuro.
Una característica de este mundo es que ocurre en una monstruosa ciudad dando a enter que son estas ciudades monumentales las que consumen el alma de sus habitantes para perpetuar su existencia.

La historia es acerca de Umberto Ferrari, un solitario pensionado que lucha por saldar sus deudas y pagar el arriendo del cuarto en donde vive. Sus únicos amigos son María (la muchacha que trabaja en la casa) y su perro Flike. La película arranca con el problema general de los pensionados a quienes no les alcanza el dinero, en el contexto de Europa tras la guerra y con la incertidumbre de la situación general del mundo, cada persona tiene sus propias dificultades y Umberto no tiene a nadie a quien recurrir. Sin saber que hacer, Umberto va al hospital y ahí conoce a otro personaje que finge estar enfermo para tener comida y un techo. Al salir del hospital Umberto se entera de que su perro Filke, a quien había dejado al cuidado de Maria, ha escapado. Entonces Umberto va a buscarlo a la perrera, esta secuencia maneja un nivel de tensión e incertidumbre muy grande. Por suerte, Umberto encuentra vivo a Flike. 

Al inicio de la película pensé que se trataría de cómo Umberto encuentra la solución a sus problemas y sería una historia esperanzadora, sin embargo, Umberto entra en desesperación, piensa en suicidarse pero es Flike el que lo impide. Ninguno de los problemas de Umberto se resuelve. El final es agridulce y abierto, Flike no abandonará a Umberto, y eso es todo. El realismo de la película está en el argumento, la construcción de las escenas y su duración y también el final tan inconcluso.
Sofía Uzcátegui

Esta película refleja esa necesidad que había en la época, que hasta los curas pedían perdón por participar en los saqueos por el hambre, las injusticias, los abusos de los nazis  y la pobreza de los italianos. Por lo tanto, el objetivo de la película es mostrar el panorama histórico que se aleja del cine italiano anterior, de ese estilo propagandístico  de comedias románticas con final feliz (aunque note muchos momentos humorísticos pero sin dejar de lado la triste realidad y el sufrimiento de la época)

Al final casi todos los personajes mueren de maneras muy trágicas, como Pina que corre tras su prometido secuestrado el día de su boda y es asesinada frente a su hijo o la muerte del ingeniero que fue traicionado por su ex novia drogadicta, pero siendo sincera, la muerte que más me molestó fue la del padre Pietro porque fue uno de mis personajes favoritos, lo ejecutaron en un campo abierto frente a los niños (incluido el hijo de Pina) que silbaban para el, un final muy impactante y a la vez triste, que encaja con el objetivo de querer retratar las historias miserables de los italianos en esa época a causa de la Segunda Guerra Mundial. 

Jo se queda embarazada después de tener una aventura con un marinero negro y debe lidiar con los desafíos de ser una madre soltera en la Inglaterra de la década de 1960. La película aborda temas como el racismo, la pobreza, la sexualidad y el papel de la mujer en la sociedad.
La película también presenta un estilo naturalista, con escenas que se sienten improvisadas y diálogos que parecen auténticos. Los personajes son presentados como personas reales y complejas, con virtudes y defectos, en lugar de los estereotipos que se presentaban en las películas convencionales de la época.

En resumen, "Taste of Honey" es una película que presenta muchas de las características distintivas del movimiento del Free Cinema, incluyendo un enfoque en la vida cotidiana de la clase trabajadora, el uso de actores no profesionales y un estilo naturalista y documental. Estas características hicieron que la película fuera innovadora y relevante para su época aparte de su ausencia de un final feliz y siguen siendo influyentes en el cine británico y mundial hasta el día de hoy.

La trama se centra en un grupo de amigos que deciden vivir como "tontos" para escapar de las normas sociales y encontrar su verdadera identidad. Los personajes se encuentran en una casa de campo y se involucran en una variedad de actividades que desafían la moralidad convencional y las expectativas sociales. 

 La protagonista es Karen (interpretada por Bodil Jørgensen), una joven inquietante que se une al grupo después de conocer a uno de sus miembros, Stoffer (interpretado por Jens Albinus). Karen se siente atraída por la libertad y la despreocupación del grupo y comienza a explorar su propia sexualidad y deseos. 

 A medida que la película avanza, los personajes se enfrentan a situaciones cada vez más extremas, como fingir discapacidades mentales en público y tener relaciones sexuales en medio de un restaurante lleno de gente. Sin embargo, su experimento se ve amenazado cuando uno de los miembros del grupo, Jeppe (interpretado por Henrik Prip), comienza a cuestionar la autenticidad de su estilo de vida y se aleja del grupo. 

 La película explora temas de identidad, libertad, moralidad y conformidad social a través del lente de un grupo de personas que se rebelan contra las expectativas sociales y las convenciones culturales. Con su estilo naturalista y su enfoque en la improvisación, "Los Idiotas" ofrece una visión cruda y provocadora de la sociedad moderna y los límites que impone a la individualidad y la libertad personal.

Algunas de las escenas más interesantes y auténticas de "Los Idiotas":

 1. Una escena en la que  los personajes actúan como un discapacitados mentales en un restaurante. Esta escena establece un tono provocativo y desafiante para toda la película. 

 2. Una escena en la que el personaje de Stoffer, el líder del grupo, convence a un vagabundo para que actúe como si fuera uno de los "idiotas". Esta escena muestra cómo el grupo está dispuesto a manipular a otros para lograr sus objetivos. 

 3. Karen teniendo sexo con un extraño en un parque público mientras los otros personajes observan desde lejos. La escena es inquietante y cuestiona la naturaleza de la sexualidad y la privacidad.
 

 4. Una escena donde uno de los personajes, Jeppe, cuenta su historia y explica por qué se unió al grupo. La escena es emocional y muestra la vulnerabilidad del personaje y la exploración de la identidad. 

 5. La escena final donde los protagonistas deciden abandonar la casa en la que vivían y volver a su vida cotidiana. El escenario está abierto a la interpretación y pone en entredicho la eficacia del grupo y su capacidad para transformar la sociedad.

 Como tal, Los Idiotas es una película que explora temas como la rebeldía, la identidad y la conformidad social. Hay varias escenas interesantes y controvertidas en la película que hacen pensar a los espectadores sobre el papel de las normas sociales en la vida cotidiana.

La película va de un Angel llamado Cassie que va de un lado a otro escuchando y acompañando a los humanos, con frecuencia no entiende su comportamiento, y le gustaría poder intervenir para remediar tantos males. Un día salva la vida de una niña, y gracias a esto llega a convertirse en un ser humano descubriendo que actuar bien no es tan fácil, esto se ve reflejado en cómo empieza a emborracharse y a usar una pistola que se robó para atracar y amenazar a las personas que lo cuestionaban. 

La estructura narrativa de la película es decididamente complicada, pues cambia muchas veces el estilo. Tiene una primera parte en blanco y negro, en la que vemos como Cassie percibe a las personas de Berlín, y en la que abunda la voz en off para mostrar el pensamiento de los humanos. Cuando Cassiel se convierte en hombre el film pasa a color, retornando al blanco y negro en los momentos en que muestra la visión de otros ángeles como su amiga Raphaela o el Angel amargado. 

Puedo decir que el final aunque era muy heroico no me terminó de convencer ya que la escena final tuvo un clímax muy corto y el secuestrador de sus amigos simplemente lo mató y después lo atrapan, se llega a sentir como si su muerte hubiera sido innecesaria o forzada. 

El largometraje se adentra en la compleja relación entre los personajes, marcada por la amistad, la traición y el amor. A medida que la historia avanza, se exploran temas como la política, la resistencia, la corrupción y las consecuencias de la guerra. "Underground" también hace uso de la sátira para criticar el liderazgo político y los conflictos étnicos que plagaron a Yugoslavia en ese período.

Uno de los elementos distintivos de la película es su enfoque surrealista y la presencia de simbolismo visual. Emir Kusturica utiliza metáforas y situaciones extravagantes para representar la complejidad de la historia y las tensiones sociales y políticas. La música también desempeña un papel importante, con una banda sonora ecléctica que refleja los diferentes momentos históricos y emocionales de la trama.

A través de la amistad y las experiencias de los personajes, la película ofrece una mirada crítica y a veces surrealista a los eventos históricos y las consecuencias humanas de la política y la guerra.

La historia de este lugar da un giro con la llegada de Ángela, la modelo, una joven que llega a romper el delicado equilibrio que reinaba en el lugar y desencadena una serie de eventos extraños, eróticos y fantasmagóricos.

Esta película envuelve al espectador en una atmósfera tétrica e intrigante, mientras los personajes que viven en esta mansión desnudan sus pasiones escondidas y dan rienda suelta a un festín surrealista.

By Laura Rangel

La trama de "Burning" sigue a Jong-su, un joven que trabaja en una tienda de entregas a domicilio en Seúl. Un día, Jong-su se encuentra con su antigua vecina de la infancia, Hae-mi, quien le pide que cuide de su gato mientras ella está de viaje. A medida que Jong-su se hace cargo del gato, se desarrolla una relación entre los dos.

Cuando Hae-mi regresa de su viaje, presenta a Jong-su a Ben, un hombre misterioso y adinerado que conoció durante su tiempo fuera. A medida que Jong-su pasa más tiempo con Hae-mi y Ben, comienza a sospechar que hay algo extraño en la relación entre ellos. La película se sumerge en la psicología de los personajes y explora temas como la soledad, la envidia y la obsesión.

"Burning" se destaca por su narrativa lenta y atmosférica, que permite a los espectadores sumergirse en el mundo de los personajes y capturar la sensación de alienación que experimentan. La película también aborda cuestiones sociales y económicas, retratando la desigualdad y la brecha entre las clases en la sociedad surcoreana.

La dirección de Lee Chang-dong es elogiada por su habilidad para crear una tensión sutil y mantener al espectador en vilo durante toda la película. El trabajo de cámara es meticuloso y captura paisajes y escenarios urbanos con una belleza visual notable.

Andrés se instala en una pensión donde se encuentra con una serie de personajes que representan diferentes estratos sociales y experiencias. A medida que se adentra en la vida en la ciudad, Andrés se enfrenta a la cruda realidad de la desigualdad social, la corrupción y la violencia que impera en la sociedad.

La película utiliza la sátira y la crítica social para revelar cómo la pobreza y la opresión son explotadas y comercializadas en diversos ámbitos, como la industria cinematográfica, la publicidad y el turismo. A lo largo de la trama, Andrés se ve influenciado por figuras emblemáticas de la cultura popular, como "El Pirata Morgan", personaje televisivo que representa la manipulación de la realidad y la influencia de los medios de comunicación en la construcción de la identidad y la percepción social.

La narrativa de la película se caracteriza por elementos del género del terror y el realismo mágico. Los sueños y las visiones de Andrés se entrelazan con la realidad, llevando al espectador a un mundo simbólico y surrealista donde los límites entre la fantasía y la realidad se desdibujan.