Las aves han tenido diferentes simbologías y significados para las civilizaciones, desde temas religiosos, formando parte de rituales y cosmologías hasta cosas básicas del día a día.

Algunas aves representaban múltiples elementos sagrados para la mitología indígena, tales como la luna, el agua, el sol y el cielo. Los Búhos y las lechuzas representaban oscuridad y muerte mientras que los quetzales, guacamayas y pericos, eran relacionados con el sol.

Algo interesante es que por la facilidad de volar, observar y apreciar aves no ha sido difícil si lo comparamos con otros animales como los leones o las jirafas que solo se encuentran en un hábitat especifico. Esta es una de las razones de por qué se pueden encontrar fácilmente aves en pinturas y esculturas. Los artistas han podido tener la oportunidad de ver de cerca pájaros e interactuar con ellos para tener la inspiración y enmarcarlos en alguna composición. 

Además, el ser humano siempre ha tenido una estrecha relación con estos seres. Las aves han sido utilizadas con fines domésticos y de utilidad. Pájaros mensajeros, gallos para despertarse o simplemente como alimento, ya sea con los huevos o la carne son varios de los ejemplos de como estos animales han intervenido en la vida de los humanos.

El cuerpo de las aves también es algo extraordinario, las plumas de algunas aves exóticas han servido para vestir y adornar distintos vestuarios u objetos de civilizaciones. La gran variedad de especies colorean el cielo, la diversidad de aves es tan grande que generan un gran tema para analizar en el arte. 

-Pintado sobre piedra caliza

-20 centímetros de largo

-Lascaux, Francia

Análisis:
El dibujo del hombre pájaro, el ave y el bisonte es muy simple formalmente, tan solo cuenta con un par de líneas y un color, pero eso es más que suficiente para comunicar la estructura de esa obra de arte. Se puede interpretar una narrativa en el dibujo de como un bisonte estrella a un hombre pájaro, esta composición puede tener la función de advertencia para alertar a los demás individuos de la tribu, de que el bisonte es un animal peligroso y puede ser agresivo contra los humanos. Nos muestra el comportamiento animal y humano en esta época.

Lo más interesante de esta composición es que es uno de los primeros ejemplos que nos muestra como los humanos tenemos un poder imaginativo y creativo. Esta pieza de arte sirve como una simbología que trata de transmitir un concepto. Al combinar el cuerpo humano con un animal, se forma un ser mítico, algo fantástico e imposible en el mundo real, pero no en la mente de los humanos. 

Se comienza a tener un pensamiento crítico sobre las escalas, el humano tiene una geometría alargada, el pájaro una forma pequeña y el bisonte predomina en la composición siento un animal grande. Al tener un espacio tan amplio como lo es la pared de una cueva, el dibujo se encuentra muy junto, tal vez, para que no se pierda esa narrativa que se intentaba dar. 

Al lado del hombre se observa un pájaro posando sobre un palo, no es muy claro que significa, podría ser un simple animal que está observando el acontecimiento o por el contrario una vara con forma de pájaro que estuviera cargado el individuo. No está muy claro por que se eligió un ave como animal para mezclar con un humano, pero es aquí donde vuelve el imaginario humano, es posible que el hombre soñara y anhelan en convertirse en pájaro para tener la habilidad de volar y esta es una de las maneras como se expresa ese deseo. 

La cultura egipcia anhelaba y creía en la vida después de la muerte, por esta razón dibujaban representaciones religiosas de carácter simbólico como dioses y ritos dentro de las tumbas. Las imágenes tenían la finalidad de garantizar la vida en el más allá. Este dibujo y tipo de arte iba más allá de decorar las tumbas y contaba con la finalidad de crear una narración, para que esas cosas que se mostraban pintadas siguieran siendo en la vida del más allá.

La ausencia de perspectiva es evidente en el arte egipcio, las figuras en esta época se dibujaban de perfil, mostrando de frente el tronco y a cara. Esto es lo que podemos observar en la viñeta un jaguar acompañado de una garza en la mitad a la que podemos asociar con Bennu una deidad egipcia, relacionada con el sol, la creación y la reencarnación. Esta hace parte del alma de Ra, al cual podemos encontrar a la derecha como un halcón o un fénix. Ra, es el dios encargado del cielo y responsable del ciclo de la muerte y la resurrección. Esta es una interpretación del por que estas dos aves se encuentran dibujadas, ya que son la representación y de deidades relacionadas con la muerte, en este caso la de la reina egipcia Nefertiti. La razón por la que son pájaros es por la ubicación de Egipto, la geografía donde estaba ubicada está cultura los tenía rodeados del río Nilo, hogar de muchas de las aves presentes en la mitología egipcia.

Podemos encontrar colores planos, no existe ningún degrade y los colores no se difuminan, se encuentran colores vivos y brillantes que fueran fáciles de ver dentro de la tumba. A pesar de que los animales/dioses están observando a un difunto, ellos son el punto focal de la composición y la escala de ellos es mucho mayor que la de la momia para recalcar que ellos son divinidades.

-Dimensiones 15cm x 21cm

Esta es una vasija de cerámica que se utilizaba para contener aceite de oliva, este objeto se entregaba como premio en los juegos Panatenaicos. Para hacer el dibujo se utilizó la técnica de la figura negra, en donde se dibujaba toda la vasija de negro y luego por medio del negativo y otros colores se formaban las imágenes. En la vasija podemos encontrar a Atenea, diosa de la guerra, con una lanza y un escudo también llamado égida, en el que se distingue un buho, el cual es el símbolo de Athenas. Este animal también es símbolo de conocimiento, sabiduría y perspicacia, por esta razón se utilizaba en los escudos, un fiel acompañante en las batallas. Junto a ella la inscripción τον αθενεθεν αθλον “(uno) de los premios de Atenas”. En el reverso del jarrón había una representación del evento por el que fue un premio. Atenea se encuentra ubicada entre dos columnas donde posan 2 gallos, estos animales eran dedicados a los dioses del sol. Las aves eran sacrificadas a Aslepios, hijo de apollo y dios de la medicina. La razón de esto es que los ganadores vivirían con grandes lujos y dinero del gobierno, sin embargo, la salud era algo que ellos mismos tenían que cuidar.

En la imagen podemos observar el cuerpo de atenea de perfil, toda la composición es plana, todavía no se tiene una noción de profundidad y perspectiva en el dibujo. El cuerpo sobresale con su gran escala y hace que la mirada se fije en ella. Además, el búho al ser blanco, resalta en toda la composición. De la misma manera los gallos se encuentran de perfil, de color negro, lo que hace que se confundan con el contexto. Otro elemento interesante de analizar son las columnas, las que se encuentran dibujadas son dóricas, las más rudimentales de los 3 tipos, un indicio que nos hace relacionar la vasija con el periodo clásico. Las columnas no cuentan con basamento, el cuerpo llega hasta el piso y cuenta con un dintel o capitel en la parte de arriba.
 

Título: Vasija Arcilla

Técnica: Arcilla, Terracota (restaurado)

Dimensiones:26 pulgadas de alto

Fecha: Tercer Milenio a.C

Estilo: Periodo Bizantino

Lugar: París: Mus. Lumbrera. Encontrado en el Gran Salón del Santuario de Seis Columnas en el Palacio de Knossos.

 

Bibliografía:

Third millennium B.C.(?). Vessel (clay; ht. 26"). Paris: Mus. Louvre.Found in the Great Six Columned Sanctuary Hall in The Palace of Knossos.

Artstor: https://library-artstor-org.ezproxy.uniandes.edu.co:8443/#/asset/AWSS35953_35953_31679512

Título: Vasija 

Técnica: Arcilla y Terracota 

Dimensiones:27 cm de alto

Fecha: ca. 1800 B.C.

Estilo: Periodo Minoico

Lugar: Heraklion: Mus., Archaeological.

Found at Pazarli.

 

Bibliografía:

ca. 1800 B.C. Vessel (jug; ht. 27cm.). Heraklion: Mus., Archaeological.

Found at Pazarli.

 

Artstor: https://library-artstor-org.ezproxy.uniandes.edu.co:8443/#/asset/AWSS35953_35953_31682503;prevRouteTS=1600320790555

-Título: Pavement (Orfeo tocando su lira )

-Técnica: Policromo - Mosaico

-Dimensiones: Largo 11 ´9, Ancho 5´10

-Fecha: 100 - 130 d.C

-Estilo: Periodo Romano

-Lugar: Se encuentra en el museo de zaragoza

En esta obra artísticas encontramos en forma de mosaico sobre el pavimiento a Orfeo, tocando su lira frente a varios animales y aves. Orfeo era un dios y un personaje de la mitología griega y romana, hijo de Apolo. Según los relatos, cuando tocaba música, las fieras se calmaban, y los hombres se reunían para oírlo y hacer descansar sus almas. Para los romanos Orfeo estaba ligado a los ritos, comenzó a desarrollar un aspecto de Cristo, el buen pastor, la promesa de paz y una existencia paradisíaca después de la muerte. Esta es una característica importante de los romanos, los cuales utilizaban el arte para expresar lo que era sagrado. Introducían escenas que tenían la función de contar historias para el pueblo. Es un arte religioso que trataba de propagar un acercamiento hacia este tema. Se puede llegar a analizar y concluir que esta es una obra del periodo imperial de roma, donde se hace un gran énfasis en la arquitectura, donde se mostraba el poderío de la cultura. Este es un ejemplo de cómo los romanos hacían énfasis en la belleza del material. A través de los dibujos en la placa de pavimiento se resalta la belleza de este mismo haciéndolo un tema en sí.

 

En cuanto a la composición podemos observar como a través de las piedras, se van dando diferentes tonos grises que ayudan a resaltar los elementos, ese contraste hace que la imagen se torne un poco más realista. El centro de la obra es Orfeo, es donde el autor quiere enfocar la mirada del espectador, de como un dios logra unificar a los animales. Existe un énfasis hacia el eje vertical, donde el espectador tiene que leer la obra de arriba hacia abajo. Esa es la importancia de tener el contraste entre las presas que son las aves y depredadores que son los felinos. En cuanto a los animales podemos encontrar una noción de perspectiva y profundidad, los animales tienen una tridimensionalidad. Las expresiones en la cara también se han perfeccionado expresando emociones de rabia en estos. En Orfeo encontramos varios detalles que se omiten como el de los pies y las manos, dejando como característica sobresaliente el de la tela y la ropa. 

Bibliografía:

100 -  130 a.C . Pavement (polychrome; length 11' 9 3/4"; width 5' 10 7/8").Saragossa: Mus.

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-Título: Catedra de Maximiano

-Técnica: Marfil y madera      

-Dimensiones: 1.50 m de alto y 0.60 m de ancho

-Fecha: (Siglo v - viii)

-Estilo: Periodo Paleocristiano (siglo V - VIII)

-Lugar: Ravenna (Italia ): Mus. Arcivescovile.
olbach, W.F., Elfenbeinarbeiten (1952)


La cátedra de Maximiano es un trono realizado en marfil esculpido para el arzobispo Maximiano de Ravena, un obispo italiano, famoso por luchar contra la herejía en la región desde su cargo.  Originalmente estaba compuesto por 26 paneles de marfil tallado sobre un marco de madera, en los que se representan dos ciclos narrativos diferentes: los 16 episodios dedicados a la vida de Cristo. En la parte delantera del trono están los cuatro evangelistas alrededor de Juan Bautista, que está sosteniendo un medallón con el Cordero de Dios y el nombre de Maximiano por encima. Este trono cobró importancia ya que Rávena se convirtió en 402 en la capital imperial del Imperio romano de Oriente.

El arte paleocristiano estaba totalmente enfocado hacia la religión, mostrando al pueblo escenas sobre la Biblia y educando a la sociedad sobre este tema. El trono simbolizaba la autoridad de Dios y el poder que la iglesia tenía en el imperio.

Fuera de expresar distintas escenas religiosas, el trono estaba decorado con racismos de vid, muy característicos del periodo bizantino. Estas eran las enredaderas de las uvas. En el borde superior, hay un par de pavos reales alrededor del arzobispo Maximiano. Los pavos reales simbolizan aves de inmortalidad. El trono se encuentra sobre expuesto de ornamentación. Las figuras humanas son planas, no se tiene un interés sobre la perspectiva y la profundidad espacial. Los cuerpos son simples, se eliminan los rasgos acentuados y predomina la vestimenta.


Bibliografía:

Siglo V - VIII . Throne (ht. 4' 11 1/16", w. 23 5/8"). Ravenna: Mus. Arcivescovile.

olbach, W.F., Elfenbeinarbeiten (1952) p.68; pl.43(140).

 

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Como el titulo lo expresa este mosaico encontrado en la catedral de Monreale esta expresando una de las escenas de la biblia (Genesis 1: 20-25) en el cual se muestra el momento en el que se crearon las aves y los peces. Como siempre en esta época el arte estaba enfocado y centrado con temas religiosos, siendo este una expresión didáctica y simbólica, el cual le narraba una historia al espectador. Los artistas utilizaban pedazos de piedras y vidrios de color para lograr la composición deseada. El color y las características del material son esenciales ya que son el fundamento y el alma de la obra. Los colores brillantes en especial el dorado hacen una alegoría a un tesoro, a través de ese oro se trataba de representar la obra como algo muy valioso.

El cuerpo del hombre se encuentra ocultado por la ropa y la túnica, dejando la representación un poco esquemática, donde la idea del mosaico predomina la representación. La cara es alargada con un cuello ancho y la mano en posición de bendecir, características típicas del bizantino. A todos los animales y la figura humana se encuentran delineada por un contorno negro.

En la parte superior se encuentra una inscripción recitando temas religiosos y el espacio de la composición es muy esquemática sin muchos detalles que mostrar. Se observa una falta de perspectiva y profundidad. Todo se encuentra muy plano y bidimensional, los animales no son proporcionales con el cuerpo humano y las imágenes parecen que estuvieran flotando. El lago, el lugar donde están ubicados las aves y el asiento casi no se entienden y se pierden en la composición.

Bibliografía:

100 -  130 a.C . Creation of the Birds and Fishes; detail of mosaic from the south (Genesis) wall of the nave, Monreale Cathedral. Monreale Cathedral, Sicily

Artstor: https://library-artstor-org.ezproxy.uniandes.edu.co:8443/#/asset/AHSC_ORPHANS_1071314270;prevRouteTS=1600319739045

-Título: Verdugo – Frontal de un altar

-Técnica: Pintura sobre madera

-Fecha: 1150-1200

-Estilo: Periodo Alta Edad Media

-Lugar: Vic, España, Vich: Mus. Arqueológico Artístico Episcopal

La imagen expuesta es una pintura que se encontraba en la parte frontal de un altar. El dibujo muestra la escena en la que un verdugo decapitaba a Santa Margarita, una santa pagana. Esta composición era una manera de expresarle al pueblo cual sería su final y consecuencia si no seguían con las normas impuestas por la iglesia. Se encuentran varios símbolos, como la corona de St Margarita mostrando que era un personaje religioso y sagrado, los pulgares cruzados de la mano o las inscripciones que rellenan la pintura.

 

La obra es muy plana, carece de perspectiva y profundidad, no se puede observar una tridimensionalidad. Los elementos del cuerpo no son proporcionales, las manos y la cabeza son mas grandes que el tronco. Y las manos de Margarita son casi iguales que su pecho. Es interesante analizar la textura de la ropa, ya que son figuras esquemáticas que tratan de responder al movimiento de la ropa. Los ojos abarcan casi toda la cara del verdugo. 

El color rojo simboliza resalta el pecado cometido e influye en el concepto de la obra. El ave que se encuentra en la parte superior no tiene una escala adecuada y es difícil entender su tamaño. Se puede llegar a entender que esta ave blanca es el espíritu santo, se encuentra en una posición rara en cuanto a toda la obra y pareciera que estuviera flotando.

Bibliografía:

1150-1200. Altar frontal (wood). Vich: Mus. Arqueológico Artistico Episcopal.

Artstor: https://library-artstor-org.ezproxy.uniandes.edu.co:8443/#/asset/AWSS35953_35953_31690209;prevRouteTS=1600897367155

En el siglo XII la iglesia seguía teniendo un significado sumamente importante, era a manudo el único edificio de piedra, la única estructura considerable en kilómetros a la redonda, no solo era un hito si no también el lugar de congregación. Aunque las iglesias aun conservaban los elementos de las antiguas basílicas medievales, en el periodo Románico, las cubiertas en madera fueron remplazadas bóvedas en piedra, debido a que la madera se incendiaba con facilidad y carecía de dignidad ¹.  De esta manera, se desarrolló lo que se conoce como bóveda de cañón, compuesta por arcos semicirculares soportados por paredes y pilares macizos. Este avance en la arquitectura tiene como resultado que en el periodo Románico, las iglesias se caracterizaran por ser estructuras sólidas y compactas con escasa ornamentación, las esculturas en piedra y grabados más que servir de “decoración” tenían una función en específico, la de pasar la palabra, el adoctrinamiento de la fe.

Esto se hace evidente en la Figura 1, un grabado en piedra ubicado en la en la entrada de la iglesia de St- Throphime en Arles, Francia. Los campesinos no sabían leer ni escribir por lo que estas imágenes eran las encargadas de difundir la palabra de la iglesia. Por medio de figuras hieráticas, donde Dios es el centro de la composición se representa el juicio final,  se infunde la idea de miedo pero también la de “salvación”. Estos grabados narran sucesos bíblicos, este en especificó muestra a Cristo en gloria, rodeado de los símbolos de cuatro evangelistas, entre los que se encuentra el águila de San Juan. Lo que significa que para este periodo la aparición de aves en el arte seguía siendo de carácter bíblico. 

Sin embargo, con el pasar del tiempo, los arcos de medio punto fueron remplazados por arcos ojivales donde por medio de un sistema compuesto por nervaduras, el peso de la cubierta se distribuye puntualmente  permitiendo que los muros en piedra fueran remplazados por vitrales, haciendo que las catedrales Góticas se caracterizaran por la sensación de ligereza. De esta manera, en el siglo XIII los vitrales se convirtieron en el medio de difusión de la palabra, narrando sucesos bíblicos pero ya no desde el miedo si no, por medio de la luz y el color que buscan hacer de este un espacio emotivo y  sublime, un espacio de otro mundo. Esto se hace evidente en la figura 2, este vitral ubicado en Suiza, muestra a San Francisco predicando a los pájaros. Aunque en esta obra la aparición de las aves sigue siendo de carácter bíblico y narrativo, en este caso, es evidente la libre elección del color. De esta manera,  al no tener que imitar la realidad se tiene la libertad para transmitir la idea de lo sobrenatural.

Bibliografía
Gombrich, E.H. Historia del arte. Madrid: Alianza editorial, 1892. 

Estilo: Gótico Internacional

Dimensiones: 87.5 x 64 cm

Fecha: 1420 d.C

Técnica: Pintura al temple y pan de oro

Lugar: El Museo J. Paul Getty en el Getty Center

77.PB.92

 

Esta obra con líneas suaves y sutiles representa la coronación de la virgen. Al transmitir un evento de la biblia se dibuja con un gran refinamiento, donde está presente esa búsqueda contante por alcanzar un dibujo que sea digna de una complacencia por su belleza más que el mensaje que se quiere dar.  Es una composición donde se tiene un entendimiento y un pensamiento por recrear y expresar imágenes bellas. En esta obra se ve la clara influencia del estilo internacional del siglo en Europa si hacemos un análisis del contexto se puede evidenciar a través de la composición de los detalles, la habilidad de manifestar el mundo y la naturaleza lo más real posible, el refinamiento en las pinceladas y los símbolos que este expresa. El cuadro se encuentra compuesto en una época donde a pesar de que Francia era el centro de Europa y este ejercía una gran fuerza en los estilos y modos en los que se hacía arte a lo largo del continente, se comenzaron a aceptar distintas adaptaciones e interpretaciones del estilo artístico. Este es un cuadro que es un claro ejemplo de este suceso, a pesar de que fuera una composición italiana, la belleza y sutileza sobre salen, haciéndolo un cuadro digno de admirar. La técnica con la que se hace es más relevante que el mensaje que se quiere expresar. En las túnicas se logra percibir esa delicadeza, donde el artista se esfuerza por enseñar de una manera real y precisa el modo en el que los dobleces y  movimiento de la tela ocurren.

 

Ya que la belleza es un componente fundamental, se hace un gran énfasis en los detalles. A pesar de ser una obra con una gran cantidad de elementos en la parte inferior, se encuentra balanceada al tener un vacío en la parte de arriba. A primera vista parece una composición muy cargada y densa, pero cada elemento está trabajado con tal calidad que cuando los ojos del espectador logran captar cada detalle por separado tomándose el tiempo para analizarla, la obra se enriquece de una manera monumental.  Por ejemplo a paloma es un símbolo directo del espíritu santo, por su color blanco y posición en el cuadro resalta y contrasta entre todos los elementos dorados y estrechos de la obra. O las partituras musicales que tienen las personas más pequeñas son detalles muy interesantes de encontrar. En esta época los artistas tienen un gran estudio de las flores, ya que basan su arte en la habilidad de observar. Esta es una de las razones por las que se encuentran tantas flores y cada una está tan detallada. El material con el que diseñó no es aleatorio, al usar pan de oro, se le agrega un margen de calidad y grandeza al cuadro. Todos estos detalles, la manera como se dibuja, la dedicación, los materiales, el balance y la belleza son componentes que hacen esta obra una composición del estilo gótico internacional.

Bibliografía: 1420. Coronation of the virgin. The J. Paul Getty Museum at the Getty Center Artstor: https://library-artstor-org.ezproxy.uniandes.edu.co:8443/#/asset/GETTY_GGMP_1031171761;prevRouteTS=1603204340130

Figura 1. Galería de arte de la Universidad de Yale. La Virgen y el Niño entronizados con los Santos Martín de Tours y Blaise, Pintura. Tomado de : https://deliver.odai.yale.edu/content/id/27dd0168-709e-435d-a13e-ac77832c5336/format/2

A diferencia del renacimiento Nórdico que se caracterizo por el detalle y las texturas ( Gombrich 1982, 240), el renacimiento Italiano se distinguió por el estudio de la perspectiva y el dominio de la belleza del hombre y la representación de la naturaleza, diferenciando especies y tamaños. En este caso en particular, la obra de La Virgen y el Niño entronizados con los Santos Martín de Tours y Blaise plasma un tema sagrado, como lo dice su predela, elemento usado en esta época que narrar la escena capturada.

Cabe mencionar que aunque  la obra representa en detalle la figura humana, lo principal es el estudio de la perspectiva. De esta manera, al analizar las características formales de la obra se hace evidente la preocupación del artista por el espacio. La perspectiva no solamente genera la sensación de profundidad si no que también, genera la sensación de un espacio tridimensional donde las figuras juegan un papel importante con el fin de generar una composición armónica.  Por esta razón, se ubica a la virgen en el centro y los santos a los lados, lo cual además de dar como resultado una composición balanceada es algo característico de la época. El ave que sostiene el hijo de Dios pasa a un segundo plano como un elemento para mostrar la pureza de este santo.

Por otro lado, el uso de la perspectiva también genera una nueva exploración de la luz en la obra. Esto se hace evidente sobre todo evidente en la parte inferior del cuadro donde por medio de la exploración de las sombras, aumenta la sensación de profundidad del espacio . Esta misma exploración se puede evidenciar en las figuras de los santos y de la virgen, donde por medio del contraste del color, se busca generar la percepción de luz y sombra en su vestimenta. Esto es una muestra de lo que sería la intención por representar los diferentes matices de color que genera la luz, técnica que se desarrollaría posteriormente en el cinquecento y se conoce como cangiante donde la todo se produce con un mismo tono sin usar blancos y negros.

Bibliografía
Gombrich, E.H. Historia del arte. Madrid: Alianza editorial, 1892.

Figura 1. The Elisha Whittelsey Collection. El rapto de Ganimedes por Jupiter, Grabado. Tomado de: https://collectionapi.metmuseum.org/api/collection/v1/iiif/679192/1433187/main-image

Esta obra hace parte de una serie de grabados basados en dibujos hechos por Miguel Ángel. Este en específico, fue realizado Nicolas Beatrizet y plasma el rapto de Gaminedes por Jupiter, donde se representa a Zeus en forma de águila secuestrando al pastor.

 El hecho de que el uso de aves en esta obra es de carácter mitológico es un claro ejemplo del contexto histórico y artístico de la época al igual que la manera en la que se representa el cuerpo. Es evidente el profundo estudio del hombre y  en el caso específico de Miguel Ángel,  la detallada observación y estudio de la anatomía humana; el artista representa el cuerpo humano en el papel de manera similar a la que lo esculpiría en el mármol.

Continuando con el análisis del contexto histórico, se puede evidenciar como debido a la pérdida de poder del cristianismo y la reforma protestante, se retoman modelos de la antigüedad y la mitología vuelve a tomar fuerza. Por lo que no es de extrañar que Miguel Ángel creara una serie de dibujos mitológicos en tiza, los cuales adquieren gran fama y se convierten en objetos codiciados entre los coleccionistas " El rapto de Ganímedes por Júpiter, Met Museum. Acceso el dia 07 de Noviembre de 2020. https://www.metmuseum.org/art/collection/. Ahora bien, estos dibujos se difunden gracias a la aparición de la imprenta en el siglo XV. Este nuevo invento permite que los grabadores copien distintas obras de manera que en esta época el arte comienza a ser difundido con mayor facilidad.

Bibliografía

Gombrich, E.H. Historia del arte. Madrid: Alianza editorial, 1892.

"El rapto de Ganímedes por Júpiter bajo la apariencia de un águila que lo lleva a los cielos, su perro ladra debajo, Met Museum. Acceso el dia 07 de Noviembre de 2020. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/679192?searchField=All&sortBy=Relevance&ao=on&ft=The+Rape+of+Ganymede+by+Jupiter+in+the+guise+of+an+eagle+carrying+him+into+the+heavens%2c+his+dog+barking+below&offset=0&rpp=30&pos=1

Título: Greenland Falcon
Artista: George Stubbs, 1724 – 1806 Británico
Estilo: Romanticismo
Dimensiones: 81x100cm
Fecha: 1780 d.C
Técnica: Pintura en aceite sobre oleo
Lugar: Yale Center for British Art, Paul Mellon Collection 

La composición pintada por George Stubbs nos expresa un paisaje con un imponente halcón como centro de la pieza. La manera en la que se encuentra compuesta la naturaleza, los colores y pose del ave hacen alusión a los sentimientos y emociones de la época, donde la sociedad se estaba alejando del racionalismo de la ilustración y se estaba comenzando a dar una mayor libertad en la forma de pensar que se ve reflejada directamente en la pintura. Se deja en el pasado el dominio de los mitos, las imágenes religiosas y elementos ficticios en las obras y el retratar la naturaleza, la vida real y los elementos sublimes de esta misma toman mayor fuerza y se vuelven más pertinentes. Todos estos elementos se pueden entender a través del contexto histórico y por qué hace parte de la corriente del romanticismo. 

 

Si se observa la pintura de forma literal nos encontramos con un animal salvaje, un depredador y peligrosa.  Pero a través de la pose y expresión nos damos cuenta de que está calmada, es una especie empoderada y eso le otorga libertad. La mirada hacia el horizonte la podemos relacionar con valores medievales y sentimientos fuertes como la melancolía, nos hace entrar en un estado mental de reflexión. La fe, la espiritualidad son emociones que esta composición despierta. La paleta de colores y tonos con la que está construida complementan toda la idea de nostalgia con la meta de que el hombre se vuelva a conectar con su esencia pura relacionándose con la naturaleza.

 

El cuadro también cuenta con elementos de espontaneidad, una característica que nos insinúa la libertad que se estaba dando en la época y que tan anhelada estaban esperando. Los trazos son mas sueltos, fluidos y libres. La parte de la derecha nos muestra un bosque oscuro, un cielo que se va difuminando, elementos en el suelo que se convierten más complicados de entender. El dibujar con medidas y cálculos exactos ya no son relevantes (Gombrich, 1982, capítulo 24). Los artistas dejaban sucesos abiertos a la interpretación y la percepción de las personas que lo observaban, un detalle que le otorga una espiritualidad aun mayor al dibujo y como resultado logra conmover y evocar a través de sentimientos y emociones. 

Bibliografía:

1780. Greenland Falcon. Yale Center for British Art, Paul Mellon Collection

 

Artstor: https://library-artstor-org.ezproxy.uniandes.edu.co:8443/#/asset/AYCBAIG_10313604662;prevRouteTS=1604809605754

 

Por el otro lado, en el grabado de El sueño de la razón produce monstruos se deja a un lado la idea de representar la naturaleza, paisajes y la belleza del mundo. El resultado es una obra que tiene el mismo fin de conmover y producir sentimientos a través de otro tipo de imágenes con una temática más oscura. Retratando la misma belleza del mundo, pero desde otra perspectiva mucho más compleja y espontanea. El grabado es un autorretrato de Goya atormentado por sus ideas. Al expresar este concepto, Goya promueve al espectador a que comience a reflexionar sobre la importancia de la libertad, de cómo existe ocasiones en la hay que dejar en el pasado la razón y simplemente sentir y emocionarse como lo hacen las obras románticas. Los animales son símbolos de como estos pensamientos agobian la mente y que al final todo depende de como el individuo acepte e interactúe con ellos. Es muy interesante recalcar que al ser una grabado, esta obra era de fácil acceso para el pueblo, una obra que invitaba a pensar. Por último, nos demuestra que existen otro tipo de bellezas y elementos sublimes como lo es el cuerpo y la mente humana.

Título: El sueño de la razón produce monstruos

Estilo: Romanticismo

Fecha: 1799 d.C

Técnica: Agua fuerte y aguatinta

Lugar: Museo Goya – Planta 2 Grabados

 Bibliografía:

1799. Museo Goya – Planta 2 Grabados

 

Link: https://museogoya.ibercaja.es/obras/el-sueno-de-la-razon-produce-monstruos#

Lugar: Museo del Prado, Sala 085

Bibliografía:

1786. Museo del Prado

 

Link: (La marica en un árbol) https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/la-marica-en-un-arbol/8e0f4b2e-9249-4423-94c2-090a8652da3a?searchid=fd10b5d3-ba4e-da12-9a0c-63a9fbfd9075

Estilo: Impresionismo

Medidas: 22 3/4 x 28 3/4 in

Fecha: 1875

Técnica: Óleo sobre lienzo

Lugar: The Museum of Fine Arts, Houston
 
Tras una decepcionante exposición que tuvo Pissarro en Mayo de 1875, el artista decidió tomarse unos meses de descanso y viajó a un pequeño pueblo de Francia llamado Montfoucault donde se dedicaría a perfeccionar su técnica e ideales retratando escenas del cotidiano, de la vida rural de la villa. Los trabajos que hizo en este periodo hacen alusión a los sentimientos que Camille estaba sintiendo, la paleta de colores, los trazos y temáticas resaltan esa libertad, paz y calma que tanto estaba necesitando. Por está razón se analizará la obra desde un criterio formal, estudiando la composición y elementos que dispone la obra.  Esta es una pintura que se hizo al aire libre, una escena real del mundo y esta es una de las razones por las que nos encontramos con rasgos libres. Se estaba buscando representar un momento espontaneo, fugaz. Por eso los trazados rápidos donde se hacen pinceladas cortas y yuxtapuestas. Se puede entender la obra como desordena e incompleta, pero precisamente esa era la idea de la técnica, hacer énfasis en la manera con la que el pincel pasaba por el lienzo. La manera en la que las pinceladas se conectan a través de los colores tiene mucha más relevancia que otras características formales. Se pierde la necesidad de detallar las cosas, la mujer no tiene rostro, algunos gansos se pueden observar como manchas y los arbustos aparecen como formas orgánicas que llenan el espacio. Es todo este collage de trazos y colores lo que hace que la obra sea muy interesante de observar.

A pesar de todo esto, la temática no se pierde, se puede seguir percibiendo las ideas que tanto llegan a conmover al espectador. Donde la belleza del cuadro viene de una escena real, de los colores que el sol nos muestra con ayuda de la luz, del momento que se nos presenta. Por esta razón nos encontramos con un solo plano, el contexto y la parte de atrás no importa mucho,  Pissarro hace que la mujer y los animales sean el centro de atención, donde la acción, la naturaleza y el paisaje son los elementos bellos de mostrar. La luz juega un papel importante, las sombras provocadas por la vegetación transforman los colores y los ambientes que se presentan. Se tiene un entendimiento y una conciencia de como la naturaleza y el tiempo pueden cambiar la composición y resultado de una obra, es en esos elementos donde se encuentra la verdadera belleza.

Gombrich, E.H. Historia del arte. Madrid: Alianza editorial, 1892. 

1875 d.C (22 3/4 x 28 3/4 in) The Museum of Fine Arts, Houston, W.F., Camille Pissarro

Artstor: https://library-artstor-org.ezproxy.uniandes.edu.co:8443/#/asset/AMHOUSTONIG_10313878798;prevRouteTS=1605509183738

Estilo: Cubismo

Medidas: 43.8 x 71.1 cm

Fecha: 1926

Técnica: Óleo sobre lienzo

Lugar: Harvard Art Museums

La nube pájaro es un cuadro muy interesante ya que se juega con la percepción de lo que se está observando y se llega a entender una metáfora o una alusión de como un ave y una nube pueden ser la misma figura. Lyonel Feininger claramente juega con la composición de la obra donde se rompe la tradición de representar la realidad y la naturaleza como es y se empieza a pintar las esencias, ideas y reinterpretaciones. Por esta razón, se analizará la obra desde una perspectiva formal estudiando las diferentes características que formas la corriente del cubismo y se encuentran en la pintura. En primer lugar, es muy claro el uso dominante de figuras geométricas, de líneas rectas, rectángulos, cuadrados, triángulos. Se empieza a generar un collage de formas que nos van mostrando la figura que se quiere representar. Se realiza la parte más significativa del ave, se dejan varios de los componentes a la interpretación del espectador y se reinterpreta la realidad de una nueva manera generando y sensación visual nunca vista. A través de las formas y los colores de una forma sutil se demarcan los diferentes elementos. La perspectiva con la que se dibuja es muy intrigante, ya que se pierde la noción de profundidad y se presenta una imagen en su totalidad en primer plano. Los ángulos y distintas vistas se combinan plasmándose en un solo plano. Sin embargo, con la ayuda de colores se logra entender claramente los destinos componentes e ideas que Feininger quería representar. Es muy conmovedor como con tan pocas piezas se genera una obra tan nostálgica con la silueta de la persona y la gran escala del ave. 

1926 d.C (43.8 x 71.1 cm) Harvard Art Museums., Lyonel feininger

Artstor: https://library-artstor-org.ezproxy.uniandes.edu.co:8443/#/asset/AWSS35953_35953_29353753;prevRouteTS=1606368736882

Artista: Banksy

Estilo: Arte Graffiti

Fecha: 2007

Técnica: Aerosol sobre concreto

Lugar: Se encuentra ubicado en uno de los muros del “West Bank” entre Palestina e Israel

El ave de la paz con chaleco de Banksy es una obra social, una composición con una finalidad de crítica, por esta razón se encuentra en la calle, en un espacio donde la sociedad y las personas puedan observarlo y hacerse preguntas. A pesar de ser una obra simple, es una que carga un valor inmenso por lo que representa, por esta razón se va a tener en cuenta un análisis de contexto. En primera instancia es importante realizar un estudio histórico. El lugar donde está situado el graffiti es un el límite entre Palestina e Israel, dos países que han mantenido una extensa guerra, donde se expresa que la paz no se puede adquirir si las personas involucradas en ellas no la quieren. Ha sido un conflicto muy largo y complicado de resolver que ha generado muchas víctimas. La técnica con la que se dibujó es un esténcil que se apoya sobre la pared y se aplica aerosol, esta constituida de esta forma, para que las personas del común puedan replicarla y hacerse escuchar. Se dibuja un ave de la paz, lo que representa un cese al fuego, sin embargo, este tiene un chaleco antibalas y una mira, lo que significa que aun así sea la paz, guerra seguirá existiendo. La función de esta obra es educar a las personas, llevarlas a pensar a reflexionar. Se puede llegar a asociar con vandalismo, una acción ilegal, pero es una de las únicas maneras que el pueblo se pude expresar y se puede llegar a conmover una gran audiencia. Una obra que se encuentra en un entorno complicado, pero puede ser la luz para las personas.

Bibliografía
 
http://reinterpellations.web.unc.edu/about/banksy-armored-dove/banksy-armored-dove-essay/