Esta segunda ola del movimiento centra su lucha en una amplia variedad de temas, no sólo en lo jurídico o en el reconocimiento de derechos civiles como lo hacía la primera.

Las principales reivindicaciones de la segunda ola feminista son:

La Segunda Guerra Mundial había contribuido con gran fuerza a la incorporación de la mujer al mundo laboral. El gobierno estadounidense animaba a las mujeres, casi como un deber patriótico, a ocupar los puestos de trabajo que dejaban los hombres que iban a combatir al frente. 

Aunque muchas mujeres fueron obligadas a dejar su puesto de trabajo una vez finalizada la guerra, la conquista laboral y la renuncia a las tareas del hogar se convertiría ya en un objetivo primordial para el feminismo.

Área del diseño:  Comunicación Gráfica > Cartelismo, Gráfica en el espacio, Editorial.

Sheila Levrant de Bretteville (Nueva York, 4 de Noviembre de 1940) es una diseñadora gráfica, artista y docente estadounidense cuyo trabajo refleja su creencia en la importancia de los principios feministas y la participación de las personas usuarias en el diseño gráfico. 

En 1971, de Bretteville fundó el primer programa de diseño para mujeres en el Instituto de Artes de California , y dos años más tarde cofundó el Edificio de la Mujer , un centro público en Los Ángeles dedicado a la educación y cultura de las mujeres. 

Sheila diseñó un collar de un perno de ojo engarzado a una cadena, destinado a representar la “fuerza sin un puño”; fue un obsequio para Arlene Raven y Judy Chicago cuando comenzaron el Taller de Estudio Feminista en 1972. Desde entonces, es el regalo de bienvenida que Sheila otorga a las mujeres con quienes comparte una visión de la creación de la cultura de las mujeres.

 

En 1973, de Bretteville fundó el Women’s Graphic Center y cofundó el Feminist Studio Workshop (junto con Judy Chicago y Arlene Raven), ambos con sede en el edificio de la mujer.

De Bretteville ha tenido un interés en las formas de arte comunitario, que ella creía era un componente esencial del movimiento de arte feminista en los Estados Unidos. En 1973, creó “Pink”, una andanada destinada a explorar las nociones de género como asociadas con el color rosa, para una exposición del American Institute of Graphic Arts sobre el color. Esta fue la única entrada sobre el color rosa. Varias mujeres, que formaban parte del Taller de Estudio Feminista, publicaron entradas explorando su asociación con el color. De Bretteville unió los cuadrados de papel para formar una “colcha” a partir de la cual se imprimieron y difundieron carteles por todo Los Ángeles. Ella fue referida por el apodo “Pinky” como resultado.

En 1980, de Bretteville inició el programa de diseño de comunicación en el Otis College of Art and Design.

En 1990 se convirtió en directora del Programa de Graduados de la Universidad de Yale en Diseño Gráfico y en la primera mujer en recibir un cargo en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale.1

De Bretteville ha trabajado extensamente en el campo del arte público creando obras integradas en los barrios de la ciudad.

Ha sido galardonada con numerosos premios, como un premio “Grandmaster” 2009 del Art Directors Club de Nueva York y varios premios del Instituto Estadounidense de Artes Gráficas (AIGA), que incluyen una “Medalla de Oro Design Legend” para 2004 , “Mejor público” Reconocimiento de obras de arte para 2005 de Americans for the Arts , y varios doctorados honoris causa. También es miembro de la Academia de Artes y Ciencias de Connecticut.

"Mi atracción por el hardware me llevó a ver el símbolo biológico de la mujer en un simple cáncamo. Hice un collar y decidí regalar collares de llavero con colgantes de pernos a todos los que asistieron a esta conferencia durante la primavera del segundo y último año del Edificio de la Mujer en el sitio de Grandview."

Mientras recopilaba citas de quienes hablaban inglés sobre alimentos y condimentos que recordaban, le pedí a un grupo de estudiantes de Otis que hicieran las mismas preguntas que les hice a las personas mayores que solo hablaban español, japonés, chino o yiddish. Las citas evocadoras y conmovedoras se agregaron a las imágenes que habíamos pintado y durante años más tarde, a medida que estos paneles de madera se reutilizan, veía fragmentos de nuestro mural en la parte posterior de las cercas en todo Los Ángeles."

Decidí que haría medallones en las aceras en forma de rosa de los vientos y los colocaría a unos cinco pies de distancia para permitir a las personas, y comencé a investigar la historia de ese cuadrante ahora llamado Noveno Cuadrado. 

Busqué personas que vivieran y trabajaran en la parte de New Haven, y contribuyeron con su trabajo a la vida de la ciudad. Sabía que solo podía crear 15 medallones de rosas de los vientos y tuve cuidado de prestar atención al género y la etnia, incluido el porcentaje actual de quienes trabajaban en esta área de la ciudad y podría reflejar los 300 años de historia, así como inspirar a la población actual de New Haven."

Con el espíritu de entregar la “Historia desde abajo”', se colocó una línea de tiempo a lo largo de las puertas. Las bandas puntuadas indican cada década dorada y la década oscura antes y durante la Segunda Guerra Mundial. Los textos de latón ofrecen algunos usos de los edificios, los textos de acero inoxidable cuentan los eventos que dieron forma a las experiencias de los habitantes aquí. Debajo de la línea de tiempo, paneles blancos y terracota se alternan a lo largo de las líneas de propiedad, las imágenes representan objetos envueltos de los que habla la gente que vivía, trabajaba y tenía tiendas aquí. Las marcas y comentarios generacionales revelan diferencias entre las generaciones, cada una de las cuales habla de su propia comprensión de la herencia japonesa y su experiencia aquí en este vecindario.

Nuevas paredes, baldosas y barandillas en el extremo norte del tren A, la línea de metro más larga de Nueva York.

"Para la mayoría de las personas que viven cerca de la estación de 207th Street en Inwood, esta última parada de la línea de metro más larga de Nueva York es el comienzo de un largo día de trabajo. En cada entrada / salida la experiencia de ir y venir se integra en baldosas de terrazo. Es esa larga tira y experiencia laboral lo que informó las brillantes palabras del mosaico, Por fin y en la pared opuesta Al principio. Las elipses que siguen a estas frases están hechas del mismo mosaico brillante y materiales de vidrio de espejo. Ambas frases reflejan la experiencia de los viajeros del metro y los tres puntos de las elipses los invitan a terminar la frase después del… con sus propios pensamientos."

"Hay 207 mosaicos cuadrados que siguen las elipses con textos que llevan voces de generaciones de personas que han llegado o se han ido de esta estación de tren: nativos americanos que llegan a un Pow Wow en Inwood Park, comerciantes de varias tiendas, músicos residentes, cantantes, bailarines en espectáculos del centro, diseñadores, académicos, artistas y activistas de países de Europa, Asia, América Latina y más recientemente de República Dominicana. Alrededor de la escalera que conduce a los trenes hay baldosas de terrazo derivadas de los petroglifos taínos y se asemejan a los músicos de un tren. Arriba hay una nueva barandilla de acero grabada con las notas del clásico de jazz, "Take the A Train" de Billy Strayhorn y las palabras que Billie Holiday cantó en esa canción."

Cuando me mostraron dos sitios, elegí la entrada a la antigua WaterTower porque vi que necesitaba un nuevo paso. Mi idea fue realizar un escalón de concreto estable y empezar a escribir las estrofas de Chastushki con los estudiantes con los que aborde el proyecto. Les pregunté a los estudiantes sobre sus inquietudes y preguntas.

Dados 5 días para completar este proyecto, mi idea se transformó rápidamente en hacer solo la primera letra de cada palabra de estos Chastushki. La forma resultante se convirtió en una invitación a todos a entrar en la significación de la obra en el umbral de la Torre del Agua. Las letras que faltan parecerían entonces borradas por la historia como la torre misma. En la apertura de este nuevo paso a la antigua torre, los estudiantes usaron tiza de un quiosco cercano; escribieron con tiza las palabras que habían compuesto. Una vez de regreso de regreso a mi ciudad me enteré que los poetas de esta ciudad adoptaron este proyecto  Step (pe) re elaborando los significados y cumpliendo con las posibilidades que ofrece este diseño..."

"La idea de que las conjunciones (en las oraciones/textos) crean conexión me llamó la atención. Y noté que a diferencia del inglés, las conjunciones en chino están dentro de la oración. Así que envié una propuesta visual a una amiga, la arquitecta y administradora de HKDI Leslie Lu, mostrando cómo podría usar conjunciones en cantonés e inglés en el edificio que se está construyendo en los nuevos territorios.

Una vez en Hong Kong, me di cuenta de que no había ningún lugar donde los estudiantes de diversas disciplinas pudieran sentarse cómodamente juntos usando sus dispositivos móviles. En la parte superior de las escaleras mecánicas de entrada había una habitación vidriada sin terminar que pedí y luego transformé en una sala de estudiantes. El nuevo espacio hace posible un proceso democrático participativo.

Adjunté un panel LED interactivo al parteluz a la altura de los ojos donde dos docenas de conjunciones verdes diferentes como "por lo tanto",  "y"`, "considerando eso" flotan y cualquiera puede enviar un mensaje de texto a connect.respond@vtc.edu.hk para agregar cualquier comentario en cualquier color . Sus palabras viajan a lo largo de la habitación dos veces y luego desaparecen, sin censura."

En 1982 inició su carrera independiente y junto con Terry Koppel fundó Koppel & Scher, compañía que estuvo en funcionamiento durante siete años y desde la que desarrolló trabajos de identidad corporativa, campañas de publicidad y editorial.

En 1990 realizó la identidad visual para The Public Theater. Fue un proyecto que le dio un nuevo aire a las instituciones culturales. Además de la identidad hizo otros trabajos promocionales como carteleras en los cuales usaba un estilo tipográficos que todos empezaron a copiar. Scher afirma que con este proyecto se convirtió en diseñadora ambiental. Ella trabajó en conjunto con arquitectos, donde aprendió mucho sobre la profesión, y diseñaron todo un vestíbulo del teatro.

En 1991 Scher se unió a Pentagram, convirtiéndose en socia de la oficina de Nueva York y fue allí donde comenzó a tener más reconocimiento. En ese entonces realizó trabajos muy conocidos en la actualidad como la identidad visual de Citibank, Tiffany & Co y Windows. 

Al principio sus trabajos eran completamente ilustrados, era lo que a ella más le llamaba la atención pero luego comenzó a incorporar la tipografía. En un principio Scher menciona que le aterraba la tipografía, lo veía como un objeto muy estructurado hasta que se interiorizó en ellas y comenzó a ver que las tipografías tenían forma y eran expresivas. Es así como encontró la manera de “pintar con palabras” como ella menciona en una de sus entrevistas. 

Para finalizar, Scher fue partícipe de la primera temporada de una serie documental de Netflix llamada Abstract: The Art of Design, donde habla del diseño gráfico desde su propia experiencia y conocimientos. Lo recomendamos si lo pueden ver, es muy interesante y muestran muchos trabajos suyos.

Netflix Abstract: The Art of Design:https://www.youtube.com/watch?v=LCfBYE97rFk

Entrevista: https://www.youtube.com/watch?v=hWE3yBrTaZY 

Paula Scher Pentagram: https://www.pentagram.com/about/paula-scher 

Se desempeña como curadora senior en Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum en la ciudad de Nueva York. Las exposiciones recientes incluyen Herbert Bayer: Bauhaus Master , Face Values: Understanding AI , The Senses: Design Beyond Vision , Beauty — Cooper Hewitt Design Triennial ,Cómo funcionan los carteles y usuarios atractivos .
Su libro Design Is Storytelling fue publicado por Cooper Hewitt en 2017. Recibió la medalla de oro AIGA por su trayectoria en 2007. Fue nombrada miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias en 2019.

Greiman inició su peculiar lenguaje híbrido que combinaba componentes analógicos y digitales con un estilo tipográfico expresivo, mediante la integración de la tipografía, el video y los medios digitales, creó una gráfica que puede situarse la vanguardia de los ochenta, era una época donde los ordenadores empezaban a demostrar todo el futuro potencial para procesar imágenes y vectores. Greiman abrazó la tecnología sin miedo gracias a las enseñanzas de su padre en este campo. Esta corriente que rompía con las bases más académicas y establecidas para el diseño gráfico y la tipografía.

El estilo New Wave es caracterizado por alejarse de las normas y trabajaba los diseños libremente donde tipografía, fotografía y resto de elementos se mezclaban sin jerarquías y un orden complejo.

April Greiman produjo una gráfica innovadora que se convirtió en una referencia en la historia del diseño gráfico. Su permanente disposición a experimentar y su actitud de ser “siempre una estudiante”, siguen haciendo de ella una fuente de inspiración. Greiman sigue estando activa actualmente y desarrolla diferentes proyectos en colaboración con arquitectos. También enseña en la School of Architecture y Southern California Institute of Architecture (SCI-Arc) tratando de inspirar a otros diseñadores a ser curiosos para buscar un enfoque propio que rompa los esquemas preestablecidos.

Princeton Architectural Press, 2010. 2nd Edition

Greiman introdujo un sentido de profundidad dentro del espacio tipográfico que permitía el traslape de formas y texturas, con movimientos basados en estructuras geométricas irregulares. Formas flotantes proyectan sombras imprevistas, colores impactantes se superponen, y las cualidades tangibles de las superficies se perciben como reales. Hay un desorden dentro de un orden, armado por elementos dominantes que crean puntos focales especiales. A partir de 1984 comienza a utilizar de sistemáticamente el ordenador personal en su trabajo, usando imágenes en baja resolución y tipografía bitmap, para establecer un estilo de trabajo que la hace bien identificable. Hoy sigue siendo una de las mujeres con mejor trayectoria en su campo.

Completó sus estudios en la Escuela de Artes Gráficas de Berlín con Johannes Boehland (pintor y artista gráfico alemán).

En la fundición tipográfica aprendió el cortado a mano en latón, practicando todas las letras del abecedario. El alfabeto el cual nombró "Hesse-Antiqua" era utilizado para específicamente impresiones en oro en sus encuadernaciones.

Desde los once años Beatrice se aficiona a la caligrafía. Influenciada por su madre tanto en el campo periodístico como literario, participa en la edición de numerosos periódicos, demostrando inteligencia, inventiva e independencia. Se distingue como escritora e incursiona en los campos de la poesía y la dramaturgia. 

En 1916 ingresa al Barnard College, la división femenina de la Columbia University. 

Desde su graduación en 1921, gracias a una recomendación de Bruce Rogers y  hasta su viaje a Europa, trabaja como ayudante de biblioteca en la American Type Founders, donde, a partir de la lectura de Printing for the Bussines de Joseph Thorp, encuentra en la tipografía su verdadera vocación. 

En el otoño de su tercer año en Barnard, Beatrice Becker conoce a Frederic Warde, tipógrafo e impresor de la Princeton University Press, y se casan el 30 de diciembre de 1922.

El fallecimiento de sus padres la ha sumido en una profunda tristeza pero la muerte de Morison la deja devastada. El 14 de septiembre de 1969, después de un día tranquilo en casa, Beatrice Warde muere repentinamente en Londres, seis días antes de cumplir los sesenta y nueve años.

Diotima fue utilizada en publicidades del The New York City Opera, como también para encabezados de la revista de vuelo de British Airways.

La fuente fue descrita como romántica y delicada, utilizada para escribir poemas y cartas, incluyendo las invitaciones de su boda con el tipógrafo Hermann Zapf, en 1951.

'Diotima' puede ser vista en los lápices Faber-Castell color verde oscuro al día de hoy.

''En general, su trabajo tenía ‘elegante simplicidad’ y ‘precisión técnica’. Su uso de decoración era refinado por la moderación, y a la vez discreto y sin pretensiones'' 

''Respecto a su técnica de encuadernado, logró encontrar su propio estilo, que precisamente era todo lo contrario al método que le habían enseñado. Luego de recibir su diploma en Encuadernación, desarrolló un estilo simple y puro, ejecutado cuidadosamente en cada detalle. Estilo fresco y moderno.''

En los 70’ trabajó colaborativamente con su esposo, también tipógrafo, Hermann Zapf. Preparaban mapas de bits a mano para las fuentes Marconi y Edison (actualmente de autoría de su esposo).

Retrato de Gudrun Zapf von Hesse y su esposo, 1990

En 1991, Gudrun fue la 2da mujer en recibir el prestigioso premio Goudy, dado a quienes se destacan en el campo de la tipografía.

De hecho, su obra más conocida es el libro “SHV Think Book 1996-1896”, cuyo diseño y edición se prolongó durante cinco años. Con más de 2.000 páginas, el proyecto fue encargado por SHV Holdings de Utrecht para celebrar el primer centenario de la fundación de la empresa y se diseñó para distribuirlo globalmente pero, de momento, sólo se han editado cuatrocientas copias en inglés y cuatrocientas en chino.

Entre 1913 y 1914 estudió en la Escuela Central Industrial Stroganov arte y pintura en los talleres de I. Mashkov y K.Yuon. En 1915 trabajó como portero libro en una fábrica, y luego en 1917 como un mecanógrafo y comenzó a crear su poesía innovadora no objetiva y gráfica, basada en combinaciones de sonidos expresivos y su expresión correspondiente en forma y color. En 1918 publicó sus libros de poesía gráfica "Khonle rRny", "Zigra Ar", "Globolkim".

Durante 1919 realizó su serie "figuras" en la que la artista esquematizaba la figura humana con formas geométricas simplificadas, en colores vivos y atrevidos, contra el fondo oscuro o hechos de formas más grandes, ocupado con algún tipo de bien familiarizado actividad humana y la interacción social: la danza, el juego, la música, pasear.

Después de la Revolución de Octubre, le fue interesando cada vez más un arte que plasmara la realidad social y fuera accesible a las masas. Por ello comenzó a experimentar con nuevos lenguajes que fueran reveladores y que estuvieran al servicio de las masas, como el diseño de ropa que luego se reproducía a nivel industrial y se comercializaba a través de revistas populares, como Zhurnal Levogo Fronta Iskusstv.

Desde 1920 hasta 1925 la artista impartió sus enseñanzas en la Escuela de Educación Social de Krupskaia .

En 1920 llegó una división entre pintores como Kazimir Malevich que continuó pintando con la idea de que el arte es una actividad espiritual, y los que creen que deben trabajar directamente para el desarrollo revolucionario de la sociedad.

En 1921, junto con Aleksei Gan y Rodchenko, Stepánova formó el primer grupo de trabajo de los constructivistas, que rechazó el arte en favor del diseño gráfico, fotografía, carteles y propaganda política.

Pintura. Óleo sobre lienzo
Jugadores de billar, 1920

Para la comedia satírica “La Muerte de Tarelkin”, Varvara Stepanova, a diferencia de la ‘máquina’ única que había dominado el escenario en el diseño de Popova para “El Magnífico…”, creó varias de ellas, constituyendo una serie de piezas que podían ser utilizadas por separado o ser unidas en una, dos o varios módulos según lo requería la acción y movimiento actoral. Con ello, brindaba aún mayor dinamismo a la escena y apoyaba de forma más efectiva las ideas de Meyerhold de llevar el circo y el elemento acrobático al teatro dramático.

En los siguientes años, Stepanova continuó en activo tanto en su vertiente como pintora, pedagoga, poeta, así como en el campo del diseño textil y de moda, en el cual destacó por sus investigaciones. Su filosofía sobre la importancia de lo funcional por encima de lo decorativo, la llevó a realizar importantes aportes tanto en la elaboración de textiles, como en la confección de ropa para deportes, uniformes, entre otros. Prioriza la forma, la libertad y el movimiento del cuerpo, brindando a sus creaciones una especial elaboración a nivel de patronaje. Asimismo, sus estampados en los tejidos llamaron la atención sobre la calidad del material de la tela, incluido el tejido del hilo y la forma del material en su forma más simple. Su impronta como creadora estaba presente tanto en las líneas, como en los volúmenes y diseños de los tejidos: líneas geométricas que forman fuertes contrastes visuales, formas estructuradas en la que se destacan las costuras, los bolsillos, botones y otros componentes de cada prenda.