La Creación de Adán es probablemente uno de los frescos mas famosos en el mundo. Creado por Miguel Ángel alrededor de 1511, se encuentra dentro de los Museos Vaticanos, específicamente dentro de la capilla mas importante, la Capilla Sixtina. Este Fresco tardo aproximadamente quince días en completarse, comenzó con la imagen de Dios y los Ángeles y termino con la figura de Adán, donde con las manos extendidas y Dios tocándole el dedo de Adán se le da la vida a la humanidad.  Compositivamente vemos de lado izquierdo a un hombre completamente desnudo (Adán) tendido en el suelo, y parece estar despertando, mientras que Dios del lado derecho viene del Cielo rodeado de ángeles. En cuanto a las expresiones vemos que la mirada de Dios, representado con una larga barba y cabello gris, es decidida, fuerte, dominante, mientras que la mirada de Adán representado como un joven fuerte, parece de ingenuo asombro, alguien que todavía no ha vivido y esta emocionado de hacerlo. Algo que es importante, es que a diferencia de todo el resto de la Capilla Sixtina que esta lleno de detalles sobre detalles, esta escena no contiene muchos detalles, tiene un fondo claro que hace que resalten aún más a los personajes y la escena se convierte en un claro mensaje icónico. Definitivamente lo mas importante de esta obra son los dedos de Dios y Adán, tocándose, al comienzo pareciera de manera muy forzada, pero al final, el dedo índice del Creador funciona con autoridad, con fuerza, parece estar listo para dar un impulso a la mano de Adán, que en cambio parece tan débil como si estuviera lista para recibir energía del Señor. En cuanto al desnudo masculino, vemos que solo esta desnudo Adán, que en este caso considero que funciona como una alusión al hombre que habita la tierra, con su órgano masculino que al final es signo de fertilidad y crecimiento de la población. Es el primer hombre de la tierra y es muy importante que en este caso se vea todo como Dios lo trajo al mundo. El impresionismo también empieza a estudiar mucho el funcionamiento del humano, como hace Da Vinci, empezamos a ver con mas naturalidad el cuerpo desnudo que al final también lo que hace es que uno como humano se pueda identificar mas con ciertas escenas en el arte.

“Seated and Standing Male Nudes” son una serie de bocetos en grafito por el reconocido artista del romanticismo Eugenè Delacroix. Delacroix fue un destacado artista francés conocido por su uso expresivo del color y composiciones dinámicas. En esta obra especifica vemos con un trazo muy rápido e irregular dos figuras masculinas desnudas, uno de estos hombres aparece sentado sujetando un palo con un rostro no tan definido, mientras que el otro está completamente parado, esta figura aparece sin las facciones de un rostro, como si hubieran sido borradas. La rapidez en la que parece estar hecho este dibujo, da la ilusión de era un ejercicio de bocetos en el que se tenía que dibujar estos dos modelos posando. Es importante recordar que, durante esta época, dominar la representación de la forma humana en poses convencionales era un objetivo central de la formación artística en las escuelas o academias de arte, y aunque el enfoque principal del arte romántico no era necesariamente el cuerpo humano, en ese entonces empieza a cobrar una nueva definición, era una nueva forma de estudiar y aprender sobre uno mismo, era un medio para explorar temas emocionales, simbólicos e individuales, la representación del desnudo permitía a los artistas explorar su propia interpretación de la forma humana sin adherirse a las restricciones clásicas, pues el arte romántico rechazó las estrictas reglas de composición y buscó la individualidad y la libertad creativa.

Por el otro lado vemos también el boceto “Standing Male Nude (verso)” por el artista francés Pierre Paul Prud'hon, quien dibuja a un hombre de pie, fornido completamente desnudo. Al igual que las obras románticas de Eugenè`Delacroix, el hombre del dibujo parece estar también posando para ser dibujado como una escultura de la antigua Grecia y Roma, solo que en este caso vemos una intención por hacer mas detalle. Se logra ver en el torso y en la cara una búsqueda de representación de la luz en la obra. Esto mencionado anteriormente es una clara característica de la representación del desnudo en el neoclasicismo, los artistas se inspiraron en la estética de la Antigua Grecia y Roma, buscando regresar a los principios clásicos. Esto se reflejó en la representación del cuerpo humano, que estaba sujeta a una fuerte idealización.

Los artistas del neoclasicismo buscaban crear figuras que encarnaran la perfección, la armonía y la proporción, tomando como referencia las esculturas clásicas de la Antigüedad. Las figuras se representaban con posturas elegantes y equilibradas, mientras que en el romanticismo los artistas buscaron representar el cuerpo de una manera más emocional y expresiva. Se enfocaron en capturar las emociones humanas, la pasión y la introspección. Las figuras humanas eran a menudo representadas en situaciones dramáticas o sentimentales para evocar respuestas emocionales en el espectador. En el romanticismo los artistas empiezan a buscar una relación mas directa con el espectador para que se sienta mas identificado con lo que está viendo. Esto también es evidente ya que hay un rechazo hacia la rigidez de la académica del Neoclasicismo, ahora se empieza a centrar en una libertad artística y la expresión individual. Los artistas románticos desafiaron las normas establecidas y experimentaron con estilos más libres y expresivos.

“Man at His Bath” realizado por el artista francés Gustave Caillebotte en 1884. Gustave Caillebotte estuvo asociado con el movimiento impresionista pero también fue conocido por su estilo realista. Esta obra en particular se considera un ejemplo temprano de su exploración de la vida urbana moderna. “Man at his Bath” forma parte de la colección del Museo de Orsay de París, que alberga una extensa colección de obras maestras impresionistas y postimpresionistas. Esta pintura refleja el interés de Caillebotte por representar la vida contemporánea, tema que recorre gran parte de su obra, incluidas escenas del París urbano y las actividades de ocio de la época.

En la obra vemos en un primer plano a un hombre de espaldas en lo que parece un baño, ya que vemos una tina en el fondo y unas huellas que parecen estar húmedas en el suelo como si alguien se acabara de salir de bañar. El hombre se encuentra completamente desnudo secándose su cuerpo después de bañarse, una escena que para nosotros puede llegar a ser un momento muy privado en la vida de una persona. La composición de la obra nos da inferir que el protagonista no posa para el cuadro ni tiene intención de ser visto, somos nosotros los espectadores quienes se entrometen en su espacio privado, guiado por el pintor.

Aunque la obra hace parte de movimiento impresionista con sus pinceladas rápidas y grandes, la atención al detalle y el juego de luces en la superficie con las huellas húmedas muestran la habilidad de Caillebotte para capturar escenas cotidianas con precisión. Ahora bien, esta obra al ser un desnudo, mas especifico un desnudo masculino jugo un papel importante en el movimiento impresionista, contribuyendo a un cambio en las convenciones artísticas y reflejando actitudes sociales cambiantes hacia el arte, la estética y la forma humana, antes los desnudos eran un tema común en el arte académico, pero normalmente se representaban en contextos históricos o mitológicos, adhiriéndose a normas establecidas, sin embargo los artistas impresionistas intentaron romper con estas limitaciones académicas tradicionales. Su objetivo era capturar la vida contemporánea y las escenas cotidianas, incluido el cuerpo humano, de formas más naturales e inmediatas. En el impresionismo se buscaba una representación más natural y no idealizada del cuerpo, lo que refleja un movimiento hacia una mayor autenticidad y un rechazo de los estándares de belleza convencionales.