(Características del Arte Neoclásico, s.f)

Año: 1793

Autor: Jacques-Louis David

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 165 cm × 128 cm

Ubicación actual: Museos Reales de Bellas Artes de  Bélgica, Bruselas, Flag of Belgium Bélgica
Breve descripción de la obra:
La pieza muestra a Marat momentos después de su asesinato, y aparece desplomado sobre su bañera con sangre y la pluma todavía en la mano, asociándolo a la intelectualidad y el conocimiento. Como otras pinturas neoclásicas, La muerte de Marat tiene una composición equilibrada; Marat y su bañera forman un plano horizontal al frente de la escena que compensa su fondo sencillo, la mayoría de los detalles de la configuración de la bañera están basados en la vida real. De igual manera la gama cromática es sencilla y basada en colores primarios.

Año: 1805 - 1808

Autor: Antonio Canova

Técnica: Mármol blanco

Dimensiones: 92 cm x 192 cm

Ubicación actual: Galería Borghese, Roma

Breve descripción de la obra:
Se utilizó un único bloque de mármol de Carrara. La escultura muestra a Paolina Bonaparte representada como diosa Venus. Se encuentra recostada en un diván, casi desnuda, apoyada sobre la cadera y con el torso levantado. La obra crea una sensación de movimiento, y muestra como muchos la describen un rostro sereno y claro, al mismo tiempo muestra un gran detallismo, características que remiten a la Antigüedad Clásica, elemento claro las vestimentas que porta.

(Arte Rococó, 2021)

Esta se realizó a petición de un barón que pidió al artista que pudiera retratar a su amante en un columpio, siendo empujada por un obispo, y con él (el barón) viendo debajo de su falda. Por la insinuación erótica que implicaba, muchos artistas se negaron a hacer este trabajo, sin embargo Jean-Honoré Fragonard aceptó, pero cambió al obispo con la representación de un marido “cornudo” y para expresar la intimidad entre los amantes, el amor galante. Coloca al cupido con un dedo en los labios en señal de silencio. Rebosa elegancia y colores vivos. Esta obra presenta dentro de su composición diversos simbolismos que van en contra de la espiritualidad y corriente religiosa del estilo Barroco.  El escenario nos presenta un espacio de vacío idealizado, un bosque bello no tan saturado o rebosando de maleza. 

Para impulsar el movimiento, la iglesia se arma con apoyo de individuos ricos y comienza a comisionar proyectos arquitectónicos, obras de retablos, pinturas de óleo y al fresco; y esculturas eclesiásticas. 

(Fernández, J. 2017)

La composición de la obra es completa en cuestión de espacio, total inmersión. Nos muestra la dualidad entre una escena bíblica y un ambiente mundano/ terrenal.
El vacío en medio de la obra nos proporciona la noción de perspectiva sobre la cueva. Los cuerpos presentan volumen claro a través del contraste de colores de la paleta del pintor. Nuevamente se presenta el claroscuro entre la cueva y las ropas de los pastores. Las pinceladas son sueltas y fluidas. Claramente la obra presenta distintivos del dogma católico haciendo uso de estos personajes bíblicos, representando un emotivo pasaje de la Biblia. Finalmente, el uso de la luz sobre el cuerpo del niño nos habla acerca del fervor de la devoción, total retórica católica. 

Con esta obra, el artista finaliza una serie de cuadros relativos a la sensualidad en pareja y con relación a los besos.
La obra nos muestra un momento efímero en la vida de estos dos aristócratas, el contexto es tal que parece juguetón y nada serio, totalmente superficial y frívolo. Apela a lo mundano y un ambiente sumamente despreocupado.