EXPÉRIMENTATION : Éprouver, apprendre, découvrir par une expérience personnelle.

TRAVAIL

Expérimentez les encres à votre disposition.

Explorez la technique de l'encre : les couleurs, les dilutions, les mélanges et les effets. 

A4 : 8 CASES = 8 EFFETS (abstraits)

A5 : 1 ou plusieurs effets cumulés sur toute la surface de la feuille

 "J'avais voulu exprimer un repos absolu par tous ces tons divers".

Représentation d'après modèle

1. DESSIN
 
Format A5 : Une main + une main + une main

Format A3 : 2 mains + avant-bras / 2 positions différentes / 2 mains qui se touchent / 2 couleurs différentes

Technique : graphique

Objectifs : représenter tous les détails visibles / mise en scène de deux mains

2. ENCRE : + / -

Format A4 : une main "positif" et une main "négatif"

Objectifs : contrastes

1. Mise en page / composition de l'affiche

2. Image / illustration compréhensible et cohérente

3. Slogan / texte percutant et typographié !!

4. Bonus : élection de la meilleure affiche

DIPTYQUE ?

Un diptyque est une œuvre composée de deux images (ou deux parties) présentées ensemble et pensées pour fonctionner en relation l’une avec l’autre.

Les deux parties peuvent :

• se compléter

• se répondre

• se contraster

• raconter une suite

• montrer une transformation

  
  

Un diptyque n’est pas juste deux images côte à côte : c’est le lien entre elles qui crée le sens.

TRAVAIL

CRÉER UN DIPTYQUE

DÉROULEMENT

1. Dans vos expérimentations à l’encre, sélectionnez 4 fragments qui vous intéressent.

2. Prélevez-les en découpant des cadres de forme géométrique : carré ou cercle

3. Collez chaque fragment sur une feuille et suivez les consignes pour chacun d'entre eux.

4. À côté de chaque fragment, produisez une image complémentaire réalisée uniquement de manière graphique (crayons de couleur).

5. Vous devez créer 4 diptyques.

COMPLÉMENTAIRE ?

Votre dessin peut prolonger les formes , imaginer ce qui manque, transformer l’abstraction en image figurative, créer un contraste (organique / géométrique, flou / net…), révéler un paysage, un personnage, un objet, jouer sur la continuité ou la rupture.

ATTENTION : Le dessin ne doit pas recouvrir l’encre.
Il doit entrer en dialogue avec elle.

Fragment 1 : Le dessin prolonge votre fragment.

Fragment 2 : Le dessin doit être totalement opposé (ordre / chaos) à votre fragment.

Fragment 3 : Le dessin est le zoom, l'agrandissement d’un détail du fragment. On passe du macro au micro.

Fragment 4 : Entre votre fragment et votre dessin, une histoire se raconte ou une transformation s'opère.

Technique : graphique

Outils : crayons de couleurs

Temps : 1 séance

Compétences travaillées

• Sélectionner et faire des choix plastiques

• Exploiter un fragment

• Mettre en page son travail

• Articuler l'abstraction et la figuration

• Créer une relation entre deux images

• Comprendre la notion de diptyque

Enjeux pédagogiques

• La notion de fragment

• Le cadre comme outil de sélection

• La relation entre abstraction et figuration

• La tension entre hasard et maîtrise

• La notion de diptyque (dialogue / complémentarité / opposition)

Le diptyque Le triomphe de la chasteté de Piero della Francesca représente les portraits du Duc d’Urbino et de sa femme Battista Sforza. Ils se font face l’un à l’autre, surplombant leurs terres lointaines.

Qu’est-ce qu’un diptyque ou un triptyque ?

Composés de deux ou trois panneaux, les diptyques ou triptyques sont des œuvres en plusieurs parties. Les diptyques sont composés de deux panneaux et les triptyques de trois panneaux. Leur nom vient du mot grecque ptykhos, qui signifie « plier ». Si les panneaux assemblés peuvent former une scène unique, ils peuvent parfois se suffire à eux-mêmes. Cependant, les diptyques et les triptyques restent toujours liés entre eux par une cohérence visuelle.

Le Jardin des délices est un triptyque peint à l’huile sur bois par le néerlandais Jérôme Bosch. Refermé, il montre une sphère transparente, symbole de la création du monde.

À l’intérieur, le panneau de gauche représente Adam et Eve, dans le paradis terrestre, entourés d’animaux fabuleux.

Le panneau central est un jardin insolite dans un décor surnaturel d’oiseaux et de fruits géants.

Enfin, le panneau de droite montre les tourments de l’enfer.

TRAVAIL 1

A partir d'un détail / morceau d'une oeuvre d'art (peinture, dessin, sculpture...) :

• complétez, ajoutez, inventez une suite tout autour.

Technique : graphique

Format : bande (T1 = case 1)

Temps : 1 séance

Critère d'évaluation

1. Cohérence entre le détail et le complément

1. Mon travail est cohérent entre le morceau et mes ajouts

TRAVAIL 2

Dans les 3 autres cases de votre support :

• modifiez, ajoutez, faites évoluer et transformez progressivement votre case 1.

Technique : graphique

Format : bande (T2 = cases 2,3 et 4)

Temps : 1 séance

Critères d'évaluation

2. Suite et cohérence entre la case 1 et les cases 2, 3 et 4

3. Modifications et évolutions en 4 cases

4. Qualité du travail graphique

2. Mon travail est cohérent de la case 1 à la case 4

3. Mon travail évolue, se modifie, se transforme de la case 1 à la case 4

4. Mon graphisme est appliqué

RENTRÉE : Sculpture en équilibre + photo + croquis

HDA Fischli & Weiss

TRIMESTRE 1

SQ1. MAINS

Dessin + encre : détails et composition

HDA : les mains dans l'art

GP A3 : Ensemble ces mains racontent une histoire

SQ2. CLAIR-OBSCUR

Dessin : La forêt, la nuit

HDA : clair-obscur

BD Charles Burns + 1 histoire nocturne NB

TRIMESTRE 2

HDA thématique : FEMMES ARTISTES

SQ3.

EN ÉQUILIBRE

Votre sculpture tient en équilibre!

Avec les objets à votre disposition, réalisez une construction "en équilibre". Soyez ambitieux, cette sculpture tient en équilibre avec le plus d'objets possible.

Socle : bureaux

Matériaux : objets à disposition dans le sac et la trousse

Travail : groupe ilot

Technique : 3D / sculpture

Temps : 1 séance

Challenge ilot

1er groupe : 6/6

2nd groupe : 5/6

Autres groupes : 4/6

Prenez en photo votre sculpture et envoyez-là sur l'adresse : artsespacetemps@gmail.com sans oublier tous vos prénoms + classe. Objet du mail : sculpture.

Critères d'évaluation

1. Sculpture en équilibre

2. Le + d'objets

3. Travail en groupe

Note .../6

TRAVAIL

Étape 1

Un objet, à lumière du jour.

Entrainez-vous à positionner les ombres et les lumières sur cet objet.

Étape 2

Scène nocturne...au stylo à bille.

Dessinez une scène nocturne. Seule lueur, un cercle tracé et laissé vide : la lune.

Technique : graphique

Outils : crayon, gomme, stylo à bille noir ou bleu

Temps : 1 à 2 séances

DESSIN : Représentation d'après modèle, détails

COMPOSITION : mise en page et en scène

1. DESSIN

Format A5 : 1 main + 1 main (superposition, dessus, dessous)

Le + de détails possibles (traits de pliures, ombres, etc)

Ensemble, ces 3 mains racontent une histoire

Format A3/A4 : 3 mains = 1 histoire

3 mains en positions différentes

2 mains se tiennent / touchent

1 main en couleur

Mains + poignets + avant-bras ?

Taille réelle : échelle 1

Accessoires, objets?

Technique : graphique

Outil : crayon uniquement + crayon de couleur

Critères d'évaluation /10

1. Composition 3 mains /2

2. Détails graphiques /2

3. Application graphique /4

4. Histoire /2

2. ENCRE / PEINTURE

Grand format : Ensemble, ces mains racontent une histoire.

Support entièrement occupé.

D'abord : A4 essai dessin + peinture

Puis : A2 composition

Essayer de faire le plus de détails en peinture.

Exercices en peinture

1. 1 main = 1 couleur (dessin+peinture)

2. 2 mains se superposent par transparence

3. 2 mains se touchent / se tiennent ( 1 main en dessin + 1 main en peinture)

Technique : graphique + encre ou peinture

Outils : crayon + encre ou peinture (1 couleur)

Travail : en groupe

Critères d'évaluation

1. Représentation : graphisme détaillé et appliqué, transparence et opacité

2. Composition individuelle : mise en page / scène des mains

3. Composition en groupe : mise en page / scène des mains

   
   

CLAIR-OBSCUR

Certaines oeuvres nous plongent dans l'obscurité.

CLAIR-OBSCUR : Nuances de lumière contrastant avec un fond sombre. Lumière tamisée, diffuse, crépusculaire. Atmosphère propre à la rêverie.

« Au clair de la lune, près de la mer, dans les endroits isolés des campagnes, l’on voit, plongé dans d’amères réflexions, toutes les choses revêtir des formes jaunes, indécises, fantastiques. L’ombre des arbres, tantôt vite, tantôt lentement, court, vient, revient, par diverses formes, en s’aplatissant, en se collant contre la terre ».

Comte de Lautréamont, Les chants de Maldoror, 1890

OBSERVATION

Quels éléments identifiez-vous?
Qu'est ce qui les oppose si nettement?

Comment a été utilisé le stylo à bille?
Qu'est-ce qui apporte de la lumière?

Toutes ces oeuvres ont un point commun invisible. Les artistes de ces oeuvres sont toutes des femmes.

CLAIR-OBSCUR

La nuit, nos yeux discernent un paysage totalement différent. Quelques lueurs nous permettent de nous repérer.

CONTRASTES : clair et foncé, noir et blanc

Technique : collage

Matériel : papier noir et papier blanc

Outils : ciseaux + colle

Critères d'évaluation

1. Représentation : paysage nocturne / détails

2. Clair-obscur : contrastes

3. Technique : collage / application

BANDE DESSINEE / CLAIR-OBSCURE

Cette histoire se déroule la nuit.

Créez une BD dont l'histoire se déroule la nuit en intégrant la technique du clair-obscur.

Contraintes :

• Histoire nocturne

• Clair-obscur

• 6 cases minimum

Outils : Graphiques ou encre noire

Couleurs : Noir et blanc

Temps : 2 à 3 séances

Préalable : HDA Clair-obscur

Critères d'évaluation :

1. Narration : 1 histoire nocturne compréhensible

2. Technique 1 : maitrise du clair-obscur, contrastes NB

3. Technique 2 : application graphique ou picturale NB

4. Composition : mise en page de la BD

Black Hole est une bande dessinée en noir et blanc de Charles Burns. Elle a été publiée aux États-Unis en 12 volumes, de 1995 à 2005.

Prenant place dans la banlieue de Seattle au milieu des années 1970, Black Hole suit un groupe de jeunes adolescents de la classe moyenne qui contractent une mystérieuse maladie appelée « la crève » (« the Bug » en VO) provoquant d'étranges mutations physiques.

François Morellet

(1926-2016)

Peintre, graveur et sculpteur français, originaire de Cholet.

Georges de la TOUR

(1593-1652)

Peintre influencé par le style de Caravage.

Marie Madeleine : importante figure du christianisme et disciple de Jésus.

Odilon REDON, pseudonyme de Bertrand Redon

(1840- 1916)

Peintre et graveur symboliste français.

BRASSAÏ, pseudonyme de Gyula Halász

(1899-1984)

Photographe hongrois, naturalisé français, également dessinateur, peintre, sculpteur et écrivain.

Michelangelo Merisi, dit (LE) CARAVAGE

(1571-1610)

Peintre italien.

Narcisse : personnage dans la mythologie grecque doté d'une grande beauté. Un jour, alors qu'il s'abreuve à une source, Narcisse voit son reflet dans l'eau et en tombe amoureux. Il reste alors de longs jours à se contempler et à désespérer de ne jamais pouvoir rattraper sa propre image.

Felix VALLOTON

(1865-1925)

Artiste peintre, graveur, illustrateur, sculpteur, critique d'art et romancier franco-suisse.

Gustave DORÉ

(1832- 1883)

Illustrateur, caricaturiste, peintre, lithographe et sculpteur français.

L'Enfer de Dante : L’Enfer est la première partie (cantica) de la Divine Comédie de Dante Alighieri (poète italien du 13ème siècle). La structure de l'Enfer, en forme d'entonnoir qui rejoint le centre de la Terre, est composée de neuf cercles. Dante et Virgile parcourent les cercles qui se déroulent en spirale jusqu'au plus profond de la Terre.

CLAIR-OBSCUR : HISTOIRE

VERSION INDIVIDUELLE

1. C'est une histoire en noir et en blanc, en deux temps, racontée en deux images.

Entre l'image 1 et l'image 2, quelque chose se passe...Un même décor, une action, un bouleversement, un début et une fin.

ATTENTION, tout se fait en collage : papiers blancs et noirs.

Quelques tout petits détails graphiques peuvent être ajoutés.

SUPPLEMENT : Elaborer une image dans laquelle s'intègre le titre de l'histoire.

Outils : ciseaux, colle, stylo noir

Support : 2 images noires A6 collées sur 1 feuille A4 blanches (à prendre dans le sens le plus approprié)

Technique : collage

Temps : 2 séances

Critères d'évaluation

1. Narration : succession en 2 temps, 2 images ; compréhension et logique de l'histoire

2. Technique : collage et détails (+ détails graphiques) ; clair-obscur (noir et blanc)

3. Application : technique et histoire, soin apporté au travail, mise en oeuvre de l'idée

VERSION COLLECTIVE

1. C'est une histoire en noir et en blanc, en 2/3/4 temps, racontée en 2/3/4 images.

Entre l'image 1, 2, 3 et 4 quelque chose se passe...Un même décor, une action, un bouleversement, un début et une fin.

ATTENTION, tout se fait en collage : papiers blancs et noirs.

Quelques tout petits détails graphiques peuvent être ajoutés.

Travail : groupe

Outils : ciseaux, colle, stylo noir

Support : 2/3/4 images noires A6 collées sur 1 ou 2 feuilles A4 blanches (à prendre dans le sens le plus approprié)

Technique : collage

Temps : 2 séances

Critères d'évaluation

1. Narration : succession en 2/3/4 temps, 2/3/4 images ; compréhension et logique de l'histoire

2. Technique : collage et détails (+ détails graphiques) ; clair-obscur (noir et blanc)

3. Application : technique et histoire, soin apporté au travail, mise en oeuvre de l'idée

4. Travail en groupe : collaboration, répartition, entre aide

AUTOBIOGRAPHIE / AUTOPORTRAIT

L'autobiographe ne parle t-il que de lui?

Quel est le rôle de l'artiste autobiographe?

FEMINISME

Comment l’artiste participe-t-il à l’émancipation des femmes ? Quel est le rôle de l’artiste ?

DIFFERENCE

Regards sur la différence : racisme, sexisme, exclusion, harcèlement…

Quel est le rôle de l’artiste quand il montre la Différence ?

L'affiche des Guerrilla Girls

Une affiche, créée par les Guerrilla Girls, soulignait déjà le problème de la sous-représentation muséale féminine en 1989. À l’occasion d’une exposition organisée par le célèbre Metropolitan Museum of Art (MET), les féministes tirent la sonnette d’alarme : sur 169 artistes exposés, seules 13 sont des femmes.

La Grande Odalisque d’Ingres ainsi détournée avec une tête de gorille interroge : « Faut-il que les femmes soient nues pour entrer au Metropolitan Museum ? Moins de 5 % des artistes de la section d’art moderne sont des femmes, mais 85 % des nus sont féminins ». Les Guerrilla Girls tentent d'éveiller les consciences en placardant ce message sur les murs de New York.

C’est l’action inaugurative et aussi la plus célèbre de ce collectif de plasticiennes féministes actives depuis 1985. S’autoproclamant la “conscience du monde de l’art”, elles dénoncent le sexisme, l’homophobie et le racisme qui créent un plafond de verre au-dessus des femmes artistes.

Le groupe d’anonymes se produit en public sous des masques de gorilles et empruntent leurs noms aux grandes artistes défuntes (Frida Kahlo, Claude Cahun…). Art et lutte féministe ne font qu’un pour ces justicières de l’art, qui n’hésitent pas à user de tous les médiums à leur disposition pour faire entendre leur voix, des affiches en passant par la performance et la vidéo. Ou encore en adressant directement des lettres provocatrices aux collectionneurs :  

"Très cher collectionneur, Notre attention vient d’être attirée par le fait que votre collection, comme la plupart, ne comporte pas suffisamment d’art produit par des femmes. Nous savons que vous vous sentez fort mal à ce sujet et que vous allez rectifier immédiatement ce manque.
Avec tout notre amour." 
Guerrilla Girls, 1986.

Ce n’est que 30 ans plus tard, en 2005, qu’elles-mêmes parviendront à pénétrer l’antre des grandes institutions en étant invitées à exposer par les directrices de la Biennale de Venise, Rosa Martínez et María de Corral.

Les Tirs de Niki de Saint Phalle

L’artiste franco-américaine Niki de Saint Phalle (1930-2000) fait partie des femmes qui ont pu bénéficier d’une renommée de leur vivant. Adulée encore aujourd’hui, c’est notamment grâce à sa performance irrévérencieuse des “Tirs” qu’elle doit sa célébrité mondiale.

Années 1960. Niki de Saint Phalle prend les armes… pour tirer sur ses toiles. Par cet acte symbolique, elle cherche à exorciser ses maux et ceux de la société. Considérée comme scandaleuses, ces performances ne laisseront pas indemne l'histoire de l'art !

"J’ai eu la chance de rencontrer l’art parce que j’avais, sur le plan psychique, tout ce qu’il faut pour devenir terroriste. Au lieu de cela j’ai utilisé le fusil pour la bonne cause, celle de l’art."
Niki de Saint Phalle

L’origine de ses maux, elle les doit principalement au viol qu’elle a subi à l’âge de 11 ans. Un trauma dont elle ne guérira jamais vraiment, et dont l’art sera l’issue thérapeutique. 

La jeune femme, issue d’une lignée aristoricratique, ne peut contenir son tempérament rebelle et s’insurge contre le puritanisme religieux, la guerre ou l’asservissement de la femme. Des sujets mis sur toile qu’elle pulvérise à coups de carabine.

Les poches de peinture éclatent sur ses panneaux en bois dont le plâtre agrémenté d’objets ou de sculptures crée des coulures sanguinolentes, des éclaboussures, des débris. Elle invite également les visiteurs de ses expositions à tirer sur ses œuvres lors de happenings.

Un geste radical, parodique, cinglant. “Une guerre sans victime”, co-orchestré avec son compagnon Jean Tinguely, qui met à mal les codes artistiques de l’époque tout en étant un cri de guerre féministe.  

Les célèbres “Nanas” poursuivent sa quête de déconstruction du modèle dominant. En effet, ses sculptures monumentales sont pour elle des femmes “libérées du mariage et du masochisme (...) Elles sont elles-mêmes, elles n’ont pas besoin de mecs, elles sont libres, elles sont joyeuses.” 

On retiendra de l'œuvre de Niki de Saint Phalle, affiliée au courant du Nouveau Réalisme, une force et une audace aussi atemporelle qu'inspirante. 

L'art féministe est un mouvement artistique contemporain regroupant des artistes et des œuvres revendiquant ou s'inscrivant dans un discours féministe. Son apparition, dans les années 1960 et 1970 est concomitante à la prise d'ampleur du mouvement féministe, mais également à l'émergence de nouvelles formes d'expressions artistiques, comme la performance¹.

Si l’artiste ne se réclame d’aucune forme de féministe, elle s’attaque à toutes les constructions culturelles : elle cible la société de consommation, les discriminations faites aux minorités mais aussi aux femmes. Ainsi, l’artiste aborde la place de la femme dans la société au sein d’une dénonciation générale de tout ce qui la révolte, ce qui n’enlève rien à son message, bien au contraire. À titre d’exemple, l’oeuvre «You are not yourself» dénonce la manipulation de l’image de la femme par la publicité, et les stéréotypes que celle-ci véhicule.

Les magazines féminins sont également dans la ligne de mire de l’artiste, tout comme la représentation de la femme au cours de l’histoire de l’art : dans l’exposition «Muses et Hommes» à la fondation Ricard en 2002, elle réinterprète des tableaux de maître et en détourne les figures féminines avec un regard moqueur.

VOCABULAIRE

Stéréotype : C'est une idée toute faite qui enferme un groupe de personne dans un rôle ou des goûts imposés.

Préjugé : C’est un jugement que l’on porte sur une personne en s’appuyant sur des stéréotypes, des idées reçues, des clichés.

Sexisme : C’est le fait de traiter différemment une personne à cause de son sexe.

La perspective est un ensemble de règles qui visent à créer l’illusion de la profondeur sur la surface bi-dimensionnelle (plate ) du tableau ou de la feuille, c’est à dire à créer l’impression de voir un espace réel en 3 dimensions.

Bridget POLK réalise des installations de balancing rocks ou "pierres en équilibre". Ces sculptures impossibles se maintiennent grâce à un équilibre précaire qui se joue des lois de la gravité, "organisant le chaos".

TOUT BOUGE, TOUT BASCULE

Découpez, mélangez, ré assembler et collez...dans votre travail, vous montrerez l’impression de mouvement.

Contraintes

Utilisez la photographie en entier

Intégrez du dessin

Occupez tout l'espace

THÈME : le mouvement

OBJECTIF : Comment donner la sensation du mouvement dans une image fixe ? Comment suggérer plastiquement la vitesse, le dynamisme, le déplacement?

Critères évaluation

1. Tout bouge : impression de mouvement /4

2. Collage : découpage, assemblage, collage /2

3. Dessin : Intégrer du dessin /2

4. Espace : occuper tout l'espace du support /2

Organisation (de la séance 1 à la séance 2)

Morceaux découper à ranger dans des pochettes en plastique

Technique : collage et graphisme

Outils : ciseaux, colle, crayon de bois

Temps : 2 séances

«TOUT COURT, TOUT BOUGE, TOUT SE MEUT.» Umberto BOCCIONI

Umberto BOCCIONI

1882-1916

peintre et sculpteur futuriste italien

1871-1958

peintre et sculpteur italien, rallié au mouvement futuriste

Emmanuel Fourcarde, alias Manu Topic

Stone balancing

Cette discipline consiste à créer des structures de pierres en jouant sur les points de pressions, la gravité et le contrepoids pour un résultat final à la fois spectaculaire et esthétique.

La chronophotographie (du grec kronos, temps, photos, lumière, et graphein, enregistrer) désigne une technique photographique qui consiste à prendre une succession de photographies, permettant de décomposer chronologiquement les phases d’un mouvement (humain ou animal).

Étienne-Jules Marey (1830–1904), scientifique, médecin et physiologiste reconnu, inventeur de la chronophotographie.

C'est un spécialiste de l’étude du mouvement qui a marqué l’évolution de la peinture et préfiguré le cinéma.

Pour MONUMENTA 2012, Daniel Buren plonge les visiteurs au cœur d'un Grand Palais métamorphosé. Leur parcours dans l’espace les fera participer activement au déploiement et à l'activation plastique et spatiale de l'œuvre Excentrique(s) - Travail in situ.

Cette architecture de couleurs forme un paysage de huit collines de conteneurs, d’un serpent métallique soutenu par une grue et d’un bicorne posé sur une arche, directement inspiré de celui porté par Napoléon.

La mondialisation est évoquée par les conteneurs qui viennent des grands ports mondiaux témoignent de l’ampleur des transports maritimes et des échanges commerciaux.

Le chapeau évoque la volonté du pouvoir qui anime le monde, industriels, politiques, militaires, tyrans désirant tous porter ce couvre-chef.

Le reptile qui glisse sur les conteneurs, gueule ouverte, semble menacer l’ambition de ces puissants. Il incarne le caractère infini de ce cycle de gloire et de destruction.

Confrontation sans équivalent dans le monde, MONUMENTA invite chaque année un artiste d’envergure internationale à investir les 13 500 m² et les 35 mètres de hauteur de la Nef du Grand Palais, avec une œuvre inédite, conçue spécialement pour cet espace.

La Création d'Adam est l'une des neuf fresques inspirées du livre de la Genèse, peintes par Michel-Ange sur la partie centrale de la voûte du plafond de la chapelle Sixtine, dans les musées du Vatican à Rome, commandée par le pape Jules II.

La Création d'Adam est une illustration du texte biblique du livre de la Genèse : 1, 26-27 : « Dieu créa l'homme à son image, à l'image de Dieu il le créa »^[1]. L’œuvre est particulièrement célèbre par le détail dans lequel l'indexde Dieu, rejoignant celui d'Adam sans le toucher, donne vie à l'Homme.

Par sa force symbolique et esthétique, le geste liant Adam à Dieu est devenu l'une des références les plus célèbres du monde de l'art occidental.

portraits affichés au tableau + 1 anecdote ou information

par ilots 8 oeuvres à attribuer aux bonnes artistes

Les sneakers, ce sont des chaussures de sport que l’on porte aujourd’hui dans la vie de tous les jours. Elles sont devenues un objet de mode, parfois même de collection.

1. Les débuts (fin 19e – début 20e siècle)

• À la fin du 19e siècle, on invente les premières chaussures avec semelles en caoutchouc : elles ne font pas de bruit → on les appelle “sneakers” (de to sneak = se faufiler).

• Au départ, ce sont des chaussures pour faire du sport : tennis, basket, course.

  
  

2. Les grandes marques se développent (années 1920-1960)

• Converse lance la Chuck Taylor en 1917 : la première vraie basket populaire.

• Adidas et Puma sont créées en Allemagne par deux frères qui se sont disputés.

• Les sneakers sont encore surtout liées au sport.

  
  

3. Les sneakers deviennent un style (années 1970-1980)

• Avec le hip-hop et le breakdance à New York, les jeunes commencent à porter leurs baskets dans la rue.

• Nike devient célèbre grâce à Michael Jordan → La chaussure Air Jordan (1984) devient un symbole de mode.

  
  

4. Les sneakers aujourd’hui

• Les sneakers sont portées par tout le monde, dans toutes les situations.

• Certaines sont très chères et collectionnées (on appelle cela le “sneaker game”).

  
  

• Les marques font des collaborations avec des artistes, des rappeurs, des designers.

TRAVAIL

1. Modifiez votre dessin de sneaker afin de créer un modèle unique et futuriste. Ajoutez des détails, des couleurs, des effets de texture etc...

2. Nommez votre modèle.

3. Créez un slogan pour faire de votre travail une publicité. Attention à la typographie.

SLOGAN : Une phrase courte et percutante qui interpelle.

Critères d'évaluation

1. Qualités graphiques

2. Ajout d'éléments uniques et futuristes

3. Slogan

   
   

Technique : graphique

Outils : graphiques

Temps : 1 séance

Peur(s) du noir est un film d'animation français sorti le 13 février 2008, composé d'un ensemble de courts-métrages traitant de la peur du noir.

PEUR DU NOIR

TRAVAIL

Votre image nous plonge dans le noir.

Elle raconte une histoire...qui fait peur.

CLAIR-OBSCUR : Nuances de lumière contrastant avec un fond sombre. Lumière tamisée, diffuse, crépusculaire. Atmosphère propre à la rêverie.

Objectifs

Plonger une image dans le noir en appliquant la technique du clair-obscur en collage et raconter une histoire qui fait peur.

Technique : collage

Support : papier A4 noir

Temps : 1 séance + 1/2

Critères d'évaluation

1. Clair-obscur : lisibilité d'une image en noir et blanc

2. Narration : compréhension d'une histoire qui fait peur

3. Technique : application et détails

Ce travail représente votre année 2025.

DIPTYQUES : Ouvrage peint ou sculpté sur un support constitué de deux panneaux qui peuvent se rabattre l'un sur l'autre. Ensemble formé de deux composantes.

TRAVAIL

Dans vos expérimentations à l'encre, sélectionnez 2 morceaux qui vous intéressent. Vous prélèverez ces morceaux en découpant des cadres de formes géométriques (carré ou cercle).

Vous produirez une image complémentaire, de manière graphique, à ce morceau d'encre afin de créer des dytiques.

Technique : graphique

Outils : crayons de couleurs

Temps : 1 séance

Critères d'évaluation

1. Représentation : diptyques abstraits et cohérents

2. Technique : graphisme adapté

3. Mise en page : prélèvements et composition

1. Mon diptyque est cohérent /4

2. Mon graphisme est adapté et appliqué /4

3. Mes prélèvements (découpages carrés ou circulaires) bien faits /2

Ce diptyque est une sérigraphie à l'acrylique sur toile. Il contient 50 images de l'actrice américaine Marilyn Monroe, toutes basées sur la même photographie publicitaire pour le film Niagara (1953).

À gauche : Le 25 portraits de couleurs vives représentent la vie de Marilyn.

À droite : Les 25 portraits en noir et blanc et qui s’effacent progressivement représentent la fin de sa vie jusqu'à sa mort.

Monroe meurt le 5 août 1962. Warhol décide de peindre le Diptyque Marilyn quelques semaines après la mort de Monroe. Il trouvait en elle une fusion de deux thèmes constants : la mort et le culte de la célébrité. En recopiant la même image plusieurs fois, il évoque sa présence dans les médias.

Intérêt pédagogique : contraste couleur / disparition, réflexion sur la célébrité et la mort.
Les deux parties dialoguent et créent un sens plus fort ensemble.

Ce diptyque est composé de deux panneaux qui représentent la scène religieuse de l’Annonciation :

• sur un panneau, l’ange Gabriel

• sur l’autre, la Vierge Marie

  
  

Les deux figures sont séparées physiquement (chacune sur son panneau), mais elles se font face.

Le diptyque crée donc un dialogue visuel : le regard et les gestes relient les deux parties.

Le fait que l’œuvre soit en deux volets rappelle aussi un objet intime que l’on peut fermer comme un livre. Cela renforce l’idée de recueillement et de spiritualité.

• Les deux images sont séparées, mais elles sont pensées ensemble.

• C’est la relation entre les deux parties qui crée le sens.

Les images montrent des personnes photographiées frontalement, avec des expressions fortes et directes.

Le diptyque permet :

• de comparer deux visages

• de montrer des ressemblances ou des différences

• de créer un dialogue entre deux identités

• de questionner le regard du spectateur

  
  

Le diptyque devient un outil pour parler d’identité, de représentation et de regard.

DESSIN D'APRES NATURE

1. Taille réelle / papier millimétré / crayon de bois

2. Agrandissement / format A4 / crayon de couleur ou stylo de couleur

3. Rétrécissement / petit format / couleurs + fluo ou crayon rouge-bleu

À l'intérieur, la représentation du Jour du jugement, si elle fait appel à la tradition iconographique de ce thème chrétien populaire à la fin du Moyen Âge et à la Renaissance.

Le Jugement dernier est une grande œuvre réalisée entre 1443 et 1452 par Rogier van der Weyden, un peintre flamand du XVe siècle.

Que représente l’œuvre ?
Elle montre le moment du Jugement dernier (dans la religion chrétienne), où les morts sont jugés :

• au centre, le Christ décide du sort des humains

• à gauche, les élus montent vers le paradis

• à droite, les damnés sont envoyés en enfer

  
  

Comment est organisée l’image ?

• L’œuvre est un polyptyque (plusieurs panneaux)

• La composition est très symétrique et ordonnée

• Les personnages sont nombreux, très détaillés et expressifs

• Impression, soleil levant (1872), Claude Monet. Le tableau qui a donné son nom au mouvement (souvent par moquerie des critiques de l'époque !).

• Le mot-clé : La touche. Les impressionnistes peignent par petites touches juxtaposées pour que l'œil du spectateur recrée le mélange optique à distance.

COMPETENCES

• La matérialité de la couleur : Superposer, estomper (ou non), et saturer le pigment avec le pastel sec.

• Le geste et la touche : Traduire la lumière non pas par le contour, mais par la juxtaposition de touches colorées (le principe même de l'Impressionnisme).

• Le statut de l'œuvre : Passer de l'imitation du réel à la capture d'une sensation lumineuse et éphémère.

VERBALISATION

• Sur la technique : « Comment avez-vous réussi à rendre l'effet de la lumière ou du reflet dans l'eau avec le pastel ? En estompant au doigt ou en laissant la trace de la craie brute ? »

  • Objectif : Faire émerger le vocabulaire (touche, aplat, dégradé, fusion, vibration).

• Sur le lien avec Monet : « En regardant vos travaux côte à côte, est-ce qu'on cherche à photographier fidèlement la réalité ou à traduire une atmosphère ? »

Monet est célèbre pour ses séries (les Meules, la Cathédrale de Rouen).

• La consigne : Demandez-leur de diviser une nouvelle feuille en deux ou quatre cases. Ils doivent reproduire exactement le même paysage (très simple, juste une ligne d'horizon et une silhouette), mais en changeant radicalement la temporalité : une case "Aube brumeuse", une case "Plein soleil de midi", une case "Crépuscule d'orage".

  
  

• L'apport : Ils comprennent que le sujet importe moins que la variation de la lumière. C'est un excellent point d'ancrage pour l'histoire des arts.

MON PORTRAIT

MON PROJET

Votre création donnera à voir qui vous êtes.

• Médium libre : Graphisme (feutres, crayons, encre), peinture, pastels, collage (magazines, textures), 3D (assemblage d'objets, carton), ou photographie.

  
  

• Format imposé : A4

  
  

• L'intention : L'œuvre doit raconter quelque chose de votre personnalité (passions, doutes, envies...)

Séance 1

• Présentation des références (10-15 min).

• Remue-méninges individuel : Qu'est-ce qui me définit ? (Une couleur, un objet, un style de musique, un trait de caractère ?).

• Choix des matériaux et début de l'expérimentation.

  
  

  
  

  Séance 2 (Pratique effective) :

  • Production en autonomie. Vous passez dans les rangs pour les aider à résoudre les défis techniques (comment faire tenir ce volume, comment intégrer la photo au dessin, etc.).

  
  

• Séance 3 (Finitions & Mini-bilan) :

  • Dernières touches (15 min).

  • Le cartel explicatif : Demandez-leur d'écrire 2 lignes pour expliquer leur démarche (indispensable pour l'évaluation en 3ème).

  • Mise en commun visuelle (un "speed-booking" ou un accrochage rapide sur les tables).

Contrainte de format : format panoramique

Contrainte collective : Travailler par groupes de 3 ou 4 sur la même bande. Les touches de chaque élève doivent se fondre pour que le panorama paraisse continu

En groupe, les élèves choisissent une gamme colorée (dominante froide, crépusculaire, ou chaude) et définissent les grandes lignes directrices qui traverseront toute la longueur de la feuille pour assurer la continuité.

Objectif : La collaboration : Savoir accorder sa pratique plastique avec celle de ses pairs pour créer une unité visuelle (notion de co-auteur) + format panoramique.