Año  1663-1664
Autor: Johannes Vermeer
 Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Barroco
Tamaño:  46,6 cm × 39,1 cm
 Localización: Rijksmuseum, Ámsterdam,  Países Bajos

 

Luz: esta obra para mí es la representación de un claroscuro, se puede ver muy iluminada la parte superior, sobre todo la izquierda, y bastante llena de sombras la parte inferior de toda la pintura, haciendo que esta obra tenga un aire de misterio tanto por los tonos como por el retrato de la mujer. 

Color: en cuanto al color, esta pintura usa colores fríos y al mismo tiempo colores tierra para la pared y la cortina o pergamino que está en la pared. Es una muy buena combinación de azul en la vestimenta de la mujer y las sillas, y marrón claro en el resto de la pintura dando el efecto de que son bastante mate. Asimismo, puedo decir que el valor de ambos todos es del medio hacía abajo, es decir oscuros, pero no totalmente oscuros dando un toque de vejez a la pintura que quizá eso quería lograr el artista. 

Textura: se percibe una superficie rugosa en ciertas partes de la pintura y en otras una superficie lisa. Para mí esto le da un toque muy especial porque las partes rugosas que están dibujadas normalmente así son en la vida real.

Balance: cuenta con un equilibrio entre las texturas lisas y rugosas sin que sea exagerado, así mismo con el valor de los colores elegidos que crean balance. Por otra parte, no es una pintura tipo espejo, pero da un aire de simetría, aunque no la tenga, ya que al dividir el cuadro no hay lo mismo a un lado y al otro, pero eso no hace que se perciba desordenada. 

Énfasis: es claro que la atención de esta obra va directamente en la historia que cuenta esta mujer que se encuentra leyendo esa carta, su rostro, la forma en que sujeta la carta y lo solitaria que se percibe, hacen que la mujer sea lo principal de la pintura, que, aunque es simple, es muy poderosa. 

Unidad: la mujer leyendo una carta es una obra que para mí representa una unidad, los colores, lo que transmite, la mujer siendo lo primordial en el cuadro, los objetos que están al rededor hacen que la obra esté completa.

Creador: Pablo Picasso

Fecha: 1902

Provenance: Picasso, Paris c. 1905 Michael and Sarah Stein, 

Dimensiones físicas: w27.25 x h39.38 in (without frame)

Análisis visual:

luz: Esta pintura tiene una luminosidad muy baja, pero en el rostro y el hombro de la mujer hay luz que hace la ilusión de entrar por la ventana que está junto a ella.  Para mí, es un tipo de pintura claroscuro manejando los diferentes tipos de iluminaciones y ensombrecidos en la obra destacando claramente el rostro de la mujer. 

 

Color: En este caso, se maneja un color frio y un tema monocromático variando la saturación del azul, pero sin usar otros colores. Esta pintura refleja tranquilidad, pero al mismo tiempo es sombría ya que en algunas zonas de la pintura aumenta o disminuye el valor del azul.  

Textura: Esta obra maneja una textura artificial u óptica, ya que las paredes y el vestido de la mujer no dan una especie de liso o rugoso en su totalidad, en cambio, es una mezcla que le da un aire distinto a la obra, pero sin darle ninguna especie de volumen o 3D a la misma. 

 

Balance: En primer lugar, debo decir que no es una obra tipo espejo o simétrica, que las dimensiones son distintas, pero sin dar un aire de desorden en la pintura, ya que es proporcional la forma en la que resalta la mujer, su cuerpo y en donde se encuentra sentada. 

 

Énfasis: A pesar de que sea una pintura monocromática no crea una especie de pintura lavada en la que nada resalta. Muy por el contrario, en esta obra resalta la mujer, su expresión y lo que quería transmitir el artista que lo hizo, es decir, trasmitir la tristeza y melancolía de la dama, de ahí el nombre de esta gran obra. 

Unidad: Respecto a la unidad, no puedo hablar de una pintura caótica y desunida, puesto que los colores, su luz, su balance y su énfasis hacen que esta obra sea tan unida y tan fácil de digerir para asi solo quedarnos pensando en el rostro de la mujer. Realmente es una obra única y muy pulcra. 

Lugar de creación: México

proviene: Museo Frida Kahlo

pintor: Frida Kahlo

Lugar actual: Museo Frida Kahlo

Dimensiones físicas: w600 x h760 mm 

 

luz: Respecto a la luz de la obra tengo que decir que es muy clara e iluminada, en especial la parte superior, haciendo énfasis en la cara de Frida, en la paloma y en lo que se supones es el rostro de Karl Marx. A diferencia de otras obras que elegí, esta tiene una iluminación buena, como la mayoría de obras de Frida Kahlo. 

Color: en esta pintura hay múltiples colores y valores de los colores, como acostumbraba Frida a manejar sus pinturas, principalmente resaltan el verde y el naranja. La variedad de los colores no hacen que la pintura se vea recargada, por el contrario, transmiten otro tipo de vibra. Y más porque Frida quiere contar su historia. 

Textura: la autora en el fondo de la pintura al óleo quiere dar la ilusión de que es rugoso pues quiere transmitir la textura de lo que para mí es mitad montaña y mitad lava de un volcán. Sin embargo, a mi parecer la pintura no tiene alto relieve, por esto, es de textura lisa y con acabados bastante peculiares.    

Balance: la pintura no es simétrica y es un poco caótica pero sin cruzar la línea, es decir, sigue siendo muy digerible y más para las personas que conocen la historia de Frida Kahlo. Ella quería contar una historia y al mismo tiempo hacer una crítica, por esto, un águila con cabeza humana, Marx y el mundo quemándose, siendo Marx su cura y quitándole las muletas. 

Énfasis: en realidad el énfasis de esta pintura va a su parte superior, siendo Frida y la cara de Marx los principalísimos de esta obra. En realidad, es una obra muy completa, ya que en esa época había mucha confianza en el comunismo y por parte de la autora mucha más ya que era su ideología política.  

Unidad: Aunque esta obra tenga diversos sujetos y objetos, no hay que negar que forman un todo. Pues es muy entendible que ella quiere transmitir su confianza en el comunismo a través de su obra. Por eso mismo erradica a la Frida enferma. En cuestión de los tonos, matices, colores y luminosidad, esta obra es muy distinta a las demás, es única y además muy bonita.  

 

Luz: Es una obra que maneja una luz bastante compleja, a mi parecer la pintura tiene mucha claridad, sin embargo las sombras y el manejo de algunos colores la hacen ver oscura en algunas partes, sin embargo, esto no hace que la pintura sea oscura, sencillamente se hace uso de las sombras para darle un toque a la obra. 

Color: En este aspecto el autor quiso transmitir todo lo que observó en su recorrido por Tahití, por esta misma razón el diverso uso de colores y combinaciones que quiso inmiscuir en la obra, se ven distintas saturaciones del verde azul y el rojo que se usó.  

Textura: Es claro que la textura de la obra es lisa, aunque en la manera de pintar hay un aire corrugado. Realmente la pintura es plana y tampoco cruza la línea del realismo por tanto no hay relieve. 

Balance: No es una obra simétrica, pero tampoco es desbalanceada, el autor quería transmitir los colores del paisaje y cierta forma de vida lejana y desconocida para los europeos de esa época. 

Énfasis: El centro de esta obra es la parte frontal donde estas las dos personas y el perro, dándole más luminosidad a ellos que al resto de la pintura, también algo muy peculiar es el rio rojo. 

Unidad: Esta pintura con sus colores, su luz, su balance y su énfasis forma un todo, transmitiendo un todo, sin que la pintura se vea tan dispersa o cargada.