“ Autorretrato. Me pinto a mi misma de frente con una corona de espinas en forma de collar. Las espinas se hunden en mi cuello en representación del dolor luego del divorcio. Del collar cuelga un colibrí muerto, sus alas extendidas imitan mis cejas. Sobre mi hombro izquierdo hay un gato negro preparado para saltar sobre el colibrí. En mi hombro derecho, está mi mono, mascota que me regalo mi ex esposo. 

En el rostro reflejo mi dolor como la resistencia a el y mi peinado a mi país de origen Mexico.

Los colores de la naturaleza mi fascinación por ella. Las libélulas y mariposas, símbolos cristianos de esperanza y renacimiento.

El collar de espinas hace referencia a la corona de Cristo, mostrando el sufrimiento y la humillación que experimente. El colibrí que cuelga de él es un símbolo del folklore mexicano de la suerte en el amor, usado muchas veces para invocar un nuevo romance, pero está muerto, muestro así la desilusión.

El gato negro, está en posición de ataque, mirando amenazadoramente al colibrí y refleja mi amor hacia los animales.
 El mono representa el amor que no recibía de mi marido. 

Pinto autorretratos porque estoy mucho tiempo sola. Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco".

  Autor: Frida Kahlo
 Año: 1940
Técnica: Óleo sobre tela
Tamaño: 61cm x 47cm

Técnica: Óleo sobre tela

Estilo: Romanticismo

Tamaño: 74,8cm x 94,8cm

Soy un caminante. Vengo de un largo camino por Sajonia que hoy me trajo hasta este abismo, sublime y elevado. Este camino no es solo a pie, también viene adentro mío, en lo más profundo de mi alma.

Me acompaña mi soledad. Me alimenta perderme en la inmensidad de la naturaleza, en estas nubes, en esta altura. Hacerme uno con el todo; contemplar eso que no llego a distinguir qué es. 

Nos sentimos tan inmensos como humanos, dominando la razón; pero somos tan diminutos dominado nuestra espiritualidad. Queremos llegar a ser Dios, pero no entendemos que Dios es todo esto que no rodea y nosotros somos parte de él. 

Esta vista me emociona, me motiva, me genera vértigo, terror y vitalidad. Todo al mismo tiempo. Encuentro muchos sentimientos juntos que la razón no puede entender y el corazón no puede expresar.

No hace frío. El viento me despeina y no siento miedo, por lo contrario me siento más vivo que nunca. Se que no voy a caer. Algo me sostiene firme sobre estas piedras, entiendo que aun no es el momento, pero sigo contemplándolo. Quiero entender lo que no se puede entender, quiero ver lo que no se puede ver.  

No reniego del mundo terrenal, lo domino, soy fuerte. Pero algo me llama al mas allá. ¿Qué hay después de la vida?

 

  Autorretrato

 

Escuela: Argentina S. XIX

Técnica: Óleo

Objeto: Pintura

Estilo: Naturalismo, Realismo

Género: social, salón

Soporte: Sobre tela

Medidas: 125,5 x 216 cm.

Estilo: Simbolismo. 

Técnica: Óleo sobre lienzo

Ubicación: Universidad de Texas, EE.UU.
https://drive.google.com/open?id=1MHoBW9oEFZq0ANpMQPQpIshhzU-4WBxm

Sé dónde y cómo vivimos, soy uno de tantos chicos, olvidados, sufrimos la miseria y la indiferencia humana; pero aun así, no dejo de soñar en un futuro mejor.

Este hombre tenía luz en sus ojos, pensé que podría ayudarme y yo ayudarlo a él. Con una idea brillante, quiso representar pequeños momentos de mi vida, y para ello busco material que la misma sociedad ya había descartado y que nosotros, los pueblos más pobres recogemos, estos materiales llenos de significado y cercanos a nuestra realidad.

La pobreza nos acompaña, es una triste realidad de muchas personas en Latinoamérica, pero aun así, en estas calles puedo jugar, viajar, emocionarme, aprender a leer y hasta festejar una navidad; pero lo más importante es que puedo soñar,  y quizá junto a Berni, transformar, y cambiar nuestras condiciones sociales, haciendo valer nuestros derechos. Sé que ahí afuera, hay un mundo lleno de esperanza.

Todos me conocen como Manuelita Rosas debido a que mi padre es Juan Manuel de Rosas, gobernador de la provincia de Buenos Aires, principal caudillo federal. 

Hoy me obsequiaron un cuadro. Es mi retrato, en el visto un vestido de gala rojo, al igual que todos los tonos de la obra. El color hace alusión al símbolo federal de mi padre. 

Luzco con las joyas de mi difunta madre, Encarnación, y en él se ve perfectamente como me ocupo y manejo las relaciones públicas con mi padre, dado que estoy en su escritorio dejando una carta, desde el dia que mi madre nos dejó. 

El cuadro me lo hizo,  Prilidiano Pueyrredón, hijo de Juan Martín de Pueyrredón, un amigo de la familia. 

Un amigo de la familia, Prilidiano Pueyrredón, hijo de Juan Martín de Pueyrredón, ex Director Supremo de las Provincias Unidas del Río de la Plata, quien se formó en Europa realizando su carrera en el Instituto Politécnico de París, graduándose de arquitecto, sin abandonar su gran pasión que es el dibujo y la pintura. Si bien es un gran retratista, también lo apasiona el campo plasmándolo en paisajes. 

A mis 34 años pintó mi retrato, obsequiado en mi honor, dónde visto un vestido de alta costura rojo, aunque no es punzó como el símbolo federal de mi padre, todo el ambiente está acorde con ese color. Luzco con una sonrisa risueña, dejando sobre el escritorio de mi padre una petición. Lo que más me emocionó fueron los detalles delicados que pintó como las joyas de mi madre.

· Título: La creación de Adán

·  Autor: Miguel Ángel Buonarroti

·  Año: 1511

·  Estilo: Renacimiento

·  Técnica: Fresco

·  Ubicación: Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano, Roma

 Buenas tardes, mi nombre es Adán. Soy nada más y nada menos que el primer hombre, y lo que ven aquí es la creación del hombre… ¿Qué les parece? En esta imagen podrán verme conectándome con el creador, cuando me transmitía el soplo de la vida. Mi pintura es al fresco plasmada sobre una fina lámina de yeso en forma rectangular, tengo una superficie aproximada de 280 centímetros de alto por 570 centímetros de largo. Me encuentro en mi emplazamiento original, la bóveda de la Capilla Sixtina, junto a un promedio de 500 m² más de frescos de mi escultor y artista Miguel Ángel.
 Les cuento un poco mi historia… resulta que en el año 1473 el papa Sixto IV ordenó la restauración de la Capella Magna del Vaticano, que era una capilla de fortaleza, lo hicieron y desde ahí la empezaron a utilizar para celebrar actos y ceremonias. Pero algo faltaba, claramente yo, entonces por encargo del papa Julio II, desde 1508 hasta 1512, Miguel Ángel, mi creador, se encargó de decorar la bóveda de la capilla. Produjo muchísimos frescos sobre el techo de la Capilla Sixtina, el mío particularmente es del año 1511. Mi creador, fue un escultor, pintor y arquitecto italiano, fue la gran figura del Renacimiento italiano, un genio que dominó el panorama creativo del siglo XVI. Yo lo admiro, hizo muchísimas cosas impresionantes como “Baco”, “Piedad”, “el David” pero nada como yo (aunque bueno, mi amiga Florencia dice que el David también es muy impresionante, pero sigamos conmigo). 
 Bueno después de esas cositas, lo llamaron para esculpir la tumba de Julio II y crearme a mí, o bueno para decorar el techo de la Capilla Sixtina en realidad… Al principio Miguel se hizo el interesante, se resistió un poco, porque él era principalmente escultor, pero al final aceptó y ¡me creó a mí! Una de sus creaciones más sublimes, en eso coincidimos los dos. Después volvió a Florencia, pero al tiempo se dio cuenta que no podía estar lejos mío y volvió a Roma. De hecho, trabajo en la Capilla Sixtina nuevamente, en el fresco del Juicio Final.
Bueno volvamos a hablar de mi mejor, retomando, luego de unos años en la década de 1990 cuando hicieron algunos arreglos, se demostró lo increíble del trabajo que hizo Miguel, que sin ayuda prácticamente logró esto tan impresionante . Porque es un tamaño enorme el que tenemos las figuras y estamos en una base curva de los techos por lo que es aún más dificultoso, esto nos hace únicos y excepcionales, sobre todo a mí.
 Bueno como les dije, estoy en la Ciudad del Vaticano, donde se encuentra la residencia oficial del papa… La verdad es que veo gente siempre, porque ahora soy parte del museo y atraigo (es obvio que vienen por mi) a multitudes de visitantes (como Flor que vino en el año 2012). Yo me encuentro en la parte central de la bóveda y represento la historia del Génesis en la que Dios me la da vida. Por si todavía no lo notaron, yo soy el de la izquierda, representando la llegada a la realidad, el de la derecha es Dios surgiendo del cielo rodeado de ángeles.
 Por suerte veo mucho gente a diario, todos ingresan mirando para todos lados, yo sé que me buscan a mí, pero la verdad que el lugar es impresionante hay mucho que ver… (Flor me contó que cuando vino no podía encontrarme de la cantidad de imágenes una al lado de la otra, ella imaginaba otra cosa… Pero creo que ahí está mi importancia, soy parte de algo, pero a la vez soy ese algo).
 Bueno los dejo que sigo recibiendo gente, espero que vengan a visitarme, y los reto a ver quién me encuentra más rápido. Saludos! 

En 1974 conocí a mi autor, Antonio Berni; él me dijo que era un pintor, grabador, dibujante y muralista argentino… ¡Wow! Me contó que su interés por la realidad del país le hizo replantear su rumbo en la pintura: se alejó de la dimensión fantástica y se acercó a una pintura más realista (realismo crítico), vinculada a una defensa de las clases sociales más desposeídas.

Vivo alrededor de latas, plásticos, hierros, zapatos y juguetes viejos y rotos; para mí es común. Pero se ve que para Berni fue un rasgo importante a destacar, por eso me dijo que el cuadro iba a estar construido con los mismos materiales que se encuentran en las villas, ¡técnica collage! Eso recuerdo que me dijo. 

Yo le conté quién era, cómo vivía, y las cosas que hacía. Soy consciente de que, para la sociedad, somos los pobres, una multitud de anónimos, desplazados, niños marginados, la miseria… y Berni, según me contó, quería utilizar nuestra vida para expresar una realidad trágica, desigual, llevando a cabo un proyecto cultural y político de reivindicación del oprimido.

En mi barrio no hay servicios de luz, agua potable, cloacas, centros de salud y educación, y algunas veces se inunda o se incendia la basura que nos rodea. Esto que les cuento puede ser el reflejo de cualquier otro chico de Latinoamérica.

Antonio Berni es la persona que me retrato, mi autor, un artista argentino, pintor, dibujante, grabador y muralista reconocido en el medio por crear el nuevo realismo en los años 30, siempre preocupado por la realidad social de su país y a través de ellas quiso mostrar las condiciones que mucha gente vive y la marginalidad que se trata de tapar, porque si no la vemos no existe.

El año de esta obra es 1974 y decidió tomar parte de mi entorno, como las latas papeles maderas juguetes rotos, y darles una re significación a estos desechos arrojados por el consumo de la sociedad, en una nueva forma de expresión ideológica. Sus obras son aptas para todo público y de fácil interpretación, aunque a algunos pueda resultarles anti estéticas porque justamente en ellas busca incomodar y denunciar la explotación.

“Juanito Laguna es un símbolo para sacudir la conciencia de la gente ... Quiero que para nadie sea un pobre chico, sino un chico pobre. Juanito no pide limosnas, reclama justicia” 

Tras la muerte, los egipcios debíamos superar una serie de pruebas hasta que Osiris, dios de la resurrección, nos permitiera ingresar en la vida eterna. Para superar esas pruebas, había una serie de sortilegios, conjuros, oraciones y letanías que recitar que convenía tener a mano en el otro mundo y yo me asegure de que esto sea así! antes de conseguir la aprobación de Osiris y lograr la ansiada inmortalidad, debíamos enfrentarnos a graves peligros y seres malignos. También debía superar algunos exámenes, como las 42 recitaciones negativas (pecados) que negábamos haber cometido durante nuestra vida terrenal, una fórmula que se considera un antecedente de los diez mandamientos. De hecho, el libro de los muertos se ha visto durante siglos como un texto sagrado equiparable a la Biblia o el Corán.

Al principio, estas recitaciones se inscribían en las pirámides: solo se lo podían permitir los faraones. Más adelante pasaron a grabarse en la parte interior de los sarcófagos, así pudieron disfrutar de estas ‘guías de instrucciones’ para el más allá los nobles y altos funcionarios. Luego, los textos se democratizaron y empezaron a copiarse en papiros que se colocaban en las tumbas junto a los cadáveres. Así, el acceso a los libros de los muertos  se fue haciendo más sencillo. No había un único libro de los muertos: cambiaban los textos y las viñetas, los había más lujosos y más sencillos, pero en ellos se solía mostrar el peregrinaje del fallecido por la Duat, el inframundo. 

Encargue mi papiro en el año 1250 a.C. como verán fui muy precavido, en mi papiro los protagonistas somos yo y Tutu, mi amada esposa, suma sacerdotisa de Amón-Ra. Ambos vestimos de blanco y ella lleva sistro y collar. Invertimos el salario de diez años en este fabuloso papiro. Los libros de los muertos costaban una fortuna: la mayoría de la gente se hacía enterrar con un solo capítulo y normalmente sin decorar. Como yo era muy rico, poseía un papiro pintado a mano de 26,6 metros de longitud que fue hecho exclusivamente para mi, está ricamente ilustrado y contiene textos jeroglíficos. Fue escrito por tres escribas, pero ilustrado por una sola mano. El libro de los muertos, es uno de los textos más antiguos y mejor conservados en la historia de la humanidad

El original 'Papiro de Ani' se conserva en Londres. Compilado para el escriba Ani de Tebas y su esposa, la sacerdotisa Tutu, Estuvo en mi tumba hasta que Ernest Wallis Bugde se hizo con él y lo envió a Londres, tras cometer la irreparable atrocidad de cortarlo en 37 hojas.

Su significado:

¿Cuánto pesa tu corazón? En un platillo de la balanza se coloca el corazón del fallecido y en el otro, una pluma de avestruz, símbolo de Maat, diosa de la verdad y la justicia. Tot, dios de la sabiduría, preside la ceremonia.

Ammyt: una diabla al acecho. , la devoradora de muertos, espera que el finado resulte pecador para comerse su corazón e impedir su inmortalidad. Ammyt tiene cabeza de cocodrilo y cuerpo de león e hipopótamo.

Horus, el intermediario. En el siguiente capítulo a este, Horus dios celeste, lleva de la mano al fallecido ante Osiris, dios de la resurrección. Horus, que además es hijo de Osiris, intermedia a favor del humano.

Matisse al realizar el boceto, he mostrarle al monarca, este al ver los cuerpos desnudos no le agrado, pidiéndole al artista que vistiera a las figuras, ante su pedido, el autor se negó, ante los desacuerdos  Ivanovich suspendió el encargo.

Al cabo de unos días le pidió que continuara con la obra, dicen que la fuente de inspiración de mi autor Matisse,  fue al ver varias personas bailando en una playa de Francia, de esta manera fui creada “LA DANZA”,  jugando con los colores y las formas de las figuras haciendo que se cree un patrón de movimiento a través del baile la alegría y la festividad. Es símbolo de ritmo y alegría de vivir.

Me encuentro de espaldas, ya que a menudo adopto una posición central en las pinturas al óleo, esto es a partir del años 1807. Además cumple una función como figura de identificación, para que el espectador se pueda colocar en el lugar mío, y de esa manera seguir cerca del fenómeno natural. 

La figura vuelta de espaldas cumple una importante función como figura de identificación. Normalmente están colocados de tal manera que cubren el punto de fuga. A causa de ello, el espectador, es decir, ustedes, se colocan en mi lugar y de esta manera siguen de cerca el fenómeno natural.

El hecho de que me encuentre en el centro de la pintura, indica que estoy en una posición de dominación. Me encuentro solo, sin presencia humana. Estoy en una situación de  aislamiento y soledad. Mi postura, una pierna delante de la otra, indicaría que Domino la vida de este mundo y miro al más allá esperando que me llegue una vida eterna.

Con respecto a mi paisaje, las rocas entre las montañas y el fondo simbolizan la fe del ser humano, mientras que las montañas del fondo representan la vida eterna futura en el paraíso. El mar de nubes, también se puede interpretar como alusión a la divinidad, estando el ser humano entre la naturaleza (la montaña del primer plano) y Dios (el mar de nubes). 

Con mi imagen se quiere transmitir el sentimiento de lo sublime, la impresión de magnificencia y sobrecogimiento que produce la naturaleza en toda su grandeza. Mi imagen de espaldas parece recordar, sumido en mi contemplación, a algún difunto o mi propia mortalidad.


“El caminante simbolizaría, en fin, al ser humano que concibe su vida terrena (la montaña a la que corresponde la masa rocosa en primer plano) como un preludio a la vida eterna (el mar de nubes). La postura del caminante, con una pierna delante de otra, indicaría que domina la vida de este mundo y mira al más allá con admiración esperando que le llegue una vida eterna.”

 

 

 

Probablemente las personas que dicen ser expertos en arte dirán que parado aquí represento a un viajero, aparentemente con cierto sentimiento de misterio, aislamiento y soledad tan solo por haberme sentido atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos, y agregarán que se pudo lograr capturar una perspectiva aérea y simbólica. Me encuentro de espaldas, claro, ¿quién se daría la vuelta y desperdiciaría un instante para ver qué hay del otro lado? Jamás podría volver la página atrás. 

Nadie me ha preguntado si quería ser objeto de análisis e interpretaciones. Algunos me verán como un personaje anónimo, tal vez perdería mi fisonomía de humano, o seria el equilibrio cósmico?

 ¿Quien quisiera ser yo en este cuadro? Pudiendo ser niebla, una masa rocosa, ¿quién se centraría solo en la figura humana y declararía que simbolizo posición de dominación y a la vez muestro debilidad por usar bastón? Solo lo cargué hasta aquí para utilizarlo como medio de apoyo y apenas lo he usado. Dirán que mi postura, con una pierna delante de otra, indicaría que domino la vida de este mundo y mirar al más allá con admiración hablaría de estar esperando que llegue una vida eterna.

Simplemente en esta pose me encuentro más cómodo. También imaginarían que el mar de nubes puede ser la vida eterna, mi fe, algo divino, y las  montañas lo terrenal. Por supuesto, soy un mortal tan pequeño ante tanta inmensidad del universo que soy la nada misma frente a la naturaleza.

 Ahora pienso, ¿si dejaría de ser un mortal y me convertiría en naturaleza? Podría regenerarme cada vez que lo considere necesario. Me aburre ser un simple sujeto, si me convertiría en niebla, en viento o aun en algo más poderoso,  en oxígeno,  podría esconderme de la realidad. O podría ser un oso, siempre quise tener la fuerza de un oso pero ¿para qué? ¿Para luchar contra quién? O ser un ave, ¿podría volar a tal altura? O ser solo un espíritu que se hidrate de la humedad de las nubes, se alimente de los sonidos de la naturaleza y según la ventosidad hará de sus movimientos y desplazamientos una brisa o  un intenso  viento.

Aquí soy dueño de una hermosa sensación, cerca de mi pecho siento crecer un globo  dentro de mí. Ellos, los de abajo solo hablan porque repiten lo que ya saben, si tan solo escucharían este sonido,  se darían cuenta de toda la abundancia que existe y la gratitud que se siente.

Pensar tanto a veces contamina pero parado aquí aun me sigo cuestionando, ¿quién seré? Friedrich, viento, niebla, montañas, un oso, un ave, o simplemente soy?

Mi nombre es Juanito Laguna, soy un niño muy joven y muy pobre, pero no un pobre niño.

Vivo y trabajo en las Villas Miseria del Gran Bs. As, pero esto no me hace perder las esperanzas yo sé que afuera hay un mundo mejor . Fui creado por Antonio Berni, nacido en Rosario un 14 de Mayo de 1905. Soy una de sus obras mas conocidas, el fue un gran pintor y artista. Estoy hecho de pintura y collage, collage con los mismos materiales que suelo trabajar o simplemente vivir

Mi creación fue pensada para representar a los sectores mas carenciados y la explotación infantil, no solo acá si no también en otros países de América Latina.

El pinta mi vida cotidiana desde fines de los 50, reflejando los momentos felices y los que no también, para que todos sepan las otras caras de la vida.

Me gusta taparme la cara así no pueden reconocerme porque pienso que todo lo que vemos esconde algo.

Suelo pintar manzanas en casi todos los cuadros que aluden al pecado, la tentación y la inmortalidad.

Me visto de traje porque represento a “un hombre normal y corriente”. Por supuesto no hay nada menos corriente que la normalidad.

También, en la mayoría de mis obras, acostumbro a taparle la cara a alguien, ya sea con una manzana, un ramo de flores, o un  paño húmedo, así la persona queda oculta y despierta nuestro interés.

Me gusta la curiosidad pero ojo porque puedo engañar dando pistas falsas.

                      ¿QUIÉN SOY?

Soy René Magritte, autor de la obra.

Tres años antes de su fallecimiento me creó a mí: estoy compuesto de un hombre con bombin, traje negro y corbata roja, vestimenta que usaba mi autor y que quiere representar “un hombre común y corriente”.

Mi creador, René Magritte, me hizo así porque creía que todo lo que vemos esconde otra cosa y por supuesto siempre queremos ver lo que está oculto, aunque eso no oculte nada.

Estoy ubicado delante de un muro y detrás mío se puede apreciar el mar y un cielo nublado. Mis ojos se oscurecen porque la manzana verde que ves delante de mi cara está flotando, pero los podes ver asomándose por el borde. Está manzana es un elemento recurrente en las obras de mi autor en las que hace referencia al pecado (Adán y Eva), la tentación y hasta la inmortalidad.

Otra que aparece frecuentemente en las obras del artista son las personas con la cara tapada con diferentes elementos, o hasta de espaldas, para hacerla anónima y que la persona quede oculta, despertando de esa manera el interés de todos ustedes… La curiosidad es una de las herramientas que usa el autor para hacernos entrar a su mundo.

Por último quiero decirles: Recordemos que todos ocultamos algo, aunque no sea nada. Así somos más interesantes, ¿no...?

Soy una escultura de aprox 6 metros de alto y 13 de ancho, construida por mármol de carrara y yeso. En 1918 fui trasladada a un lugar más alejado de la ciudad , la costanera Sur, en el actual barrio de Puerto Madero , gracias a un sector de la sociedad que se escandalizaba por ver mi escena de desnudo.

“No pretendo descender al terreno de la polémica; tampoco intento entrar en discusión con ese enemigo invisible y poderoso que es la maledicencia. Pero lamento profundamente que el espíritu de cierta gente, la impureza y el sensualismo hayan primado sobre el placer estético de contemplar un desnudo humano, la más maravillosa arquitectura” LOLA MORA

En muchas de sus otras obras aparecen mujeres cosiendo, como mi mamá. Ya que le gusta que las personas que pinta esten abstraídas en su actividad. 
Lo que ella hace se llama arte impresionista y es cuando el artista experimenta con la iluminación y los diferentes manejos de la luz. 

Esta pintura es de 1902, la llamó “madre cosiendo”, el material que usó fue óleo sobre lienzo, las dimensiones de la obra son 92´4 x 73´7 cm. , el estilo es impresionismo como ya les dije.. y me pueden encontrar ami y a mi mamá en el Museo Metropolitano de Nueva York. Saludos a todos/as!! 
(Mary Cassatt 1844- 1926)

Se dice que soy Lisa

Que me siento con misterio

Que soy mona y que me quedo

Con aire de seducción

Que parezco embarazada

Mi nariz es muy sombreada

La figura no me ayuda

Y mi boca es un bom-bom 

Si charlo con Leo, Da Vinci sabrán

Hablando de mí, ustedes  están

Critican si ya la risa perdí

Se fijan si voy, si vengo o si fui

Se dicen, ah, muchas cosas

Mas si el óleo no interesa

¿Por qué pierden la cabeza ocupándose de mí?

Yo sé que muchos me copiaron con mentiras

Y suspiran y se mueren cuando piensan en quién soy

Y más de uno se derrite con mi escote

Y se quedan si lo miro, resoplando de amor

Si fea soy, pongámosle

Que de eso ya yo me enteré

Mas la fealdad que Leo me dio

Mucha donna me la envidió

Y no dirán que me creí

Porque modesta siempre fui

Yo soy así

Y ocultan de mí

Ocultan que  tengo  los ojos provocadores

Y además otros amores que producen sensación

Si soy fea, sé que en cambio, tengo un cutis de manteca

Los que dicen que soy chueca, no me han visto en camisón

Los hombres de mí critican mis cejas

El tamaño de mi marco

La luz, basta de quejas

Critican si ya la calidad perdí

Se fijan si El Louvre, si El Prado o si huí

Se dicen muchas cosas

Mas si el busto no interesa

¿Por qué pierden la cabeza ocupándose de mí?

Yo sé que soy del puro renacimiento

Y Leo en el mil quinientos me creó

Y les juro, soy su joya más preciada, no les miento

Aunque solamente un tipo del museo me robo

Si rara soy, pongámosle

Que eso ya, yo lo acepté

Mas la fealdad que Leo me dio

Todo pintor se la envidió

Y no dirán que me creí

La Gioconda siempre fui

Yo soy así.

Mi vida estuvo marcada por diversos factores: la mala salud fue uno de ellos. La polio de mi infancia y sobre todo un terrible accidente de autobús dejó secuelas que cambiaron mi vida (dolores, amputaciones, imposibilidad de engendrar…), pero que también me iniciaron en el arte. Durante el largo periodo de convalecencia en el hospital realicé mis primeros trabajos artísticos.

Otro factor que marcó mi vida y obra fue el matrimonio con Diego Rivera, toda una institución en México, que resultó una influencia masiva en el arte para mí.
Aunque era polígama y bisexual, las infidelidades de mi marido hicieron de las peleas algo cotidiano y también quedó documentado en la pintura que realizo.

Mi obra tan conocida como Frida Kahlo es difícil de clasificar. Tan unida a mi vida personal, se podría decir que mis cuadros son sujeto y objeto. Sin duda, y aunque a veces lo negaba, hay una masiva influencia surrealista (no todo son sueños, también está la magia, los mitos y el inconsciente que se respira en México). También un evidente influjo expresionista.

Mi condición de mujer también fue principal en las obras. Rompiendo tabús sobre el cuerpo y la sexualidad femenina siempre busqué con mi trabajo alejarme de lo que podría hacer una mujer de mi época y me mostre dura, excesiva, violenta y activa. Es por ello que soy una especie de símbolo del feminismo en el arte.

Al igual que Dalí, yo cree el personaje de Frida, con mi forma de vestir y arreglarme, con vestimentas y abalorios indígenas, mi negativa a depilarme las cejas y bigote y mi pasión por la cerveza.

Usé la simbología de los colores para mi obra:
 El verde: luz tibia, buena; marrón: hoja que va a la tierra, color del mole; amarillo: locura, miedo y enfermedad, pero también algo del sol y de la alegría; azul cobalto: electricidad, amor y pureza; negro: nada es negro; hojas verdes: tristeza, ciencia; amarillo verdoso :locura y misterio, los fantasmas usan trajes de ese color; verde oscuro: color de buenos negocios y malos anuncios; azul marino: distancia, aunque también la ternura puede ser de ese color.

Les cuento sobre mi obra…

En mi hombro derecho, está mi mono, mascota que me regalo mi ex esposo. 

En el rostro reflejo mi dolor como la resistencia a él y mi peinado a mi país de origen México.

Los colores de la naturaleza mi fascinación por ella. Las mariposas, símbolos cristianos de esperanza y renacimiento.

El collar de espinas hace referencia a la corona de Cristo, mostrando el sufrimiento y la humillación que experimente. El colibrí que cuelga de él es un símbolo del folklore mexicano de la suerte en el amor, usado muchas veces para invocar un nuevo romance, pero está muerto, muestro así la desilusión.

El gato negro, está en posición de ataque, mirando amenazadoramente al colibrí y refleja mi amor hacia los animales.
  El mono representa el amor que no recibí de mi marido. 

Hola!  me llamo Supermarket Lady y fui creada en 1970 por Duane Hanson. Pertenezco a una colección que se llama "Sueño Americano" en donde se pueden ver una serie de obras que representan personajes de la sociedad americana que tratan de encajar a la perfección en unos parámetros sociales predeterminados, son los residuos de una sociedad exitosa que en su imperfección tratan de encajar en el sueño americano. 

Conmigo lo que que trata de hacer mi autor es representar el alter ego de la perfecta ama de casa americana. Al hacerme tan grotesca trata de que reflexionemos sobre la individualización del ciudadano frente a una masa colectiva.

Período: Renacimiento   

Me presento soy Lisa Gherardini ,esposa de Francesco del Giocondo. Lisa y Francesco tuvieron cinco hijos.
Mi postura de la Mona Lisa indica serenidad , muestra el dominio de los sentimientos, cosa que normalmente no se atribuía a una mujer en aquel entonces. Mi rostro no tiene cejas. La expresión de la mujer en el cuadro es enigmática o ambigua.
Que significa mi nombre?
el de "La Gioconda" en referencia a su esposo y también a su significado en español: jubiloso, feliz o alegre; términos dados por esa enigmática sonrisa. Asimismo, "Mona Lisa" es simplemente "Señora Lisa
La Mona Lisa es una pintura al óleo del artista, inventor y escritor italiano Leonardo da Vinci. La pieza muestra el retrato de una mujer sentada frente a un paisaje imaginario.
Este consiste en superponer varias capas de pintura delicadas para suavizar o diluir los contornos de la figura y lograr la sensación de naturalidad y volumen, lo que permite percibir que las figuras se integran al resto de la composición.