Generación del 98 destaca por su deseo de renovar la literatura española en el periodo de la Restauración tras la pérdida definitiva del imperio colonial (desastre del 98), Frente al problema de España este grupo de intelectuales muestra un espíritu crítico e inconformista, una actitud existencialista angustiada y una ideología antiburguesa (socialismo y anarquismo), con el objetivo de plantear una modernización y europeización del país. Reivindican a los escritores clásicos españoles (Berceo, Garcilaso, San Juan de la Cruz) y defienden un lenguaje sobrio y casticista y toman a Castilla y el paisaje castellano como símbolo de esa unidad.

 

Los miembros de esta generación serían el grupo de Los Tres (Azorín, Baroja y Maetzu), Unamuno, aunque siempre tuvo una actitud independiente, Valle Inclán y Antonio Machado.

Respecto al lenguaje literario tanto los modernistas como la Generación del 98 pretenden buscar nuevas formas de expresión que superen el estilo retórico y ampuloso del siglo XIX. En las letras hispánicas el Modernismo literario tiene su cuna en Hispanoamérica y llegará a España con la llegada de Rubén Darío en 1892, aunque de forma paralela a este movimiento que busca el esteticismo como rechazo del mundo surge la Generación del 98, que con lenguaje sobrio y preciso presenta una actitud crítica ante la realidad y  la necesidad de cambios

 

La vinculación entre los diversos miembros de este grupo poético es bastante estrecha. Sus relaciones personales son habituales, algunos convivieron en la madrileña Residencia de Estudiantes, casi todos pertenecen a la burguesía culta progresista y compartieron diversas actividades culturales,
tienen una sólida formación cultural. La crítica señala que vivieron su juventud dentro de cierto elitismo cultural y que durante la Segunda República, la Guerra Civil y la posguerra la preocupación por el destino de España se convierte en tema principal.

 

Este grupo de poetas sabrá conjugar el equilibrio entre tradición y vanguardia (creacionismo, surrealismo, futurismo) así como la vinculación a movimientos desarrollados a principios de siglo como el Modernismo y la poesía pura de Juan Ramón Jiménez en una búsqueda de una identidad creativa que rompa los cánones de la literatura del XIX, que ellos consideraban burguesa y obsoleta. 

Por otro lado, el panorama de la poesía en España en estos primeros años 40 es desolador frente a la riqueza poética de las décadas anteriores, pues Unamuno y García Lorca han muerto en 1936, Antonio Machado en 1939, Miguel Hernández lo hará poco después en el presidio. Se han exiliado Juan Ramón Jiménez y buena parte de los autores de la generación del 27: Salinas, Guillén, Cernuda, Alberti.

La sociedad de consumo, caracterizada por el acceso a más información y por una mayor movilidad, trajo, especialmente entre los más jóvenes, una nueva mentalidad que chocaba con el tradicionalismo del régimen. Esto produjo una progresiva relajación de la importancia de la Iglesia, nuevos hábitos de relación social y nuevas pautas de relación entre ambos sexos con una incipiente reivindicación del papel de la mujer.

El teatro que siguió a la Guerra Civil fue, en general, de una calidad ínfima, y se encontró condicionado por las duras condiciones socioeconómicas en que se desarrolló. Dos grandes autores teatrales, como Federico García Lorca (1898-1936) y Miguel Hernández (1910-1942), habían fallecido a consecuencia de la guerra, y otros tres, como Alberti (1902-1999), autor de El Adefesio; Alejandro Casona (La dama del alba) y Max Aub (San Juan) se encontraban exiliados.

El teatro español amordazada por la censura y condenado por la pobreza de medios sufrió uno de los mayores baches de su historia en la década que va desde el final de la guerra hasta el estreno de Historia de una escalera de Buero Vallejo dentro del teatro de compromiso de los 50.

 

Dentro de este panorama teatral de los años 40, la escena española estaba dominada por un teatro “nacional” al servicio de la dictadura. Es un teatro evasivo, en el que dominan: La comedia burguesa (1), que se desarrolla en espacios lujosos, donde personajes pertenecientes a la burguesía viven conflictos personales relacionados con el adulterio, la soltería y la nostalgia del pasado desde una perspectiva sentimental con final feliz como es el caso de El testamento de la mariposa (1941) de José María Pemán.

El teatro de humor (2) caracterizado por un humor disparatado y poético, que es un instrumento para dar una visión crítica de la sociedad y que debe expresarse por medio de situaciones inverosímiles, gags y diálogos absurdos de los personajes.

Los representantes más destacados de este género, alejado de la realidad inmediata, fueron Enrique Jardiel Poncela que incorpora a su obra lo inverosímil, con ingredientes de locura y misterios como en Eloísa está debajo de un almendro (1940) y Miguel Mihura. 

 

La originalidad de sus planteamientos teatrales se manifiestan en Tres sombreros de copa (1932), estrenada 20 años después de ser escrita, así que aunque empezó a escribir antes de la guerra, su reconocimiento fue tardío, pues sólo estrenó con regularidad a partir de la década de los cincuenta cuando el TEU (Teatro Español Universitario) la representa.

 

Su obra comediográfica se clasifica en dos épocas:

-Primer periodo (entre 1932 y 1946): predomina el enfrentamiento entre los protagonistas y su entorno social. Tres sombreros de copa, que revoluciona el teatro español y otras obras compuestas en colaboración con otros autores como; Viva lo imposible o el contable de estrellas (1939), Ni pobre ni rico, sino todo lo contrario (1943), El caso de la mujer asesinadita (1946).

-Segundo periodo: A partir de la dificultad para representar Tres sombreros de copa, Mihura decidió hacer otro tipo de teatro más asequible al público de su tiempo, en la línea del llamado “teatro comercial”. Mihura opta por obras cómico-costumbristas, de corte policíaco y de enredo, con títulos como Maribel y la extraña familia (1959), Ninette y un señor de Murcia (1964). En este periodo predomina el conflicto en las relaciones doméstico-sentimentales entre el hombre y la mujer. 

 

En 1932 escribió Tres Sombreros de Copa, comedia considerada como una de las obras maestras del teatro humorístico y que anticipa algunos aspectos del Teatro del absurdo europeo de los 50 (Esperando a Godot de Samuel Beckett). En ella se enfrentan el mundo de las restricciones y convencionalismos y el de la libertad y la imaginación. De hecho, los sombreros a los que se alude en el título representan por un lado el vestido de etiqueta del mundo burgués, símbolo de la vida respetable; y por otro, es parte del vestuario usado por las bailarinas del music-hall, símbolo de una vida más libre y espontánea

En la obra, Dionisio, personaje protagonista que representa lo formal, serio y respetable, está a punto de contraer matrimonio. La noche previa a la boda se enfrenta con el mundo libre y bohemio de unos cómicos. Se enamora de Paula, perteneciente a este mundo, pero finalmente renuncia a la libertad para reintegrarse en el orden establecido a través del matrimonio con su antigua novia. Mihura muestra así su pesimismo y desencanto. 

La obra plantea una reflexión sobre la imposibilidad de comunicación, del amor y de la libertad, todo ello cegado por una sociedad clasista y deshumanizada, basada en prejuicios y apariencias, que absorbe la libertad del individuo y lo incapacita para pensar y decidir por su cuenta.

Mihura utiliza magistralmente los siguientes procedimientos cómicos con el fin de potenciar el uso de lo cómico para refrenar lo patético y lo lírico: con restricciones en conceptos que no las admiten («Sí. Era militar. Pero muy poco. Casi na-da.»), con la ruptura de la evidencia (por ejemplo, cuando Fanny le dice que tiene unos ojos muy bonitos, Dionisio pregunta «¿En dónde?» ), con la personificación (en un momento Dionisio comenta que la abuela y el caballo discutían y que el caballo «decía muchas más picardías»), con juegos sonoros («¡Laralí! ¡Laralí!») y el uso inadecuado de los objetos (hablar al teléfono a distancia sin descolgar).

 

CONCLUSIÓN. Mihura es la primera figura del teatro humorístico contemporáneo español. Sus comedias muestran una voluntad de ruptura con el teatro precedente. Después de este planteamiento de renovación de la comedia en la línea del teatro del absurdo que se desarrollará en Europa durante los años 50, comienza a surgir un teatro existencialista basado en el compromiso y que pretende mover al espectador a la reflexión y a la crítica y que se desarrollará plenamente en la década de los 50 a través de la figura de Buero Vallejo.

En los años 40 la novela se puede clasificar dentro de tres tendencias, todas ellas caracterizadas por una visión pesimista y existencial de la realidad: 

·  Tendencia ideológica, auspiciada por el régimen franquista, en la que los vencedores son los buenos y los vencidos los malos (que podemos encontrar en la novela Javier Mariño (1943) de Gonzalo Torrente Ballester).

·  Tendencia realista clásica en la que aparece retratada la burguesía, sus valores y comportamientos, un ejemplo sería Mariona Rebull (1943) de Ignacio Agustí.

·  Novela de humor y fantasía, en la que se crean mundos imaginarios para evadirse de una realidad demasiado terrible como es el caso de El bosque animado (1943) de Wenceslao Fernández Flórez.

En la década de los 40 destacaremos tres hechos importantes para señalar el renacer de la novela española: la aparición en 1942 de La familia de Pascual Duarte de Camilo José Cela, el Premio Nadal a la novela de Carmen Laforet Nada
(1945) y la publicación de novelas de Miguel Delibes y Gonzalo Torrente Ballester. Se rompió así la continuidad con la línea innovadora de los planteamientos deshumanizadores o vanguardistas de las décadas de preguerra. 

En la década de los 50 surge un realismo social que toma una actitud de compromiso con la realidad. Se abre como La colmena de Camilo José Cela (1951) y en este periodo destacan dos tendencias: el objetivismo del noveau roman, que trata de describir la realidad desde un punto de vista imparcial como es el caso de Rafael Sánchez Ferlosio (con su
novela El Jarama) e Ignacio Aldecoa (autor de El fulgor y la sangre) y el realismo crítico que pretende agitar las conciencias como es el caso de Duelo en el paraíso de Juan Goytisolo. 

 

Sender es quizá el representante más conocido de la llamada
“narrativa del exilio” de la que
también forman parte Rosa Chacel o Max Aub. 

Su obra puede dividirse en tres etapas:

La primera etapa se podría marcar hasta 1939, final de la Guerra Civil. En esa época Sender es conocido principalmente como periodista. Evolucionó del anarquismo juvenil, al comunismo, y durante la guerra de nuevo al anarquismo anticomunista. Durante esta época publica las novelas
Imán, sobre la guerra de Marruecos (Sender hizo allí el servicio militar), y Míster Witt en el Cantón, sobre la insurrección cartagenera de la Primera República. En ellas ya se aprecia
la preocupación sociopolítica y en el segundo caso, también por la historia. En la guerra se incorporó al ejército republicano y parece ser que tuvo problemas con los comunistas. El peor episodio de su vida fue el fusilamiento de su mujer y su hermano por los franquistas. Se exilió primero a México y después a EEUU, donde se hizo profesor universitario sobre todo en los estados del sudoeste (más hispanos) y donde acabó consiguiendo la nacionalidad estadounidense.

La segunda etapa de su obra es la que se podría denominar como narrativa del exilio. Durante esta etapa destaca la presencia de elementos de la realidad relacionados con el contexto de la Guerra Civil,
que adquieren importancia como testimonio de la historia que la dictadura de Franco había censurado y como reivindicación del drama moral y humano que tuvieron que sufrir los vencidos en el conflicto. Se incluyen en esta etapa obras como Los Cinco libros de Ariadna, una sátira política que mezcla realismo social y experimentación con el objetivo de analizar sus vivencias dentro del frente del Ebro y criticar el papel de los comunistas dentro de la Guerra Civil; Crónica del alba, que narra mediante la técnica de la novela tradicional la infancia y juventud de José Garcés, reflejo vital del autor y Réquiem por un campesino español. 

La etapa de decadencia desde los años 60 está constituida por novelas misceláneas sobre los más diversos temas, como la Atlántida, los extraterrestres, las ballenas varadas o el golpe de estado de Tejero. Obras de baja calidad en la que destaca la Tesis de Nancy.

Requiém por la muerte de un campesino español es una obra publicada en el exilio por lo que pese a enmarcarse dentro de la tendencia del realismo social de los 50 tiene la particularidad de realizar una crítica directa al abuso de poder y al odio que
desarrolló el bando de los sublevados dentro de la Guerra Civil. Este tratamiento del tema nunca hubiera sido posible dentro de la España de posguerra en la que el tratamiento de este tema estaba prohibido.

La obra se articula en torno a dos personajes: Mosén Millán, cura del pueblo y Paco el del Molina, ferviente defensor de los derechos de los más pobres, que será ajusticiado por sus ideas.
La novela se articula en torno al personaje de Mosén Millán que deberá oficiar el entierro de Paco el del Molino a quien él mismo ha delatado. Dentro de esta situación de reflexión y remordimiento acudirá al pasado a través de una analepsis (flashback) para recuperar los episodios de infancia, juventud y madurez de Paco, que siempre mostró su
humanidad y preocupación por los más débiles. La contraposición entre el papel de Mosén Millán como cobarde y falto de principios contrasta con el papel de Paco murió por defender sus derechos e intentar luchar por las mejoras sociales.

 

Tras el auge del realismo social de los 50, se produce en los años 60 una relajación de la censura, que junto con el boom de la novela hispanoamericana y el contacto con novelistas en el exilio permite la experimentación narrativa con obras como Volverás a Región de Juan Benet o Tiempo de silencio de Luis Martín-Santos.

-LA POESÍA PURA. Se aprecia en sus versos el esfuerzo de depuración formal, la búsqueda de la precisión expresiva y la tendencia a la intelectualización siguiendo el modelo de Juan Ramón Jiménez.

- Otra línea poética que afecta a varios de ellos –Alberti, Lorca, Gerardo Diego- es el NEOPOPULARISMO. Estos poetas recrean  la poesía popular contenida en el Romancero viejo, en los Cancioneros tradicionales. Recuperan la métrica y ritmos tradicionales (romances, seguidillas, canciones paralelísticas, villancicos…),  y utilizan  recursos estilísticos (repeticiones, paralelismos, diminutivos...) propios del folklore  y de la poesía tradicional. 

-Las VANGUARDIAS fueron muy importantes en  la lírica del 27. A este respecto hay que señalar el importante papel precursor de Gómez de la Serna -autor de las greguerías; el futurismo, con poemas dedicados a máquinas y elementos técnicos; la poesía creacionista y ultraísta, que pretendía crear una realidad nueva, no imitar la ya existente y el surrealismo, que explora nuevas vías expresivas con la utilización de imágenes oníricas y de elementos irracionales.

Pero el vanguardismo no es para los autores del 27 una poética excluyente, sino que buscaron el equilibrio entre tradición y vanguardia, entre lo clásico y lo  experimental. Lorca desarrolla la primera etapa de su poesía dentro de la corriente neopopularista y tras su viaja e Nueva York incorpora el surrealismo a su poesía como un medio de presentar el desgarro emocional que le produce la desigualdad y la miseria 

 

La personalidad de Lorca ofrece un doble rostro: de un lado, su vitalidad arrolladora; de otro un íntimo malestar como anuncio de su trágico destino. Aunque es difícil establecer épocas en la poética de Lorca, algunos críticos diferencian dos etapas: una de juventud y otra de plenitud. 

 

Aquí se incluyen sus primeros escritos: Impresiones y paisajes (en prosa, aunque sin embargo muestra procedimientos característicos del lenguaje poético) y Libro de poemas, escrito bajo el influjo de Rubén Darío, Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez) y la tradicional medieval que dotan a la obra de superficialidad, la inmadurez, cierta inocencia emocional y la nostalgia becqueriana. 

Comienza con el Poema del cante jondo (1921) Primeras canciones (1936) y Canciones (1927) con inspiración folclórica describe la lírica neopopularista de la Generación del 27. Con determinados símbolos, Lorca crea su propio universo representando a los humanos con el gitano, la dama y el bandolero, y a la naturaleza con el caballo, la luna, el agua y el río, mientras que el tema principal es el mundo de los gitanos como universo mítico lorquiano.

 

En Romancero gitano aparecen temas atávicos centrados en la muerte, el amor, la pasión, el deseo y todos los sentimientos trágicos de la vida. La muerte y la incompatibilidad moral del mundo gitano con la sociedad burguesa son los dos grandes temas del Romancero gitano. Lorca eleva al personaje gitano al rango de mito literario, como después hará también con el negro y el judío en Poeta en Nueva York. En el Romancero gitano emplea el romance, en el que destaca un lenguaje estilizado y de gran concisión expresiva  que surge de la fusión entre lo popular y lo culto; de la síntesis del Romancero tradicional y de la creación de metáforas y símbolos inspirados por movimientos de vanguardia como el expresionismo y el surrealismo. Palabras utilizadas por Lorca como símbolo son el color verde (símbolo de la esterilidad, frustración y muerte), el viento (eros), la luna (ausencia de vida), el caballo (la pasión, los instintos), el agua (la fertilidad) y el pozo (la pasión muerta o estancada).

 

Lorca escribió Poeta en Nueva York a partir de su experiencia en EE. UU., donde vivió entre 1929 y 1930 en la que impresionado por las duras condiciones creadas en la sociedad por la crisis del 29 utiliza su poesía para expresar la angustia y el ansia de comunicación que lo embargan, emplea las imágenes visionarias del lenguaje surrealista. 

 

Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías (1935) es una elegía de incontenible dolor y emoción que actúa de homenaje al torero sevillano que tanto apoyó a los poetas de la Generación del 27.

La obra poética de García Lorca se cierra con Seis poemas gallegos y la serie de once poemas amorosos titulada Sonetos del amor oscuro, poemario inacabado que refleja su experiencia amorosa y El Diván de Tamarit es un poema de madurez y complejidad, con influencias arábigo-andaluzas, donde vuelve a las formas métricas tradicionales.

 

La obra poética de Lorca constituye una de las cimas de la poesía de la Generación del 27 y de toda la literatura española.  Llevó a cabo un importante tratamiento de la metáfora y el símbolo dentro del movimiento surrealista junto con otros autores del 27 como Alberti y Aleixandre, dentro de una corriente que dejará huella en autores posteriores como Dámaso Alonso en la década de los 40 o Blanca Andreu en la de los 80.

En las primeras décadas del XX se produjeron diversos intentos de renovación de un panorama teatral dominado por un teatro costumbrista, como el de Jacinto Benavente que desarrolla obra como Los intereses creados. Aunque el público burgués acudía al teatro en busca de diversión exclusivamente se desarrolló un intento de renovación iniciada por Valle Inclán dentro de la Generación del 98 con Luces de Bohemia y su desarrollo del esperpento.

Después de este impulso renovador la Generación del 27 aplicará la ideología vanguardista a la forma de entender el teatro, que romperá con todas la convenciones del teatro burgués. Ejemplo de ello son Rafael Alberti, con alguna obra de carácter surrealista, como El hombre deshabitado, y otra donde muestra su giro hacia la literatura comprometida, Fermín Galán o Alejandro Casona con La dama del alba.

Pero fue Federico García Lorca quien con sus tragedias Yerma, Bodas de sangre y La casa de Bernarda Alba en las que desarrolla con confrontación entre la libertad y la opresión en un ambiente rural en el que la lucha entre ambas fuerzas consiguió superar la barrera de la simple experimentación y dotar a sus obras de un valor universal.

 

En 1932 Lorca formó el Teatro Universitario “La Barraca”, una compañía con la que deseaba renovar la escena mediante la actualización de los clásicos. Recibe influencias muy variadas, desde el teatro clásico español, pasando por el modernista  Valle-Inclán, hasta Shakespeare o el teatro de títeres.

·      Sus primeros dramas, El maleficio de la mariposa y Mariana Pineda, están emparentadas con el lirismo del teatro modernista. Es autor, además, de farsas como La zapatera prodigiosa, que representa la ilusión insatisfecha.

·      Bajo la denominación de comedias imposibles se reúnen tres obras en las que se aprecia la influencia del surrealismo: El público, Así que pasen cinco años y Comedia sin título. Son piezas de complejo simbolismo que no pudieron ser representadas hasta mucho después. 

·      Pero la plenitud de su quehacer dramático se halla en sus tragedias: Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba, que se desarrollan en un ambiente rural y representan el destino trágico y la frustración del deseo. También Doña Rosita la soltera tiene como protagonista a una mujer frustrada, aunque en este caso se trata de un drama sobre la espera inútil del amor.

 

La casa de Bernarda Alba es una obra teatral en tres actos escrita en 1936 por Federico García Lorca. Expone la historia de Bernarda Alba, que tras haber enviudado por segunda vez a los 60 años, decide vivir los siguientes ocho años en el más riguroso luto. Esa terrible imposición sirve a este drama rural como un catalizador que hará explotar el deseo de las hermanas hacia Pepe el Romano, pretendiente de Angustias (la hija mayor y heredera) pero atraído por la juventud y belleza de Adela (la menor) y amado a su vez, en secreto, por Martirio, otra de las hermanas. El odio generado por la imposibilidad de amar a Pepe el Romano llevará a Martirio a traicionar a su hermana Adela, que no dudará en enfrentarse a la matriarca Bernarda antes de asumir la imposibilidad de ser feliz y optar, por tanto, por el suicidio.

 

El tema central de la obra es el enfrentamiento entre autoridad y libertad o el conflicto entre la realidad y el deseo. Frente al autoritarismo y la represión de Bernarda, las hijas encarnan desde la pasiva sumisión frustrante de las mujeres de la época en general, hasta la rebeldía imposible de Adela.

Las raíces de la frustración se pueden situar en un plano social con un fuerte componente moral, lo cual conduce a señalar una serie de temas que se unen con el central como la moral tradicional y la presión social sobre los individuos (el qué dirán y las apariencias), las diferencias sociales, la condición de la mujer en la sociedad española de la época (y las diferencias sociales entre hombres y mujeres), el honor y la pasión condenada a la soledad o la muerte.

LA ESTRUCTURA
Estructura externa: la obra se estructura en 3 actos.

Interna: tres partes distintas en la obra.

1.    Aparece la exposición de la situación, una localización espacio-temporal y una presentación de los personajes. Se dice que ha muerto el señor Alba y que Bernarda va a imponer el luto en la familia.

2.    El desarrollo anuncia la boda de Angustias con Pepe el Romano y a partir de este momento la tensión va en aumento. Se muestran las envidias, y amores, de las demás hermanas, el misterio de las ventanas y de los encuentros nocturnos. El momento cumbre es cuando se desvela que Adela y Pepe han mantenido una relación.

3.    La última parte, el desenlace, es trágico: el suicidio de Adela al creer esta que su madre ha matado a Pepe.

La acción se desarrolla en la casa de Bernarda: un espacio cerrado. Es el mundo del luto, del silencio de la ocultación. Este lugar es comparado con un convento, con un presidio similar al infierno que transmite una atmósfera sofocante. Existe una relación entre el interior de la casa y la represión a la que las hijas son sometidas por el mundo exterior. De él llegan ecos de pasiones elementales o de un erotismo desatado (la anécdota de los segadores con la prostituta), pero también advertencias, como lo que le sucede a la hija de la Librada, que tiene un hijo siendo soltera. 

 

Bernarda es una encarnación hipérbolica de las fuerzas represivas. Representa las convenciones morales y sociales más añejas y la mentalidad tradicional vigente, la buena fachada aun cuando no se corresponde con la realidad. Se opone a los impulsos eróticos. Las hijas viven en la reclusión impuesta y el deseo de mundo exterior. Obsesionadas por lo erótico, estos anhelos, a veces unidos al matrimonio, son su única manera de salir del encierro. El abanico de actitudes va desde la sumisión de Angustias, que incluso asume la infidelidad de Pepe, la resignación de Amelia y Magdalena hasta la rebeldía de Adela o de Martirio que convierte el amor por su hermana Adela y termina delatándola y conduciéndola a una situación insostenible dentro de la casa.

 

El uso expresionista de los colores (o de la ausencia de colores). El blanco y negro: las paredes que contrastan con los vestidos de luto de las mujeres. Blanco pureza, negro muerte. Sólo destaca en un momento dado el verde del vestido de Adela, que es la rebeldía, la libertad. El bastón representa el  símbolo del poder tiránico, que por su forma representa los valores patriarcales. Dentro de este universo de contrastes los caballos y el calor representan la manifestación del deseo irrefrenable frente al agua estancada y la luna que se identifican con la imposibilidad del sentir y con la muerte.

CONCLUSIÓN: Federico García Lorca logró con sus tragedias Yerma, Bodas de sangre y La casa de Bernarda Alba desarrollar la confrontación entre la libertad y la opresión en un ambiente rural en el que la lucha entre ambas fuerzas consiguió superar la barrera de la simple experimentación y dotar a sus obras de un valor universal.

· La novela se estructura en torno a un único personaje, un héroe casi trágico que evoluciona hacia una situación espiritual límite. 

· El proceso de cambio se centra en la mentalidad del protagonista.

· Sustituyen los incidentes por diálogos que señalan un estadio de desarrollo mental del protagonista y denotan una tendencia antirretórica.

· Las novelas presentan una estructura abierta, a través de episodios aparentemente inconexos que reflejan el fluir de la vida.

Pío Baroja
Pío Baroja fue un hombre de talante solitario y amargado. Hay por ello cierto hastío vital en muchos de sus personajes, desazón existencial. La vida es el sufrimiento y la conciencia agudiza más este doloroso sentimiento. Su estilo es antirretórico, tiene
preferencia por la frase corta, el párrafo breve, y destacan las descripciones, pinturas rápidas, hechas de pinceladas escuetas, impresionista en la que predomina un tono agrio.

Obra
Baroja escribió más de sesenta novelas, la mayor parte de las cuales agrupó en trilogías:

La trilogía de La lucha por la vida (1904-1905), integrada por La busca, Mala hierba y Aurora roja. El protagonista, Manuel Alcázar, llega al Madrid de comienzos del siglo XIX donde conoce gentes y situaciones que constituirán la escuela de la vida. 

La trilogía de La Tierra vasca (1900-1909), compuesta por La casa de Aizgorri, El mayorazgo de Labraz y Zalacaín el aventurero. A través del diálogo y la acción se crea una novela alegre y esperanzada, que nos da la visión de las Guerras Carlistas a través de Zalacaín, un joven humilde, valiente y animoso que no se arredra ante la adversidad y el peligro.

La trilogía La Raza (1908-1911), formada por La dama errante, La ciudad de la niebla y El árbol de la ciencia.

El árbol de la ciencia
Es la novela noventayochista que mejor expresa la crisis existencial del tránsito del XIX al XX. El dilema en la obra, de ahí el título, es, o la acción en el círculo que nos rodea, o la
abstención y la contemplación indiferente de todo (ataraxia). 

Se trata de una novela de aprendizaje, ya que a lo largo del relato se va conformando  la personalidad del protagonista
desde la juventud hasta la madurez, a partir de un “viaje” por el mundo exterior (Valencia, Madrid, Alcolea...), y por su mundo interior (lecturas filosóficas y charlas con su tío Iturrioz).

Esta novela posee un gran componente autobiográfico (Andrés Hurtado es el Baroja joven, su tío Iturrioz, el Baroja maduro; la vida del estudiante de Medicina; la muerte del hermano pequeño (muerte del hermano mayor Darío Baroja); el periodo
de médico en Alcolea del Campo (fue médico en Cestona); la lectura de filósofos como Kant, Schopenhauer o Nietzsche...).

La obra está narrada en tercera persona por un narrador no omnisciente, sino parcial, ya que solo conoce los sentimientos de Andrés y en todo momento nos sitúa en los lugares en los que está el protagonista. La técnica narrativa es sobre todo realista, basada en la observación de
ambientes, situaciones y personajes de la vida real.

El tema fundamental de la novela es el sentido de la existencia humana, que Andrés busca de mil maneras pero no llega a encontrar (por eso el desenlace natural es la angustia, el aislamiento y el suicidio). A este están subordinados los demás temas, que serían aquellos puntos en los que Andrés se topa con ese sinsentido: la injusticia social y de la explotación del hombre por el hombre, el absurdo del mundo y del ser humano y el tema del dolor, asociado a la enfermedad y la muerte.

Para entender la poesía de este periodo hay que situarse en el momento político-social y cultural en el que queda España tras la guerra: se trata de un país destrozado económicamente y traumatizado moralmente. Culturalmente hay que destacar la censura que, aunque se prolonga durante toda la dictadura franquista, sin embargo es muy fuerte en estos primeros años.

Permanecen en España algunos integrantes del 27: Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre y Gerardo Diego, que escriben obras fundamentalmente durante la posguerra. A partir de 1944 Dámaso Alonso con Hijos de la ira y Vicente Aleixandre con Sombra del paraíso optan por abordar en primer término los temas del hombre desarrollando la poesía desarraigada, de concepción existencial que va a tener su cauce en la revista “Espadaña” (1944-1951). 

Junto a ellos, está la Generación del 36 (Luis Rosales, Dionisio Ridruejo, Luis Felipe Vivanco, Leopoldo Panero) son un grupo de poetas que comenzó a escribir en los años 30, que en 1939 estaban en plena madurez y que tras la guerra optaron por una poesía neoclasicista, que rehuía los problemas del momento (poesía arraigada).

 

La poesía existencialista o desarraigada deriva en una poesía social de modo que entre 1955 y 1960 la angustia interior de la poesía desarraigada se pasa a un reflejo de los problemas sociales, cuando las cicatrices de la Guerra Civil Española (1936-1939) no se han cerrado. En 1955 se publican los libros Cantos Íberos de Gabriel Celaya y Pido la paz y la palabra de Blas de Otero, que marcan el comienzo de una corriente de poesía social con las siguientes características:

El poeta ha de ser solidario con la colectividad y tiene una responsabilidad ética. La poesía ha de ser un instrumento para transformar la sociedad (“La poesía es un arma cargada de futuro”, se titula un poema de Celaya).

-La poesía debe comunicar algo a los demás y emplear un tono coloquial, claro y directo para alcanzar a un público mayoritario. 

-Los temas poéticos serán aquellos que expresen las preocupaciones sociales, políticas y existenciales comunes a todos los seres humanos.

-Se recupera la obra de algunos poetas postergados, como Miguel Hernández y se toma de Antonio Machado su concepto de que “la poesía es la palabra esencial en el tiempo”.

 

La obra de Blas de Otero se considera como una poesía más plástica que musical, que cumple la función de apelar al lector y sacudir su conciencia. 

En lo que se refiere a su trayectoria poética suelen diferenciarse tres etapas.

 

ETAPA EXISTENCIAL (1945-1955). Su poesía, ya iniciada en 1942 con una obra menor (Cántico espiritual) empieza a destacar con la publicación de Ángel fieramente humano (1950) y Redoble de conciencia (1951), obras que refundirá en 1958 junto con otros poemas, bajo el título Ancia.

Se trata de una poesía desarraigada, en la que el poeta busca a Dios como último sentido de la existencia humana, pero el silencio de ese Dios provoca en él angustia, vacío, vértigo, desesperación, soledad, rebeldía.

 

ETAPA SOCIAL (1955-1965). A esta etapa pertenecen sus obras Pido la paz y la palabra (1955), En castellano (1959) y Que trata de España (1964). El poeta abandona sus problemas y angustias personales y encuentra el sentido de la poesía en la solidaridad con los problemas colectivos, consumándose así el paso del “yo al “nosotros”. El tono es a la vez de denuncia crítica y de esperanza. Su poesía se transforma en una lucha constructiva por la paz, la justicia, la libertad y la búsqueda de un futuro mejor. Es una poesía dirigida “a la inmensa mayoría”, con un lenguaje más sencillo. En la métrica, predomina el verso libre sobre el soneto.

 

ETAPA EXPERIMENTAL. Después de 1965, Blas de Otero va comprendiendo la ineficacia de la poesía social para cambiar la realidad y concentra sus esfuerzos en la renovación del lenguaje poético. A esta etapa pertenecen Historias fingidas y verdaderas (1970) y Mientras (1970).

 

La poesía de Blas de Otero es una pieza clave para entender la evolución desde el existencialismo de la primera época, hasta una poesía de tipo social que pasará a reivindicar las preocupaciones sociales. Durante la década de los 60 se  creará una poesía centrada en la poetización de la experiencia con una vuelta al intimismo, es decir, al yo poético sobre el nosotros.

Tras el fin de la Guerra civil, el teatro se vio afectado, situación más que los demás géneros si cabe, por la nueva política y la mala situación económica que afectaba a toda la sociedad. A ello hay que añadir que la censura del régimen franquista era particularmente dura con los escritores teatrales, que sufrieron la prohibición de representar cualquier obra que pudiera ser interpretada como un ataque a los gobernantes.

En la década de los 40 el teatro que llena los escenarios es el denominado burgués o de alta comedia o comedia de evasión, continuador del teatro de Echegaray y Benavente, ejemplo de ello es El testamento de la mariposa (1941) de José María Pemán.

En estas circunstancias, hasta el estreno de Historia de una escalera en el año 1949 de Buero Vallejo, lo mejor del teatro de posguerra hay que buscarlo en la comedia del absurdo, practicada por Miguel Mihura y Enrique Jardiel Poncela. Ambos autores reflejaron la angustia de su tiempo ante un mundo en desorden mostrando el lado absurdo de la existencia en sus comedias disparatadas. 

Sin embargo, la personalidad más relevante del teatro de posguerra fue el escritor Antonio Buero Vallejo, que planteará un teatro llamado posibilismo basado en la preocupación por el ser humano y en crítica social dentro de los márgenes permitidos por la censura y el teatro de agitación de Alfonso Sastre, cuyos dramas contienen una denuncia explícita de las injusticias sociales y de la situación política (Escuadra hacia la muerte).

 

Historia de una escalera, y obtiene un éxito resonante constituye el comienzo del teatro social. Su autor, un desconocido hasta entonces, era Antonio Buero Vallejo. Buero había pasado varios años en la cárcel a consecuencia de sus ideas comunistas. Precisamente allí se despertó su interés por el teatro de forma que se refleja en las características:

· La preocupación humanista por el ser humano y por su sufrimiento. 

· La perspectiva moral. Buero rechaza una visión de buenos y malos. En todas sus obras, los personajes están dotados de una noble dignidad que los sobrepone a su situación.

· El compromiso social. Sus obras suelen estar protagonizadas por personajes que representan a las clases más desfavorecidas de la sociedad: clases bajas, emigrantes, presos políticos

· Su teatro es tradicional (respetuoso con las convenciones realistas), pero no renuncia al uso de técnicas dramáticas innovadoras sobre todo en los años 70 como el uso de los efectos de inmersión que sitúan al espectador en la conciencia de los personajes cambiando el escenario a medida que cambia la percepción de la realidad de los personajes.

· Carácter simbólico de la acción. Ejemplo de ello es el uso que el autor hace de la ceguera en la obra En la ardiente oscuridad, en la que esta situación es una expresión de la dolorosa condición del ser humano, que uno de los protagonistas, Carlos, prefiere ignorar, mientras que el otro, Ignacio, opta por asumir.

 

Buero Vallejo Buero suele organizar sus obras como “parábolas”, narraciones simbólicas en las que la acción sutilmente deja sugerir los temas que le preocupan (sociales o políticos).Poco a poco va incorporando técnicas más vanguardistas y elaboradas:

a. Hasta 1955 desarrolla un teatro de tipo existencial. Los personajes de las obras de esta etapa se muestran como seres sufrientes que buscan un sentido a su existencia dolorosa (rebelándose, aceptándola resignadamente, frustrándose ante sus limitaciones...). Obras de estos años: Historia de una escalera y En la ardiente oscuridad.

b. Hasta 1970 desarrolla un teatro de tipo social con las mismas preocupaciones de su teatro inicial se presentan ahora intentando mostrar las causas sociales del sufrimiento humano (la injusticia, las diferencias de clase...). Obras de estos años: Las Meninas, Un soñador para un pueblo, El tragaluz. 

c. A partir de 1970 sus obras adoptan un matiz cada vez más político: la cárcel, la tortura, la pena de muerte, la represión policial, el mundo de la delincuencia ocupan un lugar relevante en las obras de esta época. Además, se observa en ellas un claro deseo de renovar la técnica teatral como ocurre en el caso de La Fundación (1975). 

 

 

La acción se desarrolla en el descansillo de una casa de vecindad, junto a la escalera que lleva a las cuatro puertas de un rellano. En esos pisos viven los protagonistas de la obra, unos personajes que luchan por salir adelante y abandonar la vida miserable en la que se encuentran. Los años pasan y los protagonistas envejecen, sin embargo, su situación apenas varía: la escalera en la que continúan viviendo simboliza su fracaso. El drama se agudiza cuando, tras haber pasado veinte años, los dos protagonistas de la obra contemplan angustiados a sus hijos, que se comprometen a abandonar el edificio con los mismos sueños y esperanzas de alcanzar una vida mejor que sus padres habían compartido treinta años antes.

El éxito de Historia de una escalera abrió los teatros españoles a un teatro realista y de temas sociales: había que retratar la triste realidad de los hombres de a pie, de los que fracasan, de los que emigran. 

 

EL TEATRO DESDE LOS AÑOS 60 HASTA LA ACTUALIDAD. 

El teatro español posterior a la Guerra civil presenta una evolución semejante a la que hemos visto para la poesía y la narrativa: hasta los años 60, el teatro adopta un lenguaje realista y comprometido; mientras que en los años 70 y 80 se inicia una época de experimentación formal y de búsqueda de nuevos caminos, así como de reflexión sobre la realidad auspiciada por el clima de apertura de la Transición. Ejemplo de ello es el teatro pánico de Arrabal en la década de los 70 con Pic-nic, la inclusión de la realidad de las drogas y la marginalidad de Alonso de Santos con  Bajarse al moro y el nacimiento de compañías independientes como Els Joglars, El Comediants en la década de los 80 y, finalmente, el nacimiento de la generación Bradomín con Juan Mayorga en los noventa.

Un poco antes de 1960 empieza a cobrar protagonismo un nuevo grupo de poetas denominados por el crítico Juan García Hortelano “Grupo de los 50”, tienen una actitud más escéptica sobre la capacidad de la poesía para cambiar la realidad y, al tiempo, son más exigentes con la calidad formal. Renuncian tanto al desgarro existencial de la poesía desarraigada de los 40 (Alonso, Aleixandre) como a la poesía comprometida de tipo social de los 50 (Otero, Celaya). Estos autores (Jaime Gil de Biedma, Claudio Rodríguez, Ángel González, José Agustín Goytisolo, José Ángel Valente, Francisco Brines, Carlos Barral...) vivieron la guerra en su infancia, y su juventud quedó marcada por el sórdido ambiente de la postguerra. Merecen citarse obras representativas como: Moralidades, de Jaime Gil de Biedma; Tratado de urbanismo, de Ángel González; Don de la ebriedad, de Claudio Rodríguez.

 

Las características comunes a los autores de este grupo son:

-La poesía como una forma de conocimiento, aligerando las reivindicaciones de la poesía social.

-Los temas están relacionados con la vida cotidiana, con la experiencia de la realidad que tiene cada autor: el paso del tiempo, la infancia, el amor y la amistad, la solidaridad, la naturaleza, la situación política y social...

-Bajo una apariencia a veces coloquial, los poemas muestran un trabajo riguroso de elaboración tanto en los conceptos (mayor complejidad de ideas) como en la forma (donde se prefiere un estilo intimista, claro y poco recargado).

-La ironía y el humor matizan y “enfrían” la carga emotiva de muchos de estos versos, que se alejan del patetismo de la década anterior y producen la sensación de una conversación directa con el lector.

-Predominio de una métrica poco rígida, sin rima o con rima asonante. Es muy frecuente el uso combinado de heptasílabos y endecasílabos en periodos versales variables que buscan ante todo el ritmo semántico.

-Uso habitual de la “intertextualidad”, citando de forma a veces velada, a veces paródica, expresiones tomadas de otros autores.

 

A lo largo de su vida reparte el tiempo entre la creación poética dentro del grupo poético de la Escuela de Barcelona y sus obligaciones profesionales en Compañía general de tabacos de Filipinas. Adopta una actitud inconformista y se sitúa al margen de las conductas ortodoxas, sin ocultar su condición de homosexual. 

Gil de Biedma desarrolla una poesía que evita constantemente el surrealismo y busca la contemporaneidad y la racionalidad a toda costa a través de un lenguaje coloquial. Las personas el verbo corresponde a la recopilación de todos sus poemas en los que podemos observar la maduración de ese yo poético, que no pude tomarse como una evolución lineal de la poesía del autor debido a las sucesivas reediciones que ha sufrido.

 

Su personalidad poética se fue creando a partir de diferentes libros de poesía:

·       Compañeros de viaje (1959), donde somos testigos de su crisis de la adolescencia y de los pasos que lo llevan a la edad adulta. Es un conjunto de instantes de la vida del poeta: recuerdos, infancia, tertulias, amistad y se nos muestra como un joven lleno de temores.

·       Su contribución a la poesía social se inicia en 1956 y acaba en 1964, año en que escribe los textos que en 1966 publicará en Moralidades Se muestra como un autor más maduro que reflexiona sobre el amor y el sexo, predomina el tema erótico. En ''Pandémica y Celeste'' expresa su dolor ante la imposibilidad de amar en la vida real con la misma intensidad con la que el amor se configura en su propia mente. 

·       Poemas póstumos (1968) es la confirmación del poeta que ve como su tiempo huye y se acaba y donde asume su decadencia, encontramos en sus poemas un mayor intimismo, la nostalgia del tiempo de juventud, una fuerte inquietud por lo que los años siguen recordando, hasta transformarse en obsesión, y mostrando el conflicto entre la realidad y la añoranza del pasado. Junto a sus miedos, sueños y recuerdos, el autor pasa revista a su vida y se cuestiona a través de su alter ego como será sin él su poesía y, en definitiva, su vida (''Contra Jaime Gil de Biedma'' o ''Después de la muerte de Jaime Gil de Biedma'').

 

A principios de los 70 surgirá un nuevo grupo de jóvenes autores “los novísimos” formado por Pere Gimferrer, Luis Antonio de Villena o Luis Alberto de Cuenca Destaca en su obra el culturalismo, cosmopolitismo e introducción de elementos de la cultura de masas a través de unos poemas que retoman la experimentación formal del modernismo y el vanguardismo de comienzos de siglo.

Durante la década de los 80 destacan dos líneas generales: la poesía de la experiencia que recupera la estética de los años sesenta y la defensa de una poesía que refleja con naturalidad y precisión la vida cotidiana con autores como Luis García Montero y Felipe Benítez Reyes y la poesía del silencio con poemas breves, concisos,  muy reflexivos con autores como Jaime Siles o Álvaro Valverde.

A partir de los años 60, comienza a manifestarse signos de cansancio del realismo que predominaba en la novela española durante la primera mitad del siglo XX. Los autores cada vez se ven más influenciados por las aportaciones extranjeras y especialmente de la novela hispanoamericana. Por ello se produce una renovación formal de la novela, basada en dotar de mayor importancia al lenguaje y a experimentación con las formas de narrar (novelas epistolares, monólogos de principio a fin, narraciones ininterrumpidas (sin puntuación), con uso del perspectivismo: alternancia de distintos narradores en la novela, para que la contemple desde puntos de vista diferentes, la mezcla de lo mágico con lo real, los saltos inesperados en el tiempo y la estructuración de la novela en secuencias sin una cohesión interna. Ejemplos de esta novela experimental son Tiempo de silencio (1962) de Luis Martín Santos, Últimas tardes con Teresa, de Juan Marsé; Cinco horas con Mario, de Miguel Delibes y Volverás a Región, de Juan Benet.

En los años 70, coincidiendo con la muerte de Franco y el fin de la Dictadura, los autores buscan nuevos caminos expresivos. Se agota el experimentalismo y se retoman patrones narrativos más clásicos: el interés por el argumento, el desarrollo lineal de la historia y la voz única del narrador; en resumen, se recupera el gusto por contar historias. Los personajes presentan una subjetividad que se orienta hacia la introspección y la búsqueda del autoconocimiento. Este cambio de actitud viene marcado por la publicación, en 1975, de tres novelas importantes: La verdad sobre el caso Savolta de Eduardo Mendoza, Mortal y rosa de Francisco Umbral basada en la pérdida de su hijo y Cerbero son las sombras de Juan José Millás a través de la que describe unas relaciones familiares truncadas por la incomunicación. 

 

B.            AUTORES Y TENDENCIAS MÁS IMPORTANTES DE LOS AÑOS 70.

Hay que tener en cuenta que durante estos años conviven autores que pertenecen a generaciones de posguerra y los jóvenes que comienzan a escribir a partir de 1975. Entre las tendencias más importantes, destacamos: la metanovela se narra una historia y el proceso seguido para la redacción o  composición de la misma (El cuarto de atrás de Carmen Martín Gaite); novela lírica y novela de reflexión íntima: se centra en la reflexión sobre la propia existencia y utiliza un lenguaje muy poético (La lluvia amarilla de Julio Llamazares); autoficción en donde el protagonista es un personaje que tiene la misma identidad que el autor (La velocidad de la luz  de Javier Cercas); novela histórica: se centra en personajes o acontecimientos históricos (El hereje de Miguel Delibes); novela de intriga y policíaca como la serie de novelas de Vázquez Montalbán protagonizadas por el detective Carvalho o La tabla de Flandes de Arturo Pérez Reverte o la novela culturalista que se ocupa de analizar y explicar diferentes aspectos de la cultura occidental desde una óptica erudita (Las máscaras del héroe).

 

A partir de los noventa surgen las “novelas de la generación X”, centradas en los problemas de la juventud urbana actual, en la que predomina un lenguaje basado en la oralidad como en Historias del Kronen de José Ángel Mañas o Lucía Etxebarría en Amor, curiosidad, prozac y dudas. 

Las últimas voces de la narrativa española son considerados como la Generación afterpop caracterizada por un desdibujamiento de entre los límites de la baja y de la alta cultura y el relativismo de un mundo que está en constante cambio. Son ejemplo de ello Nocilla Dream de Agustín Fernández-Mallo (2006) o Kirmen Uribe con Bilbao-New York-Bilbao (2008).

Junto con la literatura que se enmarca dentro de estas dos generaciones se siguen editando éxitos dentro de los diferentes géneros anteriormente citados. Ejemplo de ello son: Las tres bodas de doña Manolita (2014) de Almudena Grandes dentro de la novela histórica de la guerra civil; La buena reputación (2014) de Iganacio Martínez de Pisón dentro del ámbito de la novela de reflexión y En la orilla de Rafael Chirbes (2013) en el ámbito de la novela de crítica social.

Como vemos, el panorama de tendencias, muchas veces hibridadas en una misma obra, y el número de autores es extraordinario porque la novela se convertido en un bien de consumo impulsado por una potente industria editorial.

 

C.           EDUARDO MENDOZA. 

Es uno de los escritores más representativos de este periodo. Se le considera el novelista de Barcelona, por ser en esta ciudad donde transcurren sus historias. 

En 1972 publica La verdad sobre el caso Savolta, una de las novelas que marcan el cambio de rumbo de la novela experimental a la novela actual. 

Más allá del formato empleado, Eduardo Mendoza destaca por su habilidad para contar la historia manteniendo siempre el interés del lector y por su maestría a la hora de reflejar la vida cotidiana de las gentes, con sus ilusiones y sus problemas (que suelen ser los de todos nosotros).

Ejemplo de ello son las parodias de la novela policiaca El misterio de la cripta embrujada (1979) y El laberinto de las aceitunas (1982). En 1986 aparece otra de sus novelas más importantes, La ciudad de los prodigios en la que de nuevo evoca la ciudad condal en el periodo cronológico entre las dos exposiciones universales que se celebraron en ella. Tras esta novela se decanta por la novela humorística en Sin noticias de Gurb (1990) en la que narra las desventuras de un extraterrestre que va cambiando de forma mientras busca a su compañero Gurb o El asombroso viaje de Pompilio Flato (2008) en el que presenta las andanzas de un detective romano en la provincia de Judea allá por el siglo I. o las más recientes El rey recibe y El negociado del ying y el yang en las que revisa mediante los últimos momentos de la dictadura franquista en un tono desenfadado y centrado en la peripecia sorprendente.

 

Esta novela refleja de manera irónica el proceso en el que se ve envuelto Javier Miranda, el protagonista de la novela por el asesinato del industrial Savolta. La acción, situada en la Barcelona de 1917-1918, recrea los conflictos de una ciudad cercada por las protestas obreras y los atentados terroristas. 

La novela se enmarca en el género del pastiche, ya que imita intencionadamente dos estilos: la novela policíaca (investigación del comisario y reconstrucción de caso) y la novela folletinesca (novela por entregas caracterizada por la acción, el enredo, el misterio, el gusto por los bajos fondos y, sobre todo, las historias sentimentales). 

Parte de la obra aparece escrita en 1ª persona (punto de vista del narrador protagonista). Junto a ello hay pasajes contados en 3ª persona por un narrador omnisciente, aunque la trama se completa con los materiales de tipo documental (declaraciones ante el comisario, transcripciones de interrogatorios, artículos periodísticos) introducen “otros puntos de vista”: el del periodista Pajarito de Soto, el del comisario, etc. Así los hechos aparecen iluminados desde diversos enfoques: perspectivismo. 

 

Eduardo Mendoza es un buen representante de la narrativa de los años 70, puesto que incluye las innovaciones técnicas aportadas en los 60 (multiperspectiva, ruptura del orden lineal, mezcla de géneros) como ocurre en La verdad sobre el caso Savolta, para construir una novela que ahonda en la psicología de los personajes y reflexiona sobre la convulsiones de la Barcelona de principios de siglo renovando el lenguaje de la novela policíaca y acercando la novela experimental al público menos especializado.

A Modernismo. Desarrollado por escritores de lírica principalmente más preocupados por aspectos sensoriales y formales y ajenos a la historia de su época. El precursor fue Rubén Darío, al que siguieron otros autores en España como Manuel Machado, Valle-Inclán o Juan Ramón Jiménez.

B- Generación del 98. Afectaría a un grupo de autores más próximos a intereses intelectuales e históricos de su tiempo. Los miembros de esta generación serían el grupo de Los Tres (Azorín, Baroja y
Maetzu), Unamuno, aunque siempre tuvo una actitud independiente, Valle Inclán y
Antonio Machado.

En el caso de Antonio Machado existe relación con ambos movimientos, ya que Soledades, galerías y otros poemas se incluye en la estética del modernismo y Campos de Castilla presenta la hondura existencial de la generación del 98.

Obra
La producción lírica de Antonio Machado incluye : 

SOLEDADES (1903). Soledades, galerías y otros poemas (1907). Modernismo intimista que recuerda a Bécquer por su recreación de sentimientos puros e introspectivos. Refleja sentimientos universales como el tiempo, la muerte, Dios, recuerdos de la infancia, evocaciones del paisaje y un amor soñado. El resultado de ese mirar hacia el fondo del alma es la soledad, la melancolía y la angustia.
Destacan los símbolos de realidades profundas: (ejemplo) el agua es símbolo de la vida cuando brota y símbolo de la muerte cuando está quieta. (Poema representativo: "Anoche cuando dormía": escúchalo y entiéndelo)

CAMPOS DE CASTILLA (1912): En este libro se advierte un cambio de perspectiva tras la muerte de su esposa Leonor, de temas y de tono que le hacen centrarse en el mundo exterior.  (Poema "A un olmo seco": escúchalo y entiéndelo.
La preocupación patriótica le inspira poemas sobre el pasado, el presente y el futuro de España y se perfila un enfrentamiento entre dos Españas: la España de charanga y pandereta (autoritaria, reaccionaria y clerical) frente a la España de la rabia y de la idea (tolerante, liberal y abierta al progreso). La sección llamada “Proverbios y cantares” recoge breves poemas de tipo lírico o filosófico, que condensan profundas ideas en pocos versos, a la manera de la lírica popular. 

En su última etapa destacan los poemarios NUEVAS CANCIONES (1924) en donde lo lírico cede el puesto a lo conceptual a través de sentencias o pensamientos y POESÍAS COMPLETAS (diversas ediciones en 1928, 1933 y 1936), con nuevas series de poemas, como el “Cancionero apócrifo” de Abel Martín y Juan de Mairena, poetas de su invención. Y “Canciones a Guiomar” testimonio de su nuevo y tardío amor. 

En las primeras décadas del XX se produjeron diversos intentos de renovación de un panorama teatral que no tuvieron éxito entre el público. Por todo ello suele hablarse de dos grandes tendencias: el teatro de éxito comercial y el teatro renovador.

El primero, destinado a satisfacer las exigencias del público, es, en general, un teatro costumbrista, como el de Jacinto Benavente que desarrolla obras como Los intereses creados; un teatro poético, en verso, modernista y tradicional representado por Eduardo Marquina (En Flandes se ha puesto el sol) y un teatro cómico como el de Arniches (La señorita de Trévelez).

El segundo, innovador en las formas y en los temas, hubo de esperar muchos años para ser valorado en su justa medida. Dentro de esta corriente destaca la renovación que lleva a cabo Valle Inclán dentro de la Generación del 98 con Luces de Bohemia y su desarrollo del “esperpento” junto a otros autores como Unamuno, Azorín, y Jacinto Grau.

VALLE-INCLÁN
Ideológica y estéticamente Valle evolucionó desde un conservadurismo y un carlismo estético representado con influencia de la estética modernista, hasta un compromiso social con los más débiles y maltratados en 1920 con la aparición de dos obras de teatro Divinas palabras y Luces de Bohemia en las que alcanza su máxima expresión creativa, el esperpento.

Etapas:
a)      Primera etapa: decadentismo (desde 1899 hasta 1907). Sus obras más destacables son Cenizas (1899) y El marqués de Bradomín (1906) En estas primeras obras es patente la huella modernista y decadentista. 

 

b)     Etapa de transición (1907-1920). Ciclo mítico o Galaico: Incluido en las Comedias bárbaras compuestas de Romance de lobos (1907), Águila de blasón (1907) y El embrujado (1913) y Cara de plata (1922). La violencia, la crueldad, la barbarie, la destrucción, la brutalidad, las pasiones desbordadas, así como el mundo rural con sus leyendas, sus mitos, ritos mágicos y supersticiones populares ocupan el lugar del esteticismo de la anterior etapa.

c)      Tercera etapa. El esperpento (desde 1920 hasta 1932). En 1920 aparecen las obras que desarrollan de lleno el nuevo género del esperpento: Divinas palabras en la que retoma el escenario rural gallego para criticar la moral tradicional con la que se mortifica a los débiles y la moral vitalista y abierta fuera de la aldea y Luces de bohemia. Dentro de este grupo de obras que se encuadran de lleno en el esperpento están Martes de Carnaval y las novelas Tirano Banderas (1926) y en El ruedo ibérico (1932). Todas ellas constituyen una demoledora crítica a la España de la época, sobre todo Farsa y licencia de la reina castiza donde se hace una feroz crítica del reinado de Isabel II.

LUCES DE BOHEMIA
En esta obra el esperpento, más que un género literario, es una nueva forma de ver el mundo, ya que deforma y distorsiona la realidad para presentamos la imagen real que se oculta tras ella. Con el empleo de esta deformación esperpéntica, Valle-Inclán se situaría, en una línea de ruptura con el realismo que llevan a cabo las vanguardias del momento.

Esta obra relata el viaje nocturno del fracasado poeta ciego Max Estrella y de su amigo don Latino por diferentes escenarios madrileños con el objetivo de realizar una dura crítica contra el sistema político, económico, social y cultural del momento de una España dramática y convulsa. La obra termina con la muerte del poeta borracho solo y abandonado por su amigo don Latino que se ha llevado el billete de lotería premiado.
El período de tiempo que refleja la obra es el primer tercio del siglo XX un periodo en el que el autor integra hechos que van desde las citas a la Semana trágica de Barcelona, pasando por la Revolución rusa (1917), las protestas obreras y la violencia social de 1917 (huelga general revolucionaria).

El esperpento se caracteriza por la utilización de la parodia (enalteciendo o degradando situaciones), la humanización de los objetos y los animales (“escoba retozona”) y también la animalización o cosificación de los humanos, el empleo de contrastes que unen lo doloroso y lo grotesco, presencia de la muerte como personaje principal, la ironía y variedad de registros, por la que incluye desde un lenguaje excesivamente pedante y culto hasta lenguaje tomado del madrileño castizo. Por ello el objetivo del esperpento aparece explicado en palabras del propio Valle-Inclán así: “Deformemos la expresión en el mismo espejo que nos deforma las caras y toda la vida miserable de España”.