Oleo sobre tela, montada sobre tabla

Medidas 182 x 243cm

Cusco, Perú, principios del siglo XVIII

Donación Isaac Fernández Blanco

Basamento y astil: Alto Perú (Bolivia), segunda mitad del siglo XVIII

Sol: Bolivia 1852 (?)

Donación I. Fernández Blanco

Cultura: Chancay

Perú, hacia 1000 - 1430 d. C.

Adquisición.

Cultura: Chancay

Perú 1000 - 1430 d. C.

Adquisición.

Plata fundida, torneada, burilada y cincelada.

Recipiente esferoide con roleos y figurillas de chajás.

Soporte con dijes en forma de gotas. Bandeja circular.

Chile o Cuyo, principios del siglo XIX

Otro dato curioso de sincretismo que se destacó al observar esta figura fue la decisión de pintar esta imágen de la Virgen con una silueta tringular, debido a que previo a que se comenzara a adoptar otras formas más bien "realistas" preferidas en Europa, los nativos relacionaban sus deidades con las montañas, consideradas sagradas en muchísimas culturas.

Justamente esta simetría de la figura refuerzan el carácter artificial de la imagen. Para la pintura cusqueña de principios del siglo XVIII, el naturalismo español difundido por la escuela de Zurbarán y otros sevillanos, resultaba demasiado profano. Para una sociedad mestiza de perfil altamente piadoso, Jesús, la Virgen y los santos no podían ser representados como gente "común", sino tal cual lucían en sus altares como objetos de adoración: entronizados, vestidos con sus ajuares más vistosos, sus peluca y joyas preciosas.

Respecto a la obra en sí, podemos destacar el uso de la colorida paleta y su fino brocateado (que como aprendimos, distingue a la escuela cusqueña que mencionaba anteriormente).

Este cuadro me fascina y me generó impacto porque es un claro testimonio de como se fusionaba la cosmovisión local con los modelos impuestos por los Españoles.

_{*Alumna Florencia Riva}

_{*Puede verse mas información y detalles sobre esta obra en la página de Facebook del museo.}

Lo que es interesante entender es que el cacao no solo fue consumido como una bebida, sino también como un símbolo de status y prestigio. Las familias de la élite colonial, tanto españoles como criollos, solían usar estos objetos elaborados con materiales nobles como la plata para dar cuenta de su riqueza y poder.

Este objeto también me da pie a hablar de las minas de Potosí, que jugaron un rol clave en la elaboración de artículos de este estilo. La plata que se extraía fue esencial para la creación de bienes de lujo, desde platos y utensilios hasta joyería y otros objetos decorativos que pudimos divisar en el museo. No puedo dejar de destcar que Potosí, en los siglos XVII y XVIII, fue el centro económico más importante de América Latina y su riqueza minera fue crucial para la consolidación del poder colonial español.

Peinetas y tocados con motivos vegetales y geométricos.

Prendedores y broches finamente labrados.

Alfileres o espadines de cabello, usados como adornos femeninos en el peinado.

Sobre la tapa del cofre también se exhiben dos piezas de plata de formato ovalado, posiblemente abanicos o espejos ornamentales, decorados con delicados diseños en relieve.

Estos adornos eran usados por las mujeres en celebraciones y también servían para mostrar la posición social de la familia.

La platería fue un arte muy importante en el Virreinato del Río de la Plata,durante los siglos XVII y XVIII ,debido a la abundancia de plata proveniente del alto Perú (actual bolivia ) Por eso, estas piezas no solo tienen un valor estético, sino también histórico y cultural.

Creo , que a través de estos objetos podemos conocer cómo era la vida cotidiana en la sociedad colonial: sus costumbres, su forma de vestir y la importancia que le daban a la apariencia y al prestigio.

Así que, más allá de ser simples adornos, cada una de estas piezas es un fragmento de nuestra historia compartida

*Siglo: Mediados del s. XVIII

*Procedencia: Brasil, convento de Carmelitas descalzos de Río de Janeiro. Orden que surge después de la contrarreforma de la iglesia y llega a América para evangelizar a las poblaciones indígenas y mantener la fe de los colonos.

*Material: plata (seguramente obtenida en las minas de Potosí, que fueron muy importantes en la economía de la época).

*Las técnicas orfebres utilizadas en esta lámpara pueden haber sido traídas de Europa como también puede haber sido hecha por artesanos locales. Pero podríamos decir que fueron europeos los que la hicieron porque el estilo es Rococó. Este surgió en Francia en el s. XVIII.

*Función: se colocaba en los templos religiosos católicos para mantener encendida una llama cercana al altar y/o sagrario.

Se aprecia un pasillo cubierto con un techo abovedado y casetonado, ricamente decorado con relieves de inspiración clásica.

La gran puerta de madera tallada da paso al patio interior del museo, donde se observa parte de la arquitectura colonial y detalles ornamentales. El piso de damero en blanco y negro, junto con la alfombra roja, refuerza la idea de elegancia y solemnidad del edificio.

Este espacio refleja el estilo arquitectónico del palacio, que combina influencias hispánicas y coloniales con detalles barrocos y renacentistas, característicos de las construcciones que buscaban transmitir prestigio y distinción.

En conjunto, el pasillo y la puerta representan no solo un sector de tránsito, sino también un ejemplo del valor artístico y patrimonial del museo, donde la arquitectura misma forma parte de la experiencia cultural.

Material: Madera, posiblemente cedro o una madera dura local.

Estilo: Muestra una expresividad dramática típica del barroco, con énfasis en el sufrimiento y la humanidad de Cristo. La anatomía es realista, aunque algo estilizada.

Detalles: Se aprecian detalles como las costillas marcadas, las heridas de la crucifixión y la expresión facial de dolor. El paño de pureza (perizonium) está tallado con pliegues realistas.