Aron Hector Schmitz, noto come Italo Svevo, nacque nel 1861 in una famiglia agiata di Trieste, un porto dell'Impero Asburgico, noto per il suo carattere cosmopolita. Cresciuto in un ambiente finanziariamente instabile, Svevo lavorò per venti anni in una banca, collaborando anche con editori e insegnando.

Sposò Livia Veneziani, figlia di un imprenditore con cui gestì una ditta.

Inizialmente non ebbe grande successo come scrittore.

Tuttavia i suoi incontri con James Joyce e Freud gli permisero di approfondire le sue riflessioni psicologiche e nel 1923 pubblicò il suo capolavoro “La Coscienza di Zeno”, che, pur avendo avuto scarso successo in Italia, ottenne un riconoscimento internazionale.

Il "caso Svevo" venne successivamente trattato anche da Montale in Italia.

Svevo, pur essendo di origini tedesche, divenne italiano solo a 58 anni, dopo la fine della Prima Guerra Mondiale.

Non parlava la lingua italiana e la imparò dai libri.

La sua scrittura fu definita da taluni persino come sciatta e sgrammaticata, con influenze evidenti dalla struttura del tedesco.

La sua formazione culturale fu influenzata dalla filosofia di Nietzsche, dal pessimismo di Schopenhauer e dalla psicoanalisi di Freud, che considerava uno strumento essenziale per comprendere l'animo umano.

Fu anche influenzato dalla teoria evoluzionistica di Darwin, che legava il comportamento umano a fattori storici e sociali. Svevo scrisse pochi romanzi, ma questi rispecchiano in modo significativo la sua visione del mondo.

I primi due sul finire dell’800, ma ebbero scarso successo. Così per un lungo periodo, ben 25 anni, non pubblicò altre opere.

Nel 1923 uscì il romanzo che lo consacrò: “La coscienza di Zeno”.

Si dedica all'insegnamento della letteratura e alla scrittura per riviste, ma le difficoltà finanziarie e il disagio emotivo legato alla morte della moglie lo portano a concentrarsi maggiormente sull'attività letteraria e teatrale.

La sua fama internazionale cresce e il suo pensiero si distacca dalla visione collettiva, puntando sulla creatività individuale piuttosto che su quella delle masse. Nel 1936 vince il Premio Nobel. Un aspetto fondamentale della sua vita è legato alla salute mentale della moglie, Maria Antonietta, che soffriva di una grave forma di pazzia.

La sua malattia psichica ebbe un impatto devastante sulla famiglia Pirandello.

Per anni, Pirandello si prese cura di lei, ma la sofferenza emotiva causata dalla sua condizione influenzò profondamente la sua scrittura, contribuendo a plasmare la sua visione dell'esistenza, del dolore e dell'incomprensione umana.

Il protagonista, Alfonso Nitti, un giovane di famiglia modesta, lavora come impiegato in banca, ma sogna una vita migliore. Si innamora di Annetta, la figlia del suo datore di lavoro, ma la sua indecisione lo porta a fuggire dalle opportunità che gli si presentano. Incapace di adattarsi alla vita e di affrontare le sue paure, perde il rispetto sociale e si isola ulteriormente, fino ad approdare al suicidio. Il romanzo esplora il tema del’inetto e della sua frustrazione esistenziale e dell'incapacità di vivere, un ritratto della modernità e dei suoi disagi psicologici.

La sua vita è segnata da relazioni disfunzionali come quella che intesse con Angiolina, una donna disinibita.

Tuttavia il cuore di Emilio è più attratto dalla figura idealizzata della sorella, ma la stessa Amalia si innamora, non ricambiata, dello scultore Stefano Balli, e si lascia andare alla tossicodipendenza, trovando così la morte. L’esistenza di Emilio, segnata dal dolore, si riduce a una ritirata in un "limbo" di senilità, un torpore psicologico che lo rende incapace di agire.

Nel ricordo, Emilio idealizza le due donne perdute, Angiolina ed Amanda, fondendole in una figura unica.

Il romanzo esplora il tema della senilità come condizione interiore di immobilità e insoddisfazione, piuttosto che legata all'età.

Zeno è un inetto che non riesce a portare a termine nulla, ma è anche un personaggio che si autoanalizza attraverso la psicoanalisi con ironia ed introspezione.

Il romanzo è caratterizzato da una struttura non lineare che riflette il flusso di coscienza del protagonista. Zeno Cosini, si rivolge al suo psicoanalista, il Dottor S, per cercare di risolvere i suoi problemi psicologici ed il dottore gli consiglia di scrivere un memoriale.

Il romanzo è diviso in capitoli che trattano diversi aspetti della sua vita e della sua psiche.

• Prefazione: Zeno spiega perché ha deciso di scrivere la sua "memoria" e descrive la sua vita, iniziando con il suo rapporto conflittuale con il padre.

• Zeno racconta dei suoi tentativi falliti di smettere di fumare, simbolo della sua incapacità di portare a termine qualsiasi impegno.

• Descrive il suo matrimonio con Augusta, una donna con cui si sente costretto, senza passione.

• Zeno vive una relazione extra-matrimoniale con Carla, una donna che rappresenta il suo desiderio di evasione.

• Zeno racconta il suo rapporto conflittuale con Guido Speier, suo socio in affari e rivale in amore.

• Zeno riflette sul suo rapporto con il padre, la cui morte lo segna profondamente.

• Zeno conclude con una sorta di giustificazione per la sua vita, cercando di esorcizzare i suoi sensi di colpa, e la pubblicazione della sua "confessione" come un atto di vendetta verso il Dottor S.

I. Svevo, “L’ultima sigaretta” da “La coscienza di Zeno” (Libro di testo “Letteratura aperta, pag.414)

I. Svevo, “Un salotto «mai più interdetto» da “La coscienza di Zeno” (Libro di testo “Letteratura aperta, pag.426)

L. Pirandello, “Io e l’ombra mia” de “Il fu Mattia Pascal” (Libro di testo “Letteratura aperta, pag. 465)

L. Pirandello, “La patente” da “Novelle per un anno” (Libro di testo “Letteratura aperta, pag. 492)

L. Pirandello, “Il treno ha fischiato…” da “Novelle per un anno” (Libro di testo “Letteratura aperta, pag. 500)

I suoi personaggi sono individui incapaci di adattarsi alla vita e che vivono senza istinto o passione.

L'inetto è spesso descritto come goffo, ridicolo, incapace di dominare la propria esistenza, e dunque destinato a frustrazioni continue, In contrasto con l'eroe romantico, che è sempre pronto ad affrontare la vita con passione e determinazione.

Svevo critica l'idea di un’Italia vincente proposta da autori come D'Annunzio, proponendo invece una visione di un’Italia malata, segnata da inettitudine e introspezione.

Il personaggio sveviano è l’incarnazione dello "straniero", di colui che non riesce a integrarsi in un ambiente sociale ostile o indifferente.

Questo tipo di personaggio è diviso tra il desiderio di adattarsi e la necessità di mantenere la propria individualità.

La sua lingua, distante dalla bellezza stilistica della tradizione letteraria italiana, rispecchia questa alienazione e diventa uno strumento di analisi paradossale e ironica della realtà e dell’animo umano.

Svevo fu influenzato dalla psicoanalisi di Freud e, in particolare, dal suo approccio terapeutico.

Nel caso de “La Coscienza di Zeno”, la psicoanalisi diventa uno strumento narrativo attraverso cui il protagonista esplora il proprio inconscio, ma la psicoanalisi, tuttavia, non porta a una vera guarigione, e l'opera si conclude con una visione ironica della terapia stessa. Lo stile narrativo di Svevo si distingue per la sua introspezione profonda, l’analisi psicologica e l’ironia.

La sua narrazione è distante dalle convenzioni stilistiche della letteratura italiana tradizionale, ma ha una grande forza analitica, che rende i suoi personaggi incredibilmente vivi e complessi.

Il romanzo sveviano non è più un romanzo naturalista, ma un romanzo del Novecento che si concentra sulla psicologia e sulla soggettività del protagonista, riflettendo il flusso di coscienza e l'indeterminatezza della vita moderna.

Svolse un ruolo determinante nella formazione culturale sveviana il rapporto di amicizia con Joyce, il cui influsso è da rintracciarsi nell’umorismo e nell’ironia; di essi si servì Svevo per tratteggiare i comportamenti più strani e imprevedibili dei suoi protagonisti.

Nel suo saggio “Saggio sull'umorismo” (1908), Pirandello esplora come la comicità derivi dalla percezione del contrario, mentre l'umorismo è legato alla riflessione sul contrario.

Ci porta l’esempio di un’anziana vestita da giovane. Dapprima ci fa ridere, ma se meditiamo sulle motivazioni, arriveremo ad un riso amaro colmo di riflessione.

Così i suoi personaggi, che iniziano per farci sorridere, alla fine suscitano riflessioni più profonde sulla condizione umana. Pirandello è segnato dalla delusione del Risorgimento, un tema condiviso con autori come Giovanni Verga.

Sebbene la sua famiglia fosse favorevole all'Unità d'Italia, la speranza di un cambiamento non si realizzò mai e l'Italia unita risulta segnata dalla corruzione e dai tradimenti. L'adesione di Pirandello al fascismo appare difficile da comprendere, poiché i suoi personaggi sono degli sconfitti che non si ribellano mai.

Questo atteggiamento potrebbe essere interpretato come una protesta contro la società giolittiana e socialista che, a suo avviso, ha tradito i valori risorgimentali. Uno dei temi più ricorrenti nelle opere di Pirandello è il conflitto tra la "forma" imposta dalla società e la "vita" interiore dell'individuo.

La "forma" rappresenta le convenzioni sociali, i ruoli e le maschere che indossiamo senza rendercene conto, mentre la "vita" è il nostro io autentico e caotico, che si sforza di liberarsi dalle gabbie sociali.

Pirandello riflette su come l'individuo sia costretto a conformarsi alle aspettative esterne, ma dentro di sé desideri di libertà e di espressione creativa che sono spesso soffocati.

Nel romanzo “Il fu Mattia Pascal”, Pirandello esplora la crisi dell'identità attraverso il personaggio principale che, dopo essersi finto morto e cambiato vita, si trova ad affrontare una nuova esistenza che lo rende un "estraneo" a se stesso. La sua vita diventa una continua ricerca di un'identità che non riesce mai a consolidarsi, un tema che esplora anche in “Uno, nessuno, centomila”. Il romanzo esplora temi come l'identità, la libertà e l'illusorietà della vita. Pirandello mette in discussione la possibilità di una vera rinascita e l'inadeguatezza continua dell’io.

Inizia una nuova esistenza con un altro nome, ma presto il “nuovo” Adriano Meis si rende conto che, pur essendo fisicamente libero, la sua identità è irrimediabilmente legata alla sua vecchia vita e che la sua esistenza non è più riconosciuta dalla società, rendendolo un "estraneo". Mattia tenta anche di sposarsi con una donna che ama, ma non può farlo, poiché non ha più una vera identità legale. dell'individuo nella società.

Le sue opere teatrali, inizialmente scritte in dialetto siciliano e poi in italiano, si concentrano sul tema della maschera e del relativismo. Il metateatro ovvero «teatro nel teatro», ovvero il

teatro che mette in scena se stesso, è una delle innovazioni principali di Pirandello: personaggi che prendono coscienza della loro finzione e chiedono agli attori di rappresentare le loro storie.

In “Sei personaggi in cerca d'autore”, i personaggi si rivoltano contro l'autore e gli attori, creando una confusione tra finzione e realtà, in cui il pubblico stesso diventa parte della rappresentazione.

Il pessimismo di Pirandello è evidente nella sua visione della vita e della società. La sua opera riflette una visione di un mondo in cui l'individuo è costretto ad adattarsi a ruoli sociali e convenzioni che soffocano la sua libertà.

La critica alla società si manifesta anche nel trattamento di temi come l'ipocrisia, l'alienazione e il dovere.

Pirandello analizza la condizione umana con una lucidità disincantata, rivelando come la lotta tra l'individuo e la società porti inevitabilmente alla sofferenza e alla disillusione.

Nelle “Novelle per un anno”, racconta storie di personaggi bloccati in un'esistenza monotona e alienante, spesso caratterizzati da un forte senso del dovere e da ruoli sociali opprimenti.

Il suo teatro si evolve, affrontando temi di incomunicabilità e follia, come in “Così è (se vi pare)” ed “Enrico IV”, dove i personaggi vivono in mondi paralleli, separati dalla realtà. Pirandello lascia un segno profondo nella letteratura e nel teatro, interrogandosi sul senso della vita e della verità.

L’entrata nelle file militari per il poeta fu importantissima. Qui egli troverà un vasto repertorio di immagini e situazioni che avranno compiutezza nella raccolta del “Porto Sepolto”. Finita la guerra (1918) rimase in Francia come corrispondente di un giornale fascista, qui nel ’19 pubblicava “Allegria di naufragi”. Si traferì a Roma negli anni venti dove visse un lungo periodo di pace e serenità, immerso nella vita culturale. Cresceva intanto la sua fama di poeta. Dopo la pubblicazione di “Sentimento del tempo” (1933), andò in sud America ad insegnare letteratura italiana all’università di San Paolo del Brasile. Quelli che seguirono furono anni segnati dalla tragedia della morte del figlio. Nel mentre si sviluppò una vena ancor più angosciosa nel poeta che trovò compiutezza nella raccolta “Il dolore”, pubblicata nel ’47.

Gli ultimi anni della propria vita Ungaretti li trascorre tra vari viaggi, conferenze e ammirazioni. Il poeta diventava così fondamentale nella società del dopo guerra. Tutte le sue poesie furono raccolte in un’unica grande pubblicazione che era “Vita d’un uomo”. Morì a Milano nel 1970.

G. Ungaretti, “Mattina” , slide

G. Ungaretti, “Veglia”, libro di testo “Letteratura aperta” pag. 554

G. Ungaretti, “Fratelli”, libro di testo “Letteratura aperta” pag. 556

G. Ungaretti, “Allegria di naufragi”, libro di testo “Letteratura aperta” pag. 569

G. Ungaretti, “Soldati”, libro di testo “Letteratura aperta” pag. 571

L’allegria

L’esperienza della guerra è fondamentale in questa raccolta, le liriche prendono avvio da situazioni vissute sul campo. La raccolta si divide in cinque sezioni: Ultime, Il porto sepolto, Naufragi, Girovago, Prime. Molto importante la sezione del Porto Sepolto in cui al motivo della guerra si riallaccia quello delle proprie radici. Già il nome fa riferimento alla leggenda della città natale (Alessandria d’Egitto) sotto la quale si celerebbe un porto sepolto dal tempo e dalla sabbia. Qui il poeta cerca di trovare il significato di quel “nulla / d’inesuaribile  segreto” attraverso lo svisceramento della parola. Questa scansione e sillabazione della parola è riflesso di una società, di un mondo, che sembra essersi ridotto al grado più basso della propria esistenza.

Sentimento del tempo

Questa raccolta accoglie di componimenti successivi alla guerra, entro i quali cambia la maniera espressiva dell’Ungaretti. In queste poesie il verso ricompare; le strutture poetiche sono più nitide e la parola non si concentra in se stessa, diventando in questo modo parte di un discorso più ampi. Nel quale assume importante significato la figura retorica dell’analogia. La raccolta è segnata sul piano tematico da due importanti novità. Da un lato la scoperta del fascino barocco e di Roma, ma soprattutto dalla conversione religiosa del poeta. In questo modo lo scrittore tende alla ricerca di un tempo perduto, di verità nascoste che la società ha dimenticato. Entro schemi barocchi è presentato l’avvicendarsi del reale in un vorticoso succedersi di situazioni.

Il Dolore

Fondamentale raccolta “il Dolore“, imperniata su due lutti che colpirono il poeta: la morte del fratello e quella del figlio. In questi componimenti il discorso è esplicato attraverso strutture razionali e un verso limpido e coerente. Entro i quali, però, si avverte la minacciosità dell’espediente analogico che tende a portare il lettore verso situazioni più cupe e infelici.

 Ungaretti e l’ermetismo

L’esperienza di Giuseppe Ungaretti fu fondamentale in quel moto che iniziò tra gli anni venti e trenta del Novecento in Italia. La poesia si impegnava a scavare in profondità la sua parola, concentrandola di significati interni. Si rifiutarono rapporti troppo immediati con la realtà. Gli intellettuali aderenti questa poetica si inserivano in un simbolismo europeo, estraneo in Italia. Di qui, da questa esperienza e da questo avvicendarsi di situazioni si venne configurando il volto di un nuovo movimento letterario che prese il nome di “Ermetismo”. Quest’ultimo prese il nome dal suo aspetto “chiuso”; una poesia che si chiudeva interamente entro i significati della parola, e negli schemi dell’analogia – figura retorica per eccellenza di questo movimento.

La sua carriera poetica iniziò negli anni '20 con la pubblicazione di “Ossi di seppia” (1925), che lo consacrò come uno dei principali poeti italiani del Novecento.

Antifascista convinto, si schierò contro le avanguardie e il regime, mantenendo una posizione critica anche verso le correnti letterarie del suo tempo, offrendo supporto a diversi scrittori e intellettuali perseguitati, come Umberto Saba, poeta triestino di origine ebraica, che fu perseguitato a causa delle leggi razziali fasciste.

Nel 1975 vinse il Premio Nobel per la letteratura.

La metafora degli ossi di seppia, con la sua aridità minerale, simboleggia una vita svuotata e prosciugata. I

E’ la poesia degli scarti, del “correlativo oggettivo”, tecnica poetica utilizzata da Montale, mutuata dal poeta americano T.S. Eliot.

Essa consiste nell’esprimere emozioni, stati d'animo o concetti astratti attraverso oggetti concreti, situazioni particolari o immagini sensoriali che diventano il "correlativo" delle sue emozioni.

Ad esempio, in Ossi di seppia, Montale non racconta direttamente il suo malessere esistenziale, ma lo suggerisce attraverso immagini come "il rivo strozzato", "l'incartocciarsi della foglia" o "il cavallo stramazzato". Questi oggetti o situazioni fisiche diventano il mezzo per esprimere emozioni complesse come la solitudine, la disillusione e il "male di vivere".

Il tema centrale è la crisi dell’individuo, la frantumazione dell'io e la ricerca di un varco, una via di salvezza dal "male di vivere".

La sua lirica non aspira al sublime, ma è priva di idealizzazioni con un linguaggio asciutto e prosaico.

In “Sature”, Montale adotta una poesia più prosastica, mescolando ironia e critica sociale.

La raccolta è influenzata dalla condizione politica e culturale degli anni '60, caratterizzata dal consumismo e dall'affermarsi del benessere materiale.

Montale critica il progressismo borghese e il Marxismo, esprimendo un pessimismo assoluto.

La figura della donna non è più angelica, ma concreta e inserita nella realtà quotidiana.

La poesia diventa un mezzo per raccontare la banalità della vita, il disincanto e l’insensatezza della corsa al benessere.

U. Saba, da “Il Canzoniere”, brano “La capra” (“Letteratura aperta, pag. 653)

U. Saba, da “Il Canzoniere”, brano “Città vecchia” (“Letteratura aperta, pag. 655)

Umberto Saba nacque nel 1883 a Trieste, che allora faceva parte dell'Impero Austro-Ungarico. Cresciuto in un ambiente segnato dall'abbandono del padre, fu allevato dalla balia Sabaz. La madre, distante e austera, non riuscì a colmare il vuoto affettivo lasciato dal padre. La sua infanzia fu segnata da difficoltà scolastiche e da problemi nervosi che lo accompagnarono per tutta la vita. Autodidatta, intraprese una carriera di libraio e gestì una libreria a Trieste, dove si sviluppò il suo interesse per la lettura e la scrittura.

Fu influenzato dalla psicoanalisi, e durante la sua vita ebbe una relazione con il psicoanalista Weiss.

Saba visse anche a Roma, dove fu protetto dalla comunità ebraica e dallo scrittore Eugenio Montale. La sua vita privata, complicata dalle difficoltà di relazione con la moglie e da periodi di malattia, non gli impedì di continuare a scrivere fino alla sua morte nel 1957.

Il Canzoniere

E’ il suo capolavoro, una raccolta di poesie di carattere autobiografico, che si ispira alla tradizione poetica di Petrarca, ma con un approccio moderno.

Le sue liriche esplorano temi come il dolore infantile, la figura della madre e la città di Trieste e mostrano l'influenza della psicoanalisi.

L’opera si distingue per l’utilizzo di forme tradizionali come l’endecasillabo, il sonetto e la rima, ma anche per l’introduzione di elementi modernisti.

La poesia è una forma di liberazione e cura per i suoi traumi personali, in particolare quelli legati alla figura materna, ma anche come un mezzo per affrontare i conflitti interiori e per cercare un significato nella vita.

Il Canzoniere si sviluppa in tre fasi:

• le poesie giovanili riflettono il difficile rapporto con la madre, il legame affettivo con la balia e i primi amori adolescenziali.

• nelle poesie più mature, il poeta intraprende una rilettura del proprio passato, cercando di identificare le cause del suo dolore e di comprendere le leggi universali della vita umana. La psicoanalisi gioca un ruolo centrale in questo processo, aiutandolo a riportare alla luce il "piccolo Berto" e le esperienze che hanno segnato la sua crescita.

• Infine, nelle sue liriche più malinconiche, Saba riflette sul destino comune dell’umanità, rivelando la sua visione della vita come un cammino condiviso di sofferenza e speranza.

Nonostante sia stato associato spesso all’Ermetismo, Saba si distinse per la chiarezza della sua poesia, che contrasta con l’approccio oscuro e criptico tipico degli ermetici.

La sua poesia, pur essendo influenzata da temi modernisti, non si rifugiò in complicate sperimentazioni stilistiche.

Piuttosto, la sua scrittura si concentrò sulla ricerca di una verità semplice e accessibile, attraverso una lingua familiare e quotidiana.

La sua visione del mondo era lontana dall’Ermetismo e dalla filosofia nichilista, rispecchiando una concezione della vita che, pur riconoscendo il dolore, celebrava anche le piccole cose e l'amore per la quotidianità.

La poesia di Saba è stata definita da alcuni come “poesia della banalità”, ma questa etichetta non rende giustizia alla profondità del suo lavoro.

La sua poesia, pur trattando temi quotidiani e apparentemente semplici, cercava di scavare sotto la superficie per portare alla luce la verità che si nascondeva nel fondo della vita umana.

La sua concezione di poesia si rifiutava di essere metafisica o complessa, cercando invece di esprimere una verità immediata e concreta. Le sue poesie, come quelle dedicate alla sua città di Trieste o alla figura materna, sono caratterizzate da una limpidezza espressiva che le rende accessibili, pur affrontando temi complessi come il dolore, la solitudine e l’identità. La sua eredità, dunque, è quella di un poeta che ha saputo raccontare le piccole cose della vita con grande sincerità e un profondo senso umano.

Cresce in un contesto laico e intriso di valori di sinistra, facendo parte del Partito Comunista e impegnandosi nella Resistenza durante la Seconda Guerra Mondiale.

Si avvicina inizialmente alla letteratura agraria, ma si dedica presto alla lettura e alla scrittura.

Il suo talento viene scoperto da Cesare Pavese, e inizia a collaborare con la casa editrice Einaudi.

Successivamente lascia il Partito Comunista e si trasferisce a Parigi, dove si avvicina alla semiotica e partecipa al gruppo Oulipo, famoso per le sue sperimentazioni letterarie.

E. Montale, “Meriggiare pallido e assorto” da “Ossi di seppia” (Libro di testo “Letteratura aperta” pag. 689)

E. Montale, “Cigola la carrucola del pozzo” da “Ossi di seppia” (Libro di testo “Letteratura aperta” pag. 692)

I. Calvino, “Ottavia: una città “sottile””, da “Le città invisibili” (Libro di testo “Letteratura aperta”, pag. 810)

I. Calvino, “Funghi in città” da “Marcovaldo” (classroom)

Il suo primo romanzo, “Il sentiero dei nidi di ragno”, è un racconto di formazione ambientato durante la Resistenza, con un tono fiabesco. Successivamente, esplora temi storici e sociali, come in “Ultimo viene il corvo”, una raccolta di racconti sulla lotta partigiana.

La sua trilogia “I nostri antenati” (che comprende “Il visconte dimezzato”, “Il barone rampante” e “Il cavaliere inesistente”) combina filosofia, fiaba e riflessioni sul presente.

Calvino si avventura anche nella letteratura combinatoria, con opere come “Le città invisibili” e “Se una notte d'inverno un viaggiatore”, dove sperimenta tecniche narrative innovative.

Calvino è un autore poliedrico e sperimentale, capace di mescolare vari generi, tra cui favole, neorealismo, filosofia e trattati scientifici.

È noto per la sua versatilità e per la ricerca di nuove forme narrative, come quelle proposte dal gruppo Oulipo, con cui sviluppa tecniche di scrittura vincolata.

La sua prosa è chiara e raffinata, ma sempre impreziosita da un linguaggio allegorico e filosofico.

Con “Se una notte d'inverno un viaggiatore”, infrange le convenzioni della narrazione tradizionale, mettendo in crisi il rapporto tra lettore e testo. Questo metaromanzo gioca con l'idea di un'infinita sequenza di libri interrotti e rimaneggiati, dove la lettura diventa un'esperienza attiva e interattiva, in cui il lettore stesso è protagonista.

Le opere di Calvino affrontano anche temi sociali e politici, come la speculazione edilizia e le contraddizioni della società industriale.

In “Marcovaldo” e “La nuvola di smog”, ad esempio, Calvino critica l'alienazione dell'uomo moderno, ingabbiato in una città inquinata e cementificata, alla ricerca di una natura perduta.

Allo stesso modo, in “La giornata di uno scrutatore” denuncia l'abuso del sistema elettorale e la corruzione morale, mettendo in luce il contrasto tra intellettuali e politici.

Il suo approccio è sempre quello di un'analisi ironica e disincantata della società.

La scrittura di Calvino è anche una continua riflessione sulla natura della letteratura e del linguaggio.

In “Cosmocomiche” e “Ti con zero”, esplora il concetto di tempo e di spazio da una prospettiva scientifica e filosofica, mescolando il comico e il cosmico. Calvino analizza anche il ruolo dell'intellettuale in un mondo in continua evoluzione, come si vede in “Palomar”, un'opera che esplora il rapporto tra l'individuo e l'universo.

Le sue “Lezioni americane” offrono uno sguardo sulle sue idee riguardo alla letteratura, suggerendo che il compito dello scrittore è quello di portare leggerezza, rapidità e precisione nella narrazione.

A soli nove anni, contrasse la tubercolosi ossea, che segnò la sua infanzia e la sua visione del mondo.

Di religione ebraica, la sua carriera fu influenzata dalla sua condizione di "sovversivo" durante il fascismo, dovendo spesso spostarsi tra diversi paesi.

Il suo approccio alla realtà fu quello di un osservatore critico e disilluso, portato a denunciare le contraddizioni e la decadenza della società contemporanea.

Fu inoltre un grande intellettuale cosmopolita, con contatti in Europa e in America, e collaborò con importanti testate come “L’Espresso”.

I temi di sesso e denaro sono al centro di molte delle sue opere: è il caso della protagonista Adriana de “La Romana”, che è costretta alla prostituzione.

Un altro romanzo importante è “La Ciociara”, che esplora la crisi del mito del popolo, raccontando la tragica trasformazione della madre e della figlia durante la guerra.

In “La noia”, Moravia analizza il vuoto esistenziale e il conflitto interiore di un pittore incapace di dare vita alla sua arte, mentre “L'attenzione” affronta la disillusione di uno scrittore che trasferisce la sua sfiducia nella vita autentica nelle sue opere.

Moravia è noto per il suo stile oggettivo e lucido, che esplora la psicologia dei suoi personaggi attraverso una narrazione in terza persona.

La sua scrittura è segnata dal pessimismo e dalla denuncia della mediocrità borghese, senza proporre soluzioni o riscatto.

Il sesso e il denaro sono temi ricorrenti, trattati come forze distruttive che governano le relazioni umane.

Nonostante il disincanto, Moravia mantiene un grande interesse per l'analisi sociale e psicologica, dipingendo l'indifferenza e la mancanza di azione dei suoi protagonisti in un contesto di soffocante ipocrisia.

Moravia rivoluzionò la prosa italiana, portando un'analisi spietata della realtà borghese e fascista, con un'attenzione particolare alle dinamiche familiari e sociali.

La sua capacità di osservare la decadenza dei valori e l'incapacità di reagire della sua generazione lo rese uno degli autori più influenti del Novecento italiano.

Le sue opere, pur con il loro pessimismo e il loro tono disilluso, sono caratterizzate da una critica sociale feroce che esplora la superficialità e l'ipocrisia della società, ponendo interrogativi senza risposte facili.

La sua gioventù fu segnata dalla Seconda Guerra Mondiale e dall'esperienza della fuga da Casarsa, in Friuli, durante l'occupazione tedesca.

Cresciuto in un contesto contadino e rurale, il friulano fu per lui una lingua radicata nella sua identità.

La sua formazione intellettuale lo portò ad essere un militante antifascista e un sostenitore del Partito Comunista, ma fu espulso a causa della sua condotta controversa.

Negli anni successivi, Pasolini visse a Roma, dove si dedicò alla scrittura, al giornalismo, al cinema e alla poesia.

La sua vita si concluse tragicamente nel 1975 con un omicidio, ancora oggi avvolto nel mistero.

Secondo lui, la borghesia dominante imponeva una cultura di massa che spingeva le persone a conformarsi a modelli imposti, annullando le differenze e le tradizioni popolari.

Questa critica si riflette nelle sue opere, dove evidenzia il degrado umano e sociale e il processo di omologazione culturale attraverso i media, in particolare la televisione. Pasolini vedeva in questa omologazione una pericolosa forma di totalitarismo che minava la libertà individuale e culturale.

Pasolini criticò anche la struttura linguistica e culturale dell'Italia, che considerava divisa tra l'italiano parlato, pragmatico e "di tutti", e l'italiano scritto, elitario e letterario.

Per lui, questa "santissima dualità" linguistica rifletteva l'incapacità della borghesia di identificarsi con il popolo, creando una separazione tra le classi sociali.

Inoltre, Pasolini denunciò come la lingua diventasse uno strumento di omologazione e di potere, con l'italiano standard imposto alle altre lingue e dialetti.

Vedeva emergere una nuova lingua unitaria, legata alla modernizzazione e alla globalizzazione, ma temeva che essa non fosse in grado di mantenere le ricchezze linguistiche e culturali delle tradizioni locali.

Oltre alla letteratura, Pasolini utilizzò il cinema come mezzo di denuncia sociale e politica.

I suoi film, come “Accattone”, “Il vangelo secondo Matteo”, e “Uccellacci e uccellini”, sono noti per la loro critica alla religione, alla politica e alle strutture sociali. Si raccontano storie di emarginati e sfruttati, spesso mettendo in discussione la moralità borghese e la sacralità delle istituzioni.

L’approccio è caratterizzato da un approccio radicale, che mescola linguaggi popolari e filosofici, e spesso affronta tematiche scomode come la sessualità, la violenza e il conflitto tra le classi sociali. Pasolini ha usato il cinema per esprimere la sua visione di una società in decadenza, in cui la lotta per l'individualità e la libertà era sempre più difficile.

La sua esperienza nel campo di concentramento influenzò profondamente la sua scrittura.

Dopo la liberazione, tornò a Torino, dove lavorò come chimico e scrittore.

Levi morì nel 1987, all'età di 67 anni, in circostanze che restano tuttora oggetto di dibattito, tra chi sostenne che la sua morte fosse stata accidentale e chi invece riteneva che si fosse suicidato per il malessere psicologico legato ai traumi del passato.

P. Levi, “I sommersi e i salvati” da “Se questo è un uomo” (Libro di testo “Letteratura aperta”, pag. 742)

Altre sue opere importanti includono La tregua (1963), che racconta il suo ritorno dalla prigionia, e Il sistema periodico (1975), una raccolta di racconti che esplora la chimica attraverso un filo narrativo personale.

Tra le sue opere si ricordano anche I sommersi e i salvati (1986), riflessione sulla sopravvivenza nei lager e sui meccanismi di potere.

Lo stile di Primo Levi è caratterizzato da una grande lucidità e precisione.

“Se questo è un uomo” si colloca nel filone memorialistico del Neorealismo. Lo stile è chiaro, denso di dialoghi e con struttura paratattica. La finalità è di divenire facilmente comprensibile e di privilegiare l’analisi dei fatti, con una scrittura argomentativa.

Il linguaggio asciutto, privo di enfasi, rispecchia la sua formazione scientifica e la sua visione del mondo, l’approccio razionale, senza indulgere nel pathos, ma lasciando che siano i fatti stessi a trasmettere una grande forza emotiva.

La sua scrittura è sobria, ma ricca di significati, riuscendo a trasmettere la crudeltà e la disumanità della Shoah senza bisogno di eccessiva retorica.

Le tematiche principali delle opere di Levi riguardano la memoria della Shoah, la sopravvivenza, la dignità umana e l’etica.

In particolare, l’autore riflette sul significato della vita e della morte, sul valore della testimonianza e sull’importanza di non dimenticare.

Levi esplora anche la natura del male, mettendo in luce le dinamiche di potere, la crudeltà e la disumanità che si manifestano nei regimi totalitari.

Altre tematiche frequenti sono il rapporto tra scienza e umanità e la necessità di una coscienza storica collettiva.

La critica sociale di Levi si concentra sulla disumanizzazione portata dai regimi totalitari e sulle strutture di potere che alimentano la violenza e l’oppressione. La sua opera denuncia l’incapacità dell’uomo di imparare dagli errori storici, mettendo in evidenza il rischio di ripetere le atrocità del passato.

Levi si interroga anche sulle responsabilità individuali e collettive durante i periodi di crisi, invitando alla riflessione sull'importanza dell’educazione e della memoria come strumenti per evitare che l'orrore della Shoah si ripeta.

Si emancipò dalla sua famiglia e intraprese una carriera nella scrittura, collaborando con riviste culturali e diventando un'importante figura intellettuale. Morante ebbe una vita personale tumultuosa, con un matrimonio con lo scrittore Alberto Moravia, che si concluse con un divorzio.

Negli anni successivi, si trovò coinvolta nei dibattiti politici del '68 e fu testimone degli anni di piombo.

La sua vita fu segnata anche da gravi problemi di salute, tra cui un tentativo di suicidio.

Morì nel 1985, lasciando un’impronta indelebile nella letteratura italiana.

“Menzogna e sortilegio” è una delle sue opere iniziali, ambientata in una Sicilia di fine Ottocento, che racconta le vicende di una famiglia borghese e del triangolo amoroso tra Anna, Edoardo e Francesco. Questo romanzo presenta una narrazione dal taglio ottocentesco con elementi naturalistici e onirici.

Il suo capolavoro, “L'isola di Arturo” è un romanzo di formazione che esplora il percorso di crescita del protagonista, Arturo, un giovane che vive su un'isola e affronta il distacco dal mondo infantile e la scoperta del mondo femminile e della morte.

Il romanzo è noto per la sua ricca descrizione del paesaggio e per il suo stile realistico.

Un'altra importante opera di Morante è “La storia”, un romanzo che, attraverso le vicende della Seconda Guerra Mondiale, racconta la storia di persone vulnerabili.

Il romanzo segue la vita di Ida Ramundo, una donna che, attraverso le vicissitudini della guerra e delle difficoltà quotidiane, affronta una serie di tragedie personali.

Il romanzo esplora temi di violenza, sopraffazione e le drammatiche esperienze dei più vulnerabili durante il conflitto, ponendo al centro la lotta per la sopravvivenza e l’umana capacità di resistere.

E’ un’opera intensa e struggente.

Elsa Morante si distingue per la sua capacità di trattare tematiche universali come l’amore, la sofferenza, la solitudine e la crescita, inserendo sempre i suoi protagonisti in contesti storici e sociali complessi.

Il suo stile è caratterizzato da un realismo magico che unisce elementi di fantasia e realtà, e da un profondo interesse per i conflitti interiori dei suoi personaggi. La sua opera è stata accolta con entusiasmo dal pubblico, ma ha anche suscitato critiche per il suo stile a tratti anacronistico.

Le sue storie sono segnate dalla sua empatia per i più deboli e dalla riflessione sulle ingiustizie sociali.

Relativismo della verità

Relativismo pirandelliano (non un'unica verità)

Forma e vita - maschera sociale

Umorismo pirandelliano

E la pampina di l’aliva

di l’aliva la pampina.

Veni lu ventu la cutulìa

la cimiddìa, cascari la fa.

E la foglia dell’ulivo

dell’ulivo la foglia.

Viene il vento,

la muove con forza

la rompe e cascare la fa