Dalí representa a figura humana como um conjunto de partículas, os átomos, mas que também remetem aos planetas no vazio do universo.

Gala está com os olhos fechados e com expressão calma, quase como um ninfa grega. Aliás, o nome Galatea está relacionado à mitologia grega clássica.

A tela data de 1952, possui 65 x 54 cm e está localizada no Teatro Museu Dalí.

Os relógios derretidos, que parecem estar flácidos e escorrendo sobre superfícies deformadas, representam a relatividade do tempo e a fugacidade da realidade. A paisagem desolada ao fundo acrescenta à atmosfera de estranheza e inquietude que é característica

Wesley é muito lindo

A tela é uma das raras homenagens do pintor à mãe, que ele nunca representou em um quadro. Dalí fez um desenho a pena como estudo preparatório para a obra que foi adquirida com Le Jeu lugubre pelo Visconde de Noailles durante a primeira exposição do pintor na Galeria Goemans.

A Tentação de Santo Antão (em espanhol: La tentación de San Antonio, em inglês: The Temptation of Saint Anthony) é um quadro realizado pelo pintor espanhol Salvador Dalí em 1946. O quadro foi pintado usando a técnica pintura a óleo e mede 90 x 119,5 cm. A obra está sendo conservada no Musée Royaux des Beaux-Arts em Bruxelas, a capital da Bélgica.

O quadro foi feito em Nova Iorque, no decorrer de um concurso no qual tinha que se pintar a tentação de Santo Antão, onze pintores fizeram parte, além de Dalí havia outros grandes pintores participando, alguns deles eram Paul Delvaux, Leonora Carrington, Dorothea Tanning e o vencedor do concurso Max Ernst.

O júri era composto por outros célebres pintores como: Marcel Duchamp, Sidney Janis e Alfred Barr.

Dali retrata na tela o eremita Santo Antão (Antão do Deserto, dos séculos III e IV) sendo tentado. Este se encontra nu, tal como nos sonhos nos encontramos despidos de qualquer privação, e esse despojamento não é diferente no quadro. A tentação é tão forte que desnuda o santo, lhe restando somente sua única proteção, a cruz.

Nos sonhos perdemos a proporção de tamanho ou de tempo, só nos resta a intensidade do que sentimos no mais fundo inconsciente, não sendo diferente nessa pintura surrealista. As criaturas das quais ele se protege, são desproporcionais a qualquer criatura real. Como num sonho, tomam proporções exageradas, enfatizando sua maldade ou o medo do Santo com relação as mesmas.

Inclusive o "cavalo" que se encontra posto a frente do Santo sugere que vai se lançar sobre ele. Logo em baixo, dois seres muito menores do que os outros, aparentam estar em conflito também, lembrando a figura de um padre.

A fissura pelos autorretratos surgiu após um acidente de bonde ocorrido em 1925, quando Frida teve que se submeter a uma série de cirurgias e ficou presa a uma cama de hospital a beira da morte.

Entediada, com movimentos limitados, os pais tiveram a ideia de instalar um cavalete adaptado sobre a cama e trazer material para pintura. Eles também instalaram espelhos no quarto para que Frida pudesse se ver sob diversos ângulos.

Como passava muito tempo sozinha, Frida intuiu que era o seu melhor assunto e daí brotou a ideia de investir na pintura de autorretratos. Uma frase célebre da pintora é:

“Pinto a mim mesma porque sou sozinha e porque sou o assunto que conheço melhor”

Ao fundo de Autorretrato com Vestido de Veludo vemos o mar, símbolo da vida, e uma única nuvem lembrando as dificuldades pelo caminho.

A obra foi produzida com tela, tinta a óleo. Retrata duas Fridas, sentadas uma do lado da outra: uma de vestido num estilo europeu; a outra com uma roupa tradicional Tehuana.

As duas Fridas têm objetos em seus colos: a Frida com roupa mexicana segura um pequeno retrato de Diego Rivera, com quem Kahlo era casada, enquanto a com roupa europeia segura um fórceps. Sangue escorre sobre o vestido branco no estilo europeu, jorrando de um vaso cortado pelo fórceps. Esse vaso conecta as duas personagens do quadro, de suas mãos a seus corações. Há aqui uma alusão aos constantes procedimentos cirúrgicos pelos quais passou Kahlo, por conta de um grave acidente em sua juventude, mas também de sacrifícios astecas.

A obra foi produzida em 1939, o mesmo ano em que Kahlo divorcia-se de Diego Rivera.

O quadro teria sido inspirado em duas obras que Kahlo viu no Louvre: As duas irmãs, de Théodore Chassériau, e Gabrielle d'Estrées e uma de suas irmãos, de autoria desconhecida.

Historiadores da arte interpretaram as figuras no quadro como representando a origem dual de Kahlo. Seu pai, Guillermo Kahlo, era alemão; sua mãe, Matilde Calderón, era hispano-ameríndia. Há outra interpretação, segundo a qual a Frida mexicana é a adorada por Rivera, enquanto a europeia é a rejeitada por ele. De acordo com a própria Kahlo, a imagem retrata uma amiga imaginária de sua infância.

Na pintura, Frida representa sua própria figura em um espartilho, com a coluna partida e várias partes do corpo abertas, expondo seu interior. Esta representação visual direta e franca da dor e da vulnerabilidade reflete a experiência intensamente pessoal da artista com o sofrimento físico e emocional.

Além disso, "A Coluna Partida" também aborda questões de identidade, feminilidade e autodescoberta, temas recorrentes na obra de Frida Kahlo. Sua capacidade de expressar tanto a dor física quanto as lutas emocionais por meio de sua arte é uma das razões pelas quais suas obras ressoam tão profundamente com o público.

"Manifesto Surrealista": Em 1924, Breton publicou o "Manifesto Surrealista", no qual delineou os princípios fundamentais do movimento surrealista. Esse manifesto teve um impacto significativo no mundo da arte e da literatura.

Interesse pelo Psicanálise: Breton tinha um forte interesse na psicanálise, especialmente no trabalho de Sigmund Freud. Ele viu a psicanálise como uma ferramenta para explorar o inconsciente e liberar a criatividade.

Ativismo Político: Além de suas contribuições para o surrealismo, Breton também foi ativo politicamente. Ele era um defensor do comunismo e participou ativamente de movimentos políticos de esquerda.

Exílio nos Estados Unidos: Durante a Segunda Guerra Mundial, Breton fugiu para os Estados Unidos, onde passou algum tempo em Nova York. Lá, ele se associou a artistas e escritores americanos, contribuindo para a disseminação das ideias surrealistas.

Nadja logo se firmará como uma das grandes obras do surrealismo europeu, capaz de confundir os limites entre vida e literatura, ao passo que a personagem homônima também se eterniza a partir da obra. A verdade é que houve uma Nadja na vida de André Breton, como provam as cartas da época: ela se chamava Léona Delcourt e nasceu em 1902 nos arredores de Lille. Léona viajou na juventude para Paris, onde trabalhou como balconista, dançarina e prostituta. Em algum momento dos anos 1920, o acaso, tão ao gosto surrealista, a aproxima de André Breton.

“André? André?… Você vai escrever um romance sobre mim. Garanto. Veja só: tudo se esvai, tudo desaparece. É preciso que reste algo de nós (…)”. Poucos dias depois, Nadja sai de cena e, no romance, torna-se menos presença que recordação. O narrador revela que foi internada após distúrbios no hotel onde morava. A partir daí o contato se rompe, perdemos o rastro de Nadja e resta a evocação de André: “Já que existes, como só tu sabes existir, talvez não fosse necessário que este livro existisse”.

Recentemente, a escritora holandesa Hester Albach investigou a história de Nadja. A busca teve como resultado o livro Léona, heroína do surrealismo, publicado em 2009 e sem tradução para o português. No romance de 1926, André entrega a Nadja dois livros: Os passos perdidos e o Manifesto do surrealismo. Nadja observa os dois sobre a mesa e questiona: “Os passos perdidos? Mas não existe passo perdido”. Passos que são, ao mesmo tempo, o passo errante da Nadja de Breton e o de Léona Delcourt.

“Afastar-me para longe de vós! Revestia-se para mim da maior importância ouvir-vos, por exemplo, responder, um dia, com toda a inocência, a essas perguntas insidiosas que as pessoas crescidas fazem às crianças: “Com que é que se pensa, com que é que se sofre? Como é que se soube o nome do sol? Donde é que a noite vem?” Como se elas próprias o soubessem! Já que, para mim, sois a criatura humana em toda a autenticidade, deveríeis, contra tudo o que é previsível, ser vós mesmos a ensinar-mo…

dois presépios

um cavalinho e uma agulha de chapeleira

em seguida desculpem-me

já que não tenho tempo de respirar

sou um acaso

a construção solar deteve-me aqui mesmo

e agora nada faço senão deixá-la morrer

procurem na tabela das contas atrasadas

a trote na mão fechada debaixo da minha cabeça tilintante

um copo no qual se abre um olho amarelo

abre também o sentimento

e no ar puro esvoaçam as princesas

tenho nisso muito orgulho

e ao mesmo tempo uma gotas de água insulsa

para refrescar o vaso das flores bolorentas

ao fundo da escada

o pensamento divino no azulejo estrelado do céu

a expressão das banhistas é a morte do lobo

tende-me por amiga

a amiga dos ardores e das raivas

que duas vezes vos olha

alisai a vossa plumagem diz ela

os meus remos de pau-santo fazem cantar vossos

cabelos

um som claro abandonava a praia

negra da cólera dos seixos

vermelha do lado do horizonte como uma chapa

incandescente

IMPORTÂNCIA E LEGADO:

"Arcano 17" é considerado uma obra fundamental no corpus literário de André Breton e no movimento surrealista. Representa um ponto de inflexão na carreira de Breton, onde a busca pela beleza e a fé na capacidade transformadora do amor e da natureza são elevadas como antídotos contra a brutalidade e a desesperança da guerra. O livro continua a ser estudado e admirado por sua profundidade simbólica e seu poder poético, mantendo-se relevante para as discussões sobre arte, esperança e humanidade.

Algumas possíveis reflexões sobre seu contexto pessoal e artístico seria o motivo desta obra ser especialmente importante pois apesar do momento difícil, ela representa um tributo pela Vida,“ Viva la Vida” assim como a artista a nomeou. Nela está presente seu estilo simbólico e característico de trazer ambiguidades inerentes da vida. Em uma natureza-morta com suculentas melancias, fruta predileta dos mexicanos, inteiras e cortadas, o fundo dividido ao meio com tons de azul mais escuro e claros, além dos tons vermelhos vibrantes e intensos nos remetem ao sangue. Vida e morte se entrelaçam de maneira singular. Para haver vida, é necessário o sangue. Assim como o sangue que se esvai, traz a finitude.

No ensaio, Breton discute a importância da liberação do pensamento e da expressão criativa, destacando a busca pela verdade interior e a exploração do inconsciente como elementos essenciais do surrealismo. Ele também aborda a influência da psicanálise, particularmente as teorias de Sigmund Freud, na formação das práticas surrealistas.

Além disso, Breton explora a relação entre o surrealismo e a realidade cotidiana, questionando as convenções sociais e culturais estabelecidas. Ele destaca a importância da liberdade artística e da exploração de novas formas de expressão, como o automatismo e o escrita automática, como meios de alcançar um estado de "suprarrealidade".

Seguido do dadaísmo (movimento que propunha a oposição por qualquer tipo de equilíbrio), o surrealismo impunha o chamado automatismo psíquico, "estado puro, mediante o qual se propunha transmitir verbalmente, por escrito, ou por qualquer outro meio o funcionamento do pensamento; ditado do pensamento, suspenso qualquer controle exercido pela razão, alheio a qualquer preocupação estética ou moral".

Segundo Breton, ele e o escritor Soupault, deram o nome de surrealismo ao novo modo de expressão que tinham a seu alcance, em homenagem a Guillaume Apollinaire.

Neste manifesto, os princípios surrealistas são declarados, tais como a isenção da lógica, a adoção de uma realidade superior, chamada "maravilhosa".

Ele dialoga com o mesmo objetivo do manifesto dadaísta de romper com paradigmas convencionais sobre o que é arte e, especialmente, neste caso, sobre as formas como se produz arte.

Neste autorretrato devemos reparar nas diferentes flores e formas decorativas que compõem A Moldura. As ornamentações foram pintadas em cores transparentes, do lado de dentro dum pedaço de vidro. É isso que explica as alterações cromáticas quando as cores se sobrepõem no centro do quadro.

Também é necessário prestar atenção à mistura de estilos. A moldura é deliberadamente vibrante, carregada e simples. Por contraste, o rosto de Frida é mais realista, foi pintado sobre metal, dado que esse é um material brilhante e não absorve a tinta. As cores são fortes e vivas.

Por último, uma nota para as duas aves exóticas ao fundo da imagem, sobrepondo-se ao retrato.

É uma das composições mais heterogéneas do artista. Entre os elementos apresentados nesta obra estão a sua esposa Gala, a deusa Vénus, as cores da bandeira espanhola, uma praça de touros, insetos, algumas formas geométricas, um cão dálmata e uma paisagem do Cabo de Creus (Catalunha). Tudo isso agrupado com jogos visuais e em perfeita harmonia com experimentação holográfica.

Breton e Soupault, ambos desmobilizados da Primeira Guerra Mundial, dedicaram-se a este método de escrita em 1919, em Paris. Eles escreviam rapidamente, sem censura ou correção, capturando o fluxo de pensamentos e imagens que surgiam espontaneamente. Este processo era visto como uma forma de acessar o subconsciente e revelar uma verdade mais profunda que estava além da lógica e da estrutura convencional.

“Os Campos Magnéticos” é, portanto, uma coleção de textos e fragmentos poéticos que refletem essa abordagem inovadora e revolucionária. O livro teve um impacto significativo na literatura e na arte, influenciando não apenas os surrealistas, mas também muitos outros artistas e escritores nas décadas seguintes.

A obra é um marco na história da literatura, representando um momento em que Breton e Soupault, junto com outros artistas e pensadores da época, estavam redefinindo as fronteiras da expressão criativa e explorando novas possibilidades para a arte e o pensamento¹.

No quadro Frida encontra-se com um olhar suplicante e em que lágrimas que escorrem do seu rosto. Nesta época Frida era forçada a passar grande parte de seu tempo na cama, com um colete ortopédico devido ao um acidente de autocarro que sofreu enquanto adolescente, por isso, ao longo da sua vida sofreu mais de 30 operações. O funil usado para alimentar a pintora transborda com uma mistura nauseante de carne, peixes e aves. A ideia do funil como um instrumento de tortura (como ele aparece representado na pintura) provavelmente foi tirada de um livro sobre a Inquisição Espanhola. No topo do monte de comida crua encontra-se uma caveira mexicana de açúcar com o nome da artista. Essas caveiras eram comuns no dia dos mortos e seu papel na pintura é fazer uma alusão à morte, enquanto o açúcar com que ela é feita representa a doçura da vida. A paisagem representada no quadro é um deserto e tem sido interpretado como uma referência à esterilidade da artista. Nas laterais do quadro encontram-se imagens da lua e do sol. Uma das interpretações para a presença desses símbolos é a dor implacável da pintora, que persistia dia e noite. Pensa-se que o sol é uma alusão específica a seu marido, Diego Rivera. Outras interpretações dão conta de que o sol se trata de uma referência aos cravos do defunto laranja existentes nas festas mexicanas no Dia dos Mortos.

O quadro foi pintado a óleo em1845 e atualmente encontra-se no Museu Dolores Olmedo Patiño, na Cidade do México. Em 2002 foi lançado o filme "Frida" e relata a vida da pintora e recebeu vários prémios ao longo do tempo.