Personalmente, como mujer considero importante resaltar la figura femenina en el arte y la percepción de ella como objeto y no como sujeto pensante, creativo e intelectual. Al reconocer y visualizar ese concepto de la mujer como objeto erótico, decorativo y de inspiración en los diferentes registros artísticos se podrá tener más evidencia y soporte para promover una nueva visión igualitaria con respecto a la mujer. Puesto que a pesar de las diferentes luchas que han surgido alrededor del tema, sigue siendo un prejuicio del presente que debe cambiar. 

Técnica: escultura en la ronda 

Material: piedra, calcita ámbar 

Dimensiones: 3,9 cm, 8,1 cm, 2,3 cm 

Fecha: Paleolítico superior, Gravetiense, alrededor de - 25.000 años  

Lugar descubrimiento: Abri du Facteur, Tursac, Dordoña 

Localización: Museo Arqueológico Nacional en Saint-Germain-en-Laye, Francia. 

 

La Venus de Tursac es una estatua que representa como su nombre lo dice una Venus, una mujer. Desde el inicio el nombre dado a la figura tiene una connotación fuerte en el significado de la misma. Venus, nombre de la diosa de la mitología, representa la belleza, el amor y la fertilidad. Por consiguiente, el nombre le da al receptor una idea que la estatuilla tiene un motivo direccionado hacia el cuerpo femenino. 

La Venus de Tursac es una figura pequeña, fácil de transportar lo cual podría indicar que se trataba de un objeto parte de un rito. Además, la figura al ser encontrada bajo tierra podria representar un símbolo de la fertilidad. 

La estatua es estilizada, contiene prominentes curvas lo que hace que sea asimétrica. En la parte inferior se pueden ver dos piernas dobladas sin pies, un tronco en la parte de arriba y un relieve que sobresale entre las dos piernas. 

Como fue mencionado anteriormente la parte de arriba es un simple tronco alargado, no tiene senos una de las características físicas más evidentes en una mujer lo cual podría dar indicios que no se trata de una figura femenina. Adicionalmente debido al pedúnculo que resalta se podría decir que se trata de un hombre, sin embargo, las caderas anchas y las curvas exageradas reflejan lo contrario, por lo tanto, podría tratarse de un genital masculino penetrando a una mujer. Por otra parte, otra posible deducción de la función del pedúnculo podría ser representar el vientre de una mujer embarazada o una mujer dando a luz. De ser así se reflejaría la visión de la mujer como un objeto erótico o como un ser cuya función es estrictamente procrear.  

Por último, otra particularidad de la estatuilla es la ausencia de una cabeza o un rostro. Esto demuestra cómo no se trataba de una mujer en específico si no de una visión general de la figura femenina. 

 
Bibliografía:
Breuil Henri, Peyrony Denis; Estatuilla femenina auriñaciense de Sireuil (Dordoña); Revista Antropológica, volumen 40, pág. 44-47, 1930

Delporte Henri; Obras maestras del arte paleolítico; Museo de Antigüedades Nacionales - Castillo de Saint-Germain-en-Laye; Exposición del 25 de junio al 1 de diciembre de 1969; Ediciones del Encuentro de Museos Nacionales, París, 1969

Delporte Henri; El objeto de arte prehistórico; Ediciones de la Réunion des Musées Nationaux, Colección Álbumes, París, 1981

https://musee-archeologienationale.fr/collection/objet/la-venus-de-tursac

Dimensiones: no registradas

Fecha: Reino Nuevo, XVIII Dinastía, reinado de Amenhotep III (hacia 1390-1352 a. C.)

Estilo o corriente artística: arte egipcio

Lugar donde se encuentra: El Cairo: Museo Egipcio

"Masks of Yuya and Thuya", Ministry of Tourism and Antiquities. 2019.https://egymonuments.gov.eg/en/collections/masks-of-yuya-and-thuya-6

Dimensiones: 49,50cm x 37,00cm x 4,80cm

Fecha: 1899-1700 a.C

Estilo o corriente artística: Arte Mesopotamia. Antigua Babilonia

Lugar donde se encuentra: Museo Británico, Galería G56 / dc23

Criterio: Características formales

La obra es una piedra tallada,en la que se distinguen diferentes figuras. La composición resulta ser un agente fundamental para identificar la importancia de los personajes, las figuras se disponen de manera piramidal.
La disposición de las figuras podrían dar a entender que el personaje principal es la mujer grande en el centro, las figuras secundarias según esto podrían ser las dos lechuzas, una a cada lado, de tamaño mediano y luego dos mitades de felinos en la parte inferior, que sostienen a la mujer. 
Asimismo, no solo la disposición da a entender la importancia de la figura femenina, también está el relieve. La figura de la mujer desnuda tiene un mayor efecto de tridimensionalidad debido a la profundidad que da el relieve en comparación con las otras figuras. A medida que se desciende la mirada, se distingue como el relieve va disminuyendo. Pero a partir de la cintura de la mujer hacia arriba las facciones se vuelven más voluptuosas, como es el caso de los pechos y la cabeza.
Por otra parte, otro factor que resalta la figura de la mujer, es el manejo de la luz y el color. En la parte inferior, a pesar del deterioro, se ve un pigmento que se va difuminando hacia arriba, que alcanza a pintar las alas, la cabeza y los brazos de la mujer, pero que no pigmenta el pecho ni el vientre. Lo anterior permite evidenciar un contraste de luz y sombra, el cual podría interpretarse como si la intención del autor fuera iluminar el cuerpo de la mujer para resaltar sus atributos y poner en segundo plano los demás elementos como los animales.
Finalmente, como fue dicho anteriormente, no solo el pigmento contribuye al efecto de la luz, otro factor es el relieve que según la profundidad crea sombras.



"Relief",The British Museum.2003.
https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_2003-0718-1

"The Queen of the Night", Google Arts & Culture. FF
https://artsandculture.google.com/asset/the-queen-of-the-night/eQEfwhChzs0z6A

Dimensiones: no registradas

Fecha: 1600-1450 a.C

Estilo o corriente artística: Arte minoico

Lugar donde se encuentra: Museo de Heraklion, en la isla de Creta, Grecia

"The "Ladies in blue" fresco", Heraklion Archaeological Museum.FF
https://heraklionmuseum.gr/?page_id=1635&lang=en

Titulo: Dedicación a Nymphe, protectora del matrimonio.

Tecnica/material: Loutrophoros de figura roja

Dimensiones: h190 m

Fecha: 455-440 AC

Estilo o corriente artistica: Arte de la Grecia Clásica

Lugar donde se encuentra: Museo de la Acrópolis

Título: Escultura Femenina de Mármol

Tecnica/material:Estatua de mármol

Dimensiones: 170cm x 10,5 cm

Fecha: Siglo I a. C.- Siglo III d.C

Estilo o corriente artistica: arte de la Grecia helenística

Lugar donde se encuentra: Museo del Conjunto Arqueológico de Baelo Claudia. Tarifa, España

https://artsandculture.google.com/asset/escultura-femenina-de-mrmol/_wF5PfLn-2_Bww

Título: Gemma Augustea

Tecnica/material: Sardonyx de doble capa

Dimensiones: w230 x h190cm (entero)

Fecha: 9 d.C-12 d.C

Estilo o corriente artistica: Romano

Lugar donde se encuentra: Kunsthistorisches Museum Wien. Vienna,Austria.

Temática:

La Gemma Augustea es un pequeño camafeo que hace alusión a la política imperial romana, mostrando así mismo como la política en aquel entonces usaba como publicidad las artes figurativas. En primer lugar lo que da a entender el contexto político es la narrativa que se evidencia. La narrativa podría dividirse en dos debido a que la obra está también dividida entre la parte superior y la inferior.
En la parte superior el emperador de la época,Augusto, parece ser rodeado de dioses y figuras que representan la grandeza del imperio que construyó, puesto que las miradas de todos están dirigidas hacia él, quien hizo florecer el imperio al igual que Roma. En la parte izquierda está Tiberio quien desciende del carruaje mientras es guiado por una diosa a sus espaldas.
En la parte inferior por otro lado, no existe un personaje principal, pero los soldados del costado izquierdo que levantan el trofeo y las dos personas en el costado derecho que tiran del cabello de los caídos, dan la impresión de tener la misma función que la representación superior, hacer una alegoría a la gloria del gobierno de Augusto y la victoria ante los bárbaros vencidos. Teniendo en cuenta el nombre de la obra, se infiere que la temática central gira en torno a Augusto, quien está sentado mientras espera ser coronado. Sin embargo existen otros elementos de la obra igualmente importantes, que dotan de significado a la narración. Entre ellos las figuras femeninas. A la mano derecha del emperador está una mujer quien por su vestimenta da a entender que es una transfiguración de Roma.Asimismo a la izquierda del emperador hay una mujer que sostiene un cuerno con flores y frutas como simbolo de abundancia y alrededor de ella hay dos niños que podrían representar Romulo y Remo, fundadores de Roma. Por último una mujer es quién encorona al emperador, demostrando las virtudes y victorias de Augusto a través de  personificaciones femeninas.

"Gemma Augustea",

 

Función:

 

Este manuscrito fue creado con el objetivo de narrar y homenajear la vida de Santa Catalina de Alejandría. 
A pesar de tratarse de un escrito, los elementos visuales artísticos son muy importantes, puesto que contribuyen a la bibliografía de la protagonista y a la función del manuscrito. 
En el manuscrito se presentan dos elementos artísticos, la letra capitular de cada capítulo y la xilografía que está en la parte trasera de la primera página del libro, que representa a Santa Catalina, con sus atributos, una rueda y una espada. El propósito original de estos dos elementos son distintos. En primer lugar la xilografía resulta ser una figura aislada de la narración, pues no está ilustrando ningún momento en específico, solo se representa a la mujer con sus atributos y tiene el objetivo de hacer una representación de la Santa como una introducción de lo escrito a continuación. En segundo lugar, la letra capitular tiene como propósito ayudar al lector a concentrarse y facilitar el proceso de oración y lectura, una técnica popular utilizada en los manuscritos religiosos durante la edad media, de ahí la razón por la cual esta letra es tan grande y está ornamentada con diferentes figuras y colores. Cabe resaltar que el manuscrito estaba especialmente dirigido a las monjas dominicas y originalmente se encontraba en la biblioteca del convento. 
Esta obra en específico, en un principio era para ser leída y escuchada en privado al interior del convento durante las comidas, pero con el tiempo al cambiar de ubicación este tipo de ritual se perdió.
Por último, como se puede evidenciar, la función de la obra gira en torno a la adoración de Santa Catalina y particularmente esta adoración era hecha por mujeres, pues eran las únicas que en principio tenían acceso al manuscrito de la bibliografía de la misma dentro del convento .

" Vida de Santa Catalina de Alejandría,alemana", Google Arts & Culture.FF, acceso el día 9 de marzo de 2021. https://artsandculture.google.com/asset/ugHsXExWvlWuXQ?childAssetId=fQFEUSNiLPlbdg

Grandes artistas, Julieta Manrique.Siglos XIX y XX : Degas
Colombia: Casa Editorial El Tiempo, 2008.

Función:
"Princesse de Broglie" es un retrato realizado por Jean-Auguste-Dominique encargado por Albert de Broglie, esposo de la mujer retratada, Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn. Originalmente la obra se creó con el objetivo de complacer el gusto de Albert, quien sentía devoción por su esposa. Y es esta devoción la cual también es retratada en la obra, pues el artista logra reflejar su tímida y recatada personalidad, iluminando sus atributos finos, como el vestido, los adornos en el cabello y el sillón dorado.
 En realidad la obra no tenía ningún significado trascendental, solo fue mandada a hacer después que Albert quedó fascinado con el talento del artista al ver un retrato de su hermana, la condesa de Haussonville.
Desafortunadamente, el retrato pasó de ser un objeto de devoción, a un recuerdo triste, pues al finalizar la obra, Pauline se enfermó de tuberculosis, dejando cinco hijos y a su esposo. Es por esto que la obra que estaba destinada a ser expuesta en las paredes de su hogar, fue envuelta en tela y permaneció en la familia de Broglie hasta poco antes de que Robert Lehman lo adquiriera en 1975 como parte de su colección que es actualmente expuesta en el MET, en Nueva York.

"Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825–1860), Princesse de Broglie",THE MET.FF, acceso el día 31 de mayo https://www.metmuseum.org/art/collection/search/459106

Técnica/material: Lana, algodón, acrílico, poliéster y tapicería de seda.
Dimensiones: 200 cm x 400 cm
Fecha: 2012
Estilo o corriente artistica: arte contemporáneo
Lugar dónde se encuentra: Arts Council Collection

Análisis de contexto:

La Anunciación de la Virgen Deal, es un tapiz creado en 2012 por el artista Grayson Perry, artista plástico y ceramista británico que ha explorado en diferentes ámbitos del arte, incluyendo el cine y el trabajo textil y de tapices y reconocido por hacer apariciones bajo su alter ego travesti "Claire".
Según el consejo de artes británico, esta obra al igual que muchas pertenecientes a la colección del consejo, fue creada con el propósito de promover y fomentar la apreciación del arte contemporáneo a través de exposiciones itinerantes.
Sin embargo gracias al testimonio del artista, es posible saber la razón por la cual fue creada esta obra, representar la movilidad de clase y la influencia que la clase social tiene en el gusto estético del individuo.
Es precisamente por lo anterior que la obra siendo un regalo para el Consejo de Artes de Gran Bretaña, está dirigida a la sociedad.
Aunque se esté presentando un tapiz en específico cabe aclarar que es posible ver la obra como una unidad individual o verla como parte de toda una colección "The Vanity of Small Differences", la cual se une a través de una sola narrativa. Pues según testimonios del Consejo, el artista para crear esta obra se inspira viajando entre las tribus gustativas de Gran Bretaña, creando una historia que tiene como personaje principal a Tim.
En la obra se pueden percibir diferentes referencias e influencias, entre las cuales está la atención al detalle característico del arte contemporáneo, también se inspira en la pintura de siglo XVIII de Hogarth. También incluye referencias a tres pinturas diferentes de la Anunciación de Carlo Crivelli (las verduras) Matthias Grünewald
(la expresión de su colega) y Robert Campin (la jarra de lirios). Por otra parte el título nos permite relacionar la obra con un carácter religioso, clásico del arte románico y gótico.
Adicionalmente es importante resaltar que el entorno del artista también influencio su obra, Grayson basó su arte en su infancia. A través del arte creo un mundo de fantasía en el que nunca pudo vivir porque su padre lo abandonó luego de que la madre tuviera una aventura y su padrastro era abusivo. Es probablemente por esa ausencia paterna que el artista representa a Tim rodeado de personajes femeninos.
 También es notable la influencia de la sociedad consumista moderna en la que vivimos actualmente, pues existe un uso de colores vivos, elementos tecnológicos y una excesiva presencia de objetos, que transmiten la necesidad de llenar el espacio.



"La Anunciación de la Virgen Deal",Google Arts & Culture. FF , acceso el día 1 de junio de 2021.
https://artsandculture.google.com/asset/the-annunciation-of-the-virgin-deal-grayson-perry/DgHzNHCbRZyjLw