Esta figurilla de 10x 6cm aproximadamente, tallada en calcita durante el Mesolítico. Fue encontrada por un beduino en una cueva cerca de Belén. La calcita es una piedra clara y porosa, lo que dificulta aún más la preservación de la pieza: se han perdido los detalles y la forma original del cuerpo, sin embargo, se logra observar la representación  dos cuerpos desnudos haciendo el amor. Aunque no tienen cara, se percibe que sus cabezas están juntas y los brazos de uno abrazan al otro, mientras que las piernas recogidas y abiertas permiten que los dos cuerpos se fusionen. A su vez, estos dos cuerpos, convertidos en uno, forman la figura de un corazón, una forma que dentro de todo, se acerca a una figura fálica, sin esquinas marcadas, curvas delicadas y cabezas sobresalientes. 
 Se puede pensar que esta figurina, fácil de trasladar, tan grande como la palma de una mano, era un amuleto para la fertilidad y la reproducción. La composición de la obra y la representación del cuerpo demuestran cierto nivel de comprensión frente al rol de los géneros en la reproducción.

Esta figurilla es una pequeña escultura e oro, no supera los 4 cm ni los 2cm de ancho, tan grande como un dedo. Es la representación de una figura antropomorfa, donde se reconocen de arriba hacia abajo, una cabeza provista de dos ojos, una nariz, una boca y dos orejas, sobre la cabeza el figura lleva un objeto de forma cónica, parecido a un cuerno. Enseguida sobre el pecho se observan dos brazos, con las manos juntas y los codos angulares hacia afuera, entre las manos sostiene un objeto alargado y delgado, parecido a una espada. El cuerpo esta cubierto por lo que parece un traje, cubierto por lineas que forman formas geométricas y dibujos. En la parte inferior se encuentran dos piernas, cubiertas también por algo y provistas de zapatos. Esta figura antropomorfa adopta la postura de un cuerpo caminando, con las piernas entre-abiertas, una delante de la otra y los pies elevados del suelo.
En Mesopotamia, los dioses solían ser representados con un cuerno sobre la cabeza, particularmente Thub, el dios de la tormenta tenía como animal representativo el toro. Esta figurilla transmite una postura fuerte y decidida, el pecho está elevado, la mirada fija hacia adelante y los brazos fuertes sobre el pecho reflejan una postura valiente, poderosa y casi invencible. 
El oro, material valioso, nos permite reafirmar que se trataba de la representación de un dios o de alguna figura importante merecedora de ser representada en ese metal. Adicionalmente, su pequeño tamaño permite que la figura tenga un peso relativamente pequeño, haciéndola fácil de cargar entre las manos. Estos datos nos permiten pensar que este objeto podría haber sido utilizado para rituales, acompañando rezos, ceremonias, ofrendas, etc.

Se puede ver una figura redonda, plateada, con varios relieves. Estas partes sobresalientes reflejan la luz, mientras que los bordes oscuros, ayudan a definir la figura. 
En la primera cara de este objeto, se reconoce un perfil con rasgos típicos griegos masculinos,  este hombre de nariz gruesa, mira fijamente hacia la izquierda. Su cuello ancho, sostiene una cabeza decorada con hojas, probablemente de laurel, acomodada sobre las oreja que recorre en diagonal todo el cráneo. Alrededor de la corona, se observan pequeñas líneas curvas, referentes al pelo. En la segunda cara de la moneda, se alcanza a observar un borde circular punteado y en el centro un elefante. El animal es tan grande que alcanza los bordes de la moneda, además tiene las patas acomodadas de tal forma que pareciera caminando. Su cabeza, grande y orgullosa mira determinadamente hacia la derecha, como quien conoce su rumbo.
En la época Romana el laurel representaba la victoria, se le otorgaba una corona de laurel a aquellos hombres, guerreros , semidioses, etc que destacaban por su destreza física. Así mismo el elefante era el animal más temido en la guerra, este gigante ser era símbolo de poder y fortaleza militar. Esta moneda, la cual probablemente circulaba entre todas las personas, era un recordatorio constante de la fuerza y el poder de Cartago. Así simbólicamente representaba la victoria, la fuerza, el poder y la destreza militar, convirtiendo este objeto, no sólo en una moneda, sino en una propaganda ideológica y política. 

En la primera obra Afrodita Cnido, perteneciente al periodo clásico, se reconoce el cuerpo de una mujer, se trata de una escultura en mármol blanco. En la parte superior, se observa una cabeza con rasgos delicados y femeninos, tiene el pelo recogido en la parte de abajo del cráneo y la mirada está dirigida ligeramente más abajo del horizonte. Igualmente, la segunda obra Calipigia, perteneciente al periodo Helenístico, es una escultura de una figura femenina, también de mármol blanco, sin embargo la mirada a tiene una inclinación mucho más pronunciada hacia abajo y hacia atrás; adoptando una postura menos erguida y más dinámica. El pelo de la segunda escultura está provisto de más detalles: la textura está más definida y las curvas son más delicadas. En seguida, mientras que el primer torso está completamente descubierto y definido con líneas curvas sencillas, el segundo torso está cubierto por un velo con múltiples pliegues. Este velo sigue cayendo de forma delicada hasta el piso, sin embargo no cubre las nalgas de la mujer, las cuales sobresalen reflejando la luz blanca. Los brazos de la primera mujer están en una posición ligeramente más estática como si los hubieran acomodado para posar; mientras que los brazos de la segunda mujer adoptan una postura más natural. Sin embargo, ambas figuras están en contraposto. 

Aunque las dos esculturas están provistas de detalles, posturas y expresiones distintas, ambas son un claro símbolo de la belleza femenina. Afrodita, o Venus, es por excelencia el símbolo de la feminidad y de la sensualidad, siendo esta sensualidad casi erótica en la escultura Helenística. Es relevante entender que el título Calipigia, hace referencia a unas nalgas bellas, que están expuestas al ojo del espectador, lo que reafirma esta característica más explícita de la sexualidad y el deseo. 

Esta obra en bronce de menos de un metro de altura, es la representación de una loba. Su lomo plano precede una cabeza con un hocico característico del animal, y este, aunque esta ligeramente abierto, no demuestra agresividad. Su mirada esta fija hacia el espectador,  como quien lo observa con recelo y con cautela, sin realmente estar a la defensiva.  Sobre el bronce se observan curvas líneas que contribuyen al detalle del pelo, las patas, las costillas, los dientes, etc. Entre sus cuatro patas, puesta firmes sobre la piedra,  protegen a dos pequeñas personas, probablemente infantes. Los infantes alzan la cabeza buscando alcanzar las mamas de la loba y abren la boca para chupar. La posición de las manos evidencia demuestra la intención que ambos tienen por alcanzar las mamas. 

La loba capitolina es el símbolo de la fundación de Roma y es la representación visual de la leyenda que explica el origen del reino.  Sin embargo la obra seleccionada solo es una de las muchas réplicas que representan esta leyenda y fue creada cuando Roma ya era una república.

En esta historia, Rómulo y Remo son dos hermanos abandonados por su madre, que por su status no podía tener hijos. Esta mujer los abandonaron al borde del rio Tíber y una loba los encuentra y los cría como sus propios hijos. Cuando Rómulo y Remo crecen, compiten por la fundación de la ciudad y Rómulo mata a Remo, quedándose con el reino. Rómulo, aunque no se conozca su identidad, representa la unificación de todos los pueblos habitantes de las siete colinas romanas, entre las cuales reinaban los etruscos. De esta forma Roma ,en el -753, pudo empezar a considerarse como la monarquía romana (la primera de las tres etapas del imperio romano).

Es importante tener en cuenta que Luperca es el nombre de esta loba. Lupa significa loba pero también significa prostituta en latín y de esta forma los lupanares eran los prostíbulos romanos. Así mismo, es importante ver la otra cara de la moneda, donde quizás estos huérfanos fueron realmente rescatados y criados por una prostituta. Independientemente de la historia real, la loba se convirtió en el símbolo de la fundación de roma, reflejando su origen místico, poderoso y fértil, reafirmando la valentía y fortaleza de Rómulo para ser rey. 

Artista: desconocido

Fecha de creación: III

Ubicación: Catatumbas de San Callisto, Roma

Dimensiones físicas: 

Técnica: Fresco

Periodo/ Cultura: Paleocristiano

 

 

En el centro de este fresco se ubica el único objeto representado. Se reconoce un pez ubicado de forma horizontal, la figura es completamente plana, sin movimiento y su posición indica que no tiene vida. Así mismo, sobre el pez se ubica un recipiente, probablemente una canasta con objetos redondos dentro de ella. 

Las creación de las catatumbas romanas comenzó en el siglo ll,  en respuesta al surgimiento del cristianismo, cuando éste todavía era perseguido. Los cristianos no compartían la costumbre de incinerar los cuerpos ya que creían en la resurrección de los difuntos, sin embargo tampoco tenían las capacidades económicas para adquirir tierras dónde enterrar a los muertos católicos; por eso decidieron crear estos enormes cementerios bajo tierra. Estos espacios eran regularmente decorados con símbolos e iconos cristianos, junto con personajes del antiguo y nuevo testamento, pero muchas veces estos iconos eran ambiguos: eran símbolos que se podían entender tanto desde el cristianismo como desde el paganismo para mantenerse en secreto. Estas representaciones eran muy sencillas y sin grandes ornamentos. Como ya se dijo, el cristianismo estaba siendo perseguido y arrinconado en esta época, por lo que se puede pensar que se encontraba en una condición de austeridad, donde los lujos no tenían cabida. 

Entrando en detalle, el pez  y el pan son objetos recurrentes en la iconografía cristiana y hacen referencia a un milagro de Jesús: el milagro de los panes y los peces. En este evento, 5000 personas llegaron donde Jesús para que las curara, con el paso del tiempo, mientras Jesús curaba a cada persona, a los 5000 asistentes les dio hambre. Jesús, sin nada más que 5 panes y dos pescados que un joven estaba vendiendo, los multiplicó hasta poder alimentar a toda la multitud. 

De esta forma, podemos ver como el objeto, la forma y el medio, son una respuesta de la época y las necesidades del catolicismo en sus orígenes. 


Fuente: pressbooks.bccampus.ca

Artista: desconocido

Fecha de creación: V

Ubicación: La Iglesia de la Multiplicación de los Panes y los Peces, Tabgha, Israel.

Dimensiones físicas:

Técnica: Mosaico

Periodo/ Cultura: Byzantino

Las catedrales que escogí para la entrada de este Padelt fueron dos edificaciones francesas que están distanciadas temporalmente solo por 100 años. La primera, conocida como Iglesia de Saint-Étienne fue construida en piedra 1063 en la entonces pequeña ciudad de Nevers, en la región de Borgoña. La segunda, con un estilo ya no románico sino gótico, fue realizada en el centro de París en 1163 y es, en la actualidad, una de las catedrales más reconocidas a nivel internacional: Notre Dame. La razón por la que escogí estos dos ejemplos es porque me pareció interesante notar la forma en la que el estilo arquitectónico, así como el escultórico y pictórico –como reflejo de lo cultural, lo social, lo político, lo religioso, lo económico, etc.— puede transformarse de manera significativa en un periodo de un siglo (a veces menos). Es pertinente observar, de este modo, que la fachada en la arquitectura románica pretendía la armonía a través de la sencillez de sus muros, y por medio de una combinación estilística entre lo romano y lo bizantino (a saber, la cualidad masiva, los arcos de medio punto, los pilares robustos, el interés por la cúpula, la fijación de la cruz y por las edificaciones cilíndricas). Es posible afirmar, de este modo, que durante la primera mitad del siglo XI se pretende conservar aquella arquitectura religiosa en piedra que es normalmente asociada con la simplicidad. A diferencia del estil románico, el gótico fue la exploración de lo “excéntrico”, de lo “barroco” (sin querer recaer en anacronismos, claro), y de lo “decorativo”. En la Catedral de Notre Dame puede observarse, sin lugar a duda, dichas características. Los arcos, que entonces eran a medio punto, se alargaron y se construyeron con la punta más pronunciada, y fue precisamente sobre estos que empezaron a incluirse pequeñas esculturas que eventualmente se conocerían como las “górgolas”. Además de las estatuas, columnas, capiteles y pináculos que cumplían una función ornamental en la catedral, se incluyeron amplios espacios recubiertos de vidrio (ventanales, si se quiere) que contendrían diversas escenas religiosas. Los vitrales, en juego con la luz natural, dinamizaría la experiencia de la iglesia, volviéndola así algo más grandioso, universal, celestial o magnífico. El saber común también ha dicho que, simbólicamente, las columnas del gótico, así como sus arcos y sus edificaciones tan altas, pretendían alcanzar el cielo y la divinidad. Esta es, quizás, una de las diferencias más evidentes entre el estilo románico y gótico que, entre muchas otras comparaciones, puede notarse en la Iglesia de Saint-Étienne y la Catedral de Notre Dame.

En esta obra titulada "Amor Sacro y Amor Profano", hecha por Tiziano en 1515, se pueden ver 3 personajes en el centro. La primera figura a la izquierda es una mujer de tez muy clara, pelo rubio y vestido generoso blanco, está sentada en el borde de una fuente. A la derecha de la imagen hay otra mujer de características físicas similares a la anterior, sin embargo se encuentra desnuda ( un velo blanco cubre su sexo). Ésta última también está sentada en el borde de la fuente y dirige su mirada hacia la mujer de la izquierda. Entre las dos mujeres, con una mano dentro del agua, se encuentra un infante recostado sobre su pecho en el borde de la fuente. En la espalda de este pequeño ser se reconocen dos elementos, probablemente alas, lo que nos podría dar indicios de que se trata, particularmente, de un ángel.  Se reconoce entonces una escena que se ubica en un limbo entre lo terrenal y lo divino. Adicionalmente de los 3 personajes, en el borde de la fuente también se reconocen algunos objetos circulares como vasijas o platos y la base de la fuente, está decorada con figuras grecorromanas talladas. Los tres personajes nombrados, resaltan a la vista gracias a la luz que el autor otorga: la tez clara brilla y sobre sale de el fondo oscuro compuesto por árboles, arbustos y colinas. Se ubican en algún lugar elevado, probablemente una colina, lo que permite tener una perspectiva sobre el paisaje del fondo. En este último plano, vuelve a percibir cierta luminosidad que permite distinguir un castillo en la esquina superior izquierda y un cuerpo de agua, junto con un pueblo y una torre en la esquina superior derecha. Este paisaje del fondo esta compuesto mayoritariamente por tonos azules y grisáceos, lo que refuerza esta lejanía en la escena. Es crucial reconocer el juego de luces (chiaroscuro) entre el ultimo plano, el plano intermedio y el primer plano (en el cual se encuentran los 3 personajes). Igualmente es relevante resaltar los detalles del primer plano: los dobleces de la tela, perfectamente definidos, el movimiento del agua, los brillos y la textura del pelo, etc. 
Gracias al título y los colores que acompañan a estas dos mujeres, blanco y rojo se podría entender que estas dos mujeres son la representación de los dos amores existentes en la época: el amor sagrado y el amor profano. Esto nos permitiría entender a estas dos mujeres como Venus (diosa del amor). Siguiendo esta linea argumentativa, se podría también nombrar con nombre propio a este ángel: se podría pensar que se trata de Cupido. Adicionalmente, la mujer de la derecha, aquella que está desnuda, tiene su mano izquierda cerca del cielo con la palma voltada hacia arriba, lo que le otorga cierta cercanía con lo celestial. De esta misma forma, la mujer de la derecha mira desde arriba a la mujer de la izquierda, la cual esta rodeada por árboles o no tiene ningún contacto con el cielo. De esta forma se podría pensar que la mujer de la derecha, es la representación del Amor Sagrado y la mujer de la izquierda sería la representación del Amor Prófano.

Esta obra se sitúa en la esquina de una habitación, se alcanza a ver la unión entre la pared de al fondo y la pared lateral la cual tiene una ventana de marco de madera donde entra la luz de la escena. La luz ilumina la cara de una mujer, probablemente una criad que lleva el pelo recogido y un vestido colorido pero sencillo. Esta joven está vertiendo leche desde una jarra de barro a otro recipiente. Esa misma luz, ilumina el mantel de una pequeña mesa ubicada en la esquina inferior izquierda de la obra, en la cual todo acontece. Sobre esta mesa, una jarra azul y pedazos de pan reflejan la luz que entra por la venta. La disposición de los objetos, al igual que los brillos y detalles poco definidos constituyen una vez más, la característica naturaleza muerta de Vermeer. Así mismo los pliegues de la tela del mantel, así como los del delantal y las mangas de la criada, son testigos del delicado juego de luz y sombra característico del artista. El chiaroscuro, los pliegues, el detalle de las telas, la delicadeza de los detalles, etc. le dan un aire de grandeza que choca con la cotidianidad y banalidad de la escena representada. Esta cotidianidad se ve reforzada por el fino movimiento del chorro de leche: la escena fue capturada en un instante cualquiera, de forma tan discreta e insonora que la joven no se ha dado cuenta de (los) espectador(es) que la observan. 

Es interesante resaltar como Vermeer decide retratar, con un nivel de detalles y de grandeza monumentales, una escena completamente normal, banal, sin importancia alguna. Aunque el espacio representado es sencillo – no está provisto de adornos, ni tapices, ni cuadros , ni telas, etc.- el autor captura, con la misma vehemencia y responsabilidad con la que representaría la sala de un castillo, los detalles de las grietas en la pared, las puntillas, hasta el roto de la ventana y los sencillos azulejos cercanos al suelo. Esta paradoja está además reforzada por el uso del azul, probablemente proveniente del lapislázuli en aquella época, el autor decide enaltecer aún más la escena, tal vez con la intención de reconocer lo divino en el cotidiano.