Foi discípulo de Cinni di Pepo (conhecido por Cimabue). Devido ao alto grau de inovação de seu trabalho (ele é considerado o introdutor da perspectiva na pintura da época). Ele é considerado o elo entre o renascimento e a pintura medieval e a bizantina.

A característica principal do seu trabalho é a identificação da figura dos santos como seres humanos de aparência comum. Esses santos com ar humanizado eram os mais importantes das cenas que pintava, ocupando sempre posição de destaque na pintura. Assim, a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo, que foi cada vez mais se firmando até o Renascimento.

Giotto adotou a linguagem visual dos escultores, procurando obter volume e altura realista nas figuras em suas obras. Comparando suas obras com as do seu mestre, elas são muito mais naturalistas, sendo Giotto o pioneiro na introdução do espaço tridimensional na pintura europeia. Em seus trabalhos pela península Itálica, Giotto fez amizades com o rei de Nápoles e com Boccaccio, que o menciona em seu livro, Decamerão.

O papa Bento XI quis empregar Giotto, que passaria então dez anos em Roma. Posteriormente, trabalharia para o Rei de Nápoles. Em 1320, ele retornou a Florença, onde chefiaria a construção da Catedral de Florença. Giotto morreu quando pintava "O Juízo Final" para a capela de Bargello, em Florença. Durante uma escavação na Igreja de Santa Reparata.

Este afresco está incluído na História da Paixão de Jesus do registo central inferior, da parede da direita olhando de frente para o altar. Embora a iconografia seja a tradicional, Giotto renovou profundamente o conteúdo, criando uma cena com uma tensão psicológica e dramática extraordinária.

Pietro provavelmente começou a estudar pintura em oficinas locais em Perúgia, como as de Bartolomeo Caporali ou Fiorenzo di Lorenzo.^[1] A data da primeira residência florentina é desconhecida; alguns tornam-se tão cedo quanto 1466/1470, outros empurraram a data para 1479.^[1] De acordo com Vasari, ele aprendeu na oficina de Andrea del Verrocchio ao lado de Leonardo da Vinci, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Filippino Lippi e outros. Piero della Francesca pensa que lhe ensinou a forma de perspectiva. Em 1472, ele deve ter completado seu aprendizado desde que ele foi matriculado como mestre na Confraria de São Luke. Pietro, embora muito talentoso, não estava extremamente entusiasmado com seu trabalho.^[3]

Perugino foi um dos primeiros praticantes italianos de pintura a óleo. Alguns de seus primeiros trabalhos foram extensos afrescos para o convento dos pais de Ingessati, destruídos durante o cerco de Florença; Ele produziu para eles também muitos desenhos animados, que eles executaram com efeito brilhante em vitrais. Um bom exemplar de seu estilo inicial em tempera é o tondo (imagem circular) no Musée du Louvre das Virgin and Child Enthroned entre santos.


Perugino voltou de Florença para Perugia, onde seu treinamento florentino mostrou na Adoração dos Magos para a igreja de Santa Maria dei Servi de Perugia (c. 1476). Em cerca de 1480, ele foi convocado para Roma por Sixto IV para pintar painéis de frescos para as paredes da Capela Sistina. Os afrescos que ele executou lá incluíram Moisés e Zípora (muitas vezes atribuídos a Luca Signorelli), o Batismo de Cristo e a Entrega das Chaves. Pinturicchio acompanhou Perugino a Roma, e foi feito seu parceiro, recebendo um terço dos lucros. Ele pode ter feito algum assunto da Zipporah. Os afrescos de Sistine foram a maior comissão renacentista em Roma. O muro do altar também foi pintado com a Assunção, a Natividade e Moisés nos Bulrushes. Essas obras foram mais tarde destruídas para criar um espaço para o Julgamento Final de Michelangelo.

Entre 1486 e 1499, Perugino trabalhou principalmente em Florença, fazendo uma viagem a Roma e várias a Perugia, onde ele pode ter mantido um segundo estúdio. Ele tinha um estúdio estabelecido em Florença, e recebeu um grande número de comissões. Sua Pietà (1483-1493) nos Uffizi é um trabalho inusitadamente estridente que evita a piedade sentimental, às vezes, muito fácil de Perugino.

Ele desenvolveu o seu trabalho artístico por mais de setenta anos entre Florença e Roma, onde viveram seus grandes mecenas, a família Medici de Florença, e vários papas romanos. Iniciou-se como aprendiz dos irmãos Davide e Domenico Ghirlandaio em Florença. Tendo o seu talento logo reconhecido, tornou-se um protegido dos Medici, para quem realizou várias obras. Depois fixou-se em Roma, onde deixou a maior parte de suas obras mais representativas. Sua carreira se desenvolveu na transição do Renascimento para o maneirismo, e seu estilo sintetizou influências da arte da Antiguidade clássica, do primeiro Renascimento, dos ideais do humanismo e do neoplatonismo, centrado na representação da figura humana e em especial no nu masculino, que retratou com enorme pujança.

Várias de suas criações estão entre as mais célebres da arte do ocidente, destacando-se na escultura o Baco, a Pietà, o David, as duas tumbas Medici e o Moisés; na pintura o vasto ciclo do teto da Capela Sistina e o Juízo Final no mesmo local, e dois afrescos na Capela Paulina; serviu como arquiteto da Basílica de São Pedro implementando grandes reformas em sua estrutura e desenhando a cúpula, remodelou a praça do Capitólio romano e projetou diversos edifícios, e escreveu grande número de poesias.

Ainda em vida foi considerado o maior artista de seu tempo; chamavam-no de o Divino, e ao longo dos séculos, até os dias de hoje, vem sendo tido na mais alta conta, parte do reduzido grupo dos artistas de fama universal, de fato como um dos maiores que já viveram e como o protótipo do gênio. Foi um dos primeiros artistas ocidentais a ter sua biografia publicada ainda em vida. Sua fama era tamanha que, como nenhum artista anterior ou contemporâneo seu, sobrevivem registros numerosos sobre sua carreira e personalidade, e objetos que ele usara ou simples esboços para suas obras eram guardados como relíquias por uma legião de admiradores. Para a posteridade Michelangelo permanece como um dos poucos artistas que foram capazes de expressar a experiência do belo, do trágico e do sublime numa dimensão cósmica e universal.

Tendo florescido na Europa durante a Idade Média, os vitrais foram amplamente utilizados na ornamentação de igrejas e catedrais, uma vez que o efeito da luz do sol que, por eles, penetrava, conferia uma maior imponência e espiritualidade ao ambiente, efeito reforçado pelas imagens retratadas, em sua maioria cenas religiosas.

Adicionalmente, serviam como recurso didático para a instrução do catolicismo a uma população majoritariamente iletrada.