-El Siglo de Oro neerlandés

-Arte europeo

-Arte asiático

-Arte de África

-Arte moderno y contemporáneo

Visitado virtualmente el 25 de octubre.

En la planta 0, el museo presenta una "colección especial" la cual contiene distintas obras de arte, esculturas, vestimentas, cerámicas, utilerías, joyas, armas y pequeñas esculturas arquitectónicas pertenecientes a la Edad Media. Adicionalmente en esta planta también se puede encontrar esculturas y manuscritos pertenecientes a la civilización egipcia.

En la planta 1, podemos encontrar el Arte Europeo en general desde el 1800 hasta el 1900, incluyendo obras de artistas famosos como Van Gogh, Goya, Rembrandt , Vermeer, Hals, etc. Además de encontrar objetos propios de la época, incluyendo muebles, ambientaciones de espacios, etc. Adicionalmente en esta planta se puede encontrar una sala exclusiva para la cerámica de la civilización Grecorromana.

En la planta 2 encontramos que esta se dedica principalmente en mostrar las obras del siglo de Oro neerlandés (1600 - 1700), enfocando el montaje de sala en las obras de Rembrandt y Vermeer. Adicionalmente esta planta posee colecciones arqueológicas de objetos y fósiles.

Por último, en la planta 3 encontramos colecciones de arte moderno y contemporáneo, incluyendo desde obras pintadas en lienzo hasta esculturas y objetos hechos de metal.

Como comentario general acerca de los montajes y la experiencia del museo, he de decir que éste fue bastante difícil de recorrer, ya que es un museo bastante grande y muchas veces Google me confundió en el recorrido al realizar los desplazamientos. En cuanto a los montajes, siento que el museo se enfoca mucho en destacar a sus artistas neerlandeses, realizando un recorrido cronológico por las distintas épocas a las que perteneció cada artista. Adicionalmente guía al espectador por un recorrido general en el arte desde épocas antiguas, lo cual me parece muy interesante, ya que deja un poco el enfoqué anterior mencionado para mostrarle al público un recorrido a través del tiempo que es bastante agradable de realizar.

Dentro del edificio se encuentra un atrio central, que sirve como punto de transición entre las diferentes secciones del museo. Este espacio central cuenta con una impresionante vidriera que proporciona una iluminación natural.

-Sombra larga y música de alas

-Narrar el alma

-Narrar el ser

-Narrar el aire

-Narrar la tierra

-Narrar el agua

-Narrar el fuego

-Narrar la gloria

Visitado presencialmente el 27 de octubre.

La siguiente exposición a la que nos dirigimos fue a la de Narrar el Ser, donde se entiende que es una exposición referente a aquello de lo que queremos ser cuando seamos grandes. Por medio de las obras de artistas que retrataban sus deseos y sus estilos que los hicieron ser ellos mismos.

Después seguimos a la exposición de narrar el agua. Una exposición que se enfoca en mostrar la importancia de los recursos hídricos que nuestro país posee, donde se destacó éste a través de las obras de distintos artistas que retrataban ríos, paisajes y ciudades. Principalmente la ciudad de Cartagena, la heroica, una ciudad que persevero ante el ataque de los Ingleses. Adicionalmente en esta exposición se encuentra la primera gran obra de Botero que lo caracterizó como Botero, y donde encontró su estilo, el volumen.

En Narrar la Tierra nos enfocamos en el paisajismo de tierra que caracteriza a nuestro país, analizando obras desde lo mitológico hasta lo trágico. En esta exposición se analizaron paisajes como el de Monserrate, naturaleza como el Guayacán y su mito relacionado con la ciudad del Dorado, y por último la planta del plátano, que ha traído alegrías gastronómicas pero también tragedias como la Masacre de las Bananeras. Por último, para finalizar con esa parte de la exposición, realizamos un análisis a la obra de Luis Caballero, donde pinta su realidad como hombre homosexual en el S.XX, pintando la belleza masculina mezclada con placer y dolor.

Seguimos con la exposición de Narrar el Aire, en esta parte de la exposición nos enfocamos en la Dama Azul de Armando Villegas una pintura que nos muestra lo que es sentir y no ver, sentimientos que nos hablan pero que muy en el fondo sentimos y percibimos dentro de nuestro ser como el aire.

Para terminar en la Sala de Exposición principal nos dirigimos a la exposición de Narrar el Fuego. La cual nos habla acerca de los sentimientos intensos, la pasión, vista desde el amor y la ira. Estos conceptos se relacionan con la compasión y la incomprensión, cosas que hacemos con amor a pesar de sentir ira y cosas que se nos salen de las manos; cuando comprendemos la guerra la razón se suicida y si perdemos la razón nos volvemos locos.

Por último nos dirigimos a una parte de la sala que trata el arte pop y conceptual, tratando una fuerte crítica realizada por Antonio Caro, donde el artista utiliza el logo de Coca-Cola y en lugar de esta palabra coloca "Colombia", dándonos a entender que todo lo que tenemos en nuestro país sirve para una capitalización masiva de un producto que ni siquiera es nuestro. Todo esto nos lleva a una escultura de arte conceptual llamada las "Flores del mal", entendiendo así que el día que descuidemos todos los elementos de nuestro país solo nos quedarán simples flores del mal (varillas oxidadas).

El museo está ubicado en el edificio de la antigua estación de tren de Orsay, construida para la Exposición Universal de 1900. Tras ser empleado con diversos usos hasta la década de los años 1970, el edificio sería destinado a museo gracias a una resolución del Estado francés.

Las colecciones del museo incluyen obras de arte de algunos de los artistas más importantes del siglo XIX, como Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Vincent van Gogh, Paul Cézanne y Edgar Degas.

Visitado virtualmente el 1 de noviembre.

Visitado presencialmente el 3 de noviembre.

La exposición de las obras se distribuyen a lo largo de todos los muros del museo, donde en el Muro del evangelio, muro izquierdo de la iglesia, hay una mayoría en presencia de mujeres en las obras; mientras que en el Muro de la epístola, muro derecho, la mayoría de las obras tenían presencia de hombres. Adicionalmente en el recorrido del museo realizamos el análisis de obras que se caracterizan por retratar un santo, como por ejemplo:

• San Antonio de Padua, el santo para buscar lo perdido.

• San Vicente Ferrer, anuncio el apocalipsis, por eso tiene trompeta y alas.

• San Francisco, se da la creencia que dar partes ósea se presta para humanizar las obras y se ve como orgullo máximo el darle estos restos a un santo.

• San José, santo de los carpinteros.

• San Guillermo de Aquitania, santo de los herreros.

• Santa Teresa, modelo a seguir de las monjas.

• Santa Catalina, la santa de los filósofos, en su mano está la palma dónde se señala triunfo

• Santa Rosa de Lima.

Algunas obras también nos hablaban de acontecimientos místicos relacionados con episodios bíblicos o relatos de algunos santos y santas, como por ejemplo:

• La anunciación, gesto de la mano apuntando hacia arriba, Gabriel anuncia a María la llegada de Jesús

• El éxtasis de Santa Teresa, la flecha de amor que le manda Dios, visión mística.

• Santa Gertrudis, Cristo le da un corazón e intercambian.

Normalmente las mujeres con esas visiones místicas pasaban por herejes, y luego de un proceso largo de confesiones se volvían santas.

Como comentario general de la visita al museo he de decir que me gustó demasiado, ya que cada obra presente ahí cuenta una historia que hace parte de la historia bíblica y católica de la época. Los montajes de las obras son acordes con el ambiente histórico del sitio, lo que hace más inmersiva la visita y recorrido dentro del museo.

Aún mantiene aspectos típicos de una iglesia como la Audiencia, que es la parte más alta de la iglesia porque es en la parte donde se ubica Dios. En la custodia está la hostia, el cuerpo de Dios. Respecto a las monjas, ellas se encontraban en el coro, ya que las monjas no salen al espacio principal si esté no está vacío.

Visitado virtualmente el 8 de noviembre.

El interior del edificio presenta una arquitectura un poco más clásica, éste está dividido en dos secciones. En la primera se encuentra la entrada principal, la taquilla, y una pequeña cafeteria. En segunda, este se divide en dos plantas, una baja y alta en donde se encuentran las salas de exposiciones, que es la principal sala del museo.

La sala de exposiciones está dividida en varias secciones. Cada sección está dedicada a una temática específica temporal y cronológico del arte.

El edificio del MAMU está ubicado en el centro de Bogotá, rodeado de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

Visitado presencialmente el 11 de noviembre.

• Los primeros tiempos modernos: siglos XVI-XVIII.

• Rupturas y continuidades: siglo XIX.

• La renovación vanguardista: 1910-1950.

• Clásicos, experimentales y radicales: 1950-1980.

• Tres décadas de arte en expansión: 1980 al presente.

Donde mi principal atención estuvo enfocada en la sala de rupturas y continuidades, esto se debe a que, en la materia de "Arte en Colombia" la cual vi el semestre pasado, quedé impresionado con el arte colonial de esa época que retrataba sucesos históricos y cotidianos. Estos sucesos iban desde una pintura acerca de la muerte de Sucre hasta el momento en el que retrataban la muerte de una monja, el momento en el que ellas se encontraban con Dios. Por este motivo de noción histórica que tuve gracias a esa clase mi atención se centro más en esa sala. Adicionalmente también recorrí la exposición temporal de "Sembrar la duda" la cual tiene como objetivo mostrar la representación indígena acá en nuestro territorio donde a través de las distintas obras expuestas proponen ideas que ayuden al público a realizar distintas interpretaciones de obras de diversos tiempos de estas y para estas comunidades.

La composición de "La callejuela" es equilibrada y armoniosa. La calle se extiende diagonalmente desde el primer plano hasta el fondo, creando una sensación de profundidad. El punto focal de la escena, a mí parecer, es la figura de una mujer joven en medio de un callejón. Su figura está iluminada por una luz que entra al callejón, lo que la convierte en el punto más destacado de la pintura.

La composición de la pintura también se caracteriza por su simetría. Las dos casas del primer plano, a pesar de no ser idénticas, no generan que haya más peso hacía un lado de la pintura, y los elementos de la escena están dispuestos de forma equilibrada. Esto crea una sensación de orden y armonía.

Elementos visuales:

La obra está compuesta principalmente por líneas inorgánicas que está presente en toda la pintura en la arquitectura de los edificios y los detalles que adornan a éstos.

El uso del color es sutil y delicado. Esto se debe a la paleta de colores fríos y un poco apagados, con tonos de azul y gris. Los colores están cuidadosamente equilibrados para crear una sensación de calma y tranquilidad.

Los colores más dominantes en la pintura son el naranja rojizo y el blanco grisáceo. El blanco grisáceo está presente en el cielo y el pavimento, mientras que el gris está presente en los ladrillos de las casas. Estos colores crean un ambiente de tranquilidad y serenidad.

La luz genera una sensación de profundidad en la pintura a pesar de que ésta desde mi perspectiva es un poco plana, esto Vermeer nos hace denotarlo a través de una técnica donde la iluminación de una tarde nublada solo se da en el primer plano de la pintura, subordinando a las casas que se encuentran al fondo.

La composición de la obra de Luis Caballero presenta un balance asimétrico, ya que la proporción de pesos en la obra guía la vista del espectador hacía la parte inferior por las dos figuras masculinas presentes en la pintura. En la pintura el contraste de luces y la planicie del paisaje genera un punto focal en el hombre que se encuentra un poco abajo de la línea horizontal central de la pintura. Estas figuras tienen una escala bastante grande por el plano pictórico tan cercano en el que fueron pintadas, subordinando el paisaje montañoso que se encuentra detrás de éstos.

Elementos visuales:

La obra está compuesta principalmente por líneas inorgánicas que componen los cuerpos desnudos de los dos hombres y el pequeña paisaje montañoso de fondo, aunque también hay algunas líneas orgánicas presentes en detalles como la camisa que usan las dos figuras masculinas.

La paleta de colores usada genera una sensación de tragedia y tristeza. Esto se debe a que la paleta en su mayoría está compuesta por colores fríos en los paisajes y figuras presentes, generando así un ambiente de tensión hacía el espectador. Adicionalmente en la obra se pueden notar colores cálidos rojizos que tiñen el paisaje y el cuerpo de estas dos figuras, dando así el aire de tragedia anterior mencionado, ya que este color rojizo nos hace entender que es un rojo violento y sangriento.

La luz juega un papel importante en la obra, principalmente en estas dos figuras, ya que a través de una técnica de Claroscuro, Caballero le da volumen a estas dos figuras, haciéndolas sentir más humanas y reales.

El punto focal de la luz guía la mirada del espectador al hombre ubicado en la parte central baja de la pintura, ya que la única entrada de luz de la pintura, que viene desde la izquierda, denota más dicha figura desnuda, para después guiar nuestra mirada hacía el segundo hombre en la parte inferior izquierda y subordinando el paisaje de fondo.

La composición de la pintura es principalmente triangular, formada por los cuerpos de los personajes, con Dante y Virgilio situados en la parte izquierda, mirando hacia la lucha que tiene lugar en el primer plano de la pintura. Esto crea una sensación de tensión y drama.

El punto focal de la pintura, a mí parecer, es la figura de Dante. Su rostro está lleno de horror y asombro, lo que refleja la visión que está presenciando. Virgilio, a su lado, está más tranquilo, pero su expresión también es de preocupación.

Las dos almas condenadas están situadas en el centro de la pintura. Se enfrentan entre sí, luchando con rabia y desesperación. Sus cuerpos están retorcidos y sus expresiones son de dolor y sufrimiento.

El paisaje del fondo es oscuro y amenazante, creando una atmósfera de terror y angustia.

Elementos visuales:

La obra está compuesta en su mayoría por líneas inorgánicas que componen los cuerpos de todas las figuras presentes en la escena y del paisaje caótico de fondo. Adicionalmente se ven algunas líneas imaginarias presentes en los ojos y la direcciones de las manos de las figuras que guían finalmente la mirada del espectador hacía Dante y Virgilio.

Bouguereau utiliza una paleta de colores cálidos y oscuros para crear una atmósfera de terror y angustia. Los colores rojos y naranjas representan el fuego y el infierno, mientras que los colores negros y marrones representan el pecado y encierro eterno en el infierno.

Los colores cálidos se utilizan para resaltar los elementos más dramáticos de la pintura. El rojo del fuego y el naranja de los cuerpos de las almas condenadas crean una sensación de violencia y terror.

Los colores oscuros se utilizan para crear una atmósfera de misterio y angustia. Los negros y los marrones del paisaje y las rocas crean una sensación de amenaza y peligro.

La luz es un elemento fundamental de la pintura. La luz proviene de una fuente desconocida, que ilumina a Dante y Virgilio y a los dos condenados luchando, presentes en el primer plano, y deja a las almas condenadas en la oscuridad. Esto crea una sensación de contraste entre la salvación y la condenación.

La luz también crea un efecto de profundidad en la pintura a través de la técnica de Claroscuro. Las almas condenadas, que están en la oscuridad, parecen estar más cerca de la audiencia que Dante y Virgilio, que están iluminados.

La composición de la "Anunciación" es equilibrada y con un balance simétrico, ya que la proporción de pesos en la obra se mantiene al dividir verticalmente la obra, teniendo en el costado izquierdo a la Virgen María y en el derecho al Arcángel Gabriel. Estas dos figuras se encuentran en un primer plano pictórico que no desvía la mirada del espectador si no que mantiene la atención en éstos dos gracias al contraste de luces y el fondo de la pintura que no destaca mucho dentro del escenario. Adicionalmente, la escala de estas dos figuras es proporcional la una de la otra, lo que ayuda en este balance dentro de la composición.

Elementos visuales:

La obra está compuesta en su mayoría de líneas inorgánicas que forman los cuerpos de la Virgen María y el Arcángel Gabriel, manteniendo una naturalidad realista en éstas. También se pueden identificar líneas imaginarias que guían la mirada del espectador a una tercera figura en la parte superior derecha de la pintura, el Espiritu Santo, la línea imaginaria más notable dentro de la obra es la mano del Arcángel Gabriel apuntando a la dirección en la que éste se encuentra.

La obra se compone principalmente de una paleta de colores fríos, pero estos no destacan mucho ya que solo ayudan en la ambientación del escenario, y en la vestimenta de la Virgen María, pero en el caso de la vestimenta son colores suaves que ayudan en el contraste vivido que se le da a la pintura.

Respecto a la paleta de colores cálidos, la podemos identificar en la vestimenta del Arcángel Gabriel y el fuego que acompaña al Espiritu Santo, dando un aire de divinidad y de alegría por la noticia que traen a María sobre el nacimiento del divino niño.

La luz es fundamental dentro de la obra. Principalmente por la técnica de claroscuro que humaniza estas figuras y les da un volumen realista. Esta luz proviene del Espiritu Santo e ilumina a María y Gabriel en el cuadro pictórico subordinando los demás elementos presentes en el escenario.

La obra tiene un equilibrio y proporción simétrica en los cuatro cuadros que la componen, ya que las figuras presentes tienen todas la misma escala y están dispuestos en una fila, uno al lado del otro. Esto crea una sensación de igualdad y de complicidad entre ellos. Los personajes están colocados en el centro de la pintura, lo que les da una importancia central.

El punto focal de la obra está principalmente en las caras de cada uno de los dictadores, tratando de identificar las expresiones de Franco, Salazar, Hitler y Mussolini, que se ven como si fueran expresiones grotescas y arrogantes.

Elementos visuales:

La obra se compone de líneas orgánicas en su primer cuadro pictórico o plano, que compone las figuras de los dictadores con líneas que dan la impresión de que están conformados de elementos pútridos y muertos, logrando identificar estructuras óseas y órganos. En el segundo cuadro pictórico o plano están presentes líneas inorgánicas que ayudan a identificar las banderas características de cada uno de estos regímenes dictatoriales.

Arroyo utiliza una paleta de colores vivos y llamativos. Los colores representan las ideologías de los dictadores. El rojo representa el fascismo, el negro representa el nazismo, el verde representa el salazarismo y el marrón representa el franquismo.

El rojo es el color más dominante en la pintura. Representa el fuego y la violencia del fascismo. El negro es el segundo color más dominante. Representa la oscuridad y la muerte del nazismo.

La luz es un elemento fundamental de la pintura. Los personajes están iluminados por una luz artificial, lo que crea una sensación de irrealidad y de pesadilla. La luz también crea un efecto de contraste entre los personajes y el fondo.

La composición de la pintura es diagonal y asimétrica, pero esto no influye en la relación de pesos en la obra, ya que la vista del espectador se centra en Sucre caído en el suelo, con un disparo en la sien. Se presenta un equilibrio en la obra gracias al caballo, el sirviente a caballo retrocede y los cuatro asesinos a sueldo que disparan sus armas desde la cima de una colina. Esto crea una sensación de tensión y drama.

El punto focal de la pintura es la figura de Sucre. Su rostro está lleno de dolor y sufrimiento, lo que refleja la tragedia del momento. Los asesinos a sueldo están situados en la parte superior de la pintura, lo que los convierte en los villanos de la historia.

Elementos visuales:

La obra se compone de líneas inorgánicas que componen gran parte de la obra, desde las figuras humanas y animales presentes en la obra hasta del escenario selvático en el que ocurrieron los hechos.

Figueroa utiliza una paleta de colores cálidos y oscuros para crear una atmósfera de tragedia y violencia. Los colores rojos representan la sangre y la violencia, mientras que los colores negros y marrones representan la muerte y la oscuridad.

Los colores oscuros se utilizan para crear una atmósfera de misterio y angustia. Los negros y los marrones de la ropa de Sucre y de los alrededores crean una sensación de muerte y oscuridad.

La luz es un elemento fundamental de la pintura, a pesar de ser una pintura totalmente plana. La luz proviene del sol, que ilumina a Sucre y a los asesinos. La luz también crea un efecto de profundidad en la pintura. Sucre está iluminado por la luz del sol, mientras que los asesinos están en la sombra.