Egipto tiene un singular tipo de arte, con obras colosales que generalmente tenían carácter simbólico, funerario o religioso y que debían seguir normas (lo que explica la homogeneidad). De hecho, el arte estaba mayormente destinado para el faraón y se utilizaban jeroglíficos para transmitir significados.

No hay muchos artistas destacados ya que solo los arquitectos obtuvieron un reconocimiento por su labor, mientras que los escultores y pintores eran considerados artesanos anónimos al servicio de un cliente.

Los artistas griegos buscaban la representación de una belleza ideal. Se puede ver una evolución a través de distintos periodos donde cada vez se pudieron lograr imágenes más cercanas a la realidad ideal: el periodo arcaico, el periodo clásico, el momento de transición y el periodo helenístico.

Muchos grandes escultores egipcios se destacan. Entre ellos tenemos a Policleto que estableció el canon griego y a Lisipo, de quien se rumorea que era el favorito de Alejandro Magno. Entre las obras destacadas encontramos a la Venus de Milo, a la Victoria alada de Samotracia y a los Carios de la Acrópolis.

Se expandió en Francia e Italia. Desde esas regiones se irradió a España, los territorios germánicos y, años más tarde, a Inglaterra, aunque Suiza, los Países Bajos, Hungría y la antigua Yugoslavia también fueron testigos de este estilo artístico. Se dice que sentó las bases para el siguiente: el gótico.

Se destacó en la arquitectura religiosa por sus iglesias de gruesos muros y pequeñas ventanas, decoradas con esculturas y frescos. Podemos decir que las otras disciplinas artísticas (la pintura y la escultura) estaban subordinadas a la arquitectura.

Entre los arquitectos tenemos al Maestro Mateo, a Gislebertus y al monje arquitecto Gunzo (autor de la Ecclesia Maior de Cluny III, uno de los monasterios más fastuosos de la Edad Media).

Surgió en Francia y durante los tres siglos siguientes se difundió por toda Europa adquiriendo en cada región características particulares.

Sus características principales son los arcos apuntados, las bóvedas de crucería, la aplicación de extensos ventanales de colores, el concepto de la luz de Dios predominante en todas sus obras y el uso de colores vivos. Se manifestaba principalmente en catedrales y edificios religiosos.

Entre las obras destacadas encontramos el cuadro Maestra di Santa Trinità de Cimabue, la Catedral de Reims y la Sainte Chapelle de París. Además del ya nombrado CImabue, habían otros pintores como Pietro Lorenzetti y Simone Martini, escultores como Agostino da Siena y Juan Alemán, y arquitectos como Carles Galtés de Ruany y Giotto di Bondone, que además de arquitecto era escultor y pintor. Giotto es considerado uno de los iniciadores del movimiento renacentista en Italia.

Surgió de la insatisfacción con los valores de orden y razón de la Ilustración después de la Revolución Francesa en 1789. Este movimiento abogaba por la libre expresión de los sentimientos del artista.

El romanticismo se caracteriza por su énfasis en la expresividad, en las emociones, en los colores y también por su gusto por elementos medievales.

Los artistas representaban temáticas nacionalistas, sobre la libertad, la naturaleza o el amor.

En pintura, se destacan artistas como Eugène Delacroix, Caspar David Friedrich y William Turner. En escultura, tenemos a Antoine-Louis Barye y a Bertel Thorvaldsen. Por último, entre los arquitectos se destacan Karl Friedrich Schinkel y Eugène Viollet-le-Duc.

Encontramos pinturas relevantes como "La libertad guiando al pueblo" de Eugène Delacroix, esculturas como "Filopemen herido" de David D’Angers y obras arquitectónicas como el Palacio de Neuschwanstein hecho por Christian Jank.

Este estilo se caracteriza por su interés en capturar la luz y el momento, dejando a un lado los detalles precisos que buscaban en el realismo.

Ayudó a los artistas a romper con las viejas tradiciones y crear nuevas formas de pintar. El estilo de pintura impresionista fue desarrollado por un grupo de pintores franceses interesados en captar los efectos momentáneos de la luz y el color. Entre estos pintores estaban Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Camille Pissarro.

Ellos fueron pioneros de este movimiento. Pero en su momento el impresionismo fue menospreciado, los artistas fueron rechazados y criticados por ir en contra de lo establecido. Al ser un estilo pictórico, hay muy poco sobre escultura y menos sobre arquitectura.

Se destacan obras como el cuadro "Impresión, sol naciente" del pintor Claude Monet (1872), esculturas como "Soy bella" de Auguste Rodin (1882) y obras arquitectónicas como la Ópera de Sídney.

Se desarrolló hace 2.500.000 años atrás hasta 3.000 a.C. (El Paleolítico 2.500.000-10000 a.C., el Mesolítico 10.000-5.000 a.C. y el Neolítico 5.000-3.000 a.C.).

Geográficamente hablando podemos ubicar este periodo en África, Asia y Europa.

Los autores de las obras artísticas de este periodo son desconocidos, pero no por eso pierden valor. Las obras destacadas son la Venus de Willendorf del Paleolítico y el Stonehenge del Neolítico.

Cuando hablamos de Venus Paleolíticas, nos referimos a figuras humanas femeninas en las que se destacan ciertos volúmenes de su cuerpo, como sus pechos y/o caderas. Parece que los autores de estas obras querían llamar la atención sobre el papel engendrador o sexual de la mujer.

Se representaban imágenes figurativas de animales, seres humanos, símbolos y diferentes escenas de la vida cotidiana, pintadas con tonos monocromáticos.

El arte romano está muy influenciado por el griego. Ambos buscaban la belleza, pero los romanos preferían el realismo sobre todo. Los artistas romanos pintaban a todos los individuos (incluyendo emperadores) con todos sus defectos.

Los romanos representaban no solo temas mitológicos y religiosos, sino también la vida cotidiana y las personas. Entre las obras destacadas encontramos al Coliseo Romano y a los anaglifos de Trajano. Se destacan arquitectos como Marco Vitruvio Polión y Novio Facundo, escultores como Pasíteles y pintores como Arelio y Quinto Pedio.

El Imperio bizantino era a la vez romano y griego. Comenzó siendo más romano, pero con el paso de los siglos se fue alejando. Se destacaba por ser un Estado cristiano con el griego como lengua oficial.

El arte era en un vehículo de propaganda política y religiosa regido por normas estrictas. Al estar al servicio del poder político y religioso, los artistas debían ajustarse a los temas y estilo impuestos por la iglesia. Había una estandarización del arte.

Se destaca el templo de la Santa Sofía, obra de Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto, y el fresco de un santo hecho por Theodore Apsevdis.

Quebrantó las normas del Renacimiento, se pierden las proporciones, la armonía y el equilibrio. Se describía al manierismo como inestable, el arte seguía el capricho del artista y no cánones. Las obras expresaban emociones intensas, como dolor, éxtasis, entre otros.

Entre las obras destacadas encontramos el cuadro "Virgen del cuello largo" de Parmigianino, la escultura "Rapto de las Sabinas" de Juan de Bolonia, y el Palacio Marino obra del arquitecto Galeazzo Alessi.

Otros artistas como el pintor Antonio Allegri da Correggio, el escultor Benvenuto Cellini y el arquitecto Giacomo della Porta.

Esta corriente artística se destacó por su soporte humanístico y antropogénico, por su interés en el saber de la razón, en los valores clásicos de la antigua Grecia y el en individualismo. Poseían al ser humano como el centro del universo en vez de a Dios.

Se reconocen a artistas variados en pintura, escultura, o arquitectura, de renombre mundial, desde Leonardo Da Vinci, a Miguel Ángel, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli, Fray Angélico (Guido di Pietro), Alberto Durero, entre otros.

Entre las obras destacadas encontramos a la Gioconda (comúnmente conocida como la Mona Lisa) obra del pintor Da Vinci, a la Capilla Sixtina (decorada por Miguel Ángel) entre las obras arquitectónicas de Giovannino de Dolci y Baccio Pontelli, y al David de Miguel Ángel entre las esculturas de renombre.

Se caracterizó por su estilo alegre y provocador, y el gusto por la decoración excesiva. Aunque comparte esto último con el barroco, se distingue de este por sustituir su solemnidad y dramatismo por el placer y el divertimento.

El rococó tenía la particularidad de usar colores más vivos y alegres respecto al arte barroco.

Los artistas utilizaban colores claros y materiales de la naturaleza como la piedra y el caparazón de las almejas (las valvas). Es de donde proviene el nombre de esta corriente artística, del término rocaille, especie de decoración de jardines basada en el uso del caparazón de las almejas.

Representaban la vida aristocrática, la naturaleza, temas amorosos con coquetería y cierta picardía. No muestran interés ni obedecen a temáticas religiosas, tampoco respetaban las proporciones humanas, cosa que sí hacía el barroco.

Tres acontecimientos fueron fundamentales en el impulso del rococó:

• la muerte del rey Luis XIV;

• la influencia de la favorita del rey Luis XV, la marquesa de Pompadour;

• el intercambio de artistas entre las diferentes cortes europeas.

En este período, se creó un estilo llamado Luis XV, en atención al gusto estético dominante en la corte.

Las obras destacadas son El beso robado del pintor Jean-Honoré Fragonard, la talla Inmaculada Concepción de la Catedral de Orense de un artista anónimo y el palacio de Luisburgo de los arquitectos Donato Giuseppe Frisoni, Philipp Joseph Jenisch y Johann Friedrich Nette.

Encontramos artistas destacados como el pintor Jean-Antoine Watteau, el escultor François de Cuvilliés y el arquitecto Germain Boffrand.

Se prolonga durante gran parte del siglo XVIII y llega hasta mediados del siglo XIX, teniendo como zona de origen Europa, especialmente Roma y París pero también se expande a Alemania y Gran Bretaña.

Otro de los puntos importantes que tenia el neoclasicismo era el interés por los valores y el arte de la Antigüedad clásica, por la cultura griega y romana.

Se destacan obras como las esculturas Perseo con la cabeza de Medusa y Psique reanimada por el beso del amor de Antonio Canova, el Museo Nacional del Prado de Juan de Villanueva y Rafael Moneo, y las pinturas La muerte de Marat y La intervención de las Sabinas de Jacques-Louis David.

Artistas relevantes fueron Antonio Canova, un pintor y escultor y Anton Raphael Mengs, pintor. También arquitectos como Jacques-Germain Soufflot, Jean-Baptiste Rondelet, Jean Chalgrin, entre otros.

Surge como reacción a la pintura romántica en un contexto de industrialización. El arte funciona como un “medio” para denunciar la realidad, es decir que el artista denuncia los problemas sociales derivados a través de sus obras. Aunque el realismo afecta la escultura y a la arquitectura.

Muchas representaciones artísticas reflejan una mirada crítica hacia las condiciones sociales y económicas de la época. Abordan la pobreza, la injusticia y las desigualdades que trajo la industrialización al país.

Los principales representantes del realismo francés en la pintura son Daumier, Courbet y Millet. En la escultura Auguste Rodin y Jean-Baptiste Carpeaux. Por último, en la arquitectura los artistas principales son Mies van der Rohe y Bernard Bijvoet.

A diferencia de los estilos anteriores, el postimpresionismo abarca muchos tipos diferentes de arte dentro de la pintura. Los artistas tenían en común la inclusión de elementos abstractos y contenido simbólico en sus obras de arte, pero no estaban unificados por un solo estilo.

El postimpresionismo es la base de los estilos modernos y contemporáneos. A este periodo se le debe la libertad artística. Sin embargo, la escultura y la arquitectura no fueron tan dominantes dentro de este movimiento.

Además del puntillismo, se pueden identificar varias técnicas y estilos que los artistas impresionistas exploraron para expresar sus visiones personales y estéticas.

Las obras destacadas son "Los girasoles" de Vincent van Gogh, "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?" de Paul Gauguin, entre muchas otras.

Los artistas pictóricos principales fueron Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Émile Bernard, Georges Pierre Seurat y Paul Cézanne.

Los materiales que se utilizaban eran el bronce, el marfil, la madera y la piedra. Las esculturas eran mayormente pintadas.

Se representaba a figuras importantes como el faraón, dioses, figuras políticas, escenas de la vida cotidiana o animales. La cabeza de las esculturas es la parte más realista, pero los rostros son inexpresivos. Los cuerpos se representan de frente, idealizados, rígidos, con los brazos y las rodillas juntas. Como en la pintura, aparece la jerarquización de las figuras.

Entre las obras destacadas encontramos el busto de Nefertiti y el escriba sentado.

La función de la pintura era narrativa, solo para educar sobre la religión. Se destaca su nulo realismo, sus colores planos, intensos y brillantes y sus figuras frontales y rígidas. Para crear los colores se utilizaban tierras u otros minerales y se aglutinaban con huevo.

En la imagen vemos un fresco de la Basílica de Santo Angelo in Formis, Italia

Se vuelve a repetir que la imagen humana tiene un tratamiento genérico. Se trata, en todos los casos, de una escultura repetitiva, sin intención de realismo.

Se representaron temas bíblicos, santos, escenas fantásticas y parábolas. También se representaban escenas de la vida cotidiana y, con frecuencia, animales reales o fantásticos y decoración vegetal.

Utilizaban como material la piedra, la madera y el marfil, entre otros, al igual que en la arquitectura.

Se solía decir que los escultores tenían un "horror al vacío".

En la imagen vemos un relieve realizado en la columna del Monasterio de Santo Domingo de Silos.

Los materiales más empleados en las construcciones arquitectónicas durante el periodo Románico fueron los bloques de piedra labrado, el barro, la madera y el mampuesto, entre otros.

Se destacan muchas obras, desde campanarios, hasta iglesias y catedrales. En la imagen podemos ver la catedral de Saint-Trophime de Arlés, que forma parte del Patrimonio de la Humanidad. En su fachada se representa el Juicio Final.

No buscaban representar la realidad. De hecho, las figuras eran idénticas y se diferenciaban en pocos rasgos. Esto se debía a que el arte tenía únicamente una función simbólico. Privilegiaban el contenido sobre la forma.

El uso de los colores también era simbólico: el dorado representa la luz divina; el blanco, la vida espiritual; el rojo, la pasión de Cristo; el púrpura, el poder imperial.

Las técnicas usadas en los íconos bizantinos dependen del soporte. Para los soportes de madera se usa la encáustica y el temple al huevo. Para los soportes murales, se usa la técnica del mosaico (especialmente en los tiempos del esplendor imperial) y el fresco.

En la imagen vemos otro fresco hecho por el pintor Theodore Apsevdis.

Únicamente se realizaban relieves a pequeña escala ya que las esculturas de bulto redondo no eran bien vistas por su semejanza con los ídolos paganos. Los realizaban sobre piedra, madera o marfil. También se realizaban elementos esculpidos a pedido de gente adinerada.

Representaban escenas bíblicas, como la crucifixión de Cristo.

Entre los escultores se destacan Mestre de Harbaville, Niccolò di Giovanni Fiorentino y Andrea Pisano.

En la imagen podemos ver el Tríptico Harbaville, nombre que deriva de su primer dueño. Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre.

Los bizantinos utilizaron elementos romanos como las bóvedas, las cúpulas y las columnas (aunque mayormente con carácter ornamental), entre otros. Utilizaban como materiales ladrillos y piedras.

Decoraban el interior de los edificios con mosaicos, íconos y pinturas murales. Existía un claro contraste entre la sencillez de los exteriores y el brillo y la riqueza decorativa de los interiores.

El aporte más significativo de la arquitectura bizantina fueron las plantas centradas en forma de cruz griega. Podemos ver en la imagen la basílica de San Marcos en Venecia, hecha por Domenico I Contarini. Es un ejemplo de las basílicas con plantas en forma de cruz griega.

El fresco era la principal técnica que utilizaban

y luego la protegían con una capa de cera

la cual intensificaba los colores.

La gama de colores era amplia. Destacan el

negro, el blanco, el rojo y el amarillo, aunque a

veces también se utilizaron verdes, azules y violetas.

En la imagen vemos una pintura de Quinto Pedio (m. c. 13 d. C.), la primera persona sorda que menciona la historia.​

Se utilizaba el mármol y en menor medida el bronce como material para las esculturas. Estas podían ser de cuerpo completo o solo bustos. Representaban a dioses, figuras imperiales importantes, también a togados, a militares y a divinizados. También habían relieves, que usualmente eran usados para representar batallas importantes.

En la imagen vemos una escultura, la Ofrenda de Orestes y Pílades, que se cree que fue obra de alguno de los seguidores del escultor Pasíteles de Nápoles.

Los edificios se destacan por su perdurabilidad, y es que utilizaban materiales como mármol, piedra, ladrillos y hormigón.

Se destaca el uso de arcos, bóvedas y cúpulas, debido a la influencia de los etruscos, y el uso de columna y dintel, proveniente de la influencia griega. En el interior de los edificios se podían encontrar pinturas y frescos.

En la imagen vemos el Coliseo Romano. Funcionaba como anfiteatro.

Se destacan las representaciones de figuras rojizas-amarillentas sobre fondo negro o viceversa. Usualmente eran narraciones mitológicas, héroes y heroínas son representados con los cánones de belleza ideal, con proporciones balanceadas.

Otras características muy importantes son que a la hora de representar figuras se utilizaba una perspectiva jerárquica (es decir, quien era más importante era más grande en tamaño), además de que estas eran rígidas. No habían fondos y regía la ley de la frontalidad, se representaban algunas partes del cuerpo de perfil y otras de frente aunque no coincidiera con la realidad.

La escultura tuvo una gran evolución a través de los siglos. En el periodo arcaico se nota mucha rigidez, falta de proporción, pero fue evolucionando. En el periodo clásico ya hay más movimiento y se utilizan apoyos para que la escultura se sostenga. Aparece un momento de transición entre este periodo y el periodo helenístico, donde el movimiento ya está acentuado como podemos ver en el Discóbolo de Mirón, que además tiene un soporte mínimo comparado al periodo anterior. Las esculturas ya cuentan de una gran expresividad y realismo, como vemos en la imagen con la Victoria alada de Samotracia.

Los griegos utilizaban como material de construcción la piedra caliza (mármol). Los elementos arquitectónicos que se destacan son las columnas como soporte de sus estructuras.

Los templos griegos estaban formados por dos o tres habitaciones rectangulares, pudiendo estar rodeadas por columnas o tenerlas solo en la fachada principal.

Según el tipo de columna y la relación entre los elementos arquitectónicos, pueden distinguirse tres tipos de órdenes o estilos: el dórico (el más simple), el jónico (es distintivo por sus volutas) y el corintio (el más elaborado, ornamentado con hojas de acanto).

manos, plumas y pelos de animales como pincel. Los colores lo obtenían de origen vegetal, de diferentes minerales que mezclaban con grasa de animales, aunque también se hallaron impresiones de pies y manos. Por lo general representaban animales. Este arte se denomina arte rupestre, una de las primeras manifestaciones artísticas de la humanidad.

La mayoría de las representaciones eran esculpidas en relieve. Se empezaron a utilizar técnicas de pulido y tallado más precisas, lo que permitió obtener esculturas de mayor detalle.

La madera era el soporte especialmente utilizado. Vemos de ejemplo el Ídolo de Shigir, realizado en madera de 150 años de antigüedad.

Se encuentran representadas figuras femeninas y también de animales, pero estas últimas con menos detalles.

Se dividen en 3 tipos: el menhir, el dolmen y el crómlech.

Los menhires son monolitos sencillos, una sola piedra dispuesta de manera vertical clavada en el suelo. A veces también están agrupados en hileras, o en círculos constituyendo entonces un crómlech.

Los dólmenes están constituidos por dos o más piedras verticales cubiertas por una losa horizontal.

Los crómlech son un conjuntos de menhires y dólmenes que adoptan una forma circular o elíptica. Se suelen relacionar con monumentos funerarios, pero no se sabe con certeza para qué estaban destinados. El más conocido es el crómlech de Stonehenge, ubicado en Inglaterra.

Entre los materiales que utilizaban están la piedra, los ladrillos de adobe, adintelada y de líneas rectas. Es importante destacar que estas construcciones tenían un tamaño descomunal.

Se empleaban técnicas como la pintura de los murales en fresco o directamente sobre la pared, la pintura sobre tabla, el temple y el óleo. También se desarrolló la escultura funeraria, con la representación de los difuntos en los sepulcros.

Los colores que utilizaban eran vivos, brillantes, siendo habitual el uso del oro sobre tabla para aportar esa misma luminosidad que se busca en las construcciones arquitectónicas.

A diferencia de periodos anteriores, los artistas góticos buscaron la individualización de los personajes, por lo que se inclinaban al realismo.

En la imagen vemos la obra Epifanía de Giotto.

Las técnicas empleadas servían para recrear la profundidad de los objetos y el nivel de los detalles. Representaban motivos religiosos, a santos, escenas bíblicas, entre otros. Para ello utilizaban materiales como el mármol, la madera y la piedra.

En la imagen vemos el pórtico la catedral de Autun, obra de Gislebertus. Muestra pasajes religiosos.

Esta técnica al óleo sobre el lienzo fue la favorita y permitió perfeccionar el efecto de las luces y las sombras, haciendo posible que se alcance mayor realismo en los retratos y en los cuerpos desnudos.

Se representaban temas religiosos, históricos y mitológicos, y habían fondos en sus pinturas. Eran realistas, trabajaban con las luces y contrastes para favorecer las perspectivas; también dominaban las matemáticas por lo que había mucha simetría y proporción. Utilizaban los colores primarios y secundarios y las combinaciones de estos.

Hay muchas pinturas excelentes para destacar: la última cena de Da Vinci, el nacimiento de Venus de Sandro Botticelli, la Trinidad por Masaccio. Sin embargo, destaco en la imagen Los desposorios de la Virgen de Rafael Sanzio porque muestra claramente el uso de colores, de la perspectiva y la importancia de los motivos religiosos.

Cuando la escultura se independizó de la arquitectura, empezaron a verse esculturas de bulto redondo. Es decir, que pueden verse desde cualquier punto de vista ya que ya no están sujetas a paredes. Había una tendencia al monumentalismo.

Los escultores se caracterizaban por tener amplios conocimientos en ciencias como las matemáticas, la anatomía y la física debido a su búsqueda de la perfección. Era común que las figuras estuvieran desnudas porque, además evidenciar el dominio del estudio anatómico, querían mostrar la perfección y belleza de la estructura humana.

Los temas son el hombre y la naturaleza con un contenido religioso o profano (histórico, alegórico-mitológico). Las obras solían ser plasmadas piedra, madera y terracota, pero los más utilizados eran el mármol y el bronce. Los acabados eran muy pulidos y tersos.

En la imagen podemos ver la escultura El Moisés de Miguel Ángel.

Con una inspiración griega, los arquitectos se inclinaban a la perfección, la armonía, el equilibrio. Igual que los romanos buscan crear obras bellas y resistentes. Utilizaron arcos de medio punto como los romanos, bóvedas, cúpulas, los órdenes clásicos, entre otros elementos.

Utilizaba materiales como piedra, ladrillo y estuco en formas clásicas pero con un estilo más ornamentado.

Muchos de los edificios más famosos y significativos fueron de carácter religioso, como basílicas, catedrales y capillas, también se destacaron construcciones civiles y palacios.. A veces podemos encontrar obras con elementos góticos y renacentistas a la vez, como es el caso del Castillo de Chambord, Francia.

En la imagen podemos ver a la Capilla Sixtina. Es famosa el fresco hecho por Miguel Ángel en la bóveda, "La creación de Adán".

En pocas palabras, la pintura no representa la realidad naturalista, sino la realidad deformada y un poco extraña según el capricho del autor. Era un arte anticlásico.

Pintaban preferentemente sobre lienzo. Utilizaban colores fríos, contrastados y disonantes lo que complicaba identificar lo principal de lo secundario.

Usualmente representaban escenas complejas, con muchos personajes y elementos, que dificultaban la lectura e interpretación de la obra.

En la imagen vemos una obra de Giuseppe Arcimboldo. Este pintor creó retratos peculiares de personas hechas con vegetación, animales y otros objetos.

La composición de las esculturas es irregular y descompensada, no hay eje de simetría.

Las obras se destacaron por la forma serpentina, ya que las figuras muestran posiciones que recuerdan a una «S» o al movimiento de las serpientes. Si bien esto dota de movimiento a las esculturas, también les daba cierto aire de monumentalidad y de dramatismo idealizado.

El espectador debía rodear la obra para completar el sentido de la misma ya que la escultura manierista siguió los principios propuestos por Benvenuto Cellini en su Tratado de escultura, donde afirmaba que una escultura debía poder ser observada desde 8 puntos de vista diferentes.

Utilizaban materiales como mármol, bronce, piedra, madera, terracota, entre otros.

En la imagen vemos una escultura de Juan de Bolonia o Giambologna. Se puede apreciar el empleo de la serpentina, es decir, la figura que se parece a la forma de «S».

Los edificios pierden claridad de composición. Se multiplican los elementos arquitectónicos aunque estos no cumplan ninguna función. Es decir, hay un sostén que no sostiene nada, hay un punto que fuga que no termina en nada, que no concluye. Desde un punto de vista decorativo, el estilo arquitectónico manierista puede tornarse grotesco.

Los materiales que se utilizan son principalmente: ladrillos con mezcla revestidos en travertino en muros; ladrillo, piedra y mortero revestido con estuco en bóvedas; piedra y mortero en la cúpula; madera y tejas en la cubierta; baldosas de mármol en los pisos.

En la imagen vemos la casa inclinada del Parque de los monstruos.

Los artistas pintaban mayormente al óleo sobre lienzo, murales y otras superficies. En este periodo aparecieron nuevos géneros pictóricos, como el vanitas, el paisaje, los bodegones y los retratos colectivos.

Se le daba mayor importancia a temas antes secundarios: paisajes, naturaleza muerta, animales, pintura de género (vida cotidiana) retratos tomando como modelo gente corriente.

Había varias tendencias. El tenebrismo (gusto por los claroscuros, podemos verlo en las obras de Caravaggio), el clasicismo, el naturalismo (heredero del tenebrismo), la decoración de bóvedas y combinaciones.

Los temas bíblicos eran de mucha inspiración para los artistas barrocos. Creaban obras que reflejaran la fe, la devoción y la espiritualidad de la época.

En la imagen vemos una obra de Caravaggio, un cuadro inspirado en la Biblia.

El Barroco trabajaba realizando composiciones menos equilibradas y con más movimiento, por lo que se evitan las figuras simétricas y se agregan más pliegues y contrastes luminosos. También se agregaba más expresionismo a los rostros, se les añadía sentimientos exagerados, hasta teatrales, por medio de tensiones, peinados, gestos, entre otros.

Los materiales que utilizaban eran caros: mármol y bronce. Representaban mártires, ángeles y santos, como también dioses paganos y héroes. Tanto temas religiosos, mitológicos, como funerarios. También realizaban retratos.

Las obras culminadas decoraban los espacios públicos, palacios y edificios , cualquier edificio arquitectónico tanto en el interior como en el exterior.

En la imagen vemos una escultura de Bernini. Artistas como él destacaron por sus obras detalladas y llenas de movimiento.

Rechazaban colocar solo una cruz griega, un cuadrado y un círculo. Se bien tomaron elementos del arte clásico, como frontones y columnas, los alteraban (por ejemplo, los ondulaban). Prefirieron las formas curvas en lugar de la rigidez y linealidad del clasicismo.

También abundan los juegos óptimos. Utilizaban recursos ilusionistas, espacios interiores sin límites claros, falsos cielos reflejando escenas de gloria y triunfo.

Esto se llevaba a cabo principalmente porque era una época en la que predominaba el gusto por los fuertes contraste, lo recto y lo curvo, lo cerca y lo lejos, y lo claro y lo oscuro.

La decoración era exuberante y abundante. Los edificios estaban ornamentados con pinturas y esculturas.

Utilizaban una variedad de materiales: sillares, mármol, bronce para decorar.

Hubo un cambio en la paleta cromática. Ahora se utilizan colores más claros y luminosos.

Representaban temas relacionados al amor, la mitología, los paisajes. Pero mayormente las reuniones sociales de la aristocracia, sus actividades de entretenimiento y banalidades, como las aventuras amorosas, los juegos o la vida cotidiana. Se dejan de lado las temáticas religiosas y el pesimismo del barroco.

Los artistas rococó solían utilizar el óleo sobre lienzo para plasmar sus creaciones artísticas. Los pigmentos eran en su mayoría de origen natural, de minerales, plantas, animales e incluso de metales.

Algunos de los pintores destacados del rococó son:

• Antoine Watteau

• Jean-Baptiste-Simeon Chardin

• François Boucher

• Jean-Honoré Fragonard

No buscan la simetría. Abunda la desnudez, la sensualidad y el erotismo.

Predomina el uso de la porcelana, pero también se utilizaron el mármol, el bronce, el yeso, el hierro y la madera.

Entre los escultores rococó más destacados encontramos a Étienne-Maurice Falconet y a Antonio Corradini (autor de la escultura de mármol de la imagen).

Los apliques dorados estuvieron a la orden del día, al servicio de las más variadas formas curvas con motivos florales, conchas marinas y toda clase de sinuosidades. Los colores fueron siempre luminosos y alegres.

La ornamentación era recargada, con columnas en forma de espiral y sobrecargadas de ornamentación, el uso de colores pasteles y muchos detalles en oro.

En la arquitectura rococó se utilizaban varios materiales para la construcción, entre los cuales destacan la madera, el hierro y el bronce.

El arquitecto francés Germain Boffrand fue el responsable de introducir el rococó en Francia especialmente al servicio del orden monárquico. Participó en proyectos como el Place Vendôme de París, el Conservatorio de Versalles, el Hotel de Soubise en París y el Castillo de Lunéville.

Representaban temas sobre la historia, la mitología y la literatura, tratando el desnudo desde un punto de visto de la moralidad, la virtud y el heroísmo. El retrato es uno de los géneros más destacados, tiene como particularidad que los rostros son serenos, no muestran sentimientos.

La fuente de inspiración de los artistas era la naturaleza, los paisajes. Siempre desde un enfoque realista teniendo en cuenta las proporciones canónicas griegas. Por eso los personajes retratados presentan una perfección anatómica.

En el gobierno de Napoleón Bonaparte se convirtió en un arte al servicio al servicio de la propaganda imperial.

Jacques Louis David, además de ser un artista "político", es un ícono de la pintura neoclasicista. Vemos en sus pinturas la inspiración en los relieves escultóricos de la Antigüedad clásica, adoptando la línea horizontal en sus pinturas.

Predominan las temáticas vinculadas a la mitología y las historias de héroes griegos y romanos, como podemos ejemplificar con la escultura de la imagen.

Las esculturas se realizan en mármol, piedra y bronce.

El desnudo tiene una notable presencia y se seguían los cánones griegos para las proporciones.

El neoclasicismo es una reacción contra la teatralidad y los efectos del movimiento barroco, por lo que no hay movimientos bruscos. Los artistas buscaban la serenidad y el realismo.

Abunda la presencia de bultos. Se destacaba el de Napoleón y el de la Emperatriz Josefina de Jean-Antoine Houdon.

Se recupera la cultura greco-romana en la arquitectura neoclasicista. Se utilizaron materiales clásicos: el mármol y la piedra, pero también surgen nuevos materiales como el hierro.

Siguen el orden, la proporción y la armonía. Predomina lo horizontal sobre lo vertical.

La columna, el pilar y la pilastra son los principales soportes, recuperándose los órdenes clásicos: dórico, jónico y corintio, decantándose especialmente el primero.

Las cubiertas son adinteladas al exterior, mientras al interior se recurre a las bóvedas de cañón, cúpulas y arcos de medio punto inspirados en el arte romano.

Algunos ejemplos son la Puerta de Alcalá del arquitecto Francesco Sabatini, la Puerta de Brandeburgo de los arquitectos Carl Gotthard Langhans y Johann Gottfried Schadow y el Panteón de París obra de los arquitectos Jacques-Germain Soufflot y Jean-Baptiste Rondelet.

Los elementos distintivos eran las bóvedas de crucería, los arcos arbotantes, el arco ojival, el rosetón en la fachada principal y los vitrales en vez de paredes, que narraban escenas narrativas realizadas con vidrios de colores que filtraban una luz de apariencia irreal dentro del edificio. Todos estos tenían un valor simbólico, además de su función constructiva: la planta en forma de cruz representaba el cuerpo de Cristo; las líneas verticales, el camino de ascensión; la luz, a Dios; etc.

Además de buscar la luz, buscaban la altura como forma para acercarse a Dios. Por eso la gran adulta de los edificios eclesiásticos, porque se creía que así se honraba mejor a Dios.

El material más utilizado era la piedra de sillería y las vidrieras.

En la imagen vemos la Catedral de Notre Dame, Francia, que tuvo como arquitectos a Jean de Chelles, Pierre de Montreuil, Pierre de Chelles, Jean Ravy y Raymond Du Temple.

Los temas representados son variados. Desde escenas exóticas, hechos del pasado y del presente, desastres y tragedias, entre otros. Pero los pintores del movimiento del rindieron especial homenaje a la naturaleza, a su imprevisibilidad y belleza. De hecho, el movimiento comenzó con pinturas de paisajes.

Los artistas eran libres de ser creativos, de aprovechar su inspiración. Por ello no pintaban solo paisajes, sino lo que estos les transmitían, pudiendo aparecer figuras fantásticas.

Entonces podemos decir que hay un significado emocional detrás de las obras. Hay expresividad en las figuras y en los colores que seleccionan los artistas.

Hay muchas pinturas para destacar. "El anciano de los días" de William Blake, "La pesadilla" de Henry Fuseli o la obra "La maja desnuda" de Francisco de Goya. Sin embargo, destaco la pintura "La carreta de heno" porque muestra el conocimiento del artista sobre el uso de la luz y de los colores, además del hermoso paisaje de la naturaleza que en esta ocasión incluye una civilización humana.

Para la imagen elegí la obra romanticista "El ángel caido".

Buscan más movimiento y se inspiran más en la naturaleza que el estilo Neoclásico. Las esculturas románticas expresan emociones violentas, los movimientos se vuelven mas intensos y exagerados. Para ello se apoyan en la asimetría y la irregularidad de sus esculturas.

No se hallan aporte en cuanto a la técnica estética. Se utiliza mayormente el mármol como material.

Se representan temas personales, históricos (medievales y contemporáneos de ese contexto histórico) y mitológicos. Principalmente a héroes nacionales y figuras históricas.

El Romanticismo escultórico encontró su apogeo en la segunda mitad del siglo XIX, pero su influencia perduró en el siglo XX.

Podemos encontrar esculturas románticas famosas como La Estatua de la Libertad, en realidad llamada “La libertad iluminando el mundo” hecha por el escultor francés Frédéric Bartholdi.

Se dice que es una arquitectura de “Neos” medievales: Neo-gótico, Neo-románico, Neo-bizantino, aunque el más empleado fue el primero. Vuelve sobre estos estilos así como el Neoclasicismo volvió sobre Grecia y Roma.

Los edificios presentaban torres, arcos ojivales, vitrales y elementos ornamentales detallados que evocaban la Edad Media. La innovación que este estilo trajo en los materiales fue el empleo del hierro y el cristal.

Este movimiento influyó en la planificación urbana y la creación de parques y jardines paisajísticos. Algunas obras arquitectónicas notables son el Palacio de Westminster en Londres y el Castillo de Neuschwanstein en Baviera.

Las construcciones románticas a veces dan la impresión de que evocan en algún sentido a un cuento de hadas, y creo que El Palacio de Pena de la imagen es un gran ejemplo para retratar esto.

Otro tema de inspiración, además de la fatiga del trabajador, eran los paisajes. O ambos elementos combinados: paisajes con trabajadores, como en el cuadro "Las espigadoras" de Jean-François Millet (1857).

Se caracterizan por evitar idealizar las imágenes del hombre, de la sociedad. Reflejan la realidad histórica sin objetos mitológicos ni religiosos. Usualmente los artistas pintaban al óleo sobre lienzo o utilizaban técnicas mixtas.

Gustave Courbet fue un pintor representante de este estilo, ya que fue el fundador. En la imagen podemos ver una de sus obras.

La revolución industrial influyó en el Realismo al proporcionar nuevos materiales, como el bronce, que permitieron a los escultores explorar técnicas innovadoras. También utilizaban mármol y se hacían muchos bustos. Aunque las esculturas tendían a ser pequeñas.

Dentro del Realismo escultórico, se destacan diversas ramificaciones, como el Realismo Social, que se enfoca en retratar la vida de la clase trabajadora, y el Realismo Mágico, que añade elementos fantásticos a la representación realista.

Las esculturas solían criticar a la sociedad, como la escultura de la imagen que muestra a una víctima de una explosión de una mina. O en otras palabras, la realidad de un trabajador. El autor es Constantin Meunier, quien fue fuertemente criticado por su trabajo tan realista.

Otra característica es que se prefieren materiales de construcción honestos. Utilizan hormigón, metales como el hierro y cristal. Los arquitectos se interesaban en puentes, edificios como museos, bibliotecas, entre otros.

Este estilo adoptaba nuevas tecnologías de construcción y materiales innovadores, reflejando el espíritu progresista del movimiento moderno.

Se destacan construcciones muy importantes, como la de la imagen, entre otros.

Los artistas representan la luz y el color en función de su percepción subjetiva. Prefieren capturar la atmósfera y el ambiente de un momento en lugar de enfocarse en detalles precisos.

Las obras no estaban cargadas con connotaciones políticas ni sociales, eran temas banales, sin importancia. Los pintores tenían una particular preferencia por la pintura al aire libre (plein air), por eso vemos muchos paisajes plasmados en impresiones.

Su técnica se basaba en utilizar los colores puros, o en mezclarlos directamente en el lienzo. Evitaban las sombras negras y solían poner colores primarios juntos en el lienzo para que, observados a cierta distancia, la vibración entre ambos genere la percepción del color secundario.

Se destacan mujeres pintoras como Berthe Morisot y Mary Cassatt. A la última le pertenece la pintura pastel que podemos ver en la imagen.

Al esculpir Rodin dejaba partes inacabadas para conseguir mayor expresividad y estudiar los contrastes y los juegos de la luz.

En el impresionismo las esculturas se caracterizan por:

• Usar formas orgánicas y naturales en lugar de formas geométricas y abstractas.

• Capturar expresiones y movimientos transitorios.

• Experimentar con la textura y el acabado de la superficie de las esculturas.

• Enfatizar en la espontaneidad y la impresión en lugar de la perfección técnica.

Los materiales que utilizaban los escultores impresionistas para realizar sus obras tridimensionales eran mayormente el mármol y el bronce.

A través de colores suaves, texturas y juego de luces, los arquitectos de este movimiento artístico crean espacios que evocan emociones y cambian dependiendo de las condiciones lumínicas, ofreciendo una experiencia visual única. Para lograr este efecto luminoso emplean materiales como el metal y el vidrio en su mayoría.

En pocas palabras, rechazan la rigidez y evitan el uso de las líneas rectas.

Los arquitectos impresionistas usualmente optan por la bóveda nervada típica del estilo gótico. Este tipo de crucería ojival incluye dos nervaciones salientes (destinadas al sostén de la bóveda) que forman dos arcos en forma de punta de lanza que se cruzan formando la bóveda de crucería.

Algunos ejemplos son el edificio 8 Spruce Streetcde Nueva York y la a Ópera de Sídney de Australia que podemos ver en la imagen.

Rompen con la representación realista del impresionismo y buscan expresar la realidad interna a través de pinceladas visibles, colores intensificados y composiciones más abstractas.

El óleo sobre lienzo fue predominantemente utilizado por los pintores postimpresionistas, pero también utilizaron otras técnicas como la pintura mural o al temple, pinturas con acuarela y gouache, técnicas mixtas, entre otras.

Hay muchas excelentes obras para nombrar. Este periodo fue muy fructífero en cuanto al surgimiento de grandes artistas como Vincent Van Gogh, aunque en su momento no fueran reconocidos. De hecho, el fondo de este Padlet es su pintura "La noche estrellada" de 1889.

Entre ellos encontramos a Auguste Rodin, que aunque se ubica como un escultor realista o impresionista tardío, se considera un pionero del movimiento desafió las normas al capturar la tensión y la vitalidad en obras maestras como "El Pensador" (1880) y "Los Burgueses de Calais" (1889).

Cada artista postimpresionista aportó una voz única, desarrollando estilos distintivos que reflejaban sus visiones personales y contribuyeron a la diversidad estilística del movimiento. Por eso es que la escultura no sigue una línea clara.

La escultura de la imagen es de Aristide Maillol, un escultor conocido por sus obras con figuras femeninas. Aunque su trabajo está asociado con el movimiento modernista, muestra una preocupación por la forma y la expresión que puede verse relacionada a ciertos aspectos del postimpresionismo.

n el Postimpresionismo, los escultores utilizaron una variedad de materiales: el bronce, la piedra, el mármol, la cera y otros.

No hay ejemplos de obras arquitectónicas calificadas como post-impresionistas. Sin embargo, algunos edificios pueden evocar ciertos aspectos como la individualidad que caracteriza a este movimiento artístico.

Un ejemplo es la Casa Batlló, obra maestra de Antoni Gaudí. Hace uso de colores vibrantes y del estilo personal del artista. Se incluyen formas orgánicas y se utilizan materiales como hierro, acero, vidrio y hormigón, entre otros.

Durante mucho tiempo fue un estilo despreciado, era visto como ostentoso, recargado. Se consideró la decadencia del clasicismo renacentista, siendo el manierismo la etapa de transición entre ambos.

Tres elementos eran indispensables para considerarse parte del movimiento, tales como: la espectacularidad, el efectismo y la emocionalidad. Lo que distinguía a sus obras de otras, aunque representaran por igual temas mitológicos, religiosos y realistas, era la extravagancia.

Se destacan los pintores Caravaggio y Rubens, los escultores Nicola Salvi y Algardi, y los arquitectos Pietro da Cortona, Francesco Borromini y Gian Lorenzo Bernini.

Entre las obras encontramos pinturas como Las Meninas de Diego Velázquez, esculturas como El Rapto de Proserpina de Bernini y obras arquitectónicas como el Palacio de Versalles en Francia.