Antes de que finalizara este periodo político sí presenta la Revolución Mexicana que se entiende como un conflicto armado iniciado en noviembre de 1910, a propósito de lo que también fue considerado como una dictadura en cuanto a lo que se refiere al porfiriato. Durante este proceso revolucionario economía de México tenía importantes problemáticas, y una de las fundamentales era la parálisis de la producción agrícola, mientras algunas áreas de producción industrial mantenían un relativo crecimiento. un impacto fundamental era la escasa circulación monetaria la carestía la escasez y la especulación de productos alimenticios.

Desde el punto de vista de la historiografía mexicana, cuando finalizan los procesos de conflicto durante el período de revolución se genera un periodo post revolucionario, que inicia finalizando la Revolución Mexicana y hasta principios del conocido México contemporáneo, este periodo de post revolución transcurre entre 1920 y 1936, y supone un periodo en el que aspectos como la educación el arte y la cultura adquirir importante trascendencia irrelevancia en la sociedad. 

La inversión extranjera tuvo un importante impacto a partir de la revolución, teniendo en cuenta que surgen políticas públicas como la ley de expropiación, que le daba prevalencia Propiedad nacional sobre los recursos naturales por encima de las compañías extranjeras que pudieran estar explotando dichos bienes. para mediados de los años 1930, se inicia una serie de esquemas de política internacional, claramente conciliadores y sobresalientes con respecto a los Estados Unidos de América que se encontraba claramente dentro del marco de conflicto bélico hora de la Segunda Guerra mundial.

Surge entonces a partir de la revolución una influencia notoria, de la crítica hacia las injusticias sociales que dan lugar al surgimiento del llamado Sindicato De Obreros, Técnicos, Pintores Y Escultores, qué cuenta con la participación de artistas como David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera, José Clemente Orozco entre otros, buscando desde este sindicato procurar un mexicanismo, un sentimiento y una dedicación hacia el sentimiento patriota.

Sin embargo, se sabe que el pionero del mural moderno en México fue el Dr. Atl (Gerardo Murillo) y es para la década de 1930 cuando el movimiento muralista alcanza su máximo apogeo a través de los artistas Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Fernando Leal. 

Por otro lado, surge otro artista, Rufino Tamayo, contemporáneo de los artistas del movimiento muralista, que decide romper con el estilo nacionalista del movimiento muralista, que se identifica primero con el realismo, y luego con una integración entre la herencia precolombina autóctona y las nuevas técnicas y experimentos artísticos de comienzo de siglo. 

Es así como durante las primeras décadas del siglo 20 el arte en México entra en una variedad de tendencias, que confluían hacia el conservadurismo y con una cara de influencia y cauce hacia lo revolucionario, coincidente con el que nos aspectos en La Vanguardia internacional. aspecto importante en esta evolución es amplia opinión coincidente y relacionado con el quehacer de la vista y la función del arte, de una u otra manera una visión introspectiva.

Surgen publicaciones como la Revista Moderna de México, tiene vigencia entre 1903 y 1911 y que se encontraba en el marco de las élites culturales del país. Existían revistas con temáticas con espectros más amplios como El Mundo Ilustrado, con una vigencia entre 1894 1914, qué comprendía necesariamente la difusión de la novedad en el arte y la literatura, al mismo tiempo que su crítica. estas revistas se convirtieron en una manera de ver el arte mexicano como un arte imperfecto qué contradecía el éxito que logró México en la exposición de 1900. Aparentemente, las publicaciones de estas primeras lacras coincidían con una mención del arte mexicano como carente de identidad (De Bosch, 1992).

Más adelante se logra que revistas como Arte y Letras, Sabía Moderna, El Diario Ilustrado y la Nueva Era, comenzarán a publicar crónicas con una mejor visión y un mejor concepto acerca del arte mexicano que empieza a claramente a mostrar una influencia del modernismo, y que se ve claramente manifestada a partir de los artículos respecto a Gerardo Murillo y Diego Rivera.

Una de las asociaciones más importantes que se logran consolidar a raíz de la revolución y que involucra el primer manifiesto artístico En México es precisamente el Sindicato De Obreros, Técnicos, Pintores Y Escultores.

Es así como en 1922, a partir del liderazgo de Siqueiros, se crea el Sindicato De Obreros, Técnicos, Pintores Y Escultores. para 1923 Siqueiros da a conocer el llamado manifiesto programático, qué está específicamente dirigido a la población indígena que se considera humillada y ofendida, a los obreros y campesinos y en general aquellas personas que no estuvieran al servicio de la clase burguesa, en contradicción con lo que yo llamaba la pintura de caballete, de tal manera que querían hacer prevalecer el arte público como lo es el muralismo, bajo una premisa estética inspirada por el socialismo. 

En términos generales el manifiesto en sí mismo lo que procura era establecer un discurso de protesta, para establecer una dinámica de arte social, qué estuviese al servicio del pueblo, a partir de la estética y de las formas del arte público.

Cuba hacia parte de este suceso, para ellos “lo propio” o nacional se componía de tradiciones afrocubanas, los guajiros y las manifestaciones de arte popular, con elementos originarios de África o de España, los artistas modernos empiezan a retratar la realidad que ellos perciben en su cotidianidad, estos acentúan su atención en el carácter mestizo, racial, de esta cultura.

En los inicios de esta nueva corriente artística, para ser más exactos entre 1927 y 1950, se dan dos instantes totalmente divergentes, que son la generación de los iniciadores y luego la de los más jóvenes, en donde estos aportan a lo que se venía trabajando, contribuyendo en la labor de manifestación nacional dentro de la modernidad artística occidental.

En este primer periodo de la mitad del siglo XX   se adentra la modernidad a cuba con la influencia de corrientes postimpresionistas europeas cuyo objetivo era interpretar la realidad nacional en sus paisajes tradiciones y personajes. A finales de la década de los 40’s las formas de la pintura figurativa se transforman por un estilo internacional que se venía desarrollando el cual era la abstracción, para la década de los 50’s los artistas empiezan a interesarse mucho más por aquello más novedoso que se venía trabajando en Europa y Estados Unidos. 

Frente al tema Siria Varona y Yaima Rodríguez nos dice que Cuba, como parte de América Latina, construyó su modernidad desde la reflexión crítica de los fundamentos teóricos de la modernidad burguesa. Ella fue la toma de conciencia de las contraposiciones esenciales entre el sistema de valores burgueses elaborados por los ilustrados, que expresaban la superioridad de las relaciones económicas de producción capitalistas sobre las feudales, y las desigualdades económico – políticas y sociales que las caracterizaron. (Varona, Rodríguez,2011).

Enrique José Varona hizo parte de quienes representaban la modernidad burguesa cubana y es quien marca un precedente en el comienzo de la degeneración de la burguesía universal, como consecuencia de esto realiza criticas acerca de diferentes interrogantes teóricas relacionadas con la ciencia, filosofía, religión y de la metamorfosis capitalista a una fase imperialista en cuba.

En cuanto a las artes visuales durante la primera mitad del siglo XX más exactamente es en 1927 y 1950,se da una serie de nuevos estilos y tendencias no muy consecuentes unos con otros, produciendo dos momentos relevantes, que son la generación de los iniciadores y la de los más jóvenes ,estos últimos con nuevas  ideas nuevas  contribuyen al evolucionar del arte moderno, Víctor Manuel es quien abre la modernidad este artista en repetidas ocasionas viaja a Europa en donde estudia y empieza a tener contacto con la pintura moderna a través del postimpresionismo.  años más adelante reside y pinta una de sus obras más icónicas que es La Gitana Tropical.

 Wifredo Lam es otro artista relevante para el modernismo cubano es quien logra un reconocimiento significativo para la herencia afrocubana, a través de una beca en 1923, logra estudiar en España en donde empieza a tener cercanía con las ideas y los movimientos del arte moderno, luego en 1938 se muda a Paris en donde conoce a Picasso, es en la Galería Pierre en París donde elabora su primera exposición. 

Observemos el papel fundamental que juega Europa y Estados Unidos en la influencia del arte, la actividad política y económica en Cuba, generando la apropiación de estilos extranjeros en el país, sin embargo, esto contribuyo a un avance que posteriormente desencadena la busca de lo “propio” que se nutre de tradición afro y  de los guajiros, reconociendo el valor popular,hallando formas  propias de expresión.

Este Artista cubano gran amigo de Diego Rivera y Frida Kahlo. Reflejaba por medio de sus obras representaba la situacion politica y cultural de sus raices combinando los colores y las formas para crear un concepto caribeño y africano, lo cual logro aprobacion por su pueblo.  “La combinación del surrealismo y el cubismo le permitieron a Wilfredo Lam, la recreación de la situación del Caribe que, combinada con su extenso conocimiento de la cultura africana, lograron una identificación del pueblo con suobra”. (Celemin Reyes,2009, p.46) 

Wilfredo fue un gran representante del arte moderno, ya que por medio de la experimentacion y fuera de lo tradicional, logro crear una identidad e impacto en las personas, por su arte diferente lo cual hace parte del siginificado de arte moderno que es muy diferente al tradicional o academico. 

 

Es considerada como la pintura más importante y representativa de la primera etapa del movimiento modernista de Brasil, y De hecho fue su pintura Abaporu, creará 1928 la que inaugura el movimiento antropofagia, entre los artistas de su país. 

Esta artista quién nace de una familia adinerada, encuentra apoyo de sus padres para estudiar e involucrarse en el arte, lo cual constituye en una contradicción desde el punto de vista cultural teniendo en cuenta que en su país y en ese entonces era muy poco habitual que una mujer se involucrara en el arte y sobre todo se le permitiera. hacia 1922 inaugura en compañía de 5 amigos la Organización Semana del Arte Moderno, que da lugar a un hecho histórico fundamental en el desarrollo del Gobierno de Brasil.

El propósito en esta instancia era poder cambiar el arte que ya estaba establecido, qué consideraban conservador, imitador para un país tan complejo y rico culturalmente como lo es Brasil. desde este enfoque comenzaron a adaptar las vanguardias europeas, como el cubismo, el futurismo y el expresionismo. y teniendo en cuenta la particularidad de estos movimientos vanguardistas en cuanto a su interés con los aspectos culturales y primitivos, esto constituyó en una gran oportunidad por parte del artista para mostrar toda la riqueza cultural primitiva de su país.

En este proceso conoce a Oswald de Andrade, quién se inspira en el trabajo de Amaral, y escribe su Manifiesto Antropofágico, que casi de manera literal es una invitación a los brasileños para devorar los estilos europeos, para librarse de su influencia y crear así su propio estilo y cultura.

Es a partir de 1931 cuando en su viaje a la Unión Soviética empieza a conocer una visión más social y política del arte, y es por esta razón que es apresada por el entonces dictador Getúlio Vargas. Esta circunstancia le representó más bien un impulso para empezar una visión del arte desde una perspectiva social.

OBRAS:

ABAPORU (1928): esta obra representa al hombre qué come carne humana, en lengua tupí guaraní. y se trata de una pintura creada como regalo para el escritor Oswald de Andrade, considerada también como un icono del arte brasileño y que se considera como la obra que inaugura el movimiento artístico más importante de Latinoamérica: la antropofagia.

Conceptualmente, sitio para entender la posibilidad de canibalizar el arte extranjero, y de esta manera utilizar las características y elementos culturales locales para crear un tipo de arte más autóctono y original. en esencia se trataba de crear una combinación entre la cultura popular brasileña y las influencias extranjeras, procurando no perder la identidad indígena.

 LA LUNA (1928): esta es una de las obras cumbre de la artista y perteneciente también a la fase antropofágica, y comprada recientemente por el Museo de Arte Moderno De Nueva York, por cerca de 20000000 de dólares lo que lo convierte en una de las obras más costosas del arte brasileño hasta el momento. Se considera que en esta obra se nota una importante influencia de Picasso, Magritte o Léger, Holguín dado su influencia de Europa en su obra. En esta obra se hace una representación de la figura humana al mismo tiempo qué de un solitario cactus, como haciendo una mezcla simbólica entre lo vegetal y lo animal, sumergidas en una noche en la que sobresale una luna menguante. Para muchos críticos, representa un paisaje onírico de carácter surrealista, qué combinó perfectamente las vanguardias europeas y la tradición brasileña.

 OBREROS (1933): esta obra constituye en una de sus etapas finales que involucra un arte más social, que para muchos significa una conversión hacia el comunismo. Tras su viaje a la Unión Soviética comprende una visión de la realidad del marxismo, y al regresar a Brasil se convierte en Participe activo del Partido Comunista brasilero, de tal manera que sus obras empiezan a trabajar y mostrar una temática política y social. en esta pintura en específico se plantea una muestra de la industrialización por la que estaba viviendo el pueblo de Brasil, qué atrajo trabajadores de todo el planeta y generó como consecuencia un proceso de marginalización y explotación de una nueva clase social, de carácter obrero y que vivió la opresión y el maltrato constante, que al mismo tiempo permitió el crecimiento de grandes ciudades como Sao Paulo y Río de Janeiro. 

Es así como se pretende mostrar un retrato colectivo de los trabajadores, en donde se pueden ver claramente personas de todas las razas, sexos y edades, con un rastro común como lo es la tristeza producto de la indiferencia y el cansancio. se constituye en un retrato que ejemplifica la vulnerabilidad en las condiciones de vida de las grandes ciudades.

 

 1. La influencia del movimiento modernista europeo: El arte moderno en Brasil fue influenciado por los movimientos artísticos europeos del siglo XX, especialmente el cubismo, el futurismo, el expresionismo y el surrealismo. Estos movimientos europeos influyeron en el arte brasileño, pero también se adaptaron a la cultura y la identidad nacional brasileña.

 2. La exploración de la identidad brasileña: Los artistas brasileños buscaron expresar la identidad cultural del país a través de su arte, reflejando su diversidad étnica, histórica y social. Esta exploración de la identidad brasileña se reflejó en la obra de artistas como Tarsila do Amaral y Portinari.

 3. La experimentación con nuevas técnicas y materiales: Los artistas brasileños experimentaron con nuevas técnicas y materiales, como el collage, la abstracción, la escultura en hierro y la cerámica. Estas innovaciones permitieron a los artistas brasileños crear obras únicas y originales.

 4. La fundación de escuelas de arte y la promoción de la educación artística: Durante este periodo, se fundaron diversas escuelas de arte en Brasil que fomentaron el desarrollo de nuevas formas de expresión y estilos. La educación artística se consideraba esencial para el desarrollo del arte en Brasil y para el fomento de nuevas generaciones de artistas.

 5. El compromiso social y político: Muchos artistas brasileños se involucraron en cuestiones sociales y políticas a través de su arte, reflejando la realidad de la sociedad brasileña y denunciando la injusticia social y la opresión. Este compromiso social y político se reflejó en la obra de artistas como Portinari y Anita Malfatti. 

En cuanto a la inversión extranjera, durante la primera mitad del siglo XX, Brasil se convirtió en un destino atractivo para los inversores europeos y estadounidenses. La inversión extranjera trajo consigo nuevos materiales, tecnologías y estilos, lo que permitió a los artistas brasileños experimentar con nuevas formas de arte.

 Además, muchos artistas brasileños viajaron a Europa en busca de nuevas influencias y técnicas artísticas. Por ejemplo, en 1923, un grupo de artistas brasileños, entre ellos Tarsila do Amaral, Oswald de Andrade y Mario de Andrade, viajaron a París y entraron en contacto con el movimiento artístico moderno europeo. Estos artistas se inspiraron en el cubismo y el surrealismo europeo, pero también integraron elementos de la cultura brasileña en sus obras.

Por otro lado, los acontecimientos políticos también jugaron un papel importante en el desarrollo de la modernidad en Brasil. En 1930, Getúlio Vargas asumió el poder en Brasil y comenzó una serie de reformas que incluyeron la creación del Ministerio de Educación y Salud Pública y la fundación de la Universidad de São Paulo. Estas reformas fomentaron la educación y la cultura, incluyendo el arte, lo que permitió un mayor desarrollo y experimentación en el campo del arte moderno.

Las tertulias eran encuentros informales en los que los artistas y los intelectuales se reunían para discutir sobre arte, literatura y política. En estos espacios, los artistas podían presentar sus obras y recibir comentarios y críticas de sus colegas. Algunas de las tertulias más famosas fueron las organizadas por Oswald de Andrade y Tarsila do Amaral en su casa en São Paulo.

Las galerías también fueron un espacio importante para la difusión del arte de la modernidad en Brasil. Durante los años 30 y 40, se crearon varias galerías de arte moderno en São Paulo y Río de Janeiro, como la Galería Prestes Maia, la Galería Itá y la Galería Jean Boghici. Estas galerías permitieron a los artistas exhibir sus obras y atraer a nuevos públicos interesados en el arte moderno.

 Las revistas de arte también jugaron un papel importante en la difusión del arte de la modernidad en Brasil. En 1924, el escritor y crítico de arte Mario de Andrade fundó la revista "Klaxon", que se convirtió en una plataforma importante para los artistas modernos. También surgieron otras revistas, como "Revista de Antropofagia" y "Suplemento Dominical do Jornal do Brasil", que promovieron el arte moderno y publicaron textos y ensayos críticos sobre el tema.

 Finalmente, las asociaciones de artistas también fueron importantes para la difusión del arte de la modernidad en Brasil. La "Sociedade Pró-Arte Moderna" (SPAM), fundada en 1932 en São Paulo, fue una de las más influyentes y contribuyó a la organización de exposiciones, conferencias y debates sobre el arte moderno en Brasil. Otras asociaciones, como la "Associação Brasileira de Escultura" y la "Associação Brasileira de Artistas Plásticos", también tuvieron un papel destacado en la promoción del arte moderno en el país.

El Manifiesto Antropófago fue una propuesta vanguardista que defendía la idea de que la cultura brasileña debía "devorar" la cultura europea y asimilarla de manera crítica y creativa, en vez de simplemente imitarla. Según Oswald de Andrade, la "antropofagia" cultural era una forma de liberación y de construcción de una identidad cultural propia y original para Brasil.

 Este manifiesto fue muy influyente en el movimiento modernista brasileño y en el desarrollo del arte de vanguardia en Brasil. Los artistas modernos adoptaron la idea de la antropofagia cultural y buscaron desarrollar una estética brasileña única y original, basada en la fusión de influencias culturales diversas.

Además del Manifiesto Antropófago, otros artistas y literatos brasileños también escribieron manifiestos y textos teóricos que fueron importantes para el desarrollo del arte moderno en Brasil, como el poeta y crítico de arte Mário de Andrade, quien escribió "A Escrava que Não é Isaura" en 1925, y el arquitecto y teórico Lúcio Costa, quien escribió "Manifesto da Arquitetura Moderna" en 1930.

 Tertulias: Desde los años 20, se reunían en cafés, bares y casas particulares grupos de artistas e intelectuales para discutir arte y literatura. Entre las tertulias más importantes se encuentran las del poeta Nicolás Guillén y las del escritor José Lezama Lima.

 Galerías de arte: En La Habana, surgieron varias galerías de arte moderno en las décadas de 1940 y 1950, como la Galería Cubana de Arte Moderno y la Galería de Arte Color-Luz, que promovieron la obra de artistas como Wifredo Lam y Amelia Peláez.

 Revistas: A partir de la década de 1920, surgieron varias revistas literarias y de arte que difundieron las ideas de la vanguardia. Algunas de las revistas más importantes fueron Orígenes, dirigida por Lezama Lima, y Revista de Avance, que contó con la colaboración de escritores como Alejo Carpentier y José Martí.

 Asociaciones: En los años 40, se fundaron varias asociaciones de artistas, como la Asociación de Pintores y Escultores de Cuba y la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), que promovieron el arte moderno y la literatura experimental.

Otro importante manifiesto de arte en Cuba fue el "Manifiesto de la plástica abstracta", redactado en 1957 por un grupo de artistas encabezado por Guido Llinás y que buscaba promover la abstracción en la pintura y escultura cubanas, en contraposición al realismo socialista impuesto por el gobierno de la época.

Las Juevinas fue una de las tertulias más célebres de la isla, estas se venían llevando a cabo desde el siglo XIX por Domingo del Monte, escritor venezolano que desde muy joven residió en Cuba, participe también de la creación de la academia cubana de literatura, en los años 30’s esta terulia es liderada por Dulce María Loynaz Muñoz, quien convierte su hogar en el epicentro de estas reuniones en donde se presentaban una gran parte de intelectuales  y artistas del momento como Gabriela Mistral y Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca, Alejo Carpentier, Emilio Ballagas, Rafael Marquina, Carmen Conde, Gonzalo Aróstegui, María Villar Buceta y Angélica Busquet.

Las Peñas literarias se llevaban a cabo en la Terraza del Teatro Martí, en este espacio se cultivaba el modernismo, se intercambiaban y expresaban ideas, así mismo se llevaba activamente la crítica y el apoyo a ideas nuevas y diversas, en estos encuentros podíamos encontrar dos grupos los “líricos rebeldes” encontrándose en este a escritores como Rubén Martínez Villena y Gustavo Robreño y el segundo grupo eran “los románticos” con Gustavo Sánchez Galarraga, el dibujante el Dalmau, etc. 

La Revista de avance fue otro espacio en donde se producían discusiones en torno a las preocupaciones éticas y estéticas que sentían los artistas y escritores de la época, cuyo deseo era el quebranto de las practicas artísticas academicistas, promoviendo así una reforma intelectual. En cuanto a las galerías de arte que fueron lugares de difusión  están la Galerita de la Habana, Galería Estudio Los Oficios, Galería Habana, entre otros.

"Coqueta" es un ejemplo de cómo las artistas lograron revertir la mirada masculina sobre los espacios íntimos femeninos. Estas creadoras se sublevaron contra el estereotipo promocionado por los pintores masculinos, cuestionándolo abiertamente al sustituir a la mujer adulta y sensual, la stunner moderna o la femme fatale, por una niña o adolescente en pleno reconocimiento de su sexualidad.

La obra de Moisan representa una crítica feminista al arte modernista y su exclusión de las mujeres artistas, evidenciando cómo estas creadoras abrieron caminos nuevos en el campo artístico al desafiar los estereotipos y construir su propia identidad como mujeres y artistas en una sociedad que no siempre les brindaba los espacios y oportunidades que merecían.

A través de su trabajo, Rodig propone nuevos modelos femeninos que aparecen en escena ligados a ámbitos de la bohemia, de lo masculino y de identidades sexuales alternas. Su obra se enmarca en un contexto en el que las mujeres artistas se sublevan al estereotipo promocionado por los pintores masculino, proponiendo una figura femenina diferente que busca su autonomía y deconstruye los estereotipos tradicionales.

Castro destacó en la escena artística de su época y fue elogiada por su "vocación apasionada y admirable" y su "talento sobresaliente". Sin embargo, la marginación de las mujeres en el estudio al natural en su época la limitó en su competencia con los artistas masculinos en el desarrollo de géneros pictóricos considerados "modernos". A pesar de esto, Castro experimentó con la figura humana en su obra "Las Playeras" (1889), donde dos jóvenes mujeres caminan a la orilla del mar, incorporando el paisaje en su estilo que se asemeja al naturalismo y el realismo. Esta obra le valió una medalla en el premio de género del Certamen Edwards en 1896.

Castro regresó a Chile en 1927 y estableció su taller de pintura en Valparaíso, donde influyó en la generación de pintores porteños como Jim Mendoza, René Tornero, Chela Lira y Roko Matjasic. Su legado artístico incluye la incorporación de géneros modernos en la pintura, como el interiorismo costumbrista y el paisaje social, lo que la convierte en una representante importante en la modernización del arte chileno. Además, Castro fue la primera mujer en representar oficialmente la incorporación femenina en el arte nacional.