Dentro de este contexto, la Alegoría del Nilo y las tanagras están vinculadas a la fusión cultural de la época. La Alegoría del Nilo representa simbólicamente al río como fuente de vida y fertilidad. El Nilo, vital para la prosperidad de Alejandría, fue un tema central en el arte alejandrino, reflejando la importancia de Egipto en el mundo helenístico.

Las tanagras, que eranestatuillas de terracota originarias de Grecia, también tuvieron su influencia en Alejandría. Aunque nacidas en Beocia, las estatuillas similares se produjeron en Egipto y reflejaban el sincretismo cultural de la ciudad, donde lo griego y lo egipcio se mezclaban en la vida cotidiana y el arte funerario.

Ambas manifestaciones artísticas, la Alegoría del Nilo y las tanagras, son ejemplos de cómo Alejandría fusionó tradiciones artísticas griegas y locales, creando un estilo único y representativo del mundo helenístico.

1. Biografía y Contexto Histórico

• Nombre completo: Fidias

• Época: Nació alrededor del 490 a.C. y murió hacia el 430 a.C.

• Lugar: Atenas, Grecia

• Contexto histórico: Vivió durante la Edad de Oro de Atenas, un periodo de esplendor cultural, político y económico bajo el liderazgo de Pericles. Atenas se convirtió en el centro del arte, la filosofía y la política en Grecia, y Fidias fue un artista clave en este auge cultural.

2. Principales Obras

• Estatua de Atenea Partenos

• Ubicación original: El Partenón, Acrópolis de Atenas.

• Descripción: Una monumental estatua de la diosa Atenea hecha de oro y marfil (criselefantina). La figura representaba a Atenea de pie, con una lanza y un escudo, y llevaba una figura de Niké (Victoria) en la mano.

• Importancia: Simbolizaba el poder y la protección de Atenea sobre la ciudad de Atenas.

• Desafortunadamente, la estatua no se conserva, pero se han encontrado réplicas y descripciones detalladas que nos ayudan a entender cómo era.

4. Relación con Pericles y Problemas Políticos

• Fidias fue un cercano colaborador de Pericles, el líder ateniense que impulsó la construcción de la Acrópolis y del Partenón. Se le encargó la supervisión general de estas obras.

Sin embargo, hacia el final de su vida, Fidias cayó en desgracia. Fue acusado de malversación de fondos y de impiedad, ya que se decía que había incluido su propio retrato y el de Pericles en los frisos del Partenón.

• Su trabajo inspiró a artistas renacentistas y sigue siendo un ejemplo de la perfección artística alcanzada en la Grecia antigua.

6. Fuentes Históricas

• Algunos historiadores antiguos que mencionan a Fidias y sus obras incluyen a Plinio el Viejo, Pausanias y Estrabón. Sus escritos han sido clave para reconstruir el legado de Fidias.

Escopas nació en la isla griega de Paros, y trabajó en la península helénica y en las ciudades griegas de Asia menor. Los escasos testimonios sobre su vida se deben a los cronistas clásicos. Así, el geógrafo e historiador griego Pausanias relata que Escopas llevó a cabo la reconstrucción del templo de Atenea Alea en Tegea (Arcadia), del cual se conservan fragmentos de ambos frontones, en los que se relataba la Caza del jabalí de Calidón y el Combate entre Aquiles y Telefo.

Por su parte, el romano Plinio el Viejo le atribuye los relieves de una columna en el templo de Artemisa en Éfeso. Se sabe asimismo que, alrededor del 350 a.C., cuando era ya un artista consagrado, le fue encomendada a Escopas, junto con Timoteo, Briaxis y Leocares, la decoración escultórica del Mausoleo de Halicarnaso, construcción funeraria erigida en honor del rey Mausolo que fue una de las siete maravillas del mundo antiguo.

Entre las piezas escultóricas cuya paternidad se atribuye a Escopas, conservadas en copias del período helenístico, se encuentran el grupo de las Nióbides, que representa el sacrificio de las hijas de Níobe, y Meleagro y el jabalí de Calidón. Constituye una magnífica síntesis de su estilo la famosísima Ménade, una danzante que encarna el movimiento y la gracia.

Más interesado por mostrar el estado anímico que el físico, Escopas creó unas figuras agitadas, representadas en un movimiento convulso, y puso en los rostros una expresión de gran patetismo acentuada por los ojos profundamente hundidos y la boca entreabierta. En sus obras se advierte un estilo de gran originalidad, caracterizado por el trazo nervioso, la fastuosidad de los drapeados y una considerable intensidad dramática. Con este innovador tratamiento, Escopas abandona la idealización característica del clasicismo y anticipa la carga emocional propia de la escultura helenística.

Sicione, h 390 a.C. activo desde 368 a.C. hasta 318 a.C.

Escultor griego. Tercera gran figura de la escultura griega del siglo IV a.C., junto a Scopas y Praxiteles. Trabajó para la corte de Alejandro, siendo unos de los artistas mas célebres de la época. En cuanto su estilo en la escultura griega clásica se impulso el naturalismo, la búsqueda de una representación realista de los cuerpos y de las actitudes, en contraste con el hieratismo de la era arcaica. El cuerpo humano se concebía entonces como un conjunto articulado, ya estuviera en reposo o en movimiento, y el artista procuraba representarlo en una posición equilibrada y armoniosa.

Este ideal de belleza derivaba de la necesidad de distinguir a los dioses de los hombres, como los griegos imaginaban a sus divinidades con forma humana, estas debían revestir una perfección inalcanzable para el común de los mortales.

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En cuanto a la escultura monumental destacan las metopas, el friso continuo y el frontón del templo de “Artemisa en Corfú” con la estatua de la gran Medusa en el centro y dos felinos en los laterales. De transición al clasicismo son las estatuas del templo de “Afaia en Egina” del 490 a.C. que representa la guerra de Troya, adaptando ya las figuras al marco.

Hay 2 tipos de mosaico:

-El mosaico de guijarros.

Esta hecho a partir de pequeñas piedras naturales blancas o ligeramente coloreadas, que se encontraban en playas o ríos.

-El mosaico de teselas.

Esta formado por pequeñas piezas de piedra de diferentes colores talladas con mayor o menor regularidad. Esta técnica sustituye a los mosaicos guijarros. Las piezas se hicieron mas pequeñas intencionadamente para conseguir un resultado visual muy cercano a la pintura.

En la ciudad griega de Delos es donde se ha conservado el mayor número de pavimentos decorados con mosaicos

El friso exterior, en altorrelieve y de gran dramatismo, mostraba figuras en posturas dinámicas, con un marcado patetismo y tensión muscular. La narrativa del friso interior relataba la vida del héroe Télefo, el legendario fundador del linaje atálida. El altar refleja el colosalismo arquitectónico y el patetismo escultórico de la escuela de Pérgamo, que influyó en el arte helenístico posterior y fue precursor del estilo barroco en escultura.

principales fuentes de

conocimiento, compensando la

escasez de pinturas.

Se pueden distinguir tres

grandes periodos en la

evolución de la cerámica.

Estilo Geométrico (siglo X a.C.-VIII a.C.)

Reinterpretación de

formas micénicas.

Este periodo se caracteriza por

la reelaboración de las formas

de la cerámica micénica.

A partir del siglo VIII a.C., la

figura humana comienza a

aparecer de forma

esquematizada.

La decoración incluye cenefas

geométricas y lineales que

muestran un gran dinamismo,

dispuestas en franjas

horizontales y paralelas.

Incorporación de la figura

humana.

Decoraciones con

cenefas

geométricas y

lineales.

Época Arcaica (siglos VII a.C.-V a.C.)

Cerámica de figuras

negras sobre fondo

rojo

Se representan principalmente

escenas mitológicas inspiradas

en los poemas épicos de

Homero.

Esta técnica permite una

representación más realista y

detallada de escenas de la

vida cotidiana, mostrando un

interés por la representación de la figura humana.

Cerámica de figuras

rojas sobre fondo

negro

La cerámica de figuras rojas sobre fondo negro resalta el contraste entre los tonos vibrantes y la profundidad del negro captura la atención con sus diseños y simbolismos.

Época

Clásica

(s. V a.C.)

Este periodo es el apogeo de la cerámica griega,

donde predomina la decoración de figuras rojas

sobre fondo negro.

La figura humana ocupa todo el espacio, permitiendo representaciones más complejas, cercanas a la pintura.

Se destacan técnicas pictóricas como el uso de

escorzos y sombreados, mostrando una

mayor expresividad en los personajes.

Es de la época del periodo clásico, donde se preocupaban por reproducir la anatomía humana con proporciones equilibradas en las que intenta alcanzar el modelo ideal de belleza humana a partir de un dominio absoluto de la técnica escultórica.

Fue un broncista de Argos cuyas obras conocemos a través de copias romanas no siempre acertadas. Destacan "el Discóbolo" y el grupo de "Atenea y Marsias". El primero representa al atleta y héroe invicto lanzando un disco. Pero, a pesar de su aire de instantánea, del compendio entre anatomía y geometría y de lo atrevido de su postura, su musculatura es sumamente plana y sus facciones inexpresivas no acompañan al violento movimiento.

Las características principales del estilo severo incluyen:

1. Expresiones faciales serenas y austeras: A diferencia de las sonrisas arcaicas que eran comunes en esculturas anteriores, las figuras del estilo severo tienen expresiones más sobrias, lo que otorga una sensación de gravedad y dignidad.

2. Posturas más naturales: Las figuras adoptan poses más relajadas y dinámicas, como el “contrapposto”, una posición en la que el peso del cuerpo se apoya en una pierna, dejando la otra relajada. Esto introduce una sensación de movimiento y equilibrio, alejándose de las posturas rígidas del período arcaico.

3. Representación más realista del cuerpo humano: Los detalles anatómicos son más precisos y naturales, aunque aún idealizados. Se presta más atención a cómo el cuerpo humano se mueve y funciona, lo que da lugar a una representación más dinámica y menos esquemática.

4. Vestimenta y pliegues simplificados: En las esculturas donde los personajes llevan vestimenta, los pliegues son más suaves y menos detallados que en los períodos anteriores, lo que da una sensación de mayor simplicidad y realismo.

5. Bronce como material principal: Aunque muchas de las esculturas que han sobrevivido están en mármol, el bronce era el material más utilizado en el estilo severo, lo que permitía una mayor precisión y detalle en la representación del movimiento y la musculatura.

AUTOR. Probablemente Pitágoras de Regio

CRONOLOGÍA. 474 a.C. ESTILO. Griego arcaico

TÉCNICA. Fundición MATERIAL. Bronce DIMENSIONES. 1,82 m

Representa a un auriga, un conductor de carros. Formaba parte de un grupo, del que se conservan restos, dedicado a Apolo por el tirano Polyzalos de Gela (Sicilia)

tras una victoria en los Juegos del año 474 a.C.

El joven auriga se muestra erguido y en reposo, pero denota tensión en la expresión del rostro. Es el resultado la fundición de diferentes piezas soldadas posteriormente;

a pesar de ello guarda un intenso sentido unitario. Los ojos son de pasta vítrea blanca y fueron incrustados en la cuenca ocular.

La obra más conocida asociada con la Escuela de Rodas es sin duda el Laocoonte y sus hijos. Pertenece al período helenístico y es un buen ejemplo de como el equilibrio y la serenidad del propios del período clásico dejan paso al realismo y al patetismo. En la imagen podemos ver cómo Laocoonte y sus hijos luchan para salvar sus vidas contra la dos serpientes marinas que ha enviado la diosa Atenea.

Este conjunto escultórico es considerado uno de los primeros grandes ejemplos de la escultura arquitectónica griega.

Los frontones del Templo de Afaia en Egina, Grecia, presentan dos frontones con escenas de la Guerra de Troya, en las que se destacan las hazañas de los héroes locales. El frontón oriental, muestra un estilo más evolucionado, mientras que el occidental conserva características arcaicas, como la rigidez de las figuras.

Ambos frontones siguen un esquema simétrico, presidido por la diosa Atenea, con guerreros combatiendo a su alrededor.

Las esculturas originales de estos frontones fueron reemplazadas y hoy se conservan en la Gliptoteca de Múnich.

La Estela funeraria del Mensajero de Maratón compuesta de mármol cuyo autor es anónimo se encuentra en el Museo Arqueólogo Nacional de Atenas.

Tiene lugar la batalla entre persas y atenienses con la victoria de los últimos. El mensajero que se ocupó de dar la grata noticia en Atenas, murió exhausto al terminar su recorrido. Como homenaje se le dedicó esta estela, que llama la atención por la extraordinaria expresividad y el logradísimo movimiento que se le concede a la figura.

BIBLIOGRAFÍA

• https://www.uam.es/proyectosinv/hellas/arcaismo/ecul_ar/arquitec/1ar.html

• http://www.artehistoria.com/

• https://artehistoria.com/obras/estela-funeraria-del-mensajero-de-maraton

La escultura griega se realizó mayormente en mármol y bronce, aunque las estatuas Helenísticas estaban hechas por madera, oro o marfil. Los escultores perfeccionaron la técnica del relieve, así como la escultura exenta o de bulto redondo. Buscaban la armonía, el equilibrio, la simetría, la expresividad, el volumen y el dinamismo. El tema principal era la figura humana a través de la mitología, aunque los atletas fueron usados frecuentemente ya que eran el modelo de ideal físico y espiritual. 

Se pudieron distinguir tres periodos: el periodo Geométrico con pequeñas figuras geométricas de carácter votivo o religioso como los exvotos o ‘Xoanas’; el arcaico, destacado por la representación de figuras humanas masculinas (los ‘Kuroi’) y femeninas generalmente sacerdotisas (‘Korai’) ; el clásico, buscaba lograr el equilibrio y la belleza a partir de un dominio absoluto, donde se distinguen varias etapas, la primera mitad del siglo V, más conocido como ‘Etapa de transición’ , donde hubo un estilo severo, la segunda mitad del siglo V con artistas como Mirón, Policleto o Fidias, y el siglo IV con artistas como Praxiteles, Scopas y Lisipo;por último,  el periodo helenístico donde aunque buscarán la armonía y proporcionalidad, las formas barrocas eran caracterizadas por la tensión y el movimiento. Se pudieron diferenciar cuatro escuelas: las Continentales de Atenas y Peloponeso eran las más tradicionales, la Escuela de Rodas fue más prolífica, la Escuela en Pérgamo y finalmente la Escuela en Alejandría

El Espinario, que representa a un niño extrayéndose una espina del pie, es un claro ejemplo de la introducción del realismo en la escultura helenística. El interés por capturar escenas cotidianas y anecdóticas, que distan de los temas heroicos o divinos de la escultura clásica, es característico del helenismo.

Venus de Milo muestra una sensualidad y una expresión emocional más marcadas que las obras clásicas anteriores. Esta obra combina el idealismo típico del arte griego con una mayor atención a las curvas naturales del cuerpo y el detalle en el tratamiento del manto, lo que es propio del estilo helenístico.