ALICE ALTAFINI

Modo di produzione del vaso: Dopo la cottura del materiale, il vaso veniva modellato dopo setacciamento e la decantazione.
L’anfora veniva lasciato ad essiccare rigorosamente all’ombra, fino a che l’argilla non raggiungeva uno stato particolare detto durezza cuoio.

Dopo aggiungendo piedi e anse, il vaso veniva dipinto con un sottile strato di argilla purificata detta “ingobbio” e infine messo nella fornace con fornelli a pozzo per essere nuovamente cotto.
Codesta opera entra nella tipologia dello stile geometrico.

Antonio Canova, Amore e Psiche giacenti, 1787, bozzetto in terracotta, Museo Correr, Venezia.

Le fasce ornamentali sempre più numerose e fitte scandiscono in questo periodo le parti del vaso annullando le superfici a vernice nera. Il meandro riempito a tratteggio divenne il motivo decorativo più tipico, accompagnandosi a rombi, motivi a zig zag, denti di lupo, scacchiere e reticoli. Nei riquadri si inserirono svastiche e rosette a quattro foglie. I motivi decorativi si arricchirono di elementi figurati, in particolare figure umane e cavalli. Le forme dei vasi divennero più articolate e slanciate e anfore e crateri di grandi dimensioni vennero utilizzati come segnacoli per le tombe.

ALESSANDRO ANASTASIA

BEATRICE BACCHI

L’opera rappresenta 30 figure colorate e dinamiche che con leggerezza e allegria vogliono comunicare un messaggio di pace. Ogni personaggio ritrae un diverso aspetto del mondo in pace: le forbici “umanizzate” rappresentano la collaborazione concreta tra gli uomini per sconfiggere il serpente, cioè il male, la donna con in braccio il bambino rimanda l’idea di maternità, l’uomo che al posto della testa ha un televisore rappresenta la vita che viene stravolta dalla tecnologia, l’uomo che sorregge il delfino rimanda al rapporto con la natura. Tutte queste figure sono distribuite su un piano di 180 mq. Per realizzare quest’opera Haring ci ha impiegato più tempo rispetto alle altre, solitamente concludeva i suoi lavori nell’arco di una giornata. Keith Haring ha uno stile immediato, festoso e ironico; i personaggi e gli oggetti sono stilizzati e bidimensionali, sono rappresentati mentre svolgono azioni assurde ma chiare. Il tutto in un ambiente dai colori vivaci e accattivanti. L’immediatezza delle opere di Haring deriva dall’impatto narrativo tratto dai fumetti. Haring lavora principalmente su supporti non tradizionali come: pareti e muri di spazzi pubblici, capi di abbigliamento, carrozzerie d’auto ecc... Tutto ciò si basa sul suo concetto che l’arte dovesse essere per tutti. Per un periodo il dipinto era stato dimenticato, poi nel 2011 la formazione Haring lo ha fatto restaurare. Raramente Haring dava un titolo alle sue opere perché destinate a sparire nel tempo, ma gli ha voluto dare un nome italiano per evidenziare ulteriormente il significato su un futuro basato sulla pace. Questa è stata la sua ultima opera prima di morire e anche quella pensata per rimanere nel tempo.

BIANCA BELLINI, SOFIA FACCHIANO E BEATRICE SPERANDEO

Il pittore era convinto che i colori suscitassero emozioni diverse tra loro e, di conseguenza voleva analizzarne le diverse combinazioni e effetti visivi.

Una delle tecniche utilizzate da Kandinsky era quella di associare i colori a diverse note musicali.

Così dipingeva in modo armonioso e rilassato. Kandinsky inoltre diede vita al movimento dell’astrattismo, dove le figure, come in questo caso,vengono raffigurate con libertà.

Questa opera, negli anni a venire, venne utilizzata in esercizi sulla percezione visiva e anche come argomento delle lezioni di arte.

Successivamente divenne una icona del design e, ancora oggi viene spesso riprodotta come elemento decorativo.

GIOVANNI BRUNELLI

MARIA CHIARA COMENCINI

Lo scopo dell’ artista e’ fare riflettere l’osservatore sulla natura e la sua ingannevolezza. Nel quadro non è presente un corpo. Non a caso l’artista vuole fare concentrare l’osservatore sull’occhio e sul suo significato.
L’opera si presta a varie interpretazioni: il cielo puó essere inteso come il riflesso di quello che l’occhio vede oppure come simbolo di vastitá e libertá .

Magritte, attraverso le sue opere, vuole mettere in discussione le nostre certezze, inducendoci a guardare il mondo con “occhi” diversi.
Magritte ha lavorato a questa opera con altri grandi surrealisti come Salvador Dali o Man Ray.

Il quadro e’ stato venduto a Man Ray che e’ stato anche l’autore della fotografia che ha ispirato Magritte.

MARIA CHIARA COMENCINI

Le sue dimensioni sono 83,5 x 66cm e attualmente è conservato al “Munch- Museet”, ad Oslo.

L’urlo rappresenta un sentiero in salita su una collina sopra la città di Oslo, spesso confuso con un ponte a causa del parapetto che taglia diagonalmente la composizione.

In primo piano notiamo un uomo con un corpo serpentiforme, quasi senza scheletro, privo di capelli e deforme che emette un grido e si comprime la testa con le mani diventando così preda del suo stesso sentimento.

Infatti, il vero centro dell’opera è costituito dalla bocca che, aprendosi in un innaturale spasmo, emette un grido che distorce l’intero paesaggio.

Gli unici elementi a rimanere immutati sono il parapetto e i due personaggi sulla sinistra della composizione che sono sordi al grido.

Sulla destra invece troviamo un paesaggio innaturale e poco accogliente: il mare è una massa nera, mentre il cielo presente lingue di fuoco con nuvole ondulate che sembrano cariche di sangue.

Notiamo quindi che il quadro presenta un forte effetto espressivo dato dai colori complementari in modo da mettere in risalto il cromatismo del dipinto.

Troviamo le tonalità calde nella parte alta del dipinto, i colori chiari sono collocati intorno al volto del personaggio, che in questo modo viene esaltato agli occhi dell’osservatore.

EMMA DE BIASI

Una famosa citazione del rinomato artista è stata:
“... è l’infinito, e allora buco questa tela, che era alla base di tutte le arti, ed ecco che ho creato una dimensione infinita un buco che per me è la base di tutta l'arte contemporanea per chi la vuol capire. Sennò continua a dire che l'è un bus
e ciao...”

TEODORA FERRARI

Il pittore decise di dipingere la sedia del suo amico Paul Gauguin (artista francese considerato tra i maggiori interpreti del post-impressionismo) per rappresentare il senso di vuoto e smarrimento che egli provò dopo la sua improvvisa partenza, causata da numerosi attriti tra i due amici, scoppiati infine in un forte litigio (quello del 1888 che portò Van Gogh ad un crollo mentale e al celebre episodio in cui si tagliò parte dell’orecchio).

Oltre a dipingere la sedia dell’amico, Van Gogh dipinse anche la sua per ricordare quelle su cui sedevano abbandonandosi a lunghe conversazioni sulle loro passioni artistiche e sul mondo. In questo modo esse avrebbero potuto agire come punti d’incontro tra i due amici ormai disgiunti. Allo stesso tempo, però, rappresentano anche il loro respingersi a vicenda,

dato che le due sedie hanno caratteristiche completamente contrastanti. Infatti, si può notare come la sedia di Gauguin sia più elaborata e raffinata, con linee sinuose e morbide, sembra una tipica sedia da salotto simile ad una poltrona con seduta più larga e con i braccioli e quindi comoda. Quella del pittore olandese invece è meno elegante, di legno grezzo e con seduta in paglia. Tali differenze riflettono anche i due diversi caratteri dei due artisti: Van Gogh era una persona più semplice, emotiva e istintiva, mentre Gauguin era più razionale e teorico.

Nel dipinto sono stati utilizzati colori scuri

verde e del blu, anche se mitigati dal giallo dei libri e delle lampade, dalle pennellate che

e forti, dove prevalgono le tonalità fredde del

vivacizzano il pavimento ma che non permettono di distinguerlo, sembra ricoperto da riflessi

di luce e ombre risultando enigmatico. Il colore verdognolo della seduta non

particolarmente vivace concorda con il tono cupo dell’insieme. Su di essa vi sono una

candela accesa e due libri, simboli di cultura ed ambizione (su quella di Van Gogh invece

sono disegnati una pipa e il tabacco, rappresentando così le abitudini quotidiane dell’artista,

che era notoriamente un fumatore incallito). In una lettera al critico Albert Aurier Vincent

spiegò che i colori usati corrispondevano a quelli reali anche se lui ne faceva un uso

simbolico.

La diversità delle due tele rappresenta anche i due diversi modi di dipingere e di

concepire l’arte dei due artisti: la sedia di Van Gogh è alla luce diurna e rappresenta il

momento in cui Vincent dipinge, in quanto deve avere il modello davanti. La sedia di

Gauguin, invece, è un notturno, perché il francese può lavorare anche di notte a memoria.

Sono complementari, come il giorno e la notte.

Infine, possiamo notare che Van Gogh in omaggio a Paul e alla sua pittura abbandona la

sua tipica pennellata pastosa, densa, corposa e violenta con un effetto grumoso nella quale

riversa brandelli della sua anima, rendendo la tempera viva e vibrante. Qui ne acquisisce una

più misurata e piatta, tipica della “pittura a memoria” utilizzata appunto dall’amico pittore

per evitare, dipingendo all’aperto, di essere condizionato dagli effetti di luce; in tal modo

stemperava le sensazioni ed eliminava i particolari, dando forma ad un’immagine più sintetica e semplificata.

VITTORIA FRASCINO

,solitamente, per astrattismo si intende la ricerca della purezza e dell’ordine attraverso l’uso dei colori primari e di forme geometriche. L’opera fa parte del periodo pittorico chiamato “De Stijl”, in cui viene descritta un’arte essenziale e utopica. Il quadro, come molte opere di Mondrian e di quel movimento artistico, è una rappresentazione di semplicità e sistemazione ottimale. Mondrian infatti credeva che attraverso la sua arte astratta avrebbe potuto trasmettere l’equilibrio e il senso dell’ordine che sono alle fondamenta della realtà. Questo quadro è l’opera successiva di un’altra, intitolata “New York City I” in cui la tecnica usata era quella di colorare strisce di carta e attaccarle alla tela. Quest’ultimo dipinto fu appeso al contrario per molto tempo.

AMANDA GABRIELLI MARAIA

GIULIO LI GRECI

un’espressione seria e determinata sottolineata dai capelli raccolti sul capo con un’acconciatura sobria.

A chiamarlo “ritratto con la riga verde” furono Michael e Sara Stein, i primi proprietari dell’opera, per la decisa striscia verde che separa il volto in due parti e sottolinea lo spigolo del naso

In tutto il dipinto sono utilizzati colori forti con contrasti tipici del movimento Fauve. La Forza delle pennellate costituita da colore puro cambia gli elementi del volto; i capelli nero blu della signora Amelie Matisse moglie del pittore, trasformano il suo chignon in un bellissimo diadema. Con quest’opera, il pittore francese cercò di sintetizzare ed esprimere la psicologia della moglie, dando meno importanza al suo aspetto fisico reale.

ENRICO MENEGHINI

SIGNIFICATO

La scelta del suggestivo titolo dell’opera riguarda le Muse, personaggi della mitologia greca con il compito di proteggere le arti.

De Chirico le definisce “inquietanti” poiché la realtà concepita dall’artista è diversa dalla nostra, in questo mondo le Muse non devono più fornire l’ispirazione all’artista, ma devono guidarci e portarci oltre le apparenze per farci scoprire la realtà vuota e priva di vita, un’eternità immobile e priva di spiegazione, riconducibile in un certo senso alla morte. Inquietanti, perché ci suggeriscono di andare oltre le apparenze e dialogare col mistero.

L’enigma, la suggestione, lo spaesamento, sono i veri protagonisti dell’opera. SOGGETTO

Due manichini e una statua classica sono collocati su una piazza in prospettiva. Sullo sfondo stanno il Castello d’Este di Ferrara e una fabbrica.

L’artista ha scelto Ferrara per lo sfondo del suo capolavoro perché la considera una città caratterizzata da un’eccellente struttura urbanistica ed architettonica e ama la geometria che la compone.

Un’atmosfera angosciante e misteriosa avvolge la grande piazza senza tempo e priva di vita raffigurata nel dipinto come un palcoscenico teatrale. Infatti il pavimento non è costituito da una tradizionale pavimentazione, come dei classici sanpietrini, ma da assi di legno disposte ortogonalmente al bordo orizzontale del dipinto, con l’effetto di un palcoscenico inclinato verso il pubblico e rialzato verso il fondo, dove appare il Castello Estense, mentre sul lato sinistro dell’opera è raffigurata una fabbrica con due grandi ciminiere in mattone; le due strutture creano un forte e stridente contrastofra antico e moderno, tra passato e presente, e sono entrambe disabitate e abbandonate, nel castello non appaiono stanze illuminate da candele o quant’altro e le ciminiere della fabbrica non emettono fumo.

Nella visione prospettica, l’opera è divisibile in due parti: nella sezione inferiore, dove si trovano i manichini, la scena è caratterizzata dall’uso di una prospettiva alta, come se il nostro punto di vista fosse più alto rispetto a ciò che stiamo guardando.

Nella sezione superiore dell’opera, quella con il castello,invece , il punto di vista utilizzato è diverso rispetto al precedente, è più basso. Nella scelta di utilizzare una doppia prospettiva.

Il protagonista in primo piano a sinistra, è una strana figura composta da un basamento circolare, il fusto di una colonna, un busto scolpito e coperto da una tunica, e la testa di un manichino da sartoria. Indossa una veste all’antica che nella parte inferiore cade formando delle linee verticali che ricordano le scanalature di una classica colonna greca, di stile ionico. È Melpomene, la Musa della tragedia.

A destra,si trova un’altra figura seduta. L’abito scende a terra formando quattro pieghe volumetriche che richiamano il fusto della colonna di sinistra. Le parti che rappresentano le braccia, poi, sono unite sulle gambe e sembrano conserte. Il torace è aperto e mostra un’apertura scura, mentre al posto del volto vi è un pomello di un manichino, le impunture tratteggiate lungo la struttura indicano che si tratta di uno strumento da sartoria. Ha la testa smontata e appoggiata accanto a se che evoca una delle maschere africane in voga nella Parigi del ‘900. Rimanda alle figure arcaiche delle madri etrusche e romane con le braccia raccolte sul ventre. Questa è Talia, la Musa della commedia.

A terra si trovano degli oggetti, una scatola colorata e decorata con dei triangoli simile a quelle usate per vendere dolciumi, e, tra i due manichini, un palo infisso nel palco che sembra un bastoncino di zucchero.

In secondo piano, più arretrata si può osservare una terza statua, in ombra, con fattezze umane, ma con la stessa testa arrotondata, che rappresenta un’antica statua di Apollo, il dio greco, capo delle Muse.

Bloccate, nel silenzio di questa piazza così ampia e profonda, con quell’improbabile panorama formato dal castello, simbolo di un passato glorioso ma irrimediabilmente perduto, e dalle ciminiere in disuso, squallidi simboli di modernità, queste muse sono immobili, come fossero in un palco vuoto che non attende pubblico.

I colori utilizzati nel dipinto sono caldi, accesi, intensi. Domina l’arancione ocra del palcoscenico, che viene utilizzato più saturo sul castello Estense, nella testa del manichino di sinistra, e sulla maschera tribale. Anche le ciminiere della fabbrica hanno un tono marrone tendente all’arancio. Il blu dalla tonalità forte che colora la scatola su cui è seduto un manichino,essendo complementare all’arancio, risulta molto evidente, e forse quello che spicca maggiormente per vivacità all’interno del dipinto. La scatola in primo piano, disegnata obliquamente, possiede due triangoli, nuovamente in contrasto di complementari, il verde e il rosso, mentre il giallonella sezione superiore è la parte più luminosa del dipinto.

La luce, netta e intensa, come in tutte le opere metafisiche, proviene da destra e determina profonde ombre ritagliate sul palcoscenico verso sinistra.

Gli indicatori spaziali e di profondità utilizzati, parzialmente, in modo incoerente, creano l’impressione di irrealtà e quindi di inquietudine metafisica. Ogni cosa appare irreale in questo ambiente onirico, dove tutto é immobile e dove non si scorge presenza umana.

RICCARDO MUSOLA

I fiori, dipinti con pennellate corpose e decise, hanno un aspetto quasi tridimensionale. Ogni petalo è sfumato con tonalità di bianco, crema e rosa pallido, mentre i boccioli aggiungono tocchi di verde e rosato. I rami marroni, con sfumature di verde e grigio, attraversano la tela con un movimento fluido, conferendo un senso di vitalità e rinascita

Simbolismo e Significato: Van Gogh dipinse quest’opera come regalo per celebrare la nascita del nipote, Vincent Willem, figlio di suo fratello Theo. Il mandorlo, che fiorisce precocemente alla fine dell’inverno, simboleggia la vita, la rinascita e la speranza. La

scelta di rappresentare un ramo carico di fiori in piena fioritura riflette un messaggio di ottimismo e gioia.

Tecnica e Influenze: La tecnica utilizzata da Van Gogh in “Ramo di mandorlo in fiore” mostra la sua caratteristica pennellata vibrante e materica. L’influenza delle stampe giapponesi ukiyo-e è evidente nella composizione ravvicinata e nella prospettiva piatta, con i rami che sembrano fluttuare liberamente nello spazio. Non ci sono elementi di sfondo che distraggano lo sguardo: l’attenzione è interamente concentrata sulla bellezza semplice e pura dei fiori.

Conclusione: “Ramo di mandorlo in fiore” è una celebrazione della vita, un’ode alla natura e alla rinascita. Con la sua delicatezza cromatica e la vivacità della composizione, il dipinto trasmette serenità e meraviglia, rimanendo una delle opere più amate e rappresentative di Van Gogh.

UMBERTO MARIA PENNICA ARVEDI

di 24 centimetri ed è sormontato dal collo con il beccuccio. Infine è munito di un manico circolare posto sul retro.

ANNIE PEZZO

La condizione umana è il nome di due dipinti surrealisti del pittore belga René Magritte, il primo venne eseguito nel 1933, mentre il secondo risale al 1935. Entrambi i quadri appartengono alla serie del "quadro nel quadro", in cui Magritte gioca sulla percezione della realtà dando differenti punti di vista ed evoca un confine sottile, quasi indefinito, tra ciò che è reale e quello che ne è la sua percezione.

In questa opera, a differenza degli altri artisti surrealisti, Magritte abbandona la tendenza di dipingere il mondo dei sogni, rappresenta bensì il mistero che si cela nel quotidiano, in questo caso ciò che c'è al di là del quadro e che non possiamo vedere.

La prima impressione che si ha è che il panorama oltre la finestra sia reale in quanto rappresentato nel dipinto che stiamo osservando, ma dopo un ulteriore osservazione ci si rende conto che anch'esso è finzione poiché fa parte della tela nel dipinto.

Magritte ci propone una riflessione sul concetto di realtà suggerendo che ciò che vediamo potrebbe non essere mai la completa verità. La tela che copre parte del paesaggio potrebbe rappresentare i limiti della nostra comprensione e la difficoltà di cogliere la realtà in modo assoluto.

L’artista al linguaggio raffinato e iperrealista del dipinto, affianca uno stile molto semplice con un disegno elementare, con una gamma di colori limitata e un'illuminazione diffusa, affinché l'osservatore si concentri esclusivamente sul soggetto rappresentato riflettendo sui suoi molteplici significati.

In conclusione il dipinto non é solo un’illusione visiva, ma una riflessione più profonda che ci porta a vedere il mondo da un'altra prospettiva, interrogandoci sui limiti del nostro sapere e sulla complessità della condizione umana.

GIORGIA PITTANA

Questo quadro è conservato a New York presso il Salomon R. Guggenheim Museum; la sua composizone bidimensionale (140,3cm x 140,7cm) raffigura un grande cerchio tra la destra e il centro circondato da un alone chiaro, gli altri cerchi sono posizionati lungo le diagonali dell’opera. Lo sfondo scuro evidenzia i colori delle forme, le quali sono spesso sovrapposte tra loro. Richiama l’astrattismo e gli è stata data un’interpretazione: i cerchi colorati rappresenterebbero pianeti i quali fluttuano nello spazio, che sembrano rispettare le leggi dell’attrazione gravitazionale; gli aloni coi cerchi scuri invece, dovrebbero raffigurare eclissi lunari.

Kandinsky con questo vuole evidenziare l’importanza che il cerchio ha nella sua visione, sia estetica, che spirituale, si dice infatti: “il cerchio è la sintesi delle maggiori opposizioni. Unisce il concentrico e l’eccentrico in una forma di equilibrio”. La sua frase più celebre rimane però: “ l’arte oltrepassa i limiti nei quali il tempo vorrebbe comprimerla, e indica il contenuto del futuro”.

LUCREZIA RUDELLA

simbolo del cubismo sintetico.

Tecniche come il collage ,tipiche della suddetta corrente pittorica, sono chiaramente visibili nel dipinto che allo stesso tempo subisce una marcata scomposizione in zone geometriche differenziate prevalentemente dall'uso del colore.

I soggetti dell'opera sono riconducibili a tre maschere carnevalesche: Arlecchino al centro, Pulcinella sinistra e Pantalone a destra. Ciò mostra chiaramente il legame di Picasso con l'italia con la quale entrò in contatto durante il suo viaggio tra Roma e Napoli.

È inoltre importante sottolineare la visione fortemente bidimensionale dei soggetti dell'opera( Intenti nell'arte del canto al suono degli strumenti), La concezione dello spazio è tuttavia contraddittoria in quanto la parete di sinistra appare innaturalmente più lunga rispetto a quella di destra.

L'opera, un olio su tela nel quale i colori piatti sono distesi su ampie porzioni del dipinto, possiede imponenti dimensioni, ben 200,7x222,9cm ,attualmente custodita al museum of modern arte di New York.

LORENZO SARTORI

INTRODUZIONE:

Quest'opera è un manifesto pubblicitario realizzato dall' artista futurista Fortunato Depero, nato a Fondo (Rovereto) il 30 marzo 1892 e morto il 29 novembre 1960 a Rovereto.

Descrizione:

L'immagine raffigura una figura antropomorfa stilizzata, composte da forme geometriche colorate.

Questa figura che secondo alcuni raffigura un cameriere che serve un aperitivo Campari, invece altri sostengono che sia una persona che beve il Campari. La figura è costruita con forme geometriche semplici: una rettangolo giallo per il corpo, triangoli rossi per le braccia e un semicerchio bianco per il vassoio. La testa è rappresentata da un quadrato verde con un occhio circolare.

I colori utilizzati sono vivaci e contrastanti, tipici dello stile futurista: giallo, rooso, verde, blu e bianco. Questi colori catturano l'attenzione e comunicano energia e dinamismo.

La figura tiene in mano un vassoio con un bicchiere di Campari, rappresentato da un cerchio blu e una cannuccia rossa.

In basso, la scritta “Campari” è realizzata con caratteri tipografici, in sintonia con lo stile dell' immagine.

Stile:

L'opera è un esempio significativo del futurismo, un movimento artistico italiano del primo novecento. Le caratteristiche futuriste presenti sono la geometrizzazione delle forme, difatti, le figure e gli oggetti sono ridotti ai minimi essenziali.

Come già citato in precedenza, nonostante la figura statica, la composizione suggerisce movimento e dinamismo.

L'opera presenta l'uso di colori vivaci e contrastanti, che è caratteristico dell'estetica futurista.

L'opera celebra la modernità e l' indusrializzazione, temi centrali del futurismo.

Il manifesto pubblicitario è un genere molto apprezzato dai futuristi per la sua capacità di comunicare messaggi in modo diretto ed efficace.

Contesto:

Fortunato Depero è stato uno dei principali esponenti del futurismo.

La sua collaborazione con Campari è stata lunga e proficus, portandolo a fare un viaggio negli USA nel 1928, i suoi manifesti pubblicitari hanno contribuito a creare un' immagine moderna e dinamica del marchio.

In sintesi, quest' opera è un manifesto pubblicitario iconico, realizzato con uno stile futurista distntivo.

La sua combinazione di forme geometriche, colori vivaci e caratteri tipografici moderni lo rende un' opera d'arte ancora oggi apprezzata per la sua originalità e il suo impatto visivo

Emanuele Serratore

Titolo:Monaco in riva al mare

Anno:tra il  1808 e il 1810

Tecnica:Olio su tela

Ubicazione:Alte Nationalgalerie di Berlino

“Monaco in riva al mare” (in tedesco “Der Mönch am Meer”) é un quadro 110 x 171,5 cm realizzato tra il 1808 e il 1810 con la tecnica dell’olio su tela da Caspar David Friedrich. Nato nel 1774 Greifswald e morto nel 1840 Dresda è considerato il pittore più significativo del Romanticismo tedesco. Nel dipinto, in primo piano si coglie una spiaggia deserta sulla quale a sinistra si vede la figura di un monaco fermo e rivolto verso il mare. Al centro invece il mare buio è appena illuminato da qualche bagliore di onde ed è sovrastato da un cielo denso di nuvole scure. Il monaco è riconoscibile dalla ascetica e lunga tonaca scura che indossa. Attualmente l’opera è conservata ed esposta al Alte Nationalgalerie di Berlino.

Francesco Albertini

Titolo:Parlamento di Londra

Data:1904

Tecnica:Olio su tela

Ubicazione:Musèe Marmottan Monet, Parigi

L’opera fa parte di una serie di dipinti che Monet realizzò durante un soggiorno a Londra nel 1904.Il dipinto rappresenta l’edificio del Parlamento di Londra, avvolto nella nebbia e nella luce crepuscolare.

Il quadro è misura 81 x 92cm ed è stato realizzato con la tecnica dell’olio su tela.Lo stile è tipicamente impressionista, con pennellate rapidi e colori sfumati. Il grigio-blu è il colore dominante, che conferisce all’opera un’atmosfera fredda e umida.

Il dipinto è considerato uno dei capolavori di Monet e fa parte della collezione permanente del Musèe Marmattan Monet di Parigi.

Camilla Baraldini

Titolo: Coca Cola (3)

Data: 1962

Tecnica: pittura acrilica; serigrafia; matita di graffite su tela

Ubicazione: New York City, Whitney Museum of American Art

Questa è una riproduzione in stile falso d'autore, realizzata con la tecnica dell'acrilico su tela, che rappresenta una bottiglia di Coca-Cola, simbolo di un prodotto di consumo globale.

L'opera si ispira all'arte di Andy Warhol, che ha esplorato il consumismo e la cultura popolare, focalizzandosi sulla ripetizione e l'industrializzazione come temi centrali.

La rappresentazione continua della Coca-Cola, da parte dell'artista, enfatizza il concetto di massificazione e invita il pubblico a riflettere sulla produzione in serie, secondo cui l'oggetto perde la sua unicità per diventare parte di un sistema di consumi globali.

La serialità delle immagini suggerisce come l'industria e la pubblicità siano in grado di costruire icone globali, amplificando l'idea che tutto può essere prodotto in massa e distribuito su scala mondiale.

Inoltre, l'uso della tecnica della serigrafia, un processo che implica la ripetizione e la moltiplicazione dell'immagine, sottolinea l'aspetto meccanico e industriale della sua produzione artistica, riflettendo il parallelismo tra l'arte e l'industria.

Questa tecnica di produzione seriale trasforma l'opera in un potente mezzo di relazione tra arte, economia e società.

Warhol è il primo artista che non si limita a celebrare l'oggetto, ma lo usa come strumento per interrogare il pubblico sulla modernità e sul consumismo nella nostra visione del mondo.

Elena Bellini

Autore: Claude Monet

Titolo:Nifee

Data: 1916

Tecnica:Olio su tela

Ubicazione:Museo Nazionale di Arte Occidentale di Tokyo

Dimensioni:2m x 2m

L’opera di Claude Monet intitolata "Ninfee", realizzata nel 1916, è una delle tante che fanno parte della celebre serie che l’artista ha dedicato alle sue amate ninfee nel giardino di Giverny, in Francia. Con una dimensione di 2x2 metri, ubicata al Museo Nazionale di Arte Occidentale di Tokyo, quest’opera si distingue non solo per la sua grandezza ma anche per il suo significato profondo, che si lega a un momento particolarmente delicato della vita di Monet.

Le ninfee, con la loro bellezza delicata e l’acqua tranquilla che le circondava, divennero per Monet un simbolo di serenità e una fonte di ispirazione per esprimere la sua emozione interiore. L’opera è caratterizzata da pennellate rapide e fluide, tipiche dello stile impressionista che Monet aveva contribuito a sviluppare. Le tonalità di blu, verde, rosa e bianco si mescolano sulla superficie dell’acqua, creando un effetto di riflessi che sembra dissolvere ogni confine tra la realtà e la pittura stessa. È creata un’atmosfera sospesa e senza tempo. In questo senso, Monet si allontana dalla rappresentazione realistica, preferendo restituire un’impressione visiva di come l’acqua e le piante si muovano e si riflettano. La grandezza dell’opera aiuta a enfatizzare il senso di serenità e contemplazione che l'artista cercava di comunicare. Ogni dettaglio sembra evocare la tranquillità, ma anche la profondità emotiva che Monet viveva in quel periodo. 3. Dimensioni e prospettiva: Le dimensioni di 2 x 2 metri consentono all'artista di creare una composizione che riempie l'intero spazio, offrendo una sensazione di immersione. Non si vede un orizzonte definito, ma una superficie che sembra estendersi all'infinito, creando una sensazione di continuità e di immersione totale nella natura. Quest’opera fa parte di una serie più ampia di quadri che si estende su un decennio, tra il 1916 e 1926. Questi lavori sono considerati un punto di svolta nell'arte moderna, anticipando l'astrazione che si svilupperà più tardi nel 20° secolo. Monet gioca con la luce, il colore e la forma, spesso riducendo il soggetto a pochi tratti essenziali, spingendosi verso un'espressione più emotiva e viscerale.

Caterina Bricolo

Titolo:La Montagna Sainte-Victoire

Data:1902-1904

Tecnica:olio su tela

Dimensioni:73x91,9 cm

Ubicazione:Philadelphia,Museum of Art

Descrizione: La Montagna Sainte-Victoire di Paul Cézanne,conservata al Philadelphia Museum of Art,è una delle numerose versioni in cui l’artista analizza la struttura e la luce del celebre massiccio montuoso vicino ad Aix-en-Provence,soggetto centrale della sua ricerca pittorica.In questa variante,Cézanne utilizza pennellate brevi e sovrapposte,costruendo il paesaggio attraverso una fitta tessitura cromatica che dissolve i contorni netti a favore di un equilibrio tra forma e colore.La pianura si estende fino ai piedi della Montagna Sainte-Victoire.Il rilievo viene rappresentato dal basso e osservato da lontano,in modo che il panorama possa sempre avere,come assoluta protagonista, la luminosità della cima.L’osservatore viene così posto ai limiti estremi della valle,dinnanzi a una fila di alberi e cespugli che copre parzialmente il borgo costruito sulle pendici del monte.I tetti spioventi delle piccole case, insieme allo sperone del monte alto sull’orizzonte e rivolto verso destra,creano un efficace gioco  di geometrie capace di dare movimento all’intera raffigurazione.L’opera riflette la ricerca sulla percezione visiva e sulla costruzione della forma attraverso il colore di Cézanne.L’artista non dipinge la montagna in un singolo  istante,ma ne cattura la presenza in una visione in divenire,anticipando la frammentazione analitica del cubismo.Con questa tela dalle variegate tonalità,Cézanne porta avanti la sua ambizione di”fare dell’impressionismo qualcosa di solido e duraturo”.

Arianna Caliman

Titolo: Composition A; Composizione con nero, rosso, grigio, giallo e blu

Anno: 1919-1920

Tecnica: Olio su tela

Dimensioni: 91,5 x 92 cm

Ubicazione: Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma

Descrizione: L’opera rappresenta l’avvicinamento di Mondrian alle teorie di scomposizione cubiste, è infatti il primo dipinto neoplastico realizzato dal pittore olandese e costituisce un passaggio da un’arte figurativa all’astrattismo. Sono visibili spesse linee rette nere che creano campiture colorate incrociandosi ortogonalmente, la ricerca si concentra sui colori primari e si sviluppa poi in strutture più complesse. Il pittore era intenzionato a realizzare un’opera priva di rappresentazione figurativa e attraverso un processo ha portato dalla figurazione all’astrazione. Mondrian ha portato a compimento un dipinto geometrico-astratto composto da caratteristiche linee orizzontali e verticali e campiture di colore primario e non solo. Con la realizzazione di Composition A il pittore vuole trasmettere un ideale di equilibrio compositivo, la forma si riconduce alla verità primaria dei colori fondamentali e della linea retta raggiungendo l’equilibrio attraverso un rigoroso calcolo di rapporti: ciò costituisce i fondamenti della bellezza.

Sofia Cardone

Ubicazione: Panathenaic di Atene

Data:V sec. a.C. 

Anfora (dal greco amphorèus) greca: forma ceramica greca decorata, caratterizzata da un corpo rastremato inferiormente, con collo più stretto e due anse impostate sul collo e sulla spalla 

È un vaso di terracotta a due manici, definiti anse, di forma affusolata utilizzato nell'antichità per il trasporto di derrate alimentari liquide o semiliquide, come vino, olio, salse di pesce, conserve di frutta, miele.

L’ancora aveva un fondo piatto che permetteva ad essa di sostenersi. Era destinata a contenere liquidi o granaglie ed in alcuni periodi furono destinate ai rituali di sepoltura.

Jacopo Castorina

Autore:Alberto Giacometti

Titolo:L’uomo che cammina

Data:1960

Tecnica: Opera in bronzo

Ubicazione:Museum Of Modern Art a New York

“L’uomo che cammina” di Alberto Giacometti, realizzato nel 1960, è una delle sculture più iconiche del modernismo e dell’arte del XX secolo. Quest’opera in bronzo, alta 183 cm, raffigura una figura estremamente allungata e stilizzata, in un movimento continuo. L’essenzialità della forma, con il corpo esile e le superfici grezze, è una caratteristica distintiva dello stile di Giacometti, che mirava a catturare la fragilità e la solitudine dell’essere umano nel mondo moderno.

Questa scultura in bronzo rappresenta una figura che cammina in avanti con determinazione, gli arti sottili e il tronco di dimensioni ridotteindicano fragilità e vulnerabilità.

Questo contrasto tra movimento e fragilità simboleggia la condizione umana.

Nonostante la sua apparente semplicità, L’uomo che cammina è il risultato di un lungo percorso artistico di Giacometti, che cercava di rappresentare la presenza umana nel modo più essenziale possibile. L’opera è oggi conservata al Museum of Modern Art di New York, dove continua a essere una delle sculture più ammirate. La sua potenza espressiva e il suo linguaggio universale ne fanno un simbolo senza tempo della condizione umana.

Linda Cunico

Stati d’animo è un trittico di dipinti a olio su tela di Umberto Boccioni realizzati nel 1911 e conservati al Museo del Novecento a Milano. Le opere della serie sono ambientate all’interno di una stazione ferroviaria considerata dall’artista come un luogo di incroci di esperienze umane. È rappresentativo dell’evoluzione della pittura futurista dell’artista. Ci sono due versioni del trittico: la prima del 1911 (conservata a Milano e in stile divisionista) e la seconda del 1912 (conservata al MOMA a New York, in stile cubista ed espressionista). 

La prima versione corrisponde maggiormente all’idea di Boccioni, il quale teorizzava l’uso dei componenti del linguaggio pittorico finalizzato all’astrazione psicologica, ovvero cercare di tradurre sentimenti e sensazioni attraverso il segno e il colore. I quadri oggettivamente non rappresentano una partenza come evento concreto, ma si propongono come trascrizione della sensibilità dell'artista e si confrontano con le modulazioni sentimentali legate al tema degli addii.

Sotto i primi schizzi dell'opera sugli Stati d'animo, Boccioni aveva annotato “forse” sotto il riquadro dedicato alla sensazione di chi parte; “senza” sotto quello sulla malinconia di chi resta e “ancora” sotto al riquadro del tema degli addii. 

U. Boccioni, Gli addii – Stati d’animo I, 1911, olio su tela, Museo del Novecento, Milano

Il dipinto descriverebbe le sensazioni riscontrabili in una stazione ferroviaria moderna, suggerendo i sentimenti dei viaggiatori e di chi li vede partire. Possiamo notare al centro della tela l’abbraccio di due figure appena abbozzate, viste dall’alto, un gesto ripetuto da altre coppie più decentrate. Grazie alle pennellate vorticose e lo spessore cromatico, riesce a rendere l’agitazione e i gesti di richiamo e fretta di che sta partendo e il flusso emotivo delle figure abbracciate.

Matilde Farronato

Titolo:Taurocatapsia

Data:1500-1600 a.C

Tecnica: affresco(arte murale) 

Ubicazione: Museo Archeologico di Heraklion

Nell' affresco è rappresentato il gioco del toro, animale molto importante per la civiltà minoica.

Vi sono tre atleti che  compiono evoluzioni sull’animale, ma il centro focale dell' opera è lo sguardo del toro.

Il primo atleta partendo da destra sta avvicinando a sé il toro L' atleta al centro dell' affresco, invece sta facendo il doppio salto mortale, quello più a sinistra sta tenendo le corna del toro.

La tecnica utilizzata è quella dell' arte murale usata spesso in quegli anni per mostrare figure in movimento.  

Filippo Fedrigoni

Data:1915

Dimensioni:66 x 53.3cm

Tecnica:Pittura al olio

Amedeo Modigliani fu un pittore è uno scultore italiano, celebre per i suoi ritratti dai volti stilizzati e dai colli allungati.

Nato a Livorno nel 1906 si trasferì a Parigi, dove sviluppò uno stile unico.Qui, nel 1915 dipinse un uomo con appunto queste nuove caratteristiche pittoriche che aveva intrapreso. La tela originaria misura 66 x 53.3 cm ed è stata pitturata ad olio

Vittoria Ferroli

Titoli:Giustiniano e il suo seguito, Teodora e la sua corte, Croce dorata con cielo stellato (particolari)

Anno:532-547 d.C.

Tecnica:Mosaico

Ubicazioni: Basilica di San Vitale, Mausoleo di Galla Placidia

Il trittico, di cui sono proposti tre scenografici particolari, rappresenta il fior fiore della produzione musiva Ravennate d’epoca Bizantina.

Nelle tre opere vengono rappresentati l’Imperatore Giustiniano e la moglie, l’imperatrice Teodora. Completa il tutto una croce con cielo stellato, proveniente dal Mausoleo di Galla Placidia, a Ravenna.

L’imperatore Giustiniano è raffigurato come un giovane uomo, con una folta chioma di capelli corvini e due occhi penetranti; egli indossa i paramenti e le vesti da sovrano e sul suo capo porta la corona da Imperatore Bizantino.

L’imperatrice Teodora viene invece raffigurata con sguardo serio ma calmo, infondendo nell’osservatore un senso di calma autorità e compostezza. Di notevole bellezza è l’apparato di gioielli con cui Teodora viene raffigurata, in cui è impossibile non notare i disegni composti dalle raffinate perle.

Entrambi i membri della coppia imperiale sono raffigurati su sfondo dorato con l’aureola, simbolo di fede e venerazione.

Infine, la scena è completata dalla croce dorata -simbolo di fede- circondata dalle stelle su sfondo blu acceso.

Questo elemento rende il trittico ancora più armonioso e gli conferisce un’aura di solenne sacralità.

Alessia Volpe, Alessia Ficeli e Alessandro Pomari

Titolo:Ragazza con il fiocco ai capelli

Data:1965

Tecnica:Olio su tela e “Magna”

Ubicazione:Museo d’Arte Contemporanea di Tokyo

Dimensioni:121,9cm x 121,9cm

La ragazza con il fiocco ai capelli (Girl with Hair Ribbon)_ è un dipinto di Roy Lichtenstein realizzato nel 1965 utilizzando la pittura ad olio e “Magna”. L’artista si è sicuramente ispirato ai fumetti degli anni ‘50 e ‘60. La ragazza con il fiocco ai capelli non è il ritratto di una persona reale, ma un'icona senza tempo della bellezza femminile secondo gli standard della pubblicità e della società americana. L'artista si è concentrato sui dettagli del suo viso, aumentandone le proporzioni e colorandolo con i suoi iconici puntini Ben-Day, una tecnica simile ai giornali, riprodotta a mano. Il risultato è un dipinto vivido e originale, che attira l’attenzione degli spettatori. La sua espressione non è casuale: nonostante il suo aspetto impeccabile, la ragazza sembra totalmente a disagio e ingannata. Lichtenstein ha scelto il suo sguardo pensieroso e insistente, e così facendo ha ritratto non solo la femminilità stereotipata degli anni '60, ma anche la pressione dell'essere donna a quei tempi. La Ragazza con il fiocco ai capelli non soffre esplicitamente per la sua limitata condizione sociale come altre ragazze piangenti della Pop Art, ma fissa, malinconica, lo spettatore.

Nicole Forte

Titolo:Biscotti Unica Torino

Data:intorno al 1927

Fortunato Rovereto Depero, nato il 30 Marzo nel 1892 e morto il 29 Novembre nel 1960, è stato un'artista, scultore, pittore, illustratore, scenografo e costumista italiano. Famoso soprattutto in ambito pubblicitario, sponsorizzando vari prodotti.

Questa è una un’opera stampata di Fortunato Rovereto Depero, dove sponsorizza una marca di biscotti, I Biscotti Unica Torino. Creata intorno al 1927 circa.

Depero dipingeva dapprima schizzi realizzati in seguito con materiali poveri (fili metallici, vetri, cartoni, carte veline), realizzati anche con meccanismi capaci di farli muovere, poiché icomplessi plastici muovono dalle teorie espresse nel manifesto.Poi si immerge nella moda e inizia a usare tessuti stampati dell’optical art, basati su reticoli geometrici bianchi e neri.

Anna Grigolato

Anno:1915

Dimensioni: 79,5 x 79,5 cm 

Tecnica: Olio su tela 

Ubicazione: Galleria Tretjakov, Mosca.

Tutte e tre sono le opere legate al Suprematismo, il movimento artistico che il pittore russo fondò e che si concentrava sull'astrazione geometrica e sull'idea di ridurre l'arte a forme universali, senza alcun riferimento al mondo naturale. 

In questi dipinti, Malevich presenta tre forme fondamentali: un quadrato, un cerchio e una croce nera. Il quadrato,  spesso interpretato come simbolo di stabilità, Il cerchio, che potrebbeessere visto come simbolo di perfezione e infinito, la croce nera appare come un elemento di oscurità, che potrebbe alludere a conflitti come la Rivoluzione russa presente in queglianni.

Malevich cercava di esplorare un nuovo linguaggio espresso attraverso la geometria. 

Le opere potrebbero essere una meditazione sulla percezione del mondo, in cui le forme geometriche, pur essendo astratte, possiedono vari significati. Malevich cercava di superare la classica pittura tradizionale, portando l’osservatore a indagare e riflettere sul significato del dipinto.

Benedetta Malpassi

Anno: 1915

Dimensioni: 79,5 x 79,5

Tecnica: olio su tela 

Ubicazione: Museo San Pietro Burgo

Tutte e tre sono le opere legate al Suprematismo, il movimento artistico che il pittore russo fondò e che si concentrava sull'astrazione geometrica e sull'idea di ridurre l'arte a forme universali, senza alcun riferimento al mondo naturale. 

In questi dipinti, Malevich presenta tre forme fondamentali: un quadrato, un cerchio e una croce nera. Il quadrato,  spesso interpretato come simbolo di stabilità, Il cerchio, che potrebbeessere visto come simbolo di perfezione e infinito, la croce nera appare come un elemento di oscurità, che potrebbe alludere a conflitti come la Rivoluzione russa presente in queglianni.

Malevich cercava di esplorare un nuovo linguaggio espresso attraverso la geometria. 

Le opere potrebbero essere una meditazione sulla percezione del mondo, in cui le forme geometriche, pur essendo astratte, possiedono vari significati. Malevich cercava di superare la classica pittura tradizionale, portando l’osservatore a indagare e riflettere sul significato del dipinto.

Benedetta Malpassi

Anno:1915

Dimensioni:79,5 x 79,5 cm

Tecnica: olio su tela

Ubicazione : Museo Russo,San Pietroburgo

Tutte e tre sono le opere legate al Suprematismo, il movimento artistico che il pittore russo fondò e che si concentrava sull'astrazione geometrica e sull'idea di ridurre l'arte a forme universali, senza alcun riferimento al mondo naturale. 

In questi dipinti, Malevich presenta tre forme fondamentali: un quadrato, un cerchio e una croce nera. Il quadrato,  spesso interpretato come simbolo di stabilità, Il cerchio, che potrebbeessere visto come simbolo di perfezione e infinito, la croce nera appare come un elemento di oscurità, che potrebbe alludere a conflitti come la Rivoluzione russa presente in queglianni.

Malevich cercava di esplorare un nuovo linguaggio espresso attraverso la geometria. 

Le opere potrebbero essere una meditazione sulla percezione del mondo, in cui le forme geometriche, pur essendo astratte, possiedono vari significati. Malevich cercava di superare la classica pittura tradizionale, portando l’osservatore a indagare e riflettere sul significato del dipinto.

Benedetta Malpassi

Titolo: Notte Stellata

Data: 1889

Tecnica: Olio su tela

Ubicazione: Museum Of Modern Art of New York (MoMA).

Descrizione:

La Notte stellata è un dipinto post-impressionistico molto famoso di Van Gogh, in cui l’artista esprime le sue emozioni attraverso un paesaggio notturno. Realizzato nel 1889 durante il suo soggiorno nel manicomio di Saint-Rémy, il quadro non mostra semplicemente ciò che si vede dalla finestra, ma lo trasforma in una visione soggettiva e onirica. Van Gogh usa pennellate spesse e dinamiche per creare un cielo pieno di movimento, dove le stelle sembrano ruotare in vortici e la luna emana una luce arancione. A sinistra, un alto cipresso domina la scena, fungendo da ponte tra il cielo e la terra e simboleggiando il legame tra vita e morte. Sullo sfondo, un piccolo villaggio, con case basse e un campanile appuntito, si perde nell’immensità della notte. A destra, le colline degli Alpilles aggiungono profondità e richiamano la natura vibrante del paesaggio meridionale francese. I colori forti, come il blu profondo del cielo e il giallo brillante delle stelle, creano un contrasto che accentua il senso di inquietudine e solitudine dell’artista. In questo dipinto, Van Gogh riesce a far sentire lo spettatore la sua personale visione del mondo, fatta di sogni, timori e una continua ricerca di bellezza, anche nei momenti più oscuri.

Le linee oblique simboleggiano la partenza del treno e le emozioni di chi parte. Sullo sfondo, delle case e i volti di alcune persone, somiglianti a riflessi, emergono dal caos, cercando di esaltare l’angoscia dello spostamento e l’eccitazione del nuovo. La tela adotta una tessitura segnica direzionata diagonalmente, componendo un tratteggio dinamico di segmenti lineari con colori vibranti.

Francesca Marchisio

Le Chat Noir è un manifesto Teophile Alexander Steinlen (1859-1953) stampato nel 1896. L'autore è stato un pittore e incisore svizzero, conosciuto principalmente per le sue litografie, ovvero delle tecniche di stampa chimico-fisiche. Il manifesto venne creato come pubblicità di un celebre locale adibito a spettacoli di teatro d’ombre e cabaret di Montmartre, a Parigi.  Il teatro delle ombre de Le Chat noir consisteva in uno spettacolo con immagini animate, con lastre di zinco poste tra uno schermo e una fonte luminosa. Un pianista accompagnava musicalmente la scena e un artista commentava l’azione. Oggi l'opera è conservata nel Museo Van Gogh ad Amsterdam. 

Martina Mastrorilli

Titolo: Female Head

Data:1977

Ubicazione:Guggenhaim Museum of New York

È un’opera realizzata nel 1977 che rappresenta un volto femminile in stile fumettistico. Nel dipinto si può notare che l’artista scollega I tratti del viso in tre ritratti

Liechtenstein utilizza il suo caratteristico linguaggio visivo, ispirato ai comics americani, con linee nette, colori piatti e i tipici puntini Ben-Day per creare profondità e texture.I volti delle donne sono stilizzati, con tratti semplici ma espressivi: grandi occhi delineati con precisione, labbra marcate e capelli gialli resi con curve fluide e geometriche. Il ritratto comunica un senso di idealizzazione e artificiosità, tipico dell’estetica pop. Quest’opera è un esempio della ricerca di Lichtenstein sulla percezione visiva e sulla riproduzione dell’arte nel contesto della società moderna, in cui i volti diventano icone anonime, riconoscibili ma prive di individualità reale.

Benedetta Mazzi

L’ultimo e terzo dipinto del trittico è caratterizzato dall’andamento filamentoso del segno, dall’annullamento di corporeità nei volumi e dalla fusione atmosferica tra figure ricurve e sfondo. Tutto ciò, insieme al colore verde delle dense linee verticali, da’ una sensazione di desolazione e sconforto, rappresentando gli stati d’animo di quelli che vedono i propri cari partire.

Vittoria Nicolis

Titolo:Pichet Espagnol

Data:1954

Dimensioni:22.5cm x 12cm x 25cm

Brocca decorativa in ceramica di terracotta bianca, parzialmente incisa, con ingobbio colorato (nero e blu) e smalto all’interno. Eseguita in edizione numerata di 200 esemplari.

Il manufatto rappresenta una figura animata e vivace, molto simile ad un uccello. Sebbene il volto appaia umano, il dettaglio decorativo sui lati, punteggiati da cerchi di colore blu, sembrano assomigliare ad ali. Il resto dell’ingobbio ravviva questa adorabile brocca, conferendole un'immagine stravagante e una somiglianza umoristica con una creatura reale, qualunque essa sia.

Mario Pelosato

Titoli:Giustiniano e il suo seguito, Teodora e la sua corte, Croce dorata con cielo stellato (particolari)

Anno:532-547 d.C.

Tecnica:Mosaico

Ubicazioni: Basilica di San Vitale, Mausoleo di Galla Placidia

Il trittico, di cui sono proposti tre scenografici particolari, rappresenta il fior fiore della produzione musiva Ravennate d’epoca Bizantina.

Nelle tre opere vengono rappresentati l’Imperatore Giustiniano e la moglie, l’imperatrice Teodora. Completa il tutto una croce con cielo stellato, proveniente dal Mausoleo di Galla Placidia, a Ravenna.

L’imperatore Giustiniano è raffigurato come un giovane uomo, con una folta chioma di capelli corvini e due occhi penetranti; egli indossa i paramenti e le vesti da sovrano e sul suo capo porta la corona da Imperatore Bizantino.

L’imperatrice Teodora viene invece raffigurata con sguardo serio ma calmo, infondendo nell’osservatore un senso di calma autorità e compostezza. Di notevole bellezza è l’apparato di gioielli con cui Teodora viene raffigurata, in cui è impossibile non notare i disegni composti dalle raffinate perle.

Entrambi i membri della coppia imperiale sono raffigurati su sfondo dorato con l’aureola, simbolo di fede e venerazione.

Infine, la scena è completata dalla croce dorata -simbolo di fede- circondata dalle stelle su sfondo blu acceso.

Questo elemento rende il trittico ancora più armonioso e gli conferisce un’aura di solenne sacralità.

Alessia Volpe, Alessia Ficeli e Alessandro Pomari

Data: tra il II secolo a.C e il 79 d.C

Data di ritrovamento: 1913

Tecnica: Affresco 

Ubicazione:Pompei

L’ opera è situata all’interno della Casa del Frutteto, in antica domus situata a Pompei.

L’affresco è suddiviso in due parti, in quella superiore troviamo un albero a cui è avvinghiato un serpente e degli uccelli graziosi sopra degli alberi.

Nella parte inferiore possiamo notare due coppe e una sorta di struttura su cui si erge un uccello dorato.

Tutte e tre sono appoggiati su una sorta di mobile che va a occupare gran parte dello spazio.

Lo stile è caratterizzato da colori vivaci e da una grande attenzione ai dettagli naturalistici. 

Infine l'affresco è considerato uno dei più bei esempi di pittura pompeiana.

Pietro Rossi e Leonardo Preve

L'opera "Giallo, rosso, blu" è stata realizzata durante il periodo di Kandinsky in Germania nel momento in cui egli stava sviluppando il suo linguaggio pittorico astratto. Kandinsky, insieme ad altri artisti che pian piano si distaccavano sempre più dalla rappresentazione figurativa come Paul Klee, era membro del Bauhaus, che incoraggiava l'uso della geometria e del colore come elementi fondamentali per l'espressione artistica. Kandinsky, infatti, si è avvicinato sempre di più alla purezza della forma e del colore, liberando la pittura da ogni riferimento figurativo. Inoltre, in questo periodo il suo lavoro riflette un profondo interesse per l'arte come mezzo di espressione spirituale, poiché Kandinsky credeva fermamente che i colori e le forme non dovessero essere solo oggetti estetici, ma potessero anche evocare reazioni emotive e trascendenti. "Giallo, rosso, blu" è una testimonianza della sua ricerca di un linguaggio visivo in grado di raggiungere tutti e capace di andare oltre il rappresentativo e toccare aspetti più profondi della mente umana.

Questo quadro è uno degli esempi più iconici della maturità stilistica di Kandinsky, dove i colori primari giallo, rosso e blu si fondono con forme geometriche e linee curve. L'artista suddivide la tela in sezioni di colore che si intersecano creando un senso di dinamismo e interazione tra i vari elementi. I colori primari, giallo, rosso e blu, riportati anche nel titolo, dominano l'opera, e per Kandinsky ciascuno porta con sé un significato emotivo e simbolico: il giallo è un colore che trasmette energia, tensione e vitalità; il rosso simboleggia passione, intensità e movimento; il blu rappresenta calma, serenità e spiritualità. L’artista però si focalizza non solo sul colore in sé, ma piuttosto all’associazione di uno strumento musicale a ciascuno di essi: ecco che quindi il giallo riporta al suono della tromba, l’azzurro a quello di un flauto, un violoncello e un organo, il rosso a quello di una tuba, il viola a quello di un corno inglese e così via. Oltre ai colori, Kandinsky utilizza un linguaggio composto da linee e figure geometriche che si intrecciano sulla tela, fondamentali per la sua ricerca di ordine e di una realtà astratta che va oltre il mondo visibile. A ciascun colore viene associata la forma che più gli si addice, ovvero il cerchio perfetto per il blu, quadrati per il rosso e rette parallele e curve disposte in modo da formare un profilo stilizzato di un volto per il giallo.

L'opera, rappresentando l’uomo come fusione tra il volto e il pensiero e associando colori e forme in un’armonia perfetta tra equilibrio e dinamica, ha un impatto sulla sfera emotiva enorme, capace di suscitare pensieri e stati d’animo diversi per ciascuno di noi, lasciandoci affascinati.

Caterina Rancan

Titolo opera: Suprematismo

Ubicazione:

Anno: 1915

Tecnica: tempera su tela

Per Suprematismo si intende la supremazia della sensibilità pura nelle arti figurative; i fenomeni della natura oggettiva dal punto di vista dei suprematisti, sono privi di significato; la sensibilità è del tutto indipendente dall’ambiente nel quale è sorta.

Per i suprematisti il valore stabile e/o autentico di un’opera d’arte, di qualsiasi corrente

artistica essa sia, consiste esclusivamente nella sensibilità espressa.

Il naturalismo, il cubismo, ecc., per certi versi non sono nient’altro che metodi dialettici che non determinano affatto il valore specifico dell’opera d’arte. Una rappresentazione oggettiva, cioè in cui l’oggettivo come scopo unico della rappresentazione è qualcosa che non ha niente a che fare con l’arte; l'utilizzo dell’oggettivo in un’opera d’arte non esclude che tale opera sia di altissimo valore artistico. Per il suprematista, però, sarà sempre valido quel mezzo espressivo che consente un’espressione possibilmente piena alla sensibilità come tale, e che è estraneo all’oggettività consueta. L’oggettivo in se stesso è senza significato per il suprematista, e le rappresentazioni della coscienza non hanno valore per lui.

Leonardo Riccio

Artista: Andy Warhol

Data: 1964

Tecnica: Serigrafia su tela

Dimensioni: Variabili, ma spesso presentate in formati quadrati o rettangolari

Flowers è una delle serie più iconiche realizzate da Andy Warhol nel 1964. Composta da una serie di opere che raffigurano fiori stilizzati e colorati, essa sfrutta la tecnica della serigrafia su tela. I fiori, ripetuti in modo sistematico, sono resi con colori brillanti e contrastanti come rosa, giallo, blu e verde. La serie esemplifica l’approccio tipico di Warhol alla ripetizione e alla serialità, temi centrali nel suo lavoro.

La ripetizione dei fiori e l’uso della serigrafia come tecnica sollevano riflessioni sul consumismo e sulla produzione di immagini in serie, argomenti ricorrenti nell’arte di Warhol. Nonostante i fiori rappresentino un’immagine di bellezza naturale, l’artista li trasforma in oggetti ripetitivi, quasi in un prodotto visivo, rendendoli analoghi a qualsiasi altro elemento della cultura di consumo.

Flowers può essere interpretato come una riflessione sul conflitto tra la natura e la commercializzazione. Questo contrasto tra la bellezza naturale e la superficialità della cultura di massa è un tema che Warhol esplora ampiamente nelle sue opere, criticando la trasformazione degli oggetti di valore in prodotti di consumo di massa.

La capacità di Warhol di trasformare elementi quotidiani in arte visivamente potente e provocatoria è ciò che lo rende uno degli artisti più rivoluzionari e influenti del XX secolo.

Leda Romanato

Titolo:In the Car

Data:1963

Ubicazione:Scottish National Gallery of Modern Art

Stile:Pop Art

Dimensioni:172 x 203

"In the Car" di Lichtenstein è famosa perché rappresenta lo stile pop art: colori accesi, linee precise e quei famosi puntini (Ben-Day) che sembrano quelli dei fumetti. Nell'opera si nota una coppia in macchina, ma l'attenzione è sulla ragazza, che sembra un po' persa nei suoi pensieri. Lichtenstein faceva spesso così, prendeva immagini semplici e un po' stereotipate per far riflettere su come i giornali e la TV ci influenzano.

L’opera originale risale al 1963, viene esposta nella Scottish National Gallery of Modern Art e le sue dimensioni sono 172x203 cm.

Ludovica Vesentini

Titoli:Giustiniano e il suo seguito, Teodora e la sua corte, Croce dorata con cielo stellato (particolari)

Anno:532-547 d.C.

Tecnica:Mosaico

Ubicazioni: Basilica di San Vitale, Mausoleo di Galla Placidia

Il trittico, di cui sono proposti tre scenografici particolari, rappresenta il fior fiore della produzione musiva Ravennate d’epoca Bizantina.

Nelle tre opere vengono rappresentati l’Imperatore Giustiniano e la moglie, l’imperatrice Teodora. Completa il tutto una croce con cielo stellato, proveniente dal Mausoleo di Galla Placidia, a Ravenna.

L’imperatore Giustiniano è raffigurato come un giovane uomo, con una folta chioma di capelli corvini e due occhi penetranti; egli indossa i paramenti e le vesti da sovrano e sul suo capo porta la corona da Imperatore Bizantino.

L’imperatrice Teodora viene invece raffigurata con sguardo serio ma calmo, infondendo nell’osservatore un senso di calma autorità e compostezza. Di notevole bellezza è l’apparato di gioielli con cui Teodora viene raffigurata, in cui è impossibile non notare i disegni composti dalle raffinate perle.

Entrambi i membri della coppia imperiale sono raffigurati su sfondo dorato con l’aureola, simbolo di fede e venerazione.

Infine, la scena è completata dalla croce dorata -simbolo di fede- circondata dalle stelle su sfondo blu acceso.

Questo elemento rende il trittico ancora più armonioso e gli conferisce un’aura di solenne sacralità.

Alessia Volpe, Alessia Ficeli e Alessandro Pomari

Artista: Dmitri Aske 

Data: 2018 

Dimensioni: 60*87 

Ubicazione: Sconosciuta 

Tecnica: Compensato, vernice spray 

Quest’opera fa parte, assieme alla controparte “Intuizione”, di un dittico che simboleggia un quadro prima intero e poi frammentato del mondo, basato su queste stesse informazioni. 

Il suo autore è un artista di Mosca, Russia. Avendo una solida esperienza nell'arte digitale, Aske si è concentrato sulla creazione di opere d'arte materiali: tele, rilievi in ​​compensato e murales. Le sue opere in piastrelle di compensato sono state esposte in diverse mostre e sono state molto apprezzate sia dagli amanti dell'arte che dai blog russi e internazionali. 

Matilde Zago