• Emeric Essex Vidal: Documentó el paisaje y la vida de la región a través de sus obras.

• Johann Moritz Rugendas: Pintor y grabador alemán, conocido por sus registros de la naturaleza y las costumbres de América.

• Carlos E. Pellegrini: Pintor y grabador francés.

• Juan Pedro León Pallière: Artista francés que retrató diversas escenas de la época.

• Auguste Raymond Quinsac de Monvoisin: pintor frances, pinto retratos pero tambien paissajes en Argentina, Chile, Perú y Brasil.

El formato apaisado y la linea baja de horizonte da la sensacion de la inmensidad de la llanura con arboles esparcidos entre si. Los personajes estan descansando antes de seguir viaje, una mujer toma mate al pie del ombu, un niño juega e imagina que monta un caballo.

Las obras del autor son del genero paisajista y retratos, los cuales vendia mientras estudiaba arquitectura.

Realió obras en óleo y tambien litografias que daban cuenta del paisaje y las costumbres de la época.

Junto con García del Molino, retrataban a Juan Manuel de Rosas y a Encarnacion Ezcurra, a su mujer.

Se dedicó a loss retratos, aunque también realizó miniaturas y algunos cuadros de paisajes, flores y motivos religiosos.

A los 18 años, Beaux se ganaba la vida con el arte comercial, haciendo litografías y pintando sobre porcelana mientras estudiaba en Filadelfia. Completó su primer retrato, que le valió una medalla, en 1884. En 1888, tras rechazar varias propuestas de matrimonio, Beaux decidió dedicarse al retrato y estudió en Europa durante 19 meses.

De regreso a Filadelfia, Beaux pintó a destacados escritores, políticos y otros artistas. Durante muchos años, impartió clases en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Sus cuadros se exhibieron ampliamente en Estados Unidos, así como en París y Londres. Se mudó a Nueva York en 1898 y también construyó una casa de verano en Gloucester, Massachusetts, que se convirtió en un lugar de paso popular para su distinguida clientela.

Su reputación alcanzó su máximo esplendor durante la década de 1930, cuando recibió varios premios importantes, entre ellos la Medalla de Oro en la Exposición Universal de París de 1900; realizó dos exposiciones retrospectivas; y publicó su autobiografía. En 1933, la primera dama Eleanor Roosevelt le entregó a Beaux la medalla de oro de la fraternidad Chi Omega, como  « la mujer estadounidense que más contribuyó a la cultura mundial » .

1850 a 1936

La artista nació en una cabaña de troncos en la zona rural del noreste de Pensilvania, hija de William Brownscombe, un granjero de origen inglés, y Elvira Kennedy, descendiente directa de un pasajero del Mayflower. Por ello, la juventud de Brownscombe evocaba una de sus propias pinturas. Tras la muerte de su padre en 1868, Brownscombe comenzó a ganarse la vida enseñando y creando ilustraciones para libros y revistas.

Brownscombe también vendió los derechos para reproducir sus acuarelas y óleos como impresiones económicas, tarjetas navideñas y calendarios. Distribuyó más de 100 obras de arte de esta manera, difundiendo sus imágenes en hogares de todo el país. Los espectadores admiraron su estilo altamente naturalista, que incluía detalles pintorescos que les ayudaban a reconocer las historias y emociones retratadas.

Estudiante galardonada de la Escuela de Diseño para Mujeres del Instituto Cooper y de la Academia Nacional de Diseño, Brownscombe se convirtió en miembro fundador de la Liga de Estudiantes de Arte y posteriormente fue profesora. En las décadas de 1880 y 1890, Brownscombe estudió arte en Francia, pasó los inviernos en Roma y expuso en Londres, Nueva York, Chicago y Filadelfia. Completó su último óleo de gran formato a los 81 años, tras recuperarse de un derrame cerebral.

1837 a 1922

Bouguereau llegó a París en 1864 y comenzó a estudiar pintura contemporánea y de grandes maestros. Si bien París atraía a todos los artistas, las mujeres aún tenían prohibido estudiar en la prestigiosa École des Beaux-Arts. Sin dejarse intimidar por estas prácticas discriminatorias, Bouguereau se matriculó en clases particulares.

En 1868, fue una de las primeras mujeres estadounidenses en exponer en el Salón de París, junto con Mary Cassatt. Las pinturas de Bouguereau fueron aceptadas en 25 Salones de París; también ganó una medalla de bronce en la Exposición Universal de 1889. A finales de la década de 1870, estudiaba con William-Adolphe Bouguereau, cuyo uso de colores intensos y sus representaciones de niños y escenas domésticas fueron ampliamente aclamados.

Los temas religiosos, históricos y mitológicos dominaron la producción artística temprana de Bouguereau. Reconoció una fuerte influencia de William-Adolphe (con quien se comprometió en 1879, pero no se casó hasta 1896). Se abrió camino produciendo obras de estilo monumental, generalmente asociadas con artistas masculinos.

Después de casarse y enviudar, retomó su carrera artística y se casó con el escultor Rogelio Yrurtia. Viajó a Europa en 1922, donde vivió durante varios años, exponiendo su trabajo y recibiendo reconocimientos por su talento.

En París aprende la técnica y la estética impresionista. Desde su cátedra en la academia preparaba a la juventud enseñando técnica y percepción, como debe de verse; de allí se señala el inicio de las vanguardias artísticas. Malharro toma del impresionismo la luz y el color, pero su forma no se difumina por completo.

Faustino Brughetti (1877-1956): otros señalan al mencionado como introductor del impresionismo, quien comprende de influencias de los 'macchiaioli'. Con Mal harto toma vigor la influencia francesa, y con Brughetti la italiana.

Fernando Fader (francés, 1882-1935): considera un pintor impresionista. Regresa de Alemania en 1905 y, el mismo año expone en el Salón Costa de la calle Florida. Córdova Iturburu habla de su estilo con tendencia hacia los grises terrosos. Pintó paisajes y escenas de Córdoba.

Dicho grupo hacía naturalismo "vivificado" por el impresionismo, dándose una adaptación interesante. Incorporaban ciertos elementos del impresionismo al naturalismo academicista.

Cesáreo Bernaldo de Quirós (1879-1968): previo al grupo, pintaba naturalezas muertas y paisajes. Se desarrolló estéticamente a partir de 1916, pintando una serie de gauchos y montoneros que expone en 1927.

Pío Collivadino (1869-1945): se dedicó a las escenas urbanas.

loss críticos, tanto en París como en Buenos Aires, comentaron el cuadro en 1887.

Fue pintado en París por Eduardo Sívori quien, tras haber logrado su aceptación en el Salón anual, lo envió a Buenos Aires ese mismo año sabiendo de antemano que su exhibición despertaría polémicas. Fue el primer gesto vanguardista en la historia del arte argentino.

Fuente: bellasartes.gob.ar

Cándido López (1840-1902): Nacido en Buenos Aires, el 29 de agosto de 1840. Participó y, a su vez, pintó, la guerra del Paraguay (1865-1870), donde perdió el brazo derecho y tuvo que aprender a pintar con la mano izquierda. Representó batallas, campamentos y escenas con una mirada realista y humana.

Adolfo Methfesel (1823-1909): Pintor alemán. Fue uno de los primeros artistas extranjeros en representar episodios patrios argentinos. Realizó retratos y escenas de la Guerra del Paraguay y sobre la Independencia.

Carlos Morel (1813-1894): Fue cronológicamente el primer pintor argentino. Pintó retratos, batallas e hizo grabados, Utilizaba en su obra sombra y reflejos de recurso impresionista.

Prillidiano Pueyrredón (1823-1870): Se conocen 223 obras suyas. Hizo escenas y paisajes de nuestro suelo, desnudos y, también exploró temas patrios vinculados a la Nación.

Juan Manuel Blanes (1830-1901) Aunque es un pintor uruguayo, su influencia se extendió en la Argentina. Blanes había pintado 8 batallas en la residencia de Urquiza. A su vuelta de Florencia (becado por el gobierno uruguayo), pinta en 1871 "La fiebre amarilla", su obra más conocida.

Ángel Della Valle (1852-1903): Pintor argentino. Concluía en 1892 la pintura más importante de su vida, La vuelta del malón. La crítica lo celebró como la primer gran obra de arte argentino. Sin embargo, nunca logró venderla. Desde el género histórico, representa a un malón de indios llevando cautiva a una mujer blanca (tema utilizado frente a la guerra del hombre blanco contra el indio).

Fuente: buenos aires.gob.ar

El Puente, (Die Brücke en el original), es el nombre al que se asigna una tendencia artística de un grupo de pintores alemanes expresionistas reunidos en Dresde entre 1905 y 1913.

El Expresionismo es el desarrollo de un sistema de representación basado en la alteración de figuras y objetos en función de la expresión, es una constante que se ha producido sistemáticamente a lo largo de la historia del arte.

El grupo de los expresionistas alemanes buscó a través del color la deformación y representación de una escenografía atormentada e inquietante, provocando un estado de ánimo desasosegado, inseguro e incierto.

El nombre “El Puente” lo adoptan con la intención de diferenciarse de la pintura académica, un sistema de representación basado en la libertad.

Fuente: https://www.tasararte.com/el-puente-die-brucke-expresionismo-aleman/

A los pocos años de llegar, en 1903, realiza una de las primeras obras de época alemana, El jinete azul, una pintura caracterizada por la fragmentación del color, reflejo de la influencia que los Almiares de Monet y la pintura impresionista ejercieron sobre él. Además, este tipo de pintura sería clave ya que la emplearía como vehículo para el desarrollo a posteriori de la abstracción. Estas pinceladas tan rápidas y cortas, son vitales para entender el recorrido artístico de Kandinsky ya que con ellas da comienzo al constante estudio del color y las formas. Dos elementos que se comprometió a desarrollar desde el inicio de su carrera artística y que llevó hasta sus últimas consecuencias.

Esta obra que representa a un hombre galopando a gran velocidad sobre un caballo, refleja el gusto del pintor por los temas medievales. Él veía al caballero como un ser valiente que se enfrentaba a numerosas batallas –-clara analogía a la lucha constante que tiene por querer desarrollar una pintura que en aquel momento era muy innovadora y complicada de entender–-. El jinete va a estar presente a lo largo de toda la vida pictórica de Kandinsky, incluso en las pinturas abstractas, representándose como un mensajero enigmático, un héroe o como una figura romántica.

Aunque pueda parecer lo contrario, Kandinsky con esta obra inaugura su credo artístico: la renuncia a la imitación de la naturaleza y rechazo absoluto a la representación de la realidad, abogando por una deformidad de la misma y apostando por las emociones y sentimientos. El jinete azul, no solo es la obra con la que Kandinsky se estrena en Alemania sino que también será el nombre de uno de los grupos más innovadores de comienzos de 1910, Der Blaue Reiter, co-fundado por Franz Marc y ejemplificadores de este credo.

Fuente: https://historia-arte.com/obras/el-jinete-azul

Fue casi exclusivamente un dibujante de la figura humana (incluída una obsesión por el autorretrato). Schiele analiza el cuerpo humano arrasando con cualquier convención cultural e incluso moral de esa época. Así mismo, le interesa la sexualidad, a veces rozando la pornografía más que el erotismo.

Durante sus primeros años de carrera demostró talento artístico, y empezó a pintar sus dichosos autorretratos. En 1906 ingresa en Bellas Artes en Viena, donde se empieza a ahogar en ese ambiente demasiado conservador, todo lo contrario de lo que debería ser la creatividad, así que se «escapa» para formar su propio grupo: Neukunstgruppe (Grupo del nuevo arte).

Conoce así a Gustav Klimt y se introduce con él en la Secesión vienesa, cuyo lema es: «A cada época su arte y al arte su libertad». Abandona el rígido estilo de la Academia y se vuelve expresionista, comenzando a distorsionar agresivamente los desnudos. Le da absoluto protagonismo al dibujo y a la línea.

Fuente: https://historia-arte.com/artistas/egon-schiele

Pintada durante la Segunda Guerra Mundial, esta obra es un testimonio de la compleja relación entre Picasso y Maar, quien fue una fotógrafa y pintora surrealista.

El cuadro muestra a Dora Maar sentada en una silla, con un pequeño gato posado en su hombro. Maar está representada con una mezcla de colores vivos y formas angulares, características del estilo cubista de Picasso. Su rostro está descompuesto en varias facetas, reflejando tanto su belleza como su turbulenta personalidad. El uso de colores contrastantes y líneas audaces crea una imagen vibrante y dinámica, llena de energía y emoción.

Fuente: https://www.elledecor.com/es/arte/g40612829/pablo-picasso-cuadros-mas-famosos-importantes/

Había nacido el cubismo, nombre que quizás complica más la comprensión de un movimiento ya de por sí complicado.

En realidad no hay cubos. Más bien lo contrario. El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad (cosa que precisamente pretende el cubo).

Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas como Braque o Picasso, inspirados por Cezanne, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles. Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y dejarla completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y entrelazado.

Por eso el cubismo (sobre todo en su modalidad analítica, como es el caso) tiene unos colores tan sobrios: si llega a ser de varios colores brillantes (lo que después se llamó orfismo) la cosa no se unificaría y daría como resultado un caos indescifrable.

En “Violín y paleta” Braque utiliza ocres y verdes, y el violín, por ejemplo, se ve por tanto desde varios puntos diferentes: desde arriba, desde abajo, y todo a la vez y las transiciones entre planos se hacen mediante variaciones subtonales hacia el oscuro.

Fuente: https://historia-arte.com/artistas/georges-braque

Su precursor y, creador del manifiesto surrealista es André Bretón, quien había formado parte, previamente del movimiento dadaísta. Es constituido con influencias de los avances de la psicología y el psicoanálisis de Sigmund Freud (el inconsciente, los sueños, lo onírico) y de la ideología marxista.

Cita al manifiesto surrealista: "Tanta fe se tiene en la vida que esta fe acaba por desaparecer. El hombre, soñador sin remedio, al someterse al trabajo se vuelve modesto: sabe, y se rige por ese saber (racional, objetivo). Durante la poca lucidez conservada, vuelve a su infancia, y el camino de la vida se diluye, transformándose, concediéndole al hombre múltiples perspectivas sucesivas. Pero no se llega muy lejos a lo largo de este camino, se suele renunciar a una parte del terreno que se debía conquistar. Es allí, donde la imaginación es encarcelada dentro de los límites de un utilitarismo convencional".

Es una vanguardia que se vuelve revalorizadora de la imaginación (en la infancia es la instancia en que más potencia tiene por la no objetividad de la mente), la locura (marginalizada por la razón burguesa) y destruye la norma y razón impuesta para crear desde realidades, consideradas por el autor, superiores a la conocida.

Objetivo como vanguardia.

El surrealismo nos permite generar un puente de acceso a lo onírico, al inconsciente como fuente de creación.

Características formales.

Predominio de la mancha y texturas.

Uso de la línea para formas precisas.

Características procedimentales.

Automatismo psíquico: proviene de la traslación de la "asociación libre", la cual es un método psicoanalítico de acceso al inconsciente, a lo que denominamos "automatismo psíquico", técnica surrealista. Este término se refiere a una técnica de dibujo o escritura espontánea, fugaz, y busca registrar todo aquello que pasa por nuestra mente en un momento determinado, evitando filtros de lógica, sentido. Su objetivo

Otras técnicas que se presentan en la vanguardia son: collage, decalcomanía, frottage, composicion de formas a partir de la mancha.

Artistas surrealistas: Frida Kahlo, Giorgio de Chrico, Okamoto Taro, René Magritte, Alejandro Obregón, Francis Bacon.

Antonio Berni: Nació en Rosario en 1905. Hacía pintura social, formó parte del grupo París y su obra se acerca a la pintura de vanguardia.

Su primera exposición data de 1918. Comprende de influencias pictóricas de Fader y Sorolla. En 1925 recibe la beca para su viaje a Europa: expone en el salón de Madrid, luego se traslada a París. Pudo conocer la producción de Picasso, Braque y Chirico. Se puede decir que su acercamiento a centros políticos de izquierda despiertan sus inquietudes sociales.

En 1928 Berni conoce a Luis Aragón, introduciéndose en el círculo surrealista; estilo que gestará su producción de dibujos, pinturas, collages y fotomontajes. En 1932 será parte de la vanguardia surrealista. En el mismo año expone en Amigos del arte sus obras surrealistas.

El pintor regresa a la Argentina en la década del 30, panorama de crisis mundial y del golpe militar de Uriburu. Crece la desocupación, el hambre y, por ende, las manifestaciones. Es allí cuando se vincula a una pintura de crítica social.

Sus telas están teñidas de expresionismo y, siempre conserva el clima surrealista.

Es una pintura de sueños protagonizada por objetos, así como en "La torre Eiffel en La Pampa", donde se ubica una figura central, aislada. Los protagonistas de esta obra son el auto moderno y los fragmentos de máquina que surgen del mar.

Fuente: coleccion.malba.org.ar

Fuente: fundacionkonex.org

Características: distorsión, producen cortes en la forma y enlazan en un conjunto varios puntos de vista sobre un mismo objeto, rompiendo con el estatismo propio de los bodegones.

Años después, regresó a Alemania pero no se detuvo en Munich, sino que visitó Leipzig, Berlín y Dresden. Junto a la artista Catalina Mórtola de Bianchi, abarcaron los procedimientos técnicos más variados: el aguafuerte, la xilografía, el aguatinta, el barniz blando, la aguada, la punta seca, la monocopia, y la litografía.

Los temas elegidos por Wernicke –toros y caballos (que se vinculaban con la naciente iconografía nacional), leones y tigres– y su tratamiento –óleos y grabados al aguafuerte– no se ajustaban a la delicadeza que algunos esperaban en obras ejecutadas por mujeres”

La obra de Josefa Díaz pertenece a la escuela clásica. Su pintura no es robusta, sino más bien demasiado trabajada, pulida, propia de un estilo femenino. Utilizaba la naturaleza sin copiarla, como auxiliar del modelo y por ello no es desmerecida su obra; ya lo ha dicho Hegel " escoger no es imitar".

Pepa Díaz, como se la llamaba cariñosamente, utilizó lo auténticamente santafesino, los típicos exponentes de nuestra raza, para introducirlos en el arte pictórico, sin imitar, creando siempre.

Posadas exploró una amplitud de géneros, como el desnudo, el retrato, la naturaleza muerta, la pintura de género y también pintura histórica.

En noviembre de 1891, la artista fue protagonista de un escándalo al presentar un pastel de un desnudo femenino de espaldas en la exposición de beneficencia organizada por la Sociedad de Damas de Nuestra Señora del Carmen. La obra se llamó Idilio.

Este hecho fue visto por la sociedad como un acto “polémico, escandaloso, ofensivo, e incluso inmoral”. Sin embargo, los desnudos artísticos de Feyen-Perrin y la escultura desnuda de Benlliure, ambos hombres, no despertaron enojo alguno. Las Damas del Carmen lograron que la obra se retirara de la exhibición, pero no sin resistencia. Malosetti Costa (2000) cuenta que artistas y críticos cerraron filas en defensa del desnudo de Sofía Posadas, “defendiendo la pertinencia de pintar desnudos, la excelencia y dignidad del género y contra la pacatería de las señoras católicas”

La autora narra:

“Dos años más tarde, en la primera exposición de artistas argentinos organizada por el Ateneo, Sofía volvió a exponer su desnudo de espaldas al pastel. Esta vez no hubo censuras”

No obstante, el paradero actual del Idilio de Sofía Posadas es desconocido.

Entre sus obras, se conoce el Retrato del General D. Emilio Mitre, del año 1894, expuesto actualmente en el hall principal del Museo Mitre en la Ciudad de Buenos Aires. Asimismo, las obras El sueño de San Martín y el Retrato del Doctor Manuel Augusto Montes de Oca, pertenecen al acervo del Museo Histórico Nacional. La primera representa al General José de San Martín en el ocaso de su vida, dormido sentado en un sillón. Está soñando con las grandes batallas y días gloriosos de la Independencia, representados en la parte superior izquierda de la pintura (catálogo interno del Museo Histórico Nacional, consultado en julio de 2020). La segunda, revela el retrato en blanco y negro de un hombre vestido de traje. Un corpus más extensivo de obras fue localizado en el Complejo Museográfico Provincial «Enrique Udaondo». Por último, se localizaron tres obras de la artista en el Museo Isaac Fernandez Blanco: las acuarelas La antigua estación Retiro y El antiguo correo de Buenos Aires,y el óleo En un rincón en la casa de la Virreyna (sic) Vieja.

Sofia Posadas es considerada una de las más talentosas artistas argentinas, pero poco se conoce de su vida y de su obra. Tal como afirma Malosetti Costa, “su memoria fue borrada de la historia del arte argentino” (2000, p. 8).