Técnica: pintura policromada de blanco, ocre rojizo y negro sobre piedra

Ubicación: Cuevas de Altamira Cantabria, España

Autor/es: desconocido/s

Medidas: desconocidas

Material: pigmentos naturales, (quizás oxido de hierro para el ocre rojizo y carbón vegetal para el negro)

Análisis visual:

Las cuevas de Altamira comprenden un extenso complejo rocoso en el cual fueron realizadas una amplia variedad de pinturas rupestres, entre las que se encuentran el fragmento que aquí mostramos. Habiendo entendido que esto es solo una parcialidad de un espacio mucho más extenso y que la superficie sobre la cual se pintaron es irregular, podemos apreciar en la imagen una composición compleja, construida a partir de la sobreposicion de siluetas de manos. En ella podemos observar cómo las diferentes capas de color (una policromía de negro, blanco y un ocre rojizo)  crean la sensación de sombra y movimiento a partir de una disposición irregular de las manos. Así mismo esta configuración juega con la percepción del espacio negativo y positivo ya que contrasta entre la silueta que es marcada sobre otro pigmento ya aplicado y aquella que nos deja ver la piedra cruda, creando así un  efecto óptico de profundidad a partir de  estos planos sobrepuestos de color. Por otro lado si bien ignoramos la cantidad de individuos que participaron en esta producción pictórica, queda en evidencia el  uso mayoritario de la mano izquierda como modelo para realizar las siluetas (con algunas excepciones realizada con la derecha). Pero de todo esto ¿Se podría suponer entonces, que quien o quienes realizaron las pinturas eran diestros y usaron la mano menos hábil como plantilla dejando la mano dominante para la aplicación del pigmento? y Acaso siguiendo esta lógica ¿ las pocas  manos diestras usadas como modelo serian realizadas por  un zurdo?.

Ficha técnica:

Título: La caza de leones

Ubicación de origen: imperio Persa Aqueménida

Técnica: relieve

Medidas: desconocido

Autor: desconocido

Ubicación actual:

Temporalidad: c550-330 a.C.

Ficha técnica:

Título: Hombres adorando a la sacerdotisa del dios Bare-breasted

Ubicación de origen: desconocido

Técnica: fresco

Medidas: desconocido

Autor: desconocido

Ubicación actual:

Temporalidad:1400 a.C.

Ficha técnica:

Título: Akenatón Recibiendo los Rayos Solares

Ubicación de origen:

Técnica: bajo relieve sobre piedra

Medidas: desconocido

Autor: desconocido

Ubicación actual: Museo Egipcio de El Cairo

Temporalidad: 1353-1336 a.C.

Título: Artemisa Cazadora

Fecha: 350 a. C.

Técnica: copia romana del original griego en bronce

Autor: Atribuido a Leocares

Ubicación: Museo del Louvre

Estilo / periodo: Grecia Clásica

Dimensiones: 2 metros de alto

Figura 2)

Título: Altar de Pergamo

Fecha: 197–159 a. C.

Autor: Desconocido

Técnica: Altos Relieves, mármol tallado

Ubicación: Pergamo Museum de Berlín

Estilo / periodo: Helenístico

Dimensiones: desconocidas / difíciles de calcular

Si hemos de comparar el Arte de la Grecia clásica con el de la Grecia helenística, cabe hacer la salvedad de que dichos estilos no son excluyentes y que si bien encontraron muchos puntos de unión en las obras de transición, aquí buscaremos resaltar sus diferencias al construir un caso a partir de dos obras que exponen con claridad aquellas características que predominaron en ambos estilos.

Para el caso de la Grecia Clásica analizaremos  la Artemisa Cazadora atribuida a Leocares y para la Grecia Helenística algunos de los relieves del Altar de Pergamo. En el primero caso, tenemos una obra que ejemplifica con claridad la simetría y el equilibrio en la forma del estilo clásico, la armónica distribución de los pesos del cuerpo le han conferido la naturalidad de un cuerpo captado en movimiento, ella se nos presenta en plena marcha, lista con la mano para tomar una flecha si hace falta, su gestualidad y disposición revela un sentimiento de callada grandeza una dignidad moderada y bien administrada. Por el contrario en nuestro Alto relieve extraído del altar de Pergamo vemos el caos de estas figuras en plena gigantomaquia, los rostros y las figuras ha sido desfigurados por lo apremiante de la lucha, aquí no existe nada parecido al equilibrio o le balance en los cuerpos todo es drama y bullicio.

En cuanto a nuestro tema, la disposición de las manos y su efecto en la composición de ambas obras, en el primer caso las manos cumplen una doble función, en primera instancia son las que determinan la disposición alerta y combativa de la diosa, ella arrastra con una mano a su presa, un cervatillo, mientras que con su otra mano busca una flecha. Esta disposición de un brazo arqueado sobre la cabeza y otro extendido hacia abajo crean un balance en la distribución de los pesos haciéndola no solo verosímil si no mucho más ligera. En cuanto a nuestro segundo caso, las manos son usadas para dar el efecto contrario al de nuestro  primer caso, estas son, en gran medida las detonantes del drama, al ser las que ejecutan en gran medida la acción violenta que es representada en esta escena de batalla.

Título: Altar de Pergamo

Fecha: 197–159 a. C.

Autor: Desconocido

Técnica: Altos Relieves, mármol tallado

Ubicación: Pergamo Museum de Berlín

Estilo / periodo: Helenístico

Dimensiones: desconocidas / difíciles de calcular

Título: Patricio Barberini

Fecha: Siglo I a. C.

Autor: Desconocido

Técnica: Escultura en mármol

Ubicación: Palacio de los Conservadores

Estilo / periodo: Roma Republicana

Dimensiones: 1,65metros de Alto

Título: Augusto de Prima Porta

Fecha: Siglo i d. C.

Autor: Anónimo

Técnica: escultura en mármol

Ubicación: Museo de las Termas

Estilo / periodo: Imperio Romano

Dimensiones: desconocidas

Título: Figura Orante con velo

Fecha: Siglo XVII

Autor: Anónimo

Técnica: Fresco

Ubicación: in situ, El cubículo de la Velatio, las catacumbas de Priscila, Roma

Estilo / periodo: Paleocristiano

Dimensiones: desconocidas

Título: Cristo Pantocrátor ( fragmento de un mosaico mas grande)

Fecha: siglo XII

Autor: Anónimo

Técnica: Mosaico

Ubicación: Santa Sofia, Estambul

Estilo / periodo: Bizantino

Dimensiones: desconocidas

Título: Sacramentario de Lorsch, crucifixión

Fecha: siglo XI

Autor: Anónimo

Técnica: Miniatura, Iluminación sobre pergamino

Ubicación: Museo Condé Chantilly

Estilo / periodo: Alta edad Media

La escena es una crucifixión, en esta, la disposición central de la cruz con Jesús aun en ella ocupa tanto la parte superior como la inferior, dejando dos delgados espacios en la parte superior de la escena iluminada y dos espacios mucho más amplios a los costados de la cruz. En los espacios superiores vemos dos bustos (uno a cada lado) ambos contenidos en 2 círculos, estos parecen representar al sol y a la luna. Abajo en el costado izquierdo vemos a la virgen María, que con el rostro compungido se limpia las lagrimas con su manto. A la derecha tenemos a Juan Evangelista quien también comparte el semblante sombrío de la virgen, El lleva en su mano izquierda lo que parece ser el evangelio mientras con su mano derecha hace un gesto de bendición.

Vemos como el uso del color es característico de las escenas iluminadas sobre pergamino, predominando el uso de colores planos con excepción de escasos modelados en los rostros de los personajes. los drapeados de las túnicas son construidos a partir de líneas más bien oscuras de color, sugieren la forma de los cuerpos que los visten, al estilo de las túnicas grecorromanas.

En cuanto a la expresividad de los personajes, si bien las figuras son más bien rígidas y hieráticas, vemos en la construcción de los rostros un interés por hacer visible la emocionalidad de los personajes, por lo menos en el caso de María y Juan Evangelista, en el caso de Cristo, este parece inmutable, su rostro inclinado no nos sugiere ninguna emoción en particular, quizás esta carencia de emoción o sufrimiento alguno nos revelan un Cristo triunfante, más divino que humano le ha ganado la batalla al dolor.

En cuanto a nuestro tema central, las manos, vemos como, al usar formas tan rígidas y esquemáticas a la hora de representar una escena, la emocionalidad, la caracterización de los personajes y la narración de los hechos allí representados, recae en gran medida en la gestualidad, la simbología y el accionar de las manos. Sabemos que la virgen llora, o por lo menos se lamenta, por el gesto de limpiarlas y/o cubrirse el rostro con su velo, así mismo  en el caso de Juan Evangelista es el gesto de su mano y el libro que carga lo que le imprime su papel religioso en la escena .Así, en una representación tan quieta son las manos las que le imprimen vitalidad y acción a la ecena.

Título: La Majestad Batalló

Fecha:

Autor: Anónimo

Técnica: crucifijo de talla policromada

Ubicación: Museo de Arte de Cataluña

Estilo / periodo: Románico Catalán

Dimensiones: 1,53 por 1, 19 m

Título: El Descendimiento  

Fecha: Antes de 1443

Autor: Weyden, Rogier van der

Técnica: Óleo sobre tabla

Ubicación: Museo del Prado, Sala 058

Estilo / periodo: Gótico Flamenco

Dimensiones: 204,5 x 261,5 cm

Vemos como las figuras de los cuerpos han sido alargadas, esto no implica un desconocimiento de la anatomía del cuerpo humano, por el contrario es una elección consciente y premeditada por parte del pintor, al priorizar la estilización de las figuras por encima de una representación más fiel a las proporciones humanas. Esta estética más alargada de las formas es muy característica del arte Gótico, en donde se privilegia la altura y elegancia de las formas por encima de los ideales de las proporciones áureas que dominaron el arte grecorromano.

El horror vacui, las figuras ocupan casi la  totalidad del cuadro, esto sumado a la disposición sobrepuesta y contorsionada de las mismas hace ineludible para el espectador la intensidad del drama representado. Ahora bien, si los rostros y las contorciones de los cuerpos son los protagonistas del drama, las manos son las protagonistas indiscutibles de la acción, ya que son ellas las que mantienen el delicado equilibrio entre las figuras que sostienen el peso y los cuerpos que son cargados. así mismo, en el caso de los tres personajes que no participan en este juego de tenciones se puede ver con claridad como, atreves de la gestualidad de sus manos se mantiene el hilo de la acción en la escena, unas manos que se entrelazan en señal de súplica o rezo, otras que cubren el  rostro de una mujer que llora amargamente y otra que se extiende en señal de contención.

En esta compleja composición sugiere un paralelo entre la madre sufriente y el hijo que ha muerto, en primer plano vemos a María y Jesús, el cuerpo desmayado de María replica la caída inerte de Jesús, sus cuerpos ladeados y las manos cuelgan en paralela simetría, uno a semejanza del otro. A pesar de ser Jesús quien yace muerto la palidez del rostro de María supera con creces la de su hijo. Ambas figuras marcan el ritmo de la composición, creando dos líneas diagonales que cruzan el cuadro, el resto de las figuras se amontonan a su alrededor, solo el hombre que ha subido a la cruz para descolgar el cuerpo de Cristo (y aun  sostiene su brazo izquierdo) sobresale de el resto figuras junto con la estrecha cruz que corona el cuadro.  Esta cruz reitera el principio de privilegiar la economía del espacio y la efectividad narrativa por encima del uso de proporciones “correctas” o al menos posibles, ya que esta estrecha cruz no concuerda con el tamaño requerido para sostener los brazos extendidos de Jesús.

En contraposición a nuestro Descendimiento aquí presentamos este crucifijo de talla policromada, también conocido como La Majestad Batalló, a diferencia del Gótico el  Arte Románico (que es anterior) tiene una dimensión más didáctica que conmovedora, en este sentido sus formas son mucho más rígidas y concretas en su ejecución. Este crucifijo nos da un mensaje directo y claro, Cristo ha triunfado sobre el martirio, a deferencia del patetismo y drama que vemos en El Descendimiento, esta talla en madera no busca que empaticemos con el dolor de Jesús, por el contrario resalta su divinidad al confiarle una actitud imperturbable aun en el momento más duro del martirio.

En cuanto a lo que respecta a la ejecución técnica de ambas obras, en el caso de nuestro cuadro perteneciente al Gótico flamenco, aun cuando las figuras han sido alargadas y las proporciones trastocadas, queda clara la maestría, el detalle y el realismo con el que fueron ejecutadas las texturas, los modelados y sobre todo los rostros de los personajes llenan de vivida realidad el drama de la escena. Por el contrario la falta de expresividad, la riqueza ornamental del traje de Cristo, el uso plano del color y la simplificación de las formas del crucifijo tallado, le confieren una distancia divina con respecto al espectador.

Ficha técnica

Título: La Primavera de los Uffizi

Fecha: entre 1477 y 1482

Autor: Sandro Botticelli

Técnica: Temple sobre tabla

Ubicación: Galería de los Uffizi, Florencia

Estilo: Renacentista Italiano

Dimensiones:203 cm de alto por 314 cm de ancho

Este cuadro es reconocido como un Alegoría a la primavera, en ella convergen en grácil armonía la mítica clásica con los valores y preocupaciones propios del renacimiento italiano.

La escena transcurre en un oscuro y rebosante bosque, los árboles están cargados de frutos maduros y el césped repleto de diversas flores silvestres. De izquierda a derecha vemos la figura de un hombre joven que alza su brazo sosteniendo una rama en dirección al cielo, esta parece rozar uno de los frutos que cuelgan de los árboles. A continuación vemos tres mujeres jóvenes en medio de una danza, sus manos se entrelazan con ligereza cruzando con despreocupada confianza sus dedos, ellas visten con telas transparentes que dejan ver sus figuras tras los fluidos pliegues de sus vestidos, acentuando la sensación de movimiento, con sus volúmenes generosos que dan espacio entre la tela y el cuerpo generando la sensación de que el aire, movilizado por la danza, a inflado las ligeras túnicas de las mujeres. A continuación nos encontramos con la imagen central, una mujer también joven, ataviada con un traje menos revelador, se mantiene en pie con una postura mas solemne que la de sus compañeras, ella nos mira de frente, con la cabeza algo inclinada mientras sostiene con una mano un manto rojo que cae bajo la altura de su vientre, con la otra parece sostener un pequeño objeto. La vegetación se densifica detrás de su figura en forma de retoños que siguen la forma de su silueta. También los árboles del bosque se curvan en torno a ella, casi como si la reverenciaran o quisieran enmarcarla como nuestra principal figura de interés. Sobre ella vemos un cupido o un Eros que con los ojos venados apunta a las mujeres que bailan, esta aparición nos sugiere una nueva conexión con la mujer del centro del cuadro, esta podría ser (o sugerir) la presencia de la diosa Venus ( usualmente acompañada de su hijo Eros) lo que nos obliga, hasta cierto punto) a asumir con más seriedad el carácter erótico de esta obra, todo parece llevarnos al contacto con el deseo, lo sensual y lo sensorial, la exuberancia de la naturaleza es igualmente reflejada en los personajes humanos o divinos, un ensueño etéreo cargado de vitalidad. Quizás las relaciones más evidentes con el erotismos de esta obra sean las figuras que ocupan la esquina derecha del retablo, en estas vemos otra mujer, esta está ataviada con un vestido cubierto de flores, que van a juego con un collar y una corona de flores, ella se nos presenta como  la primavera, en sus manos sostiene un velo cargado de flores, estas parecen rebosar y se nos presentan a punto de caer, razón por la cual sus manos sé contorsionan de forma grácil en un intento por sostenerlas. Una criatura también cubierta con un traje translucido trata de agarrarla mientras que otro ser procura agarrarlo a él.

En este cuadro se ve un interés claramente humanista en la que se trata el erotismo a través de la disposición y la simbología de las imágenes, un juego de alegorías clásicas en una reflexión contemporánea (al renacimiento italiano). En este caso con las sutilezas de las manos y sus gestos logramos intuir, con más claridad, el contenido erótico y la aproximación táctil de estos seres, es en sus contactos y acercamientos que podemos relacionar a las figuras con esta abundancia de lo tangible.

Título: Gabrielle d´ Estées con la Duquesa de  Villars en el baño

Fecha: siglo XVI

Autor: atribuido a Jean Cousin el Joven

Técnica: Óleo

Ubicación: Museo del Louver

Estilo: escuela de Fontainebleau

Dimensiones: 96cm x 125cm

Título: Juegos infantiles

Fecha: 1560

Autor: pieter Bruegel el Viejo

Técnica: Óleo sobre tabla

Ubicación: Kunsthistorisches Museum, Viena

Estilo: Pintura Flamenca

Dimensiones: 118 cm x 161 cm

Título: Rubens con su esposa Isabel Brandt

Fecha: 1609

Autor: Pedro Pablo Rubens

Técnica: Óleo sobre Lienzo sobre madera

Estilo: Barroco

Dimensiones: 178 cm X136,5 cm

Ubicación: Alte Pinakothek, Múnich, Alemania

Título: Bonaparte atravesando los Alpes

Fecha: 1811

Autor: Jacques-Louis David

Técnica: Óleo sobre lienzo

Ubicación: Museo de Versalles

Estilo: Neoclasicismo

Dimensiones: 260 cm X 221cm

Título: Oficial de húsares ordenando una carga

Fecha: 1812

Autor: Géricault

Técnica: Óleo sobre lienzo

Ubicación: Louvre, París

Estilo: Romanticismo

Dimensiones: 349 cm x 266cm

Para este análisis comparativo se han escogido 2 escenas ecuestres: la primera perteneciente al estilo neoclásico y la segunda al romanticismo. La similitud en el tema nos permite ahondar en las diferencias en el estilo y el tratamiento de cada imagen según las inclinaciones y aspiraciones de ambos estilos pictóricos.

En la primera imagen distinguimos a Napoleón Bonaparte montando a caballo en primer plano, lo vemos representado con un semblante sereno y cargado de determinación, su brazo izquierdo sostiene firmemente las riendas del caballo, mientras que con su mano derecha erguida sobre su cabeza dirige el paso de sus hombres.

 En cuanto a lo que respecta al uso del color vemos como los colores de la bandera de Francia se replican en la ropa de Napoleón, así mismo como podemos ver dichos colores en los uniformes de los soldados y una bandera  que se asoma por la esquina inferior derecha, mientras que los colores del fondo son más claros, tenues y difusos.

en un segundo plano vemos como las figuras de los soldados van dirigiendo nuestra mirada hacia el difícil acenso que los espera a los pies de los Alpes.

la disposición que el pintor le otorgo a las manos del general Bonaparte es esenciales a la hora de entender, que el poder de esta imagen está contenido en el gesto, con un ligero ademan de su mano Bonaparte pone en  movimiento a todo un ejército, mientras que con un firme agarre dirige la fuerza de un poderoso animal.

Cabe detenerse para hacer un breve paralelo histórico / temático, si miramos con detenimiento la esquina inferior izquierda del cuadro, se puede leer sobre las rocas allí pintadas, los nombres de:  Bonaparte, Aníbal y Karolus Magnus (o Carlomagno) no debemos olvidar, que a pesar de la grandeza propia del personaje y de la maestría del pintor, este cuadro de Jacques Louis David es en esencia un acto de adulación y propaganda por lo que esta decisión no resulta muy sutil en su propósito, al equiparar los nombres de estos afamados generales de la historia junto al Bonaparte, este se pone al mismo nivel  de estos, reclamando para si mismo un lugar a su lado en la posteridad.

 A pesar de que ambos caballos están encabritados, el primero parece evocar la fuerza y la vitalidad asociadas al jinete de expresión inmutable que lo gobierna; es esta entonces una fuerza contenida y dirigida que esta enteramente a disposición del general; por lo que se entiende al caballo como una extensión de su poder: en la segunda imagen el caballo inquieto se muestra inestable y caótico, en medio de una situación azarosa, su jinete (también un general de alto rango) esta absorto en su acción, contorsionado sobre su torso, parece haber acabado de mandar un golpe de su espada a algo que lo asechaba por la retaguardia, el fondo de la escena es aún menos consolador, se ve un incendio a lo lejos sobre el que contrastan las siluetas de otros hombres y caballos al galope. La sensación de movimiento en este cuadro es impresionante, casi se puede sentir la angustia y concentración propia de una situación como esa, las manos (y las patas del caballo) más que cualquier otro elemento de la composición marcan el ritmo de la situación, el golpe de la espada y la patada del caballo nos

Mantiene atentos al siguiente movimiento. Por el contrario el cuadro de Louis David parece una imagen congelada en el tiempo y parece imposible pensar en un momento antes o después del cuadro. En ambos casos (pero por razones opuestas) se puede decir que el poder de estas imágenes está contenido en los gestos, mientras que con un ligero ademan de su mano Bonaparte pone en  movimiento a todo un ejército, nuestro segundo jinete activa el movimiento de la escena con el golpe de su espada.

Título: La dama del guante

Fecha: 1869

Autor:Carolus Duran

Técnica: Óleo sobre lienzo

Ubicación: Louvre

Estilo: Realismo

Dimensiones: 164 cm x 216,5 cm

Título: Dos manos

Fecha: 1885

Autor: Van Gogh

Técnica: Óleo sobre tela

Ubicación: Países Bajos, colección privada

Estilo: pos- impresionismo

Este cuadro,  no solo nos  presenta las manos como tema central si no que en ellas recae casi que la totalidad del tema, las gruesas pinceladas de Van Gogh resultan perfectas para captar la esencia de unas manos  que se han endurecidos por años de arduo trabajo en el campo, son las  gruesas manos de un campesino.

Haciendo honor a su herencia holandesa ningún tema le resulta poco para encontrar en el algo de digna presencia, ningún tema es insignificante o poco digno ante la atenta mirada del artista que ve en la disposición del mundo  algo de su propia humanidad.

son entonces sus formas esquemáticas y rudas las que le dan peso a estas manos, en ellas se advierte la intensidad meditativa de alguien que mira sus propias manos, este extraño instante de sosiego y contemplación en la vida de un trabajador del capo le confiere a esta imagen la trágica dignidad de un relato clásico, donde el héroe es obligado a repetir la misma tarea sin que esta llegue a su fin, es entonces cuando se revela la inevitable tragedia del devenir humano, cuando este está atado a las tareas inacabables si llegar poseer la eterna fuerza y regeneración del héroe clásico.

libre de todo artificio o sofisticación  alguna, nos presenta la esencia misma de la pintura de sus primeros años, lejos de los coloridos cuadros por los que se haría famoso, vemos la sinceridad desgarradora con la que veía la vida campesina y obrera, lejos de la idealización pintoresca o el desdén elitista que rebajaba campesinado a un tema cómico sus cuadros dan nueva vida a un universo previamente desdeñado.

El manejo de la luz y del color le confiere una extraña presencia a estas manos, no logramos advertir del todo si se trata de una escena diurna o nocturna, el fondo tampoco nos sugiere mucho sobre su locación más allá de lo que parece ventana vista desde afuera. Esta escasez de elementos nos regresa ineludiblemente al tema central, quizás la callada grandeza de aquello que se muestra sin pretensión o tal vez la terrena tristeza del destino conocido. Como sea, dejaremos a nuestro anónimo trabajador inmerso en este instante de contemplación y nos iremos con la sensación de haber presenciado algo puro y solemne.

Título: Guernica

Fecha: 1937

Autor: Pablo Picasso

Técnica: óleo sobre lienzo

Ubicación: Madrid, España Museo Reina Sofía

Estilo: Cubismo / expresionismo

Dimensiones: 349,3 cm X 776,6 cm