Uso espressivo del colore: I Fauves utilizzavano colori puri e non naturalistici per esprimere emozioni, spesso in modo vibrante e audace.

Pennellate vigorose: Le pennellate erano spesso larghe e visibili, aggiungendo un senso di energia e movimento ai dipinti.

Semplicità e astrazione: Le forme erano semplificate e talvolta distorte, enfatizzando l'espressione piuttosto che la rappresentazione realistica.

Contrasti di colore: Gli artisti fauves facevano uso di forti contrasti cromatici per creare effetti dinamici e drammatici.

Emozione e Soggettività: Gli artisti di Die Brücke cercavano di esprimere emozioni intense e soggettive attraverso l'uso di colori vivaci e distorsioni espressive.

Temi Sociali e Politici: Le loro opere spesso affrontavano temi sociali e politici, riflettendo le tensioni e i cambiamenti della società tedesca del tempo.

Influenza Primitivista: Il gruppo era influenzato dall'arte primitiva e tribale, che vedevano come una forma più autentica e diretta di espressione artistica.

Tecniche Sperimentali: Utilizzavano tecniche innovative come il legno intagliato e la stampa, cercando nuove vie per l'espressione artistica.

Astrazione: Le opere sono spesso astratte, prive di forme riconoscibili e mirano a evocare emozioni piuttosto che rappresentare oggetti o scene reali.

Uso espressivo del colore: I colori sono utilizzati in modo libero e vibrante per trasmettere emozioni e stati d'animo intensi.

Gestualità: Le pennellate sono ampie e dinamiche, spesso caratterizzate da un approccio gestuale che sottolinea l'espressione immediata e spontanea dell'artista.

Soggettività: L'arte è fortemente personale e introspectiva, riflettendo i sentimenti e le esperienze individuali degli artisti.

Spiritualità: C'è spesso un elemento di ricerca spirituale o filosofica, con un focus sull'esplorazione dell'inconscio e del trascendente.

Frammentazione: Gli oggetti sono scomposti e riassemblati in forme geometriche semplici, come cubi, sfere e coni, dando origine a una rappresentazione astratta.

Prospettive multiple: Un singolo soggetto viene mostrato da diversi angoli e prospettive nello stesso dipinto, rompendo con la visione tradizionale a punto singolo.

Tavolozza monocromatica: Specialmente nel Cubismo Analitico (1908-1912), i colori sono spesso limitati a tonalità di marrone, grigio e ocra, per focalizzare l'attenzione sulla struttura e sulla forma.

Cubismo sintetico: Dal 1912, il movimento evolse verso il Cubismo Sintetico, che incorporava materiali diversi come pezzi di giornale e carta da parati, introducendo la tecnica del collage e una gamma di colori più vivaci.

Abolizione della prospettiva tradizionale: Il senso tradizionale di profondità e spazio viene sostituito da una rappresentazione piatta e bidimensionale.

Dinamismo e Movimento: Le opere futuriste cercano di catturare la velocità e il movimento della vita moderna, spesso rappresentando oggetti in movimento con linee dinamiche e forme sovrapposte.

Tecnologia e Modernità: Il Futurismo glorifica la macchina, l'industria, l'urbanizzazione e le innovazioni tecnologiche, rappresentando treni, automobili, aerei e città moderne.

Violenza e Rivoluzione: I futuristi esaltano la violenza come strumento di purificazione e rivoluzione, promuovendo l'idea di un rinnovamento radicale della società.

Anti-tradizionalismo: Il movimento rifiuta il passato e la tradizione, cercando di rompere con le convenzioni artistiche e culturali del tempo.

Simultaneità e Sintesi: I futuristi rappresentano eventi simultanei e molteplici punti di vista in una singola immagine, riflettendo la complessità della percezione moderna.

Automatismo: Tecnica che incoraggia la libera espressione senza il controllo della ragione, spesso utilizzata per creare opere d'arte e scritture automatiche.

Sogno e Inconscio: I surrealisti esploravano i sogni e il subconscio come fonte primaria di ispirazione, spesso rappresentando scenari fantastici e irrazionali.

Illogicità e Contraddizione: Le opere surrealiste combinano elementi disparati in modi illogici e contraddittori, creando un senso di meraviglia e straniamento.

Simbolismo: Uso di simboli personali e archetipici per esprimere concetti complessi e nascosti, spesso legati alla psicologia e alla mitologia.

Distorsione della realtà: Manipolazione e alterazione della realtà per creare immagini e situazioni surreali, sfidando le percezioni convenzionali.

Anti-arte: Il Dadaismo rifiuta le convenzioni e le norme artistiche tradizionali, promuovendo l'idea che l'arte non debba avere senso o valore estetico.

Sperimentazione e casualità: L'uso di tecniche casuali e improvvisate, come il collage, l'assemblaggio e la poesia fonetica, è centrale. L'elemento del caso è spesso utilizzato per creare opere d'arte.

Provocazione e critica sociale: Il Dadaismo è profondamente critico verso la società, la politica e la cultura borghese, spesso utilizzando l'ironia e il sarcasmo.

Multidisciplinarità: Coinvolge una vasta gamma di media, inclusi pittura, scultura, performance, poesia e teatro.

Spirito anarchico: Caratterizzato da un forte rifiuto delle norme e delle strutture sociali, spesso adottando un atteggiamento anarchico e ribelle.

Atmosfere surreali: Le opere metafisiche sono pervase da un senso di irrealità e mistero, con spazi e oggetti che sembrano estraniarsi dalla realtà ordinaria.

Prospettive distorte: Gli artisti metafisici manipolano la prospettiva e la dimensione degli oggetti per creare effetti visivi strani e suggestivi.

Oggetti simbolici: Spesso, gli oggetti nelle opere metafisiche hanno un significato simbolico o enigmatico, che sfida una facile interpretazione.

Assenza di figure umane: Molte opere metafisiche sono caratterizzate dall'assenza di figure umane, concentrandosi invece su paesaggi e oggetti come protagonisti delle composizioni.

Astrazione gestuale: Gli artisti dell'Arte Informale abbracciano l'astrazione gestuale, lasciando che le emozioni e gli impulsi guideranno la creazione artistica. I tratti sono spesso rapidi e fluidi, catturando il movimento e la spontaneità.

Libertà formale: L'arte informale abbraccia la libertà formale, abbandonando le regole convenzionali di composizione e prospettiva. Questo porta spesso a composizioni astratte e non rappresentative.

Utilizzo innovativo dei materiali: Gli artisti spesso sperimentano con materiali non convenzionali e tecniche innovative, cercando di esplorare nuovi modi di esprimere la loro visione artistica.

Esplorazione dell'inconscio: Molte opere d'arte informali riflettono l'interiorità dell'artista, esplorando l'inconscio e i processi mentali attraverso la pittura spontanea e intuitiva.

Iconografia Popolare: La Pop Art si concentra sull'uso di oggetti e immagini della cultura di massa, come prodotti di consumo, celebrità e pubblicità, per creare opere d'arte.

Ripetizione e Serialità: Gli artisti spesso ripetevano le stesse immagini o le combinavano in serie, riflettendo la produzione di massa dei media di massa.

Colori Brillanti e Contrasto: La palette cromatica della Pop Art è vivace e spesso usa colori saturi per attirare l'attenzione.

Appropriazione e Citazione: Gli artisti spesso prendevano immagini esistenti e le riutilizzavano o le citavano nelle loro opere, sfidando le nozioni tradizionali di originalità artistica.

Ironia e Critica Sociale: La Pop Art spesso incorpora un elemento di ironia e critica sociale, mettendo in discussione i valori della società di consumo.