La reina de la noche es una placa de arcilla perteneciente al periodo babilonico antiguo, realizada entre 1899 a.C. -1700a.C. Esta pieza modelada a mano y  pigmentada con colores rojos, negros y blancos; fue creada en Babilonia y excavada en Irak. Actualmente, la pieza se encuentra en el Museo Británico.

La obra nos muestra una figura femenina parada y de frente, sosteniendo en sus manos una varilla y anillo; se resalta un tocado y juegos de cuernos superpuestos. De ella cuelgan unas alas que salen hacia abajo y se muestran garras rapaces al final de sus piernas. Se observan figuras zoomorfas entre las cuales se encuentran la lechuza y el león. De igual importancia, se destaca el dinamismo y la versatilidad de la posición del cuerpo y, también, la precisión y la simetría de la composición.

Por otra parte, en un análisis más profundo podemos identificar a la reina como una deidad debido al tocado y a las alas. La posición de las alas la relaciona con una diosa del inframundo y el fondo de la placa que originalmente estaba pintado de negro, hace referencia a la noche (1). Igualmente, los objetos en sus manos pueden representar justicia y  divinidad y, las garras al final de las piernas de la reina se comparan a los de la lechuza (2), sin dejar de evidenciarse una figura humana rígida en comparación del naturalismo de la figura animal. 

1. Google Arts & Culture. (n.d.). The Queen of the Night [Clay Plaque]. Retrieved from: https://artsandculture.google.com/asset/the-queen-of-the-night/eQEfwhChzs0z6A
2. British Museum. (n.d.). Plaque [Clay Plaque]. Retrieved from: https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_2003-0718-1

Ambas obras representan un punto de encuentro entre la pintura griega, el arte realista romano y las creencias religiosas del Antiguo Egipto. Igualmente, ambos retratos se basaban en la idea de ser lo más similares posibles a la persona que representaban, debido a que así, estos serían fácilmente reconocidos después de la muerte. No obstante, en el Retrato de Eutiques se ve más marcado el naturalismo característico de la república romana, al mostrar a la persona tal como es; pero en la otra obra situada en el imperio romano se vuelve un poco a la retratística idealizada del mundo griego debido a que esta comienza a obtener otras funciones además de los funerarios. Teniendo esto en mente, la retratística se liga directamente por el culto a la muerte y los retratos se convierten en una especie de sortilegio para la pervivencia del cuerpo en el más allá. 


1. Desconocido. (s. IV d.C.). Retrato del niño Eutiques [Pintura]. Museo de Bellas Artes de Budapest, Budapest, Hungría.
2. Desconocido. (s. II d.C.). Roman Period Mummy Portrait [Pintura]. Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE. UU.

Al mismo tiempo, en cuanto las características intrínsecas de la obra observamos que la figura del centro es una representación de Cristo y sus fieles donde este se encarga de llevarlos al paraíso. Así pues, la situación resalta el proceso fundamental de adoctrinación en este periodo y da esperanza a los fieles de olvidar los problemas terrenales encontrando una solución en el más allá (1). Además, los cuatro círculos alrededor representan la historia del profeta Jonas. Este personaje recibe una orden de Dios pero decide eludirla, por lo cual al estar en una embarcación, es arrojado al mar y es engullido por una ballena donde permanece hasta que se arrepiente. Esta historia es una muestra de la clemencia divina y simboliza la vida eterna después de la muerte. Finalmente, las figuras que extienden las manos se conocen como orantes y son figuras que nos demuestran algo que es digno de elogio (2).

Por tanto, esta obra no es una representación del mundo real, sino del mundo espiritual donde tiene cabida la salvación. Los primeros cristianos no solo aplicaron motivos como el portador del carnero, Hermes u Orfeo, sino que también adquirieron conocimientos de otras obras paganas y vieron reflejadas estas asociaciones cristianas. 

1. Dulaey, M. (2004). I simboli cristiani. Catechesi e Bibbia (I-VI secolo). Edizioni San Paolo.
2. Rodríguez, L. (2009). El ciclo de Jonas. Recuperado de:https://www.ucm.es/data/cont/docs/621-2013-11-21-5.%20Jon%C3%A1s.pdf

Título: El Juicio Final
Técnica: Fresco
Dimensiones: 1370 cm x 1220 cm (aproximadamente)
Fecha: 1536–1541 d.C
Estilo artístico: Renacimiento italiano

Ubicación: Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano

Fecha: 1434
Estilo artístico: Renacimiento del Norte de Europa
Lugar: National Gallery, Londres, Reino Unido

Fecha: entre 1490 y 1510d.C
Estilo artístico: Renacimiento flamenco
Lugar: Museo del Prado, Madrid, España

Título: Pórtico de la Gloria
Técnica: Escultura en piedra
Dimensiones: 10,5 m de ancho y 8,5 m de alto

Fecha: Entre 1168 y 1188d.C
Estilo artístico: Arte románico

Lugar: Catedral de Santiago de Compostela, Galicia, España

Título: Juicio Final
Técnica: Escultura en piedra
Dimensiones: 7,6 m de alto y 6,1 m de ancho

Fecha: Siglos XIII y XIV
Estilo artístico: Arte gótico

Lugar: Catedral de Notre-Dame, París, Francia

Ambas obras comparten una temática similar, pero presentan diferencias significativas en cuanto a su composición y estilo artístico. Primero, la composición del PG es de forma triangular, lo que nos lleva al eje central que es el altar mayor. Por su lado, el JF se dispone de forma vertical, dividiendo a la imagen en las tres secciones principales. En cuanto al estilo artístico, se evidencian en el PG las estructuras rígidas y estilizadas típicas de la tradición románica y, en la obra gótica del JF se hace un mayor énfasis en el realismo y expresión de las figuras. Finalmente, las figuras del JF tienen una cantidad grande de detalles en las figuras y en la arquitectura de fondo, mientras que en el PG las figuras se representan en una escala más pequeña y con menor detalle en los adornos y vestimentas. Teniendo esto en cuenta, ambas obras representan un reflejo de las creencias de la época en la que fueron creadas y son una forma de explicación para la vida después de la muerte.

1. Catedral de Santiago de Compostela. (s.f.). Pórtico de la Gloria. Recuperado de http://catedraldesantiago.es/portico-de-la-gloria/
2. Toman, R. (2011). El gótico: arquitectura, escultura, pintura. Editorial H.F. ULLMANN.

En cuanto a las características intrínsecas del Jardín, observamos que el panel izquierdo es una representación de la creación del mundo; evidenciándose a Dios en el medio, rodeado de Adan y Eva. Por otro lado, en el centro del panel, se tiene un lugar paradisíaco, donde se representa el placer y felicidad, pero también los excesos y perversiones (1). La desnudez de las figuras es una representación de la naturaleza humana y el disfrute de los placeres mundanos. Asimismo, se ve cómo al experimentar estos placeres se genera un sufrimiento que deriva en dolor y degradación. Además, se contemplan varias representaciones simbólicas de los vicios y pecados humanos, entre estos la figura de un hombre sentado en un huevo roto que simboliza el pecado original (1). Finalmente, en el panel derecho, se ve el infierno el cual está lleno de almas condenadas y criaturas demoníacas. Este panel consolida la idea de que la lujuria y el placer llevan a la condena eterna, la cual implica castigo y sufrimiento (2). En definitiva, la obra nos muestra toda una visión de la naturaleza humana y cómo al seguir un camino de pecado terminamos en el destino final del infierno.

1. Silva, P. (2016). El Bosco. Tríptico del Jardín de las Delicias. En: El Bosco. La exposición del V Centenario. Madrid, Museo Nacional del Prado, p. n. 46, 330-346. Recuperado de https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/triptico-del-jardin-de-las-delicias/02388242-6d6a-4e9e-a992-e1311eab3609
2. Rondina, N. (s.f). El Jardín de las Delicias, un maravilloso enigma. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/el-jardin-de-las-delicias

Ambas obras representan estilos y épocas diferentes, pero tienen algunos elementos en común. Primero, en Las Meninas se usan tonos más grises y terrosos, a diferencia de La muerte de Marat donde hay colores más vivos y un mayor contraste entre los tonos, los cuales resaltan la figura. En la obra de Velázquez, la iluminación se encarga de brindar una sensación de profundidad y perspectiva (1), mientras que en la obra de David, se genera una iluminación dramática y enfocada al personaje (2). El enfoque en los detalles difiere, ya que se observa una atención especial en el vestuario y las joyas de las figuras en Las Meninas y por parte de David, un enfoque en los detalles del cuerpo y la expresión facial. 

Asimismo, ambas obras se pueden relacionar con el concepto de las creencias sobre la vida después de la muerte. En Las Meninas, se hace uso del arte como medio para perpetuar la fama y la memoria de las personas. La figura de Marat como un mártir evidencia la importancia en la imagen y su preservación a través del tiempo. En La muerte de Marat, se puede ver la muerte como un sacrificio en pro de una causa mayor, lo cual pudo haber proporcionado un sentido a Marat y otros revolucionarios la esperanza de que este no fuera en vano y lograr un impacto que se mantendia después de su propia muerte. 

1. Portús Pérez, J. (2013). Diego Velázquez 'Las Meninas'. En: Velázquez y la familia de Felipe IV, [1650-1680]. Madrid, Museo Nacional del Prado, pp. 126-129, n. 16. Recuperado de https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/las-meninas/9fdc7800-9ade-48b0-ab8b-edee94ea877f

2. Royal Museums of Fine Arts of Belgium. (s.f.). The Death of Marat. Recuperado de https://www.fine-arts-museum.be/en/collection/david-jacques-louis-the-death-of-marat

Título: La persistencia de la memoria
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 24 cm × 33 cm (9.5 in × 13 in)
Fecha: 1931
Estilo artístico: Surrealismo
Lugar: Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York

El Ángelus es una pintura en óleo sobre lienzo perteneciente al realismo. Fue pintada por el artista Jean-François Millet y actualmente se encuentra en el Museo de Orsay, en París, Francia. La obra muestra dos figuras paradas y con la cabeza inclinada, cuyos rostros no se alcanzan a visualizar. Abajo se observa una canasta y junto a ellos se encuentra una carretilla con costales y un tridente. El fondo se compone de un campo amplio y se ve un cielo oscuro. 

En cuanto a las características intrínsecas de El Ángelus, debido a los detalles como la vestimenta arrugada, los objetos, la textura de la tierra y los surcos en el campo, vemos que se muestra a dos campesinos. Para representar este paisaje rural, Millet utiliza una paleta de colores terrosos y oscuros que refuerzan la sensación de humildad y sencillez en la escena (1). Además, la luz toma un rol esencial en la creación de un ambiente de devoción; esta iluminación deja las caras en la sombra, mientras que resalta los gestos y actitudes (2). Por otro lado, el simbolismo que usa Millet con la posición de las manos, se interpreta a menudo como una representación simbólica de piedad y fe religiosa, sin embargo, esto se relaciona a un recuerdo de la infancia del artista. Él quería captar la cotidianidad de la vida campesina en una escena sencilla y aquí se centra en un momento de descanso (3). 

Aunque El Ángelus no está directamente ligado al tema de “creencias sobre la vida después de la muerte”, se puede relacionar con una sensación de equilibrio y tranquilidad en nuestro tiempo en vida, la cual ha sido buscada desde tiempos atrás. Esto representa un valor en las acciones de la vida cotidiana y cómo estas tienen una implicación después de la vida.