UFT

Polo: Araguaína

Curso: licenciatura em Música

Período: 3°

Aluno: Beatriz de Araujo Miranda Leal

O Método Suzuki foi desenvolvido pelo japonês Shinichi Suzuki. Seu interesse para a formação musical e especialmente para a interpretação musical pode ser justificada pelo trabalho do pai, que fabricava violinos de forma artesanal que foi responsável pela fundação da primeira empresa de fabricação de instrumentos de corda do Japão.

Os princípios de aprendizagem do seu método de educação musical foram observados da maneira natural como toda criança aprende a língua materna. De acordo com Suzuki, desde que seja estimulado constantemente e um ambiente propício à aprendizagem necessárias para aprender a tocar instrumentos e a formação musical da criança. Assim, o método baseia-se em esforço de imitação,essas premissas refletem princípios da própria educação japonesa que séria o cuidado, a atenção, a paciência, a repetição para se alcançar a perfeição e o respeito por aquele que ensina.

Conciliando a aptidão inata da criança, sua memória auditiva e os princípios de seu método inspirados nas tradições seculares japonesas, são desenvolvidas as habilidade para executar um instrumento. A princípio, os alunos são incentivados a ouvir repetidamente as peças de um repertório, assimilando notas musicais, padrões rítmicos e melódicos através do sentido da audição.

ACADEMICO: Francisco das Chagas P. Guerra Neto

Curso: Licenciatura em Música, 3º Período.

Polo: Araguaína/Cimba.

Nadia Boulanger: Uma Pedagoga Importante na Educação Musical

Nadia Boulanger (1887-1979) foi uma das pedagogas mais influentes na história da educação musical. Nascida em Paris, ela desempenhou um papel fundamental na formação de uma geração de compositores e intérpretes notáveis do século XX, deixando um legado duradouro que continua a influenciar a educação musical contemporânea. Sua proposta pedagógica inovadora e apaixonada contribuiu para moldar o cenário musical internacional e inspirou inúmeros músicos em todo o mundo.

A proposta pedagógica de Nadia Boulanger era profundamente enraizada em sua crença de que a música era uma linguagem universal que transcendia fronteiras culturais e geográficas. Ela defendia a ideia de que a música poderia ser uma força transformadora na vida das pessoas, não apenas como uma forma de expressão artística, mas também como uma ferramenta para a compreensão mais profunda de si mesmo e do mundo ao seu redor.

Um dos princípios fundamentais de sua abordagem pedagógica era a importância da técnica sólida como base para a expressão musical. Boulanger acreditava que os músicos deveriam dominar completamente seus instrumentos e entender a teoria musical antes de poderem transmitir com sucesso suas emoções e ideias por meio da música. Ela insistia em uma educação musical rigorosa e metódica, enfatizando a importância do estudo constante e da prática disciplinada.

Além disso, Boulanger tinha uma visão ampla da educação musical, que abrangia não apenas a execução e a composição, mas também a história da música e a apreciação musical. Ela incentivava seus alunos a explorar uma ampla variedade de estilos e gêneros musicais, desde música clássica até jazz e música folclórica, acreditando que essa diversidade enriqueceria sua compreensão e expressão musicais.

Uma das características mais distintivas da abordagem de Nadia Boulanger era sua ênfase na individualidade. Ela não impunha um único estilo ou método aos seus alunos, mas em vez disso, encorajava-os a encontrar suas próprias vozes musicais e a desenvolver um estilo pessoal. Ela acreditava que a verdadeira originalidade na música surgia quando os músicos se tornavam autênticos consigo mesmos, em vez de imitar os outros.

Boulanger também era conhecida por sua abordagem de "educação global". Ela não apenas instruía seus alunos na técnica musical, mas também os orientava na apreciação das artes em geral, literatura, história e filosofia. Ela via a educação musical como parte de uma educação mais ampla que enriquecia a mente e a alma dos alunos.

O legado de Nadia Boulanger na educação musical é evidente nos numerosos músicos e compositores que passaram por suas aulas, incluindo Aaron Copland, Philip Glass, Quincy Jones, Igor Markevitch, e muitos outros. Seu impacto na música clássica e na educação musical continua a ser sentido em todo o mundo, à medida que suas ideias e princípios continuam a inspirar novas gerações de músicos a buscar a excelência e a autenticidade em sua arte. A proposta pedagógica de Nadia Boulanger é uma lembrança atemporal de que a música é mais do que notas no papel - é uma expressão profunda da alma humana, uma linguagem universal que pode unir culturas e transmitir emoções e pensamentos de maneiras que palavras muitas vezes não conseguem.

Curso: Licenciatura em Música, 3º Período.

Polo: palmas

Émile Jaques-Dalcroze

A ginástica rítmica, também conhecida como GR, é uma ramificação da ginástica que possui infinitas possibilidades de movimentos corporais combinados aos elementos de balé e dança teatral, realizados fluentemente em harmonia com a música e coordenados com o manejo dos aparelhos próprios desta modalidade olímpica, que são a corda, o arco, a bola, as maças e a fita. Praticada apenas por mulheres em nível de competição, tem ainda uma prática masculina surgida no Japão. Pode ser iniciada em média aos seis anos e não há idade limite para finalizar a prática, na qual se encontram competições individuais ou em conjunto. Seus eventos são realizados sempre sobre um tablado e seu tempo de realização varia entre 75 segundos, para as provas individuais, e 150 para as provas coletivas.

A ginástica rítmica desenvolve harmonia, graça e beleza em movimentos criativos, traduzidos em expressões pessoais através da combinação musical, teatral e técnica que transmite, acima de tudo, satisfação estética aos que a assistem. Surgida através dos estudos de Rousseau, assim como as demais modalidades, transformou-se durante o passar dos anos, sempre ligada à dança e à musicalidade, até chegar à União Soviética, onde se desenvolve como prática desportiva, e à Alemanha, onde ganhou os aparelhos conhecidos hoje.

Curso: Licenciatura em Música

Polo: Araguaína-TO

Martenot: músico, inventor, pedagogo musical

1898-1912: Formação musical e experimentações criativas

Maurice Martenot nasceu em Paris, na França, em 1898. Sua formação musical data da década de 1910,

quando já era considerado um violoncelista. Durante a Primeira Guerra Mundial, foi operador de rádio

na base militar francesa e ficou conhecido por tocar diferentes sons em seu equipamento de rádio. Com

isso, nasceu, além de um violoncelista, um inventor. Nessa época conheceu o russo Léon Theremin2

, que

era inventor e também violoncelista; desse encontro iniciaram-se importantes invenções musicais com a

tecnologia do rádio.

1912-1924: Princípios de uma pedagogia musical

Em 1912, Madeleine Martenot, irmã de Maurice, cria um curso de formação pianística inovador para a

época. Esse curso marca o início de mais de 70 anos de pesquisa e ensino na área artística. Na década

de 1920, o interesse dos três irmãos – Madeleine, Ginette e Maurice – pelo desenvolvimento musical faz

com que juntos formem uma equipe pedagógica, contando também com o apoio e respaldo da esposa de

Martenot, Rennée. A partir dessa união nasce a L’Ecole D’Art Martenot (Escola de Arte Martenot) que ofe-

recia cursos nas áreas de “educação musical, técnica instrumental e artes plásticas, unidas a um trabalho

de consciência corporal, através do relaxamento ativo, comum aos estudantes de todas as especialidades”(Arnaus, 2007, p. 56, tradução nossa). A contribuição inicial de Martenot para o ensino e aprendizagem

musical foi a publicação do livro Jeux musicaux (Jogos musicais), cujo principal objetivo era fazer com

que os seus alunos compreendessem melhor a teoria musical por meio de jogos e atividades lúdicas. Em

1924, Martenot participa do Congresso de Educação Nova, realizado na cidade de Villebon, e, estimulado,

começa a se dedicar ao seu instrumento, o Ondas de Martenot, passando a fundamentar e delinear seu

perfil de Arte Educador.

1928-1930: Martenot o inventor

Em 1928 Martenot ficou conhecido mundialmente pela criação do primeiro instrumento radioelétrico – Ondas de Martenot. Na década de 1930, Martenot realiza uma turnê em diferentes países, juntamente com

sua irmã Ginette, difundindo o Ondas de Martenot.

A abordagem pedagógico-musical de Maurice Martenot tem seu ponto de partida na valorização do homem enquanto ser dotado de corpo e mente, inserido em um contexto histórico-social que não pode ser esquecido. Em seus estudos e práticas musicais, Martenot leva em consideração as descobertas da psicologia e da medicina. Sua proposta é o desenvolvimento integral do ser humano, e sua meta é colaborar no crescimento global do indivíduo, entendendo o ensino e a aprendizagem da música como uma área de conhecimento que envolve e desenvolve o ser humano em sua totalidade. Nesse sentido, Martenot (1970) acredita que o ensino da arte e, portanto, da música, não pode ser reservado a uma parcela da sociedade que possui um desempenho musical acima da média e que com “pouco estudo chega a um nível profissional” (p. 14, tradução nossa). Em suas palavras, o ensino da música deve ser para todos os que “veem nela uma oportunidade de se expressar”. O estudo de um instrumento, por exemplo, deve ser oportunizado para diferentes faixas etárias crianças, adolescentes e adultos – que buscam melhor qualidade de vida. Ele entende que a arte é, talvez, a “única chance” de o homem ter qualidade de vida. Assim, investir no ensino da arte é “dar ao aluno um alimento que não se encontra” nas atividades físicas, técnicas ou intelectuais, configurando-se em um “antídoto contra a mecanização” do mundo moderno (Martenot, 1970, p. 16, tradução nossa). Dessa forma, o papel do professor de música é fundamental e, para Martenot, insubstituível. Para que o professor possa desempenhar sua função com eficiência, é necessário que tenha desenvolvido os aspectos da prática musical: ouvido interno, os conhecimentos técnicos musicais e instrumentais e, também, a utoconfiança.

Proposta pedagógica

Aprender a pensar musicalmente

Conforme mencionado anteriormente, a proposta pedagógica de Martenot está fundamentada nos seguin-

tes aspectos: ritmo; canto livre por imitação; canto consciente como preparação para o solfejo; leitura musical; teoria aplicada e suas relações com a educação sensorial; memorização, imitação espontânea e transposição.

Para cada um desses aspectos Martenot (1970) destaca a importância dos exercícios de imitação para o

aprendizado musical. O autor defende que a imitação deve estar presente no aprendizado musical em todos

os níveis e momentos. Para ele, só o que está corretamente reproduzido por imitação pode ser abordado

na leitura. Atividades musicais práticas são fundamentais para o ensino musical. Elas despertam o sentido rítmico e melódico, sem que estes sejam necessariamente conscientes em um primeiro momento, pois a compreensão dos elementos vivenciados se dá ao longo do processo de aprendizagem. Para Martenot, segundo Zagonel (1984, p. 24), “o desenvolvimento sensorial toma um papel relevante. Tem como objetivo fundamental levar o indivíduo a ‘pensar música’, através do desenvolvimento da audição e canto interior”.

CURSO: Licenciatura em Música, 3º Período.

POLO: Araguaína

Estudante: ideglan coelho santos e santos

Curso: Licenciatura em Música

Polo: Miracema to

Nabor Pires Camargo. Foi um dos mais importantes clarinetistas brasileiros, bem como professor de música. É autor da música do hino de sua cidade natal, Indaiatuba e também do Método para Clarineta, publicado pela Editores Irmãos Vitale, amplamente utilizado por estudantes deste instrumento musical no Brasil.

Nascimento: 9 de fevereiro de 1902, Indaiatuba, São Paulo

Falecimento: 3 de outubro de 1996, Mococa, São Paulo

Livros: Método para Clarinete - 1a parte

Nos primeiros tempos na capital, foi clarinetista da Banda do 4º B.C. do Exército (durante o serviço militar); empregado da Companhia de Estrada de Ferro Santos-Jundiaí (a "Inglesa"); clarinetista da Banda da Lapa; clarinetista da orquestra do Cine São Bento e do Cinema Olímpia. Fez amizade com o jornalista e poeta Dieno Castanho, iniciando com ele, a partir do maxixe Mamãe Me Leva, uma longa parceria em suas composições.

Em 1923, passou a atuar em programas na Rádio Record. Em 1930, foi escolhido "Melhor Clarinetista de 1930", prêmio concedido pela Gazeta Esportiva. Gravou seu primeiro disco no estúdio da Victor da Praça da República, com as composições Matando Saudades e Caindo das Nuvens.

Na década de 1930 intensificou suas atividades como músico nas emissoras de rádio: entre 1933 e 1937, participou da orquestra e do grupo regional de música da Rádio Educadora; em 1937, integrou a Orquestra Sinfônica da Rádio Tupi; também foi músico na Rádio Gazeta e na Rádio e Televisão Nacional.

Além disso, integrou a Orquestra Sinfônica Municipal de São Paulo (oficializada no final da década de 1940).  Também em 1930, junto a Acrísio de Camargo compôs o Hino Indaiatubano em homenagem ao primeiro centenário de Indaiatuba.

Em 1947, iniciou os primeiros entendimentos com a Editora Irmãos Vitale para a elaboração e publicação de um método para clarineta. Este método é utilizado até os dias de hoje entre os professores e estudantes desse instrumento.

Em 1967, aposentou-se pelo Departamento de Cultura do Município de São Paulo, órgão ao qual estava subordinada a Orquestra Sinfônica Municipal de São Paulo. Retornou a Indaiatuba em 1985, aqui permanecendo até o final daquela década, quando transferiu-se para Mococa. Faleceu em 3 de outubro de 1996, aos 94 anos, deixando a esposa, Dona Cleonice (com quem se casou em 1934), e a filha única, Marizaura.

Curso: Licenciatura em música 3º período.

Profª Adriana dos Reis Martins.

Polo: EaD de Araguaína_To

Zoltán Kodály

Nasceu em 16/12/1882 em kecskeméet, Hungria. Filho de músicos amadores além de participar cantando no coro infantil da catedral, tornou-se proficiente no piano, violino e violoncelo. Aos 16 anos de idade começou a compor pequenas obras apresentadas em seu percurso escolar. Foi aluno da academia Liszt de música, graduando-se em composição em 1904, aos 22 anos.

Graduou-se como professor em 1905, em 1907 tornou-se professor de teoria musical e composição na Academia de Música de Budapeste aos 25 anos de idade.

PRODUÇÃO MUSICAL E PEDAGÓGICA.

Para Kodály a música colabora na formação total do ser humano, em relação aos profissionais do ensino de música, sua proposta oferece possibilidades na formação de educadores musicais e de regentes corais.

quanto a educação musical, os 21 livros que integram o método são constituídos por partituras de exercícios melódicos e rítmicos.

PROPOSTA PEDAGÓGICA

A preocupação de Kodály com a qualidade da música produzida e realizada em sua terra natal levaram-no a elaborar e desenvolver um sistema de ensino direcionado a alfabetização musicalmente e a preparar futuros ouvintes.

Sua proposta pedagógica é desenvolvimentista, requer que a organização de conteúdos siga os padrões de habilidades de uma criança normal em seus vários estágios de crescimentos.

É uma proposta para ser aplicada diretamente nas escolas, desde a educação infantil , com aulas de música entendidas como parte do currículo escolar, com aulas semanais desde a pré-escola.

Curso: Licenciatura em Música 3º período

profª Adriana dos Reis Martins

Polo: EaD de Araguaína-To

JOHN PAYNTER

Compositor e professor que por sua vez é reconhecido internacionalmente pelo belíssimo trabalho realizado nas escolas inglesas. Paynter nasceu em Londres, Inglaterra no ano de 1931 e iniciou sua carreira profissional na década de 1950 a 1960. E durante 1967 e 1968 escreveu juntamente com Peter Aston. O primeiro livro intitulado Sound And Silence. nesse mesmo livro registraram trabalhos desenvolvidos pro eles, como professores de música. Paynter como outros compositores são considerados representantes da música contemporânea, no entanto no ano de 1992 publicou um livro que intitulava Som e Estrutura e nele aborda técnicas de produçõ musical,

Depois de outros vários livros publicados John Paynter compôs peças para orquestras, coro e música de câmara, e entre várias outras, como sonata, quarteto de corda, e várias peças para piano e outros matérias didáticos, que encontra-se em livros para professores como o All Kinds Of Músic.

PROPOSTA PEDAGÓGICA

A proposta pedagógica de John Paynter além de se encontrarem nos livros Sound And Silence, Hear And Now e Sound And Struture relata que através de suas experiências, trouxe para as escolas a ideia de que o papel da música não é apenas formar instrumentistas, mais sim proporcionar um contato direto com a música.

Universidade Federal do Tocantins UFT

Curso: Musica EAD/ 3º período

Professora: Adriana dos Reis Martins

Acadêmico: Welton Rocha Sousa

Polo: Palmas - TO

Èmile Jaques, com suas descobertas, abriu as portas para a inovadoras pedagogias musical que surgiu na primeira metade do século XX. Ele criou o método de educação musical que se baseia no movimento, se aprendendo através da musica e de uma escuta ativa, dentre isso tem que ter muita atenção. Outro sistema criado por ele foi a rítmica, um sistema que visa a musicalização do corpo, que e estudado através do movimento corporal.

O pensamento de Jaques Dalcroze e bem melhor para ser entendido através do pensamento pedagógico daquela época, com isso o corpo passou a ter grandes valores, e receber grande atenção.

curso: Música / EAD - 3° período.

Professora: Adriana dos Reis Martins

Polo: Gurupi - TO

Aluno: Eduardo Ferreira dos Prazeres

Heitor Villa-Lobos (1887-1959) foi um renomado compositor brasileiro e uma figura importante na história da música do Brasil. Ele também desempenhou um papel significativo como pedagogo musical. Villa-Lobos é conhecido por sua abordagem inovadora à educação musical e à promoção da música brasileira.

Como pedagogo musical, Villa-Lobos acreditava na importância de uma educação musical que fosse acessível a todas as classes sociais e baseadas nas tradições musicais brasileiras. Ele via a música como uma parte fundamental da identidade nacional do Brasil e queria que as futuras gerações de músicos fossem profundamente enraizadas na música de seu próprio país.

Villa-Lobos passou extensivamente pelo Brasil, coletando e estudando música folclórica e tradicional de várias regiões. Ele incorporou elementos dessas tradições em suas composições e em seus métodos de ensino. Seu trabalho pedagógico elaborado em uma série de obras destinadas a ensinar música de uma maneira mais acessível e brasileira, como os "Métodos de Violão" e "Método Magda para o Ensino de Piano", que enfatizavam a improvisação e a exploração criativa da música.

Além disso, Villa-Lobos fundou escolas de música no Brasil e promoveu a inclusão da educação musical no currículo escolar. Seu impacto no ensino da música e na promoção da música brasileira é duradouro e significativo, e ele é lembrado como um dos grandes pedagogos musicais do Brasil e como um dos compositores mais importantes da música clássica brasileira.

Audição Ativa: Willems enfatizou a importância da audição ativa como base para o desenvolvimento musical. Ele acreditava que as crianças deveriam ser expostas a uma ampla variedade de música desde tenra idade para desenvolver suas habilidades auditivas.

Sensibilização Musical: Ele propôs atividades que visam sensibilizar as crianças para os elementos musicais, como ritmo, melodia, harmonia e forma. Isso inclui jogos e exercícios que desenvolvem a capacidade de perceber e compreender a música.

Expressão Pessoal: Willems acreditava que a música é uma forma de expressão pessoal e que as crianças devem ser encorajadas a expressar seus sentimentos e ideias por meio da música.

Improvisação: A improvisação desempenha um papel fundamental em sua abordagem. Ele incentivou os alunos a criar música espontaneamente, desenvolvendo assim sua criatividade musical.

Tocar de Ouvido: Ele defendia a importância de aprender a tocar de ouvido, ou seja, sem depender exclusivamente de partituras. Isso ajuda os músicos a desenvolver uma compreensão mais profunda da música.

Desenvolvimento Gradual: Sua abordagem é progressiva e adaptada ao nível de desenvolvimento das crianças. Ele acreditava que a aprendizagem musical deve ser um processo contínuo e gradual.

Atividades de Grupo: Willems valorizava atividades de grupo, como coros e conjuntos musicais, como uma maneira de promover a colaboração e a apreciação musical entre os alunos.

Edgar Willems contribuiu significativamente para a pedagogia musical, promovendo uma abordagem mais centrada na criança, enfatizando a audição ativa e a expressão pessoal na aprendizagem musical. Suas ideias continuam a influenciar a educação musical em todo o mundo.

UNIVERSIDADE FEDERAL DO TOCANTINS - UFT

Disciplina: Fundamentos da Educação Musical

Professora: Adriana Martins

Acadêmico: Renan Rodrigues Santos Silva

Curso: Música EaD UFT 3º Período

Polo: Palmas-TO

Fundamentos da Educação Musical

Educação Musical

curso EAD/ 3° Periodo

Professora:Adriana dos Reis Martins

Academico: josiniel Joel Silvino

Polo: Arraias-To

Fernando de Azevedo (1894-1974) foi um proeminente educador, sociólogo e ensaísta brasileiro. Ele fez contribuições significativas para o campo da educação e desempenhou um papel fundamental na reforma educacional no Brasil durante o século XX. Azevedo era um forte defensor da educação progressista e acreditava na importância de proporcionar uma educação de qualidade a todos os segmentos da sociedade.

Importancia educacional pedagoga:Azevedo acreditava na democratização da educação, defendendo oportunidades educacionais iguais para todos os membros da sociedade. Ele defendeu tornar a educação acessível a pessoas de diferentes origens socioeconómicas, reduzindo assim as desigualdades sociais.

Formação de Professores : Azevedo enfatizou a importância de professores bem treinados e motivados. Ele acreditava que os professores desempenhavam um papel crucial na formação da experiência educacional dos alunos e defendia a melhoria dos programas de formação de professores.

Embora as contribuições diretas de Azevedo para a educação musical possam não estar tão bem documentadas como as suas contribuições para a educação geral, a sua filosofia e princípios educacionais mais amplos poderiam ser aplicados à educação musical para promover uma abordagem mais inclusiva, culturalmente rica e holística ao ensino e aprendizagem da música. .

Proposta pedagogica:educadores musicais no Brasil e em outros lugares poderiam inspirar-se em suas ideias para desenvolver programas de educação musical mais abrangentes que refletissem o contexto cultural e social dos alunos que atendem.

As ideias de Fernando de Azevedo continuam a influenciar o campo da educação no Brasil e além. Seu legado como educador e sociólogo é celebrado por sua dedicação à melhoria das oportunidades educacionais e por seu compromisso com o progresso social.

"Minha abordagem na pedagogia musical envolve a integração da música com o movimento. Imagine uma sala de aula onde as crianças não apenas cantam, mas também se movem de acordo com a música, explorando o espaço e a melodia em conjunto."

"Através de minhas descobertas, percebi que a educação musical deve ser uma experiência multisensorial. Sons, ritmo, movimento e emoção se entrelaçam, permitindo que os alunos compreendam a música de uma maneira holística."

"Minha abordagem na pedagogia musical envolve a integração da música com o movimento. Imagine uma sala de aula onde as crianças não apenas cantam, mas também se movem de acordo com a música, explorando o espaço e a melodia em conjunto."

Aluno: Leonardo alves de aquino

Licenciatura em música 3° período

Polo: Palmas

Suzuki , como é mais popularmente conhecido ,nasceu  em Nagoya, no Japão, em 1898, durante sua infância trabalhava na fábrica de violino do seu pai, aos 22 anos foi estudar na Alemanha, com Karl Klingler e ao retornar ao Japão, formou um quarteto de cordas com seus irmãos e começou a ensinar na Escola Imperial de Música e na Escola de Música Kunitachi, em Tóquio. Durante a segunda guerra mundial, Suzuki se muda para uma cidade próxima onde passa a conviver com uma realidade de extrema pobreza, então passou a dar aulas para as crianças órfãs e adotou um de seus alunos, Koji, assim começou a desenvolver estratégias de ensino e filosofia. Ele então, combinou aplicações práticas de ensino com a filosofia tradicional asiática.

Educação do talento, é o nome usado para designar uma proposta de educação musical desenvolvida por Suzuki, inicialmente foi pensada para o ensino e aprendizagem da música no Violino, mas posterior foi sendo adaptados para diversos instrumentos, culturas e países diferentes, inclusive no Brasil.

Geralmente quem toca, ou já teve alguma vivencia com instrumentos de corda, Violino, Violoncelo, viola Clássica e/ou até mesmo contrabaixo acústico, já ouviu ou até mesmo conhece a obra de Suzuki.

3° período

Polo: Palmas

Acadêmica: Jaciane Oliveira de Freitas

Nascido em 1895 em Munique (Alemanha), Carl Orff era Filho de pais músicos, iniciou seus estudos de piano em 1900, sob a orientação de sua mãe. Aprendeu violoncelo e participou da orquestra da escola em que estudava, além de cantar solos no coral da igreja que frequentava.

Carl Orff se destaca como compositor e desenvolveu um estilo de composição baseado em experimentos criativos. Fez obras para coro e instrumentos, para voz e piano e produziu ainda peças para coro a cappella e para coro falado.

Orff tem uma grande importância como educador musical de sua época, Sua tônica era a de que nada substitui a experiência e a prática, o “fazer musical”. A partir desta ideia, desenvolveu o conceito de “música elementar”, ou seja, música que oferece oportunidades para vivências significativas, contribuindo para o desenvolvimento da personalidade do indivíduo. Experiências estas que valerão na vida adulta. Segundo Orff, essa “música elementar” é “uma espécie de húmus para o espírito.”

3º período

Polo: Araguatins

Acadêmica: Raqueane da Silva Calixto

Heitor Villa-Lobos nasceu em 5 de março de 1887, no Rio de Janeiro.

A influência musical do maestro foi direcionada pelo pai, que o ensinou a tocar clarinete e violoncelo.

Como o compositor trabalhou com a musicalização infantil?

Para muitos o maestro e compositor Heitor Villa-Lobos é uma das figuras mais importantes na história da educação musical brasileira. O carioca nascido em 1887 também é reconhecido por trazer uma linguagem mais abrasileirada à música erudita nacional. Sua relação com a musicalização nasce do desejo de elevar a educação musical e artística do povo brasileiro.

Muito influenciado pelo folclore nas suas composições, já na década de 20 elaborou o “ Guia Prático”. Esta coletânea de 137 canções foi destinada à educação musical no país. Ele considerava que este guia apresentava a fisionomia sonora do Brasil, aproveitando nosso rico patrimônio folclórico. Entre 1924 e 1927 o músico realizou viagens determinantes pela a Europa.

Trouxe de lá, as intensificadas influências do Canto Orfeônico – predominantes nesta fase. Em 1933 Villa realizou uma viagem por 66 cidades espalhando a prática de canto coletivo. Um ano antes, o ensino musical nas escolas havia se tornado obrigatório. O projeto implantado era de autoria do maestro. Neste artigo trataremos de como o compositor trabalhou com a musicalização infantil. Confira!

Villa-Lobos e a influência do canto orfeônico

O canto orfeônico constituía uma prática de canto amadora e coletiva. Sua função original de disciplinar acabou cedendo à capacidade de democratização do ensino musical. Afinal, os instrumentos musicais são custosos e a sua inserção nas escolas seria uma grande dificuldade.

O canto, por outro lado, não padece destes empecilhos e Villa-Lobos sabia disto. Então, como o compositor trabalha com a musicalização infantil? Sabemos que ele aproveitou o canto orfeônico para implantar um projeto de educação musical em larga escala no Brasil. A função do ensino era despertar os sentimentos dos alunos.

Segundo o compositor, não apenas no âmbito estético, mas também moral. Havia, portanto, um componente de natureza cívica nas aulas. Apesar disto a prática não deveria ser orientada por uma autoridade rígida. Razão pela qual o aspecto lúdico sobressai na musicalização de Villa-Lobos.

Aproveitando o cancioneiro popular para falar à sensibilidade das crianças

A ideia do maestro era possibilitar através da imaginação o despertar da sensibilidade artística. A ponte que permitia que se atingisse esse objetivo era o cancioneiro infantil. Jogos e cantigas de ninar foram especialmente selecionados pelo compositor com esse fim. O desenvolvimento artístico das crianças viria enquanto cantavam estas músicas.

Villa-Lobos considerava ainda que o ensino musical deveria começar o mais cedo possível. O ideal era que a sua aquisição ocorresse tão precocemente quanto o desenvolvimento da linguagem. E da mesma forma que nesta, o primordial deveria ser a familiarização com os sons.

Isso significa que não importam as considerações técnicas e extramusicais na musicalização infantil. A criança deve primeiro ouvir e apreciar os sons, pois a música fala por si só. Apenas depois deve surgir a rotina pedagógica voltada à distinção e compreensão dos elementos musicais.

Os princípios da musicalização em Villa-Lobos

Os princípios que norteiam o modo como o compositor trabalha com a musicalização infantil dependem muito da imaginação. É por isso que os educadores devem levar os alunos a pensar a respeito da música. Considerando, por exemplo, o seu título e como ele se relaciona àquilo que ouvem.

É importante, então, registrar os sentimentos e ideias que surgiram desta apreciação. As crianças podem até mesmo representar em desenho e escrita as sensações despertadas pela música. O que importa para Villa-Lobos é, acima de tudo, a “educação do ouvido e da alma”.

FUNDAMENTOS DA EDUCAÇÃO MUSICAL

PROFª ADRIANA DOS REIS MARTINS

ACADÊMICO: WESLEY ALVES DA SILVA

POLO: ARAGUATINS

Heitor Villa-Lobos nasceu em 5 de março de 1887, no Rio de Janeiro.

A influência musical do maestro foi direcionada pelo pai, que o ensinou a tocar clarinete e violoncelo.

Como o compositor trabalhou com a musicalização infantil?

Para muitos o maestro e compositor Heitor Villa-Lobos é uma das figuras mais importantes na história da educação musical brasileira. O carioca nascido em 1887 também é reconhecido por trazer uma linguagem mais abrasileirada à música erudita nacional. Sua relação com a musicalização nasce do desejo de elevar a educação musical e artística do povo brasileiro.

Muito influenciado pelo folclore nas suas composições, já na década de 20 elaborou o “ Guia Prático”. Esta coletânea de 137 canções foi destinada à educação musical no país. Ele considerava que este guia apresentava a fisionomia sonora do Brasil, aproveitando nosso rico patrimônio folclórico. Entre 1924 e 1927 o músico realizou viagens determinantes pela a Europa.

Trouxe de lá, as intensificadas influências do Canto Orfeônico – predominantes nesta fase. Em 1933 Villa realizou uma viagem por 66 cidades espalhando a prática de canto coletivo. Um ano antes, o ensino musical nas escolas havia se tornado obrigatório. O projeto implantado era de autoria do maestro. Neste artigo trataremos de como o compositor trabalhou com a musicalização infantil. Confira!

Villa-Lobos e a influência do canto orfeônico

O canto orfeônico constituía uma prática de canto amadora e coletiva. Sua função original de disciplinar acabou cedendo à capacidade de democratização do ensino musical. Afinal, os instrumentos musicais são custosos e a sua inserção nas escolas seria uma grande dificuldade.

O canto, por outro lado, não padece destes empecilhos e Villa-Lobos sabia disto. Então, como o compositor trabalha com a musicalização infantil? Sabemos que ele aproveitou o canto orfeônico para implantar um projeto de educação musical em larga escala no Brasil. A função do ensino era despertar os sentimentos dos alunos.

Segundo o compositor, não apenas no âmbito estético, mas também moral. Havia, portanto, um componente de natureza cívica nas aulas. Apesar disto a prática não deveria ser orientada por uma autoridade rígida. Razão pela qual o aspecto lúdico sobressai na musicalização de Villa-Lobos.

Aproveitando o cancioneiro popular para falar à sensibilidade das crianças

A ideia do maestro era possibilitar através da imaginação o despertar da sensibilidade artística. A ponte que permitia que se atingisse esse objetivo era o cancioneiro infantil. Jogos e cantigas de ninar foram especialmente selecionados pelo compositor com esse fim. O desenvolvimento artístico das crianças viria enquanto cantavam estas músicas.

Villa-Lobos considerava ainda que o ensino musical deveria começar o mais cedo possível. O ideal era que a sua aquisição ocorresse tão precocemente quanto o desenvolvimento da linguagem. E da mesma forma que nesta, o primordial deveria ser a familiarização com os sons.

Isso significa que não importam as considerações técnicas e extramusicais na musicalização infantil. A criança deve primeiro ouvir e apreciar os sons, pois a música fala por si só. Apenas depois deve surgir a rotina pedagógica voltada à distinção e compreensão dos elementos musicais.

Os princípios da musicalização em Villa-Lobos

Os princípios que norteiam o modo como o compositor trabalha com a musicalização infantil dependem muito da imaginação. É por isso que os educadores devem levar os alunos a pensar a respeito da música. Considerando, por exemplo, o seu título e como ele se relaciona àquilo que ouvem.

É importante, então, registrar os sentimentos e ideias que surgiram desta apreciação. As crianças podem até mesmo representar em desenho e escrita as sensações despertadas pela música. O que importa para Villa-Lobos é, acima de tudo, a “educação do ouvido e da alma”.

Professora: Adriana dos Reis Martins

Acadêico: Marcos Vinícius de Sousa Queiroz

Polo: Porto Nacional

Pedagogo Musical: Pasquale Bona

Pascoal Bona

Pasquale Bona foi um renomado teórico musical do século XIX, reconhecido por sua significativa contribuição para o ensino e compreensão da teoria musical. Seu método revolucionário de ensino, exposto em sua obra "Método Completo para Divisão", foi fundamental para o aprimoramento da técnica de estudo de escalas e arpejos para instrumentos de cordas, particularmente o violoncelo. Bona desenvolveu uma abordagem sistemática, dividindo as escalas em seções menores e progressivamente mais desafiadoras, visando facilitar a prática e a compreensão dos estudantes, proporcionando um caminho claro e acessível para dominar a execução técnica.

Além disso, seu método não apenas se concentrava na técnica em si, mas também enfatizava a importância da musicalidade e expressão durante a execução. Bona acreditava na integração da técnica com a interpretação artística, destacando a necessidade de os músicos compreenderem não apenas as notas, mas também a emoção por trás da música.

Hoje em dia, seu método perdura, influenciando músicos e professores, que aplicam seu ensino. Quem mais se utiliza desse método são os instrumentistas de bandas e orquestras, uma vez que no ensino se percebe uma gradação da dificuldade nos exercícios, e, também, por conter os elementos básicos principais para que se consiga tocar uma partitura. Temos nomes muito conhecidos como Maria Luiza Priolli e Bohumil Med, porém, esses outros autores, mais atuais, trazem uma linguagem mais rebuscada e um ensino mais aprofundado, saindo do básico e indo ao intermediário, e por vezes, avançado. Com certeza, por muito tempo ainda será utilizado o método Bona para o ensino da Teoria Musical e Solfejo.

Curso: Licenciatura em Música

Professora: Adriana dos Reis Martins

Acadêmico: Diomerson Noel Dallo

Zoltán Kodály foi um compositor, etnomusicólogo e pedagogo musical húngaro nascido em 1882 e falecido em 1967. Sua vida foi dedicada ao estudo e à promoção da música, deixando um legado duradouro na educação musical.

Kodály é conhecido principalmente por desenvolver o Método Kodály, um sistema de ensino musical que se baseia na música folclórica e na musicalização infantil. Ele acreditava que toda criança deveria ter acesso à música e que o canto coral era uma forma essencial de educação musical.

Seu método enfatizava a importância do treinamento auditivo e vocal, combinando a prática do canto com atividades rítmicas e de solfejo. Ele acreditava que os alunos deveriam aprender a ler, escrever e compor música de forma natural e orgânica.

Além de seu trabalho como pedagogo, Kodály também foi um compositor muito produtivo. Suas composições refletem sua paixão pela música folclórica húngara, incorporando elementos do folclore em suas melodias e harmonias. Suas obras mais conhecidas incluem o "Hino Nacional Húngaro" e a "Missa Brevis".

A importância de Kodály para a educação musical é inegável. Seu método revolucionou o ensino da música, proporcionando uma abordagem inclusiva e acessível para todos os alunos. Sua ênfase na música folclórica ajudou a preservar e promover as tradições musicais de seu país.

O legado de Kodály continua vivo até hoje, com professores ao redor do mundo utilizando seu método em salas de aula e corais. Sua abordagem integral para a educação musical, combinando técnica vocal, treinamento auditivo e composição, tem sido amplamente adotada e adaptada por outros pedagogos musicais.

Kodály também deixou um impacto duradouro no campo da etnomusicologia. Ele dedicou grande parte de sua vida ao estudo e à documentação da música folclórica húngara, contribuindo para a preservação dessa rica tradição cultural.

Em reconhecimento a suas contribuições, Kodály recebeu inúmeras honrarias ao longo de sua vida, incluindo o Prêmio Kossuth, a mais alta condecoração civil da Hungria.

CURSO DE MUSICA

MATERIA: FUNDAMENTOS DA EDUCAÇÃO MUSICAL

ACADEMICO: EMILSON RODRIGUES REIS DIAS

Um pedagogo musical influente na história da educação musical é Zoltán Kodály. Kodály foi um compositor húngaro, etnomusicólogo e educador que desenvolveu um método pedagógico conhecido como o "Método Kodály". Ele estava preocupado em tornar a música acessível a todas as crianças e acreditava que a educação musical deveria começar desde cedo, incorporando canções folclóricas e atividades rítmicas.

O Método Kodály enfatiza a importância da educação auditiva e da internalização da música antes de introduzir a notação escrita. Ele propôs o uso de jogos musicais, movimentos corporais e a incorporação de elementos da tradição musical folclórica local no processo de aprendizagem musical.

O legado de Kodály é duradouro, e seu método ainda é amplamente utilizado em escolas de música e programas educacionais em todo o mundo. Ele desempenhou um papel significativo na promoção da educação musical acessível e na integração da música na vida cotidiana das crianças.