Rembrandt Harmenszoon van Rijn

1642

363 cm × 437 cm

Amsterdam (1800)

El Rijksmuseum es el Museo Nacional de Ámsterdam. Este museo alberga la colección más famosa de pinturas del Siglo de Oro neerlandés, así como también valiosas colecciones de arte asiático y egipcio.

El edificio del Rijksmuseum exhibe una arquitectura que combina elementos góticos y renacentistas. Esta fusión de estilos arquitectónicos demuestra el paso del tiempo en el edificio. Ademas, parece que la fachada del edificio esta construida con materiales característicos de la región. Esta escogencia de materiales ademas de los techo a dos aguas se mezclan con el contexto que lo rodea.

De esta manera, considero que el museo no solo es un contenedor de grandes obras de arte si no que él mismo hace parte de la historia de los Países Bajos.

Jan Asselijn (1650)

pintura al óleo

Vincent van Gogh (September-October 1887)

oil on cotton, 44.5 cm x 37.2 cm

Camilo Restrepo (2020)

Instalacion de arte

La melancolia

Pintura de las libelulas del poema de Jose Asuncion Silva.

Las libelulas estan en movimiento, genera una pintura abstacta con mucho dinamismo.

Guillermo Wiedemann (1964)

Oleo sobre tela

Hojas de papel de diferentes colores conforman la composicion del alma.

Ignacio Gomez Jaramillo (S.XX)

Oleo sobre madera

Alejandro Obregon (1970)

Acrilico sobre madera

Baltasar de Vargas Figueroa (S.XVII)

Oleo sobre tela

Anunciata Verde

Alejandro Obregon (1970)

Acrilico sobre madera

Alvaro Herran (1978)

Oleo sobre tela

Fernando Botero (1963)

Oleo sobre tela

David Manzur (S.XX)

Carboncillo sobre papel

Es aquello que representa algo de la imaginacion (un sabor, un sentimiento, el alma, lo etereo)

Bogotá (2019)

Las Torres del Atrio en Bogotá son un diseño arquitectónico de Richard Rogers y Giancarlo Mazzanti. La arquitectura se reconoce por su estilo tecnológico y futurista. Estas torres están ubicadas cerca del centro histórico de la ciudad, sobre la calle 26, frente al Cementerio Central. Se caracterizan por tener un primer piso permeable y comercial, donde se encuentran numerosas galerías de arte y salas de exposición, incluyendo la Sala de Arte de Bancolombia.

Al entrar al espacio, inicialmente pensé que solo habría obras contemporáneas, ya que eso es lo que sugiere la arquitectura. Sin embargo, al visitar las Salas de Arte de Bancolombia, me di cuenta que el espacio exhibía obras del siglo XX, ya que en la entrada estaba un cuadro de Alejandro Obregón.

Me llamó mucho la atención la decisión de los curadores de tener una sala de exposición temporal y otra permanente, donde en una se presentan obras contemporáneas y en otra obras de artistas del siglo XX, como Obregón, Botero y Manzur, entre otros. Esta división de los espacios de exhibición permite un recorrido más completo por el arte colombiano. 

En el área dedicada a las obras del siglo XX, me pareció interesante que las piezas no estuvieran organizadas cronológicamente, sino por temáticas, como el alma, los sentimientos, etc..

Paris (1986)

El Museo d'Orsay fue originalmente una estación de trenes y un hotel construidos en 1900. Los trenes de la estación eran eléctricos, lo que permitió que el arquitecto cerrara por completo la estación. La arquitectura y sus interiores se conservaron. Sin embargo, la estación dejó de funcionar en 1930 debido a la necesidad de rieles más grandes para los nuevos trenes. En la década de 1970, se comenzó a considerar este lugar como un potencial museo. Se llevó a cabo un concurso de arquitectura en el cual la firma ACT ganó y fue encargada de la renovación de esta estación. El museo se inauguró en 1986 como el primer edificio industrial restaurado convertido en museo.

Pierre-Auguste Renoir (1876)

Édouard Manet (1863)

Edgar Degas (1871 - 1874)

Claude Monet (1873)

Jean-François Millet (1857)

Vincent van Gogh (1889)

Edgar Degas (1858 - 1869)

Émile Bernard (1892)

Claude Monet (1868 - 1869)

Vincent van Gogh (1890)

Desde donde las monjas rezaban. El coro superior e inferior sepan a las monjas (las monjas de abito negro o blanco).

Comparacion con el Extasis de Santa Teresa

Estaba ingiriendo plomo por lo tanto tenian muchas visiones

Desconocido (S.X)

Rey, soldado, militar

Patron de los herreros

Unico cuadro en Latino America de este santo

San Guillermo Aquiteneo se ve vestido con su abito lo cual lo identifica como un santo. Sin embargo, esta juxtapuesto con la armadura en la parte superior de su cuerpo.

Al lado izquierdo del cuadro se puede ver un duablo con 3 mujeres de estan arrastando a una figura (San Guillermo).

En el lado derecho se puede ver una cueva donde San Guillermo se encontro con Cristo (milagro).

Este cuadro, como muchos de esta epoca cuenta el relato completo del santo al cual se esta retratando. Esto me parece algo curioso ya que sintetiza todos la vida de una persona para que la gente pudiera entender a quien le estaba rezando.

Uno de los cuadros en la parte superior es el de Santa Rosa de Lima. Sin embargo, cuando fue restaurada se dieron cuenta que parecia no concordar con esta santa ya que la nina que se ve en el cuadro tiene varias joyas y ademas era demasiado joven. De esta manera, se dieron cuenta que se podia tratar de Antonia Pastrana Cabrera (nina de 15 anos) pero la habian repintado para que fuer Santa Rosa de Lima.

Esto por lo tanto me parecio una cosa muy curiosa. Como en la epoca Colonial debido a la escases de los recursos reutilizaban muchos cuadro (o esculturas) para lo que se necesitaba en el momento.

Unknown (1937 - 1938)

Juan Gris (1926)

Unknown (1935)

Unknown (1939)

Juan Gris (1921)

Unknown (1936)

Unknown (1938)

Madrid (1992)

El Museo Reina Sofia era un antiguo hospital, el cual se adecuo para ser el museo a partir de unas adiciones de torres de vidrio que contienen los ascensores y otras amenidades. Adicionalmente, el museo tenia como proposito recoger gran parte de obras espanolas. Por lo tanto las obras estan organizadas a partir del nacimiento de Picasso. Un dato curioso de este museo es que el museo no organiza cronologicamente las obras de arte, si no que organiza la coleccion a partir de criterios tematicos.

Pablo Picasso (1937)

Oleo sobre lienzo 349x776cm

Pablo Picasso (1937)

Grabado y aguafuerte (NYC)

Pablo Picasso (1937)

Oleo sobre lienzo

60x49cm

Jose Clemente Orozco (1940)

Pintura al fresco

Rembrandt (1628-1629)

Oleo sobre panel

18x22cm

Johannes Vermeer (1969)

Oleo en lienzo

44x38.5 cm

Johannes Vermeer (1658)

Oleo sobre lienzo

44x54cm

La única figura en el cuadro es la cara de un hombre (Rembrandt), fácilmente distinguible debido a que este cuadro busca asemejarse a la realidad. De este modo, las formas presentes en la obra son todas orgánicas para aumentar el realismo. 

Rembrandt utiliza sfumato para crear la ilusión de volumen. Esta técnica, crea contornos poco definidos a partir del uso de múltiples capas delgadas de pintura.

Adicionalmente, se puede ver el uso de claroscuro al tener un contraste entre luz y sombra en la cara del sujeto.

Color

La paleta de colores se compone principalmente de tonos cálidos y cafés, con una saturación baja para reflejar la realidad.El lado izquierdo de la cara está iluminado, en este segmento los colores son más saturados y claros (el rojo de los cachetes). El resto de la cara se mantiene en la penumbra y por lo tanto los colores son de tonalidades más oscuras pero aún cálidas (cafés). Los colores que se encuentran son complementarios, no se utiliza el color para crear contraste sino para representar la realidad. 

Enfasis

El énfasis de la obra es la cara del hombre, determinado por el encuadre y la luz. La cara ocupa la mayoría del espacio del lienzo, destacándose contra un fondo plano de un solo color que no compite por la atención del espectador. La composición es asimétrica, con un mayor peso visual en el lado izquierdo. Así mismo,  se entiende que el rostro es de gran importancia debido a la luz que está apuntando hacia él. 

Balance, Simetría, y Énfasis

El cuadro se trata de una autorretrato de Rembrandt, por lo tanto el énfasis de la obra es la cara del artista. El encuadre que el artista escoge para su autorretrato es de ‘busto’ con su cara en un primer plano y sus hombros inclinados hacia adelante. Adicionalmente, el artista crea un fondo de un solo color lo cual no interfiere con la lectura del rostro y nuevamente resalta su importancia al ser la única figura en el lienzo. 

La obra tiene un balance asimétrico, con mayor parte del peso en el lado izquierdo. La cara está ubicada en el centro de la obra con los hombros en el recuerdo izquierdo inferior. 

La iluminación crea un énfasis en la cara, iluminando el lado izquierdo del rostro mientras que deja el resto en la penumbra. Sin embargo, el lado derecho que se mantiene en la penumbra permite ver ciertos rasgos como la nariz y los ojos.

Reflexion

Considero que la importancia de esta obra va más allá de la técnica y maestría de Rembrandt sino de su habilidad para transmitir emociones. La cara de Rembrandt transmite una profunda introspección y seriedad lo cual revela la manera como el artista se quería presentar al mundo pero también como él se veía.

La obra está compuesta por líneas orgánicas que dan forma a las figuras representadas. El artista utiliza líneas de contorno para separar las figuras humanas del fondo. Los brochazos expresivos se transforman en líneas en la obra. Por ejemplo, el vestido de la mujer a la derecha está representado por líneas de diferentes colores, que crean la sensación de una tela doblada.

Color

La paleta de colores de la obra es cálida, con la mayoría de los tonos derivados del café. Los únicos dos colores que no siguen la tonalidad café son la vestimenta de los personajes, el azul y el rosado. La vestimenta de la "nana" y del niño se destaca con tonos más brillantes, como el azul y el rosado, lo que crea un contraste visual y enfatiza la importancia de estas figuras en la escena. Estos colores seguramente fueron elegidos por su connotación de género (azul para niños y rosado para niñas). A pesar de ello, estos colores no están saturados y mantienen la armonía en el cuadro.

Balance, Simetría, y Énfasis

La obra tiene una distribución equilibrada por lo que se puede dividir la obra en dos. Al dividir la obra se puede notar un mayor peso en el lado derecho debido a la diferencia de tamaño entre las dos personas, siendo la mujer a la derecha el doble de grande que el niño a su izquierda. Sin embargo, la mirada se siente atraída hacia el recuadro izquierdo inferior, donde el niño está en una diagonal jalando a la nana. Se siente el peso de la gravedad actuando sobre el niño, quien además está en un plano más adelante que la nana.

Luz 

La luz de la obra proviene de una fuente externa al recuadro del lienzo iluminando el lado izquierdo de las figuras. En especial se ilumina la cara de la “nana” resaltando su expresión y nuevamente enfatizando su importancia. La luz también se está utilizando para generar volumen en las formas. 

Reflexion

La obra llamó mi atención porque no solo tiene un gran manejo de las técnicas formales, sino que también muestra una escena muy cotidiana. En este aspecto, me pareció muy interesante que el artista retratara esta escena de una manera tan humana. Los dos personajes se ven muy tranquilos y cómodos en esta escena. El artista nos invita a reflexionar sobre el valor de estas cuidadoras (nanas), una figura muy importante y  recurrente en el mundo Latino Americano que cuida de los niños pequeños.

La obra está compuesta por líneas orgánicas que crean una atmósfera natural y armoniosa del paisaje Bretón y de las mujeres. La obra no tiene líneas de contorno que fragmentan el espacio. En cambio, la obra tiene lineas implícitas como la mirada de las mujeres al lado derecho que dirige la mirada hacia el centro (las dos mujeres sentadas). Así mismo la líneas de los paraguas y de la montaña crean un recorrido visual para el espectador y terminan redirigiendo la mira hacia las dos mujeres en el centro.

Forma y figura

Las formas en la obra son todas orgánicas lo cual está en armonía con el sujeto de la obra. Las formas orgánicas y sinuosas crean una atmósfera de tranquilidad

Balance, Simetría, y Énfasis

Al dividir la pintura en los cuatro diferentes recuadros se puede notar que la pintura tiene un balance asimétrico con las dos figuras centrales en el centro y un mayor peso en el lado derecho. No obstante, la pintura se siente balanceada debido a elementos en el fondo de la composición como también los paraguas.

Color 

Émilie Bernard utiliza una paleta de colores con poca saturación y con una tonalidad baja lo cual nuevamente marca una atmósfera calmada en el cuadro. Los colores que predominan al hombre son el verde, café y gris. El paisaje tiene una combinación de colores fríos y cálidos. Solo hay un elemento de color rojo por lo cual el paraguas en el centro de la obra llama la atencion y nuevamente dirige la murada a las dos mujeres en primer plano.

Luz

La luz de la obra proviene de una fuente fuera del lienzo a mano izquierda iluminando claramente la cara de la mujer sentada. Así mismo, se puede entender esta fuente de luz debido a las sobras en el piso generadas por las mujeres. De esta manera la luz se utiliza para enfatizar la importancia de las mujeres al igual que agregar a una atmósfera cálida y de un día en el campo. Los contrastes entre la luz y la sombra también ayudan a entender el espacio.

El cuadro de las "Visiones Místicas de Santa Teresa" está compuesto a partir de líneas orgánicas para representar las figuras humanas y las nubes, y líneas inorgánicas para la arquitectura. De esta manera, el artista no utiliza una sola línea como elemento definitorio de las figuras. En lugar de eso, hay varias líneas implícitas que guían la mirada del espectador hacia Santa Teresa, específicamente hacia su corazón.

 La historia de Santa Teresa gira en torno a una serie de visiones en las que veía a Cristo. En una de estas visiones, sintió un gran dolor en el corazón, que teóricamente estaba conectado con el de Cristo. Esta escena ha sido representada varias veces en cuadros y esculturas, un ejemplo de ello es "El Éxtasis de Santa Teresa" de Bernini. Así, el artista utiliza líneas implícitas hacia el corazón de Santa Teresa, que será perforado por una flecha, siendo esta la única línea inorgánica que claramente guía la mirada. Ejemplos de las líneas implícitas en el cuadro incluyen el brazo del ángel en el cuadrante derecho inferior, la mirada de todos los ángeles en la parte superior e izquierda del cuadro, las diagonales generadas por las nubes que enmarcan a Cristo y guían la mirada hacia Santa Teresa, y finalmente, la mirada de Cristo y la conexión entre Cristo, la paloma y Santa Teresa.

Forma y figura

Las formas que se pueden encontrar en el cuadro son orgánicas. El artista utiliza la técnica del sfumato para generar volumen en las caras y en los cuerpos. 

Balance, Simetría, y Énfasis

La obra es bisimétrica, con un peso similar en los lados izquierdo y derecho (exceptuando el ángel que sostiene la flecha). Los personajes más importantes de la obra están en el centro (Santa Teresa y Cristo), mientras que los ángeles rodean estas figuras por  la parte superior del cuadro. La parte inferior del cuadro es la menos pesada, ya que solo contiene elementos arquitectónicos que ayudan a crear una sensación de espacio.

Color

La obra tiene una paleta de colores oscura, con tonalidades cafés y negras. El contraste entre los valores más claros y oscuros se encuentra en la parte superior del cuadro, con el cielo siendo la zona más clara, aludiendo a algo espiritual y trascendental. El color amarillo claro que se presenta en la parte superior también se puede ver alrededor de la cabeza de Santa Teresa, indicando al espectador su santidad. Además, los colores en la obra son poco saturados, generando una atmósfera sombría y realista.

Proporción y escala

Santa Teresa es la figura más grande del cuadro, jerarquizándola como la más importante. A continuación, los ángeles a los lados de Santa Teresa son los segundos más grandes, pero el artista tomó esta decisión para generar la sensación de profundidad con Cristo en el fondo.

José Solana (1943)

Manuel Ángeles Ortiz (1943-1963)

Óscar Domínguez (1947)

René Magritte (1927)

Olga Sacharoff (1923)

La obra está compuesta por una serie de líneas orgánicas e inorgánicas. Las líneas orgánicas se encuentran en el centro de la composición, mientras que las líneas inorgánicas que forman las ventanas y la mesa están en los costados, creando un encuadre. La ventana izquierda está inclinada hacia la izquierda, generando una diagonal que lleva la mirada hacia el centro de la mesa. Luego, la mirada recorre la diagonal creada por el mango de la guitarra hasta la ventana derecha. Esta ventana conecta la mirada de manera vertical y luego el dintel de la ventana dirige la mirada hacia la izquierda. Las formas en esta obra tienen contornos muy marcados, lo que define los límites de los objetos.

Balance, Simetría y Énfasis:

La obra es más pesada en la parte inferior debido a la distribución de objetos y líneas, creando una sensación de equilibrio visual. La guitarra en el centro de la obra se convierte en el punto de enfoque principal, destacándose por el uso del color rojo, que solo está presente una vez en toda la obra.

Color:

La obra utiliza colores con muy poca saturación, creando una atmósfera calmada y tranquila. Además, se emplean colores cálidos (marrón y rojo) y colores fríos (azul y gris) que se complementan en la composición. Los objetos con tonos cálidos están ubicados en la parte inferior del cuadro y parecen estar más cerca, mientras que los colores fríos están en el fondo o en un segundo plano. Esto sugiere una iluminación artificial (bombilla) en la habitación y la luz del sol que es más blanca y, por lo tanto, proporciona tonos más fríos. La guitarra en el centro del cuadro es el objeto más destacado debido al uso del color rojo, el cual solo aparece una vez en toda la obra.

Espacio:

El artista utiliza la superposición de elementos y su escala para crear la sensación de profundidad en la obra. Los elementos en la parte inferior de la pintura parecen estar más cerca, mientras que los objetos en la parte superior están más lejos. Además, el uso de las ventanas como marcos divide la pintura en dos planos (interior y exterior), lo que contribuye a la percepción del espacio. Por último, los objetos más grandes se encuentran en los recuadros inferiores de la obra, mientras que los objetos más pequeños están en la parte superior, como las montañas y las nubes.

Bogotá (2004)

El Museo de Arte Miguel Urrutia fue construido en 2004 para exhibir exposiciones de artes plásticas en Bogotá. Este museo no cuenta con una colección permanente propia pero reúne obras de la Colección de Arte del Banco de la República. El diseño del edificio fue de Enrique Triana Uribe quien recibió el Premio Nacional de Arquitectura por este diseño. 

El edificio siempre me ha parecido muy interesante cuando yuxtapuesto por las casas en su entorno y la biblioteca Luis Angel Arango en su frente. El edificio es muy poco pretensioso con muy pocos elementos arquitectónicos que lo hacen sobresalir (desde el diseño a la materialidad). Sin embargo, esta es de mis cosas favoritas. El edificio no busca imponerse en el espacio sino ofrecerse para el público. La plaza en la entrada hace esto de una manera muy eficaz, siendo totalmente pública pero parte del museo. Así mismo, uno debe descender para entrar al edificio lo cual es un acto de humildad en sí mismo como también una estrategia para conservar una baja altura.

Obra para reclamar sobre el despojo de las tierras de los indigenas para crear un ferrocarril o un monocultivo. La firma se utiliza para resaltar la importancia de este tema cómo desde la legalidad. Es un artista indígena el cual consiguió este alambre de púas de terrenos que antes les pertenecían a los indigenas.

Debate de cuál es la diferencia entre un campesino y un indígena. La más grande diferencia en este caso es su relación con la tierra. Los indigenas consideran que la tierra les pertenece mientras que los campesinos consideran la tierra como una tenencia.

Este cuadro demuestra una de las maneras en las cuales se pensaba sobre los indigenas. Los colonizadores consideraban que los indigenas "no saben" lo que es bueno para ellos. Entonces tocaba colonizarlos para que sus almas se puedan salvar.

La obra está compuesta por líneas orgánicas que crean una atmósfera y aluden a la naturaleza, acorde con el tema de la obra. La figura principal, la mujer de espaldas, tiene líneas de contorno oscuras que destacan las diferentes partes del cuerpo. Además, el artista utiliza las líneas para dar textura a la tela en la parte inferior del cuadro. Los troncos de los árboles en la parte trasera de la escena también están formados por líneas verticales, transmitiendo orden en la pieza. Las líneas implícitas en la obra como el brazo de la mujer que conecta el cuadrante izquierdo inferior con el cuadrante derecho superior ayudan a guiar visualmente a través de la obra, creando un recorrido desde la cabeza hasta los pies y luego diagonalmente hacia la cabeza nuevamente. Asimismo, en el cuadrante superior izquierdo, se observa cómo las ramas de los árboles apuntan hacia la cabeza de la mujer, lo que, mediante líneas implícitas, resalta la importancia y el énfasis en la figura femenina.

Color

La obra presenta una paleta de colores poco saturada pero contrastante. La mujer tiene un tono de piel anaranjado, mientras que el fondo exhibe tonos azules y verdes. El naranja y el azul son colores complementarios, generando contraste al colocarlos uno al lado del otro. Aunque el fondo azul es un color frío, el tono de piel de la mujer, debido a la mezcla con tonos más azules, adquiere una calidad fría. Los colores en la obra son poco saturados, contribuyendo a la atmósfera general.

Forma y figura

Las figuras en la obra son orgánicas, con formas curvas y sinuosas que se asemejan a elementos naturales, en consonancia con las líneas.

Espacio

La figura humana es la más grande en la obra, mientras que los árboles en el fondo son considerablemente más pequeños. Este juego de escala crea una sensación de espacio y profundidad. Al representar los árboles tan pequeños, se sugiere que están alejados en la profundidad. Además, el artista muestra la totalidad de los árboles, no solo sus troncos, añadiendo formas más sinuosas a la composición.

Variedad y repetición

La obra destaca por tener solo una figura humana, resaltando su importancia, mientras que el fondo presenta una serie de árboles repetidos. Aunque los árboles tienen formas complejas y son de altura similar a la mujer, no se convierten en protagonistas de la obra debido a su repetición.

Balance y simetria

La obra es asimétrica, con un peso mayor en el lado derecho, captando la atención del espectador hacia ese punto. Sin embargo, el fondo contiene varios elementos que contribuyen a crear un equilibrio dentro de la composición.

Bogotá (1647)

El Museo Iglesia de Santa Clara era el antiguo Real Convento de Santa Clara construido en 1647. El edificio se encuentra en el centro histórico de Bogotá frente al ayuntamiento. El museo es considerado como un edificio representativo de la arquitectura colonial de Bogotá. 

El edificio tiene ciertos aspectos que me recuerdan a la arquitectura románica, donde la piedra es la protagonista de la arquitectura misma. Además la ventanas pequeñas también me recuerda un poco a esta época aunque es muy diferente que estas ventanas están posicionadas en la parte superior de la iglesia lo cual ilumina el interior con una luz cenital que asemeja una luz divina y conecta con la espiritualidad. 

Cuando nosotros fuimos a este museo, caminamos desde la universidad lo que implicó pasar por la Candelaria, el Centro Garcia Marquez  y la Plaza Bolívar hasta llegar a la iglesia. Este trayecto me pareció muy lindo y acorde para después llegar a este lugar histórico. 

El edificio era también un convento, para las monjas franciscanas. Esto se puede notar porque tiene una celosía en la parte de atrás del claustro lo cual implica que la entrada a la iglesia está en la parte izquierda de la nave (se acostumbra que esté en la parte de atrás). Me pareció extremadamente interesante el hecho que los cuadros que se encontraban en el museo no eran originales del lugar y por lo tanto es solo una imitación de lo que se cree que era el lugar.