| Skrik

작가

 | 뭉크

종류

 | 템페라화

크기

 | 83.5×66㎝

제작년도

 | 1893년

노르웨이의 표현주의 화가 뭉크의 1893년 작품으로, 오슬로 뭉크미술관에 소장되어 있다. 뭉크의 작품들 중 가장 표현성이 강하며, 널리 알려진 작품이다.

같은 주제를 그린 소묘 작품에는 뭉크의 다음과 같은 글이 덧붙여 있다. "두 친구와 함께 산책을 나갔다. 햇살이 쏟아져내렸다. 그때 갑자기 하늘이 핏빛처럼 붉어졌고 나는 한 줄기 우울을 느꼈다. 친구들은 저 앞으로 걸어가고 있었고 나만이 공포에 떨며 홀로 서 있었다. 마치 강력하고 무한한 절규가 대자연을 가로질러가는 것 같았다."

《절망》이라는 작품에서 보여주었던 남성의 형상이 이 그림에서는 유령 같은 모습의 인간으로 표출되었다. 전율하며 양손을 얼굴에 대고 있는 이 인물은 화면의 아래쪽에 위치하여 정면으로 관객을 향하고 있다. 그의 해골 같은 얼굴에는 공포에 찬 절규가, 찢어지는 듯한 비명이 흘러나온다.

배경 화면의 구성을 대담하게 사선으로 처리하였으며, 얼굴선의 동적인 처리와 빨강·노랑·파랑의 삼원색에 맞추어진 배색 등으로 형식적인 면에서 더욱 강렬한 효과를 나타낸다. 붉은 구름은 마치 불타고 있는 것처럼 공포스러운 화면 효과를 나타내며 절망적인 심리상태를 표현하고 있다.

뭉크는 보는 이들의 감성을 집요하게 자극하며 회화라는 양식을 통해 자신의 인생관을 표현한 화가이다. 그리고 작품을 통하여 인간의 내적인 감정을 전달하기 위해 강렬한 색채와 형태의 왜곡, 율동하는 듯한 선 등의 표현 방법을 사용하였다. 이 그림에서 인물은 병마에 시달리는 환자의 모습 또는 유령처럼 표현되고 있는데, 뭉크는 깊은 좌절에 빠진 사람을 좀더 극적으로 표현하기 위해 이러한 형태의 왜곡을 사용하였다.

작가 | 살바도르 달리
재료 | 캔버스에 유화
크기 | 24.1x33cm
제작년도 | 1931년
소장 | 뉴욕 현대미술관

살바도르 달리는 에스파냐 태생의 미국 화가로 초현실주의를 대표하는 화가이다.  이른바 ‘초현실주의’ 작가 중 주요한 인물로 우리에게도 널리 알려져 있다. 그는 꿈을 꾸는 듯한, 현실에서는 시각으로 나타날 수 없는 기묘함을 캔버스에 그려낸 작가다.  이에 연상되는 대로 표현하는 자동 기술법이 대표적인 표현 기법으로 사용되었다.

맨 윗부분에는 밝고 아득한 바다가 있고 그 옆에는 깎아지른 절벽이 있다. 아래에는 약간 어두운 빛의 지속되는 평원의 풍경이 있다. 왼쪽에는 관 모양의 거대한 상자가 있으며 마치 상자에서 자라는 듯한 가지만 남은 죽은 나무가 있다. 

흐물거리는 시계가 3개 있는데 하나는 나무에 걸려 있고 다른 하나는 상자에 반쯤 걸쳐 있다. 나머지는 죽은 말인지 아니면 어떤이의 눈썹이 있는 얼굴 반쪽인지 모를 곳에 얹혀 있다. 유일하게 정상적인 형태의 시계는 상자 안에 들어 있다. 그러나 자세히 보면 시계 안에는 개미들이 있고 상자에 걸려 있는 시계에도 파리 한 마리가 앉아 있다. 

달리가 그린 초현실주의 그림 중의 대표작이다. 전체적으로 구성 요소들을 왜곡하여 무시무시한 분위기를 연출하였다. 꿈이라는무의식 속에 나타난 잠재된 욕망을 이같은 불길한 물체들로서 표현하였다. 영원과 소멸에 대해 인간이 가지고 있는 신비로운 의식을 드러낸 작품이다.

제작연도 – 1951년

작품명 – 유혹자 

종류 – 유화 

크기 – 50 * 60cm

재료 – 캔버스에 유채

르네 마그리트는 벨기에의 화가로 처음에는 키리코풍의 괴상한 물체 풍경을 그렸다. 1936년경부터 이미 데페이스망보다도 고립된 물체 자체의 불가사의한 힘을 끄집어 내는 듯한, 독특한 세계를 그리기 시작했다.

이 작품은 바다 위를 항해하는 한 척의 범선을 소재로 하고 있다. 그러나 매우 사실적으로 표현된 바다와 구름과는 달리 배의 모습은 형상만이 남아있다. 응당 배가 있어야 할 자리에는 공간이 잘려진 듯 비어있으며, 그 자리를 바다 물결의 모습이 채우고 있다. 그림을 바라보는 사람은 자연스럽게 물결로 그려진 범선이 무엇인지, 어떻게 이런 상황이 가능한 것인지 당혹감을 느끼게 된다. 마그리트는 이 같은 작품이 사람들에게 ‘낯섦’을 전하길 원했으며, 그를 통해 논리로는 다다를 수 없는 세계를 탐구하려 했다. 실제로 마그리트를 비롯한 대다수의 초현실주의자들은 제1차 세계대전 이전의 이성주의가 전쟁으로 이어졌다고 여겼으며, 그 대칭점에 서 있는 무의식적 영역을 탐구했다. 그리고 자신들의 작품이 만들어내는 작품 속 공간에서, 이성의 세계와 ‘초현실’의 세계를 결합하기 위해 노력했다. 마그리트의 그림이 처음에는 뭔가 깔끔해 보여서 눈에 띄었었다. 다른 작품들을 보는데 무슨 이유인지 잘 모르겠으나 이끌렸다.

캔버스에 유채



르네 마그리트는 벨기에의 화가로 처음에는 키리코풍의 괴상한 물체 풍경을 그렸다. 1936년경부터 이미 데페이스망보다도 고립된 물체 자체의 불가사의한 힘을 끄집어 내는 듯한, 독특한 세계를 그리기 시작했다.



이 작품은 바다 위를 항해하는 한 척의 범선을 소재로 하고 있다. 그러나 매우 사실적으로 표현된 바다와 구름과는 달리 배의 모습은 형상만이 남아있다. 응당 배가 있어야 할 자리에는 공간이 잘려진 듯 비어있으며, 그 자리를 바다 물결의 모습이 채우고 있다. 그림을 바라보는 사람은 자연스럽게 물결로 그려진 범선이 무엇인지, 어떻게 이런 상황이 가능한 것인지 당혹감을 느끼게 된다. 마그리트는 이 같은 작품이 사람들에게 ‘낯섦’을 전하길 원했으며, 그를 통해 논리로는 다다를 수 없는 세계를 탐구하려 했다. 실제로 마그리트를 비롯한 대다수의 초현실주의자들은 제1차 세계대전 이전의 이성주의가 전쟁으로 이어졌다고 여겼으며, 그 대칭점에 서 있는 무의식적 영역을 탐구했다. 그리고 자신들의 작품이 만들어내는 작품 속 공간에서, 이성의 세계와 ‘초현실’의 세계를 결합하기 위해 노력했다. 마그리트의 그림이 처음에는 뭔가 깔끔해 보여서 눈에 띄었었다. 다른 작품들을 보는데 무슨 이유인지 잘 모르겠으나 이끌렸다.

81*65.5 cm

1888년 9월

캔버스 천 위에 유화물감

고흐의 기법은 다른 화가들처럼 팔레트에 물감을 부드럽게 섞어서 쓰는 방법 대신 캔버스에 직접 물감을 짜서 붓으로 거칠게 칠하거나 분산시키는 독특한 방식으로 그림을 그렸으며, 색을 섞지 않고 원색 그대로 사용했습니다.

1853년에 네덜란드에서 태어나서 27부터 그림을 그리기 시작하였고 37살이었던 1890년 생을 마감했다.

작품의 색채가 알록달록 하여서 밤 같으면서 밤 같지 않을 느낌을 주는것이 너무 신기하다.

옮기는 작업에 들어갔습니다.1962년 전쟁 만화책에 나온 이미지를 보고 영감을 얻어 이를 변형하여 작품화하였다.
8.그의 작품은 패러디를 통해 팝아트의 전제를 규정했다. 만화에 영감을 받은 리히텐슈타인은 작품들이 종종 장난스러운 방식으로 모방되는 동안에 문서화된 정확한 구도를 만들어냈다. 그의 작품은 인기있는 광고와 만화책 스타일에 영향을 받았다. 그는 팝아트가 '미국 그림 (American painting)' 이 아니라 '산업 그림 (industrial painting)'이라고 묘사했다. 

9.내가 만화를 좋아하는데 그의 팝아트는 대중만화를 화폭에 옮긴것이 다른 작품들보다 재밌게 볼수있어 좋았다

 | 장 프랑수아 밀레

종류

 | 캔버스에 유화

크기

 | 83.82×111.76cm

제작년도

 | 1857년

추수가 끝난 황금빛 들판에서 이삭을 줍고 있는 나이 든 세 농촌 여인의 모습을 그린 작품이다. 그림의 앞부분은 농촌의 실제 생활을, 뒷부분은 아름다운 자연과 목가적인 농촌을 그렸다. 일하는 사람들의 움직임과 소란스러움은 멀리 원경으로 밀려나 있으므로 화면은 깊은 정적에 잠겨 있어 세 사람의 모습에서는 엄숙함까지 느껴진다.

두 여인은 허리를 굽혀 땅에 떨어진 이삭을 줍고, 한 여인은 자신이 모은 이삭들을 간수하고 있다. 시선은 오른쪽 끝 여인에게서 왼쪽의 두 여인에게로 부드럽게 흘러가서 세 사람을 한 무리로 파악하고 있다. 그 배경에는 엷은 구름이 낀 하늘 아래 높이 쌓인 수확물들이 길게 늘어져 고전적인 풍경을 이루고, 오른쪽 건물 앞에는 말에 탄 지주가 일꾼들을 지켜보고 있다.

밀레는 퐁텐블로 숲 근처의 샤이이 농장에서 일하는 사람들을 그렸는데, 이 그림에서 보는 것처럼 추수하면서 땅에 흘린 이삭을 주워 가져가는 것은 당시의 농촌 사회에서 널리 인정된 권리였다.

노르망디의 가난한 시골 농가에서 태어나 젊은 시절 가난한 생활을 했던 밀레는 과장하거나 감상도 섞지 않고, 일하는 농민의 모습을 종교적인 분위기로 심화시켜 소박한 아름다움으로 표현하였다.

당시 비평가들은 농민의 모습만을 계속 그리는 밀레를 사회주의자라고 비난하였으며, 1857년 살롱에 이 작품이 전시되었을 때도 농사 일을 하는 가난한 여인들의 모습이 지나치게 거만하게 표현되었다거나 '하층민의 운명의 세 여신'이라는 비평을 받았다. 밀레는 물론 정치적인 이유에서 농촌에서 일하는 사람들을 그린 것은 아니었으며, 스스로 가난한 생활을 체험해 보았기 때문에 인간을 미화하거나 이상화할 수 없었다.

작가 | 살바도르 달리
재료 | 캔버스에 유화
크기 | 24.1x33cm
제작년도 | 1931년

살바도르 달리는 초현실 주의 작가이다. 그는 꿈을 꾸는 듯한, 현실에서는 시각으로 나타날 수 없는 기묘함을 캔버스에 그려낸 작가다.  이에 연상되는 대로 표현하는 자동 기술법이 대표적인 표현 기법으로 사용되었다.

맨 윗부분에는 밝고 아득한 바다가 있고 그 옆에는 깎아지른 절벽이 있다. 아래에는 약간 어두운 빛의 지속되는 평원의 풍경이 있다. 왼쪽에는 관 모양의 거대한 상자가 있으며 마치 상자에서 자라는 듯한 가지만 남은 죽은 나무가 있다. 

흐물거리는 시계가 3개 있는데 하나는 나무에 걸려 있고 다른 하나는 상자에 반쯤 걸쳐 있다. 나머지는 죽은 말인지 아니면 어떤이의 눈썹이 있는 얼굴 반쪽인지 모를 곳에 얹혀 있다. 유일하게 정상적인 형태의 시계는 상자 안에 들어 있다. 그러나 자세히 보면 시계 안에는 개미들이 있고 상자에 걸려 있는 시계에도 파리 한 마리가 앉아 있다. 

전체적으로 구성 요소들을 왜곡하여 무시무시한 분위기를 연출하였다. 꿈이라는무의식 속에 나타난 잠재된 욕망을 이같은 불길한 물체들로서 표현하였다. 또한 시계의 크기는 산보다 작지만 화면 내의 시계의 크기는 산과 비슷하다. 이는 크기에 의한 공간감으로서 뒤에 있는 물체는 앞에 있는 물체 보다 작다는 관념적 이론을 그림에 투영시킨 결과물이다.

작품에 대한 조사를 하면서 느낀 점은 이 작품은 미술을 모르는 나도 멋진 그림인것 같았고 미술에 대해 흥미를 느꼈습니다.

작가 설명
처음에는 인상주의 화가로 불리며 풍경화보다는 인물화를 아름답고 따뜻하게 그렸다
40대에는 선의 중요성을 인정하고 윤곽선을 강조하고 자신이 표현하고자 하는 것들을 자신만의 인상주의적 표현들도 살짝 넣으면서 자신의 그림을 그렸다 대표적으로 '우산'이라는 작품이 윤곽선이 살아있는 그림을 그려내면서 자신만의  새로운 것들을 그리고 실험했다
그 후 10년 뒤에는 가정의 모습을ㄹ 그렸는데
이런 그림에서는 배경의 색과 인물의 색의 대비를 이용한 작품을 그리게 된다
루느와르는 시간이 지나면서 뚜렷한 윤곽이나 섬세한 묘사보다는 색감이 주는 아름다움에 더 집중을 한 화가였다
특히 여성을 모델이 발산하는 툭유의  부드러움과 아름다움을 표현하는 데 아주 능숙했다
말년에는 손에 관절염이 왔는데도 불구하고 약 400점에 그림을 더 그려냈다

느낀점
처음 작품을 봤을때에는 색채가 따뜻하고 포근한 느낌이 들었다
조사를 하면서 점점 더 많은 작품을 봤고 자세하게 보았을 때는 그림의 선들이 항상 다 똑같지 않고 다른 그림도 있었던 것이 르누와르가 다양한 그림을 시도했구나 를 느꼈다
또한 비극적인 그림이 없고 화사하고 기분이 좋아지는 그림들 덕에 재밌는 작품 감상이었다