El instrumento representado en el cuadro es un violín barroco. Las características del mismo son:
- El mango es más corto y más ancho que en el violín moderno por lo que la vibración de las cuerdas tienen menos amplitud.

- El mástil está sujeto por clavos  previamente puestos al fuego, para penetrar la madera sin fisurarla.  

- Las cuerdas son de tripa para obtener un sonido más cálido.

- La barra armónica es más corta y más delgada.

- El diapasón  suele ser más delgado y más fino que en el violín clásico y normalmente se fabricaba en boj.

- El arco es más ligero y tiene una forma y longitud distinta.

- La mentonera no existe.

A continuación dejo un link del Concerto en la menor de Antonio Vivaldi para violín. Esta obra está  compuesta por tres partes (Allegro, Adagio y Presto) y  es un reto para violinistas. Un violín solista da la voz principal mientras que una orquestra de fondo da el acompañamiento.

https://www.youtube.com/watch?v=v1jK2Gths2M

De: Lucas Arnáiz García 3ºA

 
https://www.youtube.com/watch?v=wyHBbg_uFkw

Arrate Urdiales Díaz.

Funciona con un mecanismo de tangentes en el que una púa metálica divide la cuerda en dos. Se obtienen los distintos sonidos según el punto de la cuerda que ataques. La altura de la nota está determinada por la longitud del extremo separado que se pone en vibración. El otro lado de la cuerda queda apagado por un fieltro. El hecho de no necesitar una cuerda para cada sonido, y la disposición de estas, hace que sea un instrumento pequeño en comparación con los claves. Tiene la tecla conectada a la púa de manera directa a través de una palanca, por lo que se puede modular el sonido, conseguir distintas dinámicas e incluso vibratos. Las cuerdas son dobles, y aumentan la sonoridad del instrumento.

Hay dos tipos de clavicordios, según el número de teclas asociadas a una misma cuerda:

-  Clavicordios ligados

Pueden tener hasta cinco teclas por cuerda en sucesión cromática, por lo que no se pueden tocar sonidos adyacentes a la vez. Son los primeros clavicordios. Tienen en total cinco cuerdas dobles.

-  Clavicordios independientes

Tiene asignadas una o dos cuerdas por tecla, por lo que se pueden tocar a la vez tantas notas como tenga el instrumento.
INTERPRETACIÓN EN UN CLAVICORDIO ORIGINAL DE 1620:
https://youtu.be/EL8vMv8V-_w
Bibliografía:
https://www.wikiart.org/es/gerrit-dou/a-lady-playing-the-clavichord
https://miguelmorateorganologia.wordpress.com/clavicordio/
Elena Ruiz Ruiz 3ºA

La afinación de un laúd fue reconocido por los espectadores contemporáneos como un símbolo de la templanza. Está pintado al óleo sobre lienzo en un tamaño de 51,4 cm de alto por 45,7 cm de ancho.

La obra fue pintada probablemente poco después de Mujer con una jarra de agua , (obra que se halla en el mismo museo) y que comparte con la pintura algunas semejanzas, como su forma de encuadre rectangular de la figura, o el situar el foco de luz a la izquierda del espectador.​ Pero esta pintura tiene tonos más apagados, lo que refleja un cambio en esa dirección de Vermeer a mediados de los años 1660. En este momento, Vermeer comenzó a utilizar las sombras y contornos suaves que evocan una atmósfera de mayor intimidad.

La pintura se donó al museo en 1900 por un legado de industrial del ferrocarril Collis P. Huntington. En una restauración de 1944 quedaron al descubierto el collar y la perla en la oreja de la modelo. 

https://www.youtube.com/watch?v=zhgBjbEsvco

Los músicos utilizaban el arco de un instrumento de origen africano llamado rabab. Curiosamente, el Rabab era mucho más parecido a un instrumento de cuerda pulsada, se tomaba igual que una guitarra y se deslizaba el arco en forma vertical; por esa razón, la viola de gamba está más relacionada con la guitarra española que con el violín. 
La viola de gamba se llamaba vihuela d’arco y tenía un puente plano que permitía tocar todas las cuerdas a la vez.  Con el tiempo se modificó, cambiando el puente a uno redondeado que permitía tocar una cuerda a la vez y se comenzó a ubicar de manera vertical, también se le agregaron trastes haciéndose muy parecida a un instrumento de cuerda pulsada. La viola de gamba se hizo muy popular pero por los siglos XVIII y XIX comenzó a disminuir su actividad debido al desplazamiento de los nobles en Europa tras revoluciones y movimientos populares, dado que la gamba se asociaba a la nobleza y la aristocracia, fue eliminada del mapa.
El sonido de la viola de gamba es uno de los más bellos y melancólicos que se puedan producir. 
 La viola de gamba tiene una estructura muy similar al contrabajo (miembro de la familia del violín).

Consiste en una caja de resonancia con fondo plano y tapa armónica abombada. Las tapas están unidas por los arcos, que le dan una curvatura no tan pronunciada como la del violín. En la parte superior es de hombros caídos y con una orientación hacia el mango. Sobre la tapa armónica se encuentras los oídos que en el caso de la viola de gamba son en forma de C. En la tapa también se encuentra el cordal, que retiene las seis o siete cuerdas del instrumento y el puente, que las sostiene en alto. El diapasón de la viola de gamba presenta siete trastes y termina el clavijero, que posee una voluta que generalmente tiene forma de rostro femenino. En el interior, existen dos estructuras que permiten el sonido de la viola de gamba: la barra de bajos, que corre a lo largo de las cuerdas bajas, y el alma que se encuentra debajo de puente. Las cuerdas de la viola de gamba son más finas y menos tensadas que las de la familia del violín.  la viola da gamba se fabricaba en todos los tamaños, y con 4, 5, 6 y hasta 7 cuerdas, pero cuando se habla del instrumento,  nos referimos a la viola da gamba bajo, el equivalente al violonchelo, pero con 6 cuerdas.
 Los intérpretes del instrumento de más fama eran los virtuosos de la época, hasta  la muerte de Bach.
 La forma de tocar una viola es poniéndola entre las rodillas, sin que toque el suelo: “gamba” se refiere a las piernas o los muslos.
En la antigüedad se tomaba con la palma de la mano hacia arriba; actualmente, se toma de la misma manera, para respetar la ejecución de la época. Los compositores de obras para violas de gamba, destacan artistas como Henry Purcell, Sainte Colombe, Marin Marais,  Antoine Forqueray, Diego Ortiz y Johann Sebastian Bach...entre otros.
 

 

La tiorba se desarrolló en Florencia alrededor de 1580,  continuó en uso hasta entrado el siglo XVIII, principalmente para acompañamiento vocal o como parte del continuo.
Sobrevive muy poca música para tiorba sola.
 En Italia existirá un instrumento variante de la tiorba llamado Chitarrone.


https://www.youtube.com/watch?v=sCRAY8WFDRo

María Fuente Sagredo 3ºA

El precursor del laúd tenía la tapa hecha de piel, luego en el siglo VII se la reemplazo con madera en su mitad superior, en donde llevaba una roseta, la mitad inferior seguía cubriéndose con cuero , este instrumento  se  llamó al’oud
(en madera ) término que se trastocó en Laúd cuyas cuerdas se amarraban al borde inferior del instrumento. A fines del siglo VII o principios del VIII se reemplazó su tapa enteramente con madera y se le adicionaron otras dos rosetas , se dotó con puente para las cuerdas tal como se dibujó en las primeras descripciones de instrumentos moros en España.
El laúd fijó su forma clásica en torno al año 1500. Tiene una tapa plana de abeto y un fondo en forma de pera, profundo y muy ligero, formado por estrechos gajos de madera pegados entre ellos por sus lados, y de siete a diez trastes de tripa alrededor del mástil. Seis pares de cuerdas (cuerdas dobles) van desde las clavijas (colocadas en un clavijero doblado en ángulo hacia atrás del mástil), al puente pegado en la tapa.
ARIANA CANELO 3ºA
http://www.el-atril.com/orquesta/Instrumentos/Laud.htm

La flauta dulce contralto fue la que tuvo más protagonismo en esta época especialmente a finales del siglo XVII, sobre todo en lo concerniente a música de cámara y solista.

https://www.youtube.com/watch?v=MImfmk-YSys
http://www.flautadulce.net/historia-de-la-flauta-dulce
Isra 3ºB

Su nacimiento tuvo lugar posiblemente en las civilizaciones de Mesopotamia, Babilonia e Isin.
La lengüeta, elaborada en bambú, obtuvo una verdadera importancia.
Estos instrumentos rudimentarios los tocaban los bufones y los juglares, junto con otros de cuerda o de viento, tales como violas, rebecs, mandoras, laúdes, fídulas, caramillos y flautas.
Henry Purcell compuso por primera vez para oboe en 1681 y lo emplearía regularmente en sus obras.
James Talbot hizo la descripción de este oboe barroco: contaba con seis orificios, tres para cada mano. Los orificios correspondientes al tercer dedo de la mano izquierda y al primero de la derecha eran dobles (dos agujeros pequeños juntos en vez de uno normal), o sea, las notas fa, fa♯, sol, sol♯. Tenía un par de llaves pequeñas cerradas para el re3 y una simple para el do3. La campana presentaba dos orificios para la afinación.
Estaban fabricados con madera de boj, arce, ciruelo, cedro, peral, y más modernamente de ébano.
A partir de 1730 el taladro del oboe empezó a estrecharse con respecto de los modelos que podemos denominar plenamente barrocos.
En cuanto a la caña que se usaba, se sabe bien poco, aunque esto es inevitable considerando la delicadeza de su estructura y la naturaleza perecedera de su material. Lo máximo que se ha podido recoger de algunas ilustraciones es que las cañas antiguas eran, en comparación con las actuales, bastante anchas en cuanto a su longitud y en su forma de cuña.
 El oboe pronto alcanzó un protagonismo claro gracias a las aportaciones de Johann Sebastian Bach (1685-1750), Georg Friedrich Händel (1685-1759), Jean Baptiste Loeillet de Gante (1688-1750), Georg Philipp Telemann (1681-1787), Jan Dismas Zelenka (1679-1745), entre otros. El instrumento llega a su madurez gracias a Ludwig August Lebrun (1752-1790), un compositor e importante oboísta de la orquesta de Mannheim, quien le dedicó numerosos conciertos.

Alba Mª López 3ºA