Nesta pintura podemos observar três jovens, duas mulheres lado a lado e um homem mais para trás, que estão sentados numa grande pedra perto do mar, os seus vultos estão voltados contra o céu enquanto observam a lua subindo para leste acima de algumas nuvens. Mais longe podemos ver também dois veleiros em direção às pessoas na costa. A pintura é provavelmente uma vista do Mar Báltico, perto do local de nascimento de Friedrich na Pomerânia Sueca. Todos estes elementos naturais e as suas cores e dramatismo infuenciam-nos para reconhecermos imediatamente esta pintura do Romantismo.

A obra foi encomendada pelo banqueiro e colecionador de arte Joachim Wagener, juntamente com uma segunda obra, "A Árvore Solitária" para criar um par de "tempos do dia", retratando cenas de paisagem matinal e noturna. Foi concluída antes de novembro de 1822 e foi realizada pela Galeria Nacional de Berlim desde 1861, doada por Wagener como parte de sua coleção fundadora. Está agora na Alte Nationalgalerie do Staatliche Museen, Berlim. 

Ana de Lurdes nº2 e Ana Francisca nº3 11B

Bruno Pereira nº9 e Maria Ferreira nº15

Coubert interessou-se desde cedo pelo desenho e pela política. Por volta dos 13 anos começou a sua formação artística com a sua primeira aula de pintura instruída por um artista da cidade. Ao longo dos anos Gustave desenvolveu cada vez mais o gosto e dedicação pela arte. É nesta altura da sua vida que o mesmo decide mudar-se para Paris, onde fazia visitas recorrentes ao Museu do Louvre. Com a regularidade destas visitas, a sua cultura visual foi aumentando e Courbet começou a fazer copias de alguns dos quadros que observava no museu, tais como, os quadros de Caravaggio, Rubens, Zurbarán e Rembrandt.

Nesta altura Gustave desenvolveu uma pintura mais virada para si mesmo. Ele pintava figuras masculinas, com mais pormenores, e concentrava-se principalmente para os autorretratos. Um bom exemplo destes auto retratos é o seu celebre quadro “The Desperate man”. 

Este quadro encontra-se entre as 50 obras mais famosas do mundo. Neste autorretrato, com o rosto quadrado em close-up, o pintor encontra-se a olhar para o observador, em um estado que aparenta ser desespero, com as mãos sobre os cabelos escuros e os tendões das mãos e dos pulsos, assim como os do pescoço tensos, como se estivesse a pedir ajuda ou por socorro. Apesar deste estado emotivo, o homem permanece belo e a sua beleza ameniza o desespero, tornando-se impossível para o observador não a notar. Tendo em atenção os detalhes, podemos observar que nesta pintura, o homem encontra-se com grandes olhos escuros abertos, sobrancelhas grossas e bem feitas, testa contraída, bochechas coradas, que se contrapõem à palidez do rosto, bigode e barbichas negros, boca carnuda vermelha, entreaberta, e narinas dilatadas.

A fonte de luz, dando a entender que está a ser empurrado para a frente, vem da direita e despeja a claridade sobre o retratado e, ao invés de Courbet mostrar um retrato tradicionalmente vertical, ele decide usar o formato de paisagem, sendo assim retangular e horizontal, criando um espaço maior para a abertura dos braços com o seu gesto aflitivo.

Deste modo, podemos visualizar o feixe heterogêneo do estilo das pinturas do período do Romantismo, cujo ênfase estava na expressão de visões pessoais fortemente coloridas pela emoção dramática e irracional e como uma reação ao equilíbrio, impessoalidade, racionalidade e sobriedade do classicismo.

Courbet foi um pintor realista que não gostava de nenhum tipo de pintura vinda da imaginação, dos sonhos ou mesmo da literatura. Através das suas pinturas representava a vida que encontrava á sua volta. Este, tinha principal atenção ás questões relacionadas com a vida dos camponeses, como questões relacionadas com a pobreza e com as condições de trabalho. A sua pintura foi marcada por pinceladas fortes com textura, com forma e baseadas no dia a dia. 

 
Luana Cunha Nº13
Rosana Mendes Nº19

Salientam-se algumas caraterísticas românticas nesta pintura de Goya, fazendo-nos lembrar da obra de Pablo Picasso intitulada "Guernica", que retratou a colossal tragédia da guerra civil espanhola.

Este quadro foi realizado em 1814, tem como técnica a pintura a óleo sobre uma tela de 268 por 347 centímetros no estilo artístico romântico, e é uma das pérolas do Museu do Prado em Madrid.
Esta pintura reflete o período entre 1810 e 1814 em que Goya pintou os desastres da guerra que ele mesmo presenciou, com isto pintou a sua impressão pessoal do ambiente sentido naquela noite de chacina.
Pouco tempo após a derrota de Napoleão Bonaparte, a 9 de março de 1814, o Concelho Espanhol convidou Goya a pintar os episódios mais memoráveis da rebelião espanhola contra Napoleão. O artista optou por realizar duas grandes telas sobre essa revolta, sendo esta 1 delas.
Este quadro foi pintado de forma totalmente anti-retórica: com um charco de sangue no canto esquerdo da obra, com três cadáveres no chão, enquanto um frade e alguns camponeses desesperados porque temem o pior, á esquerda dos camponeses existe uma outra fila de condenados que irão morrer. É noite, o céu escuro contrasta a capital de Madri no fundo da pintura, em primeiro plano, os condenados estão rodeados de sombras projetadas de encontro ao muro por uma lanterna á frente das tropas Francesas.
A luz projetada pela lanterna, foca no camponês com a camisola branca com os braços abertos que desafia os soldados Franceses que estão curvados e fixos no ponto de mira, enquanto o frade reza e os restantes condenados fazem gestos de desespero, numa atmosfera ainda mais gélida, devido ao sangue que se espalha pelo chão e que chega aos pés dos algozes.
Realçam-se, na pintura, elementos simbólicos bastante relevantes, como sejam o frade tonsurado, que traduz implicitamente o apoio da Igreja Católica, em Espanha, à resistência dos madrilenos e a figura central, com uma camisa branca e os braços levantados em sinal de rendição, que muitos associam a Jesus Cristo crucificado devido à sua posição de braços abertos e aos estigmas nas palmas das mãos.

Aparecem como traços distintivos também desta pintura: o horror sanguinário do grupo de madrilenos já fuzilados, a iluminação com um laternim gigante das figuras, que estavam prestes a ser fuziladas e se encontravam desesperadas, como se observa nas suas fisionomias de terror, escondendo-se alguns atrás de outros e vários atrás das mãos, para não verem a cena terrífica dos mortos estendidos no chão e o grupo anónimo dos carrascos do exército imperial napoleónico com armas apontadas aos camponeses.
Em suma, trata-se de uma obra-prima da pintura universal do pintor espanhol Francisco Goya, que retratou, com espírito romântico, a tragédia das tropas imperiais napoleónicas a espalharem os seus ideais liberais na ponta das armas, violentando as populações ocupadas com a brutalidade de um fuzilamento, mas, na verdade, a esconder interesses geopolíticos.

Rafael Almeida Nº18; Jorge Ferreira Nº11

   

Obcecado pelo naufrágio da Fragata de Medusa, que inspirou a obra, Géricault chegou a entrevistar sobreviventes, alguns deles forçados ao canibalismo na tragédia e, entre os passageiros que teve contato estavam o engenheiro Alexandre Corréard, que também havia participado da construção da balsa, e o médico cirurgião Jean-Baptiste-Henri Savigny. 

O Fragata havia partido da França, e navegava em direção a Senegal, na África, com intenções de colonização do país. Relatos da época afirmam que Géricault teria tido a inspiração para o quadro a partir de uma notícia sobre o naufrágio, ocorrido em 1816. A pintura representa o momento logo após a embarcação começar a afundar, em que a tripulação e os passageiros não conseguiram salvar-se com os botes de emergência. A cena retrata as personagens lutando à deriva. 

Pode-se perceber alguns elementos de pintura religiosa pelo conceito e pela montagem dos personagens, que são retratados como consagrados, e até mártires. 

Esta obra caracteriza-se como romântico por promover o abandono de algumas características neoclássicas, como o Romantismo propunha.  

Nesta obra podemos observar as cores utilizadas para a coloração da pele das pessoas apresentadas, trazendo toda a intensidade da emoção de desespero e desamparo das mesmas, o lado mórbido que dialoga com um acontecimento real, além do contorno impreciso. A natureza acaba então por refletir a dificuldade da situação através das cores escuras para o céu e o tamanho da onda do mar. Esta sua composição, em pirâmide, e a inovação da mesma refletem a liberdade de criação do artista, essencial no romantismo.  

Rosana Mendes n19 e Luana Cunha n13