Creador: Rembrandt Harmensz van Rijn

Fecha de creación: 1642

Ubicación de creación: Amsterdam

Dimensiones físicas: w4370 x h3630 mm

Tipo: Pintura

Técnica: Oleo sobre lienzo

Creador: Johannes Vermeer

Fecha de creación: Around 1660

Dimensiones físicas: w410 x h455 mm

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

Creador: Johannes Vermeer

Fecha de creación: Around 1658

Dimensiones físicas: w440 x h543 mm

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

Título: Mujer con rifle defendiendo Barcelona

Creador: Desconocido

Fecha de creación: 1937

Estilo: Fotografía

Procedencia: Colección particular

Título original: Mujer con fusil en la defensa de Barcelona

Dimensiones físicas: w151 x h198 mm

Tipo: Fotografía

Técnica: Plata con bromuro de gelatina sobre papel

Creador: Juan Gris

Fecha de creación: 1926

Estilo: Cubismo

Procedencia: Comprado, 1999

Título original: La table du musicien

Dimensiones físicas: l1000 x h810 mm

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

Creador: Desconocido. Firmado por

Fecha de creación: 1936-1937

Estilo: arte gráfico

Dimensiones físicas: w460 x h610 mm

Técnica: Fotolitografía

En primer lugar, se evidencia una clara predominancia de las lineas curvas, sobretodo en el cuerpo del soldado y en el suelo. Asimismo, la forma principal es el cuerpo definido de un soldado español, esta es otorgada por el bien uso de la líneas orgánicas ya mencionadas. En tercer lugar, los colores que predominan son el verde, el rojo, y el negro. Este último es utilizado para sombras y contrastes, otorgando un clara sensación de movimiento en el soldado. Asimismo, claramente estos colores retratan la época en la que se creó la obra, y por ende el difícil contexto histórico que representa la obra (la guerra civil español de los años 30). Incluso podríamos suponer que el color que sutilmente se utiliza en la parte inferior de la obra tiene como objetivo retratar el dolor sufrido por el pueblo español.

En cuanto a los principios de composición, se evidencia un balance asimétrico en la obra. Por otro lado, el punto focal es el gorro de color rojo que lleva el personaje, ya que este color resalta frente a los otros. El autor hace énfasis en este elemento para que el espectador dirija su primera mirada a este objeto, con el objetivo que se identifique con claridad que se esta representando un militar "carlista". Lo anterior ya que este tipo de gorro es un símbolo del bando "carlista". Por último, la escala y proporción demuestran un realismo ya que la relación entre el soldado,  el arma y la trompeta es acorde.

Creador: Desconocido. Firmado por

Fecha de creación: 1937-1938

Estilo: arte gráfico

Procedencia: Colección particular

Título original: Cartel Guerra Civil, 39

Dimensiones físicas: w700 x h1000 mm

Tipo: Fotolitografía

Técnica: Fotolitografía

Fecha de creación: 1890

Procedencia: Donación de la Sra. Fernand Halphen, 1952

Pintor: Vincent van Gogh

Título original: La meridienne también dice La sieste (después de Millet)

Dimensiones físicas: w910 x h730 mm

Tipo: Óleo sobre lienzo

Creador: Edward Burne-Jones

Fecha de creación: 1904

Procedencia: Donación del Sr. Pierre Bergé, 2009

Título original: Adoración de los magos

Dimensiones físicas: w3770 x h2580 mm

Tipo: Tapiz

Fecha de creación: 1876

Procedencia: legado de Gustave Caillebotte, 1894

Pintor: Auguste Renoir

Título original: Bal du moulin de la Galette

Tipo: Óleo sobre lienzo

Fecha de creación: 1890

Procedencia: Adquirido con la participación de Paul Gachet y de una donación canadiense anónima, 1951

Pintor: Vincent van Gogh

Título original: La iglesia de Auvers-sur-Oise, vista desde la cabecera

Dimensiones físicas: w740 x h940 mm

Tipo: Óleo sobre lienzo

Fecha de creación: 1889

Procedencia: Donación de Paul y Marguerite Gachet, los hijos del Dr. Gachet, 1949

Pintor: Vincent van Gogh

Título original: Retrato del artista

Dimensiones físicas: w540 x h650 mm

Tipo: Óleo sobre lienzo

Escogí esta obra de Vincent van Gogh por dos razones principales. Primero, por el gran nivel que tiene a nivel técnico y en materia de composición. Segundo, por la importancia que representa el pintor y porque la mayor representación de su talento son precisamente sus autorretratos.

En primer lugar, en cuanto a las elementos visuales lo primero que se evidencia es el uso de lineas curvas y orgánicas, tanto en el fondo de la obra como en el cuerpo y vestimenta de van Gogh. Las lineales curvas del fondo permiten darle un contorno especial a la pintura, mientras que las que se encuentran en la chaqueta permiten crear un balance con el fondo. Pero, podemos afirmar que ambas le otorgan una sensación de constante movimiento a la obra. Por otro lado, la forma más importante es evidentemente es el cuerpo humano de cintura para arriba del pintor, este es creado tanto precisamente por las líneas curvas como por un contraste de color, otorgándole una forma bidimensional. Asimismo, es impresionante el nivel de luz que otorga el color, ya que es precisamente este color frío ( azul, verde celeste) quien predomina. Por tal razón, es una obra con color monocromático, ya que se utilizan diferentes matices del verde-azul, produciendo una sensación relajante. Otro punto importante de recalcar es la textura, ya que el pintor le otorga una sensación placentera y de suavidad. Sin embargo, retrata de forma realista la textura de la barba.

En segundo lugar, la obra contiene también varios aspectos de composición destacables. Si bien el balance es en principio asimétrico, esto no quiere decir que el retrato de una sensación de unidad placentera entre los elementos, ya que si hay un orden entre el personaje y su entorno. Vincent van Gogh hace especial énfasis en este autorretrato en su barba, ya que esta se puede considerar como el punto focal de la obra, porque su color anaranjado asi como su textura resaltan sobre los otros elementos. Asimismo, la proporción y la escala de la pintura son las adecuadas, sobretodo para un autorretrato, ya que es precisamente por esta razón que se describe correctamente la imagen de van Gogh.

Título: El marxismo dará salud a los enfermos

Fecha: 1954

Descripción: Autorretrato

Dimensiones físicas: w600 x h760 mm 

Tipo: Photograph

Técnica: Oil on masonite

Fecha: 1926

Procedencia: Museo Frida Kahlo

Pintora: Frida Kahlo

Descripción: Autorretrato con traje de terciopelo

Dimensiones físicas: l125 x h170 mm (sin marco)

Tipo: Fotografía

Técnica: Fotografía coloreada al óleo por Frida Kahlo

Fecha: 1949-1950

Pintora: Frida Kahlo

Descripción: Retrato

Dimensiones físicas: a590 x a420 mm (sin marco)

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo sobre masonita

Fecha: 1915

Tema: Retrato

Pintor: Diego Rivera

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Título: El despertador

Fecha: 1914

Pintor: Diego Rivera

Tipo: Pintura

Técnica: Óleo sobre lienzo

Esta obra me llamó la atención por la gran variedad de elementos técnicos y de composición que utiliza el pintor. Ya que todos las técnicas utilizadas por los elementos difieren completamente de las que se usan en el contorno.

En primer lugar , se evidencia una mezcla entre lineas rectas y curvas. Mientras que en el fondo de la obra, predominan la líneas rectas y gruesas, los elementos mejores definidos se encuentran al frente y su forma es otorgada por lineas curvas y orgánicas. Las rectas se encuentran tanto vertical, horizontal , como diagonalmente. Son precisamente estas las que crean el espacio y el contorno de la pintura, y por otro lado son las curvas quienes definen los elementos que se encuentran allí. Segundo, las formas que predominan son claramente geométricas, sobretodo triángulos, cuadrados, y rectángulos, todos estos definidos precisamente por las líneas curvas. Otro aspecto importante es la luz, en esta obra la luz le otorga vividez a la obra y permite que los algunos elementos resalten más que otros, pero sobretodo que todos estos se sobrepongan al fondo oscuro. Lo anterior tiene completa relación con el uso del color, donde hay un claro uso de los colores terciarios, sobretodo los fríos como el rojo, naranja y amarillo. También se puede observar el uso de diferentes matices del color rojo, siendo los mas oscuros en el fondo y los mas vivos al frente. Todo lo anterior le otorga una mezcla de sensaciones y emociones a la obra, como por ejemplo una cierta melancolía pero a al vez de esperanza. Por último, el uso del espacio es una característica de este cuadro, ya que las formas geométricas otorgan un espacio plano y donde predomina solo una dimensión, teniendo en cuenta el uso de algunas sombras para otorgar una pequeña sensación de profundidad y relieve.

Por otro lado, en cuanto a la composición en la obra de Diego Rivera lo primero que se nota es que no hay un orden o balance específico en esta. Es decir, el desorden creado por lo elementos del frente resaltan en la obra. Debido al gran numero de elementos, formas, y colores que la componen, es difícil determinar un solo punto focal. Sin embargo, en primera instancia podemos decir que el elemento en el que se centra la mirada por primera vez es el reloj, este podría considerarse como el punto focal por su ubicación en el centro de la obra, e incluso por estar  muy cerca del punto de fuga. Un último punto importante en la obra de Rivera es la proporción y escala de esta, ya que no hay una relación de tamaño "standard" en los elementos de la forma, es decir que no muestra una situación de realidad. Por ejemplo, el tamaño del reloj es demasiado grande en comparación con el elemento en la esquina inferior derecha de la obra, que posiblemente puede ser una guitarra.