1. El Discóbolo de Mirón (c. 450 a.E.C.).

2. Augusto de Prima Porta (c. siglo I d.E.C.).

El Discóbolo es una escultura que representa a un atleta justo antes de lanzar un disco. En esta se muestra el cuerpo humano en movimiento, se muestran los músculos tensionados y se ve la belleza del cuerpo humano. Augusto de Prima Porta por el otro lado representa al emperador con el brazo extendido, mostrando autoridad y liderazgo.

Las dos obras tienen propósitos muy diferentes. El Discóbolo muestra la perfección del cuerpo humano. Muestra la perfección de los dioses griegos en la belleza del cuerpo. Esta obra muestra más que todo la belleza, excelencia física y disciplina. Mientras tanto, el Augusto de Prima Porta usa el cuerpo humano para mostrar autoridad y liderazgo. Esta obra es usada como una figura política. La armadura y el cupido que está junto a su pie le dan poder y lo conectan con los dioses. 

Aunque en ambas esculturas se usa el cuerpo humano como una forma de expresión y para mostrar alguna relación con los dioses, tienen propósitos diferentes. En una se trata de mostrar la belleza y perfección mientras que la otra muestra el poder, autoridad y trata de transmitir un mensaje más político.Además al ser un hombre grande y con músculos, le da esa autoridad y un poco de superioridad a las demás personas. El cuerpo es usado como este. Si fuera un hombre pequeño y flaco, no daría la sensación de autoridad que representa esta figura.

Esto también se relaciona con las épocas en las que fueron hechas las obras. El Discóbolo muestra como en la Grecia Clásica, el cuerpo humano era un símbolo de perfección y armonía. Mientras tanto en el Imperio Romano había una gran importancia por la política y el emperador era una gran figura. Por eso se empezó a usar el arte como una forma de expresión y con ella se usó el cuerpo humano para mostrar autoridad.

Fecha: Siglos lll-lV d.E.C

Dimensiones: 1 metro

Lugar: Catatumbas de San Calixto, Roma, Italia

Autor: desconocido

Material: Pintura sobre yeso

Fecha: Siglo Vl d.E.C

Dimensiones: 84cm x 45cm

Lugar: Monasterio de Santa Catalina, Monte Sinai, Egipto

Autor: Desconocido

Material: Temperoa y oro sobre tabla

Obra: Crucifijo de Gero

Fecha: 970 d.E.C

Dimensiones: 1.87 metros

Lugar: Catedral de Colonia, Alemania

Autor: Desconocido

Material: Madera de roble

El Crucifijo de Gero es una obra de la Edad Media, del periodo Otoniano, del año 970 d.E.C. Esta fue una época de renovación cultural y religiosa en Europa, por lo que el arte se enfocó mucho en lo religioso. Esta obra fue encargada por el arzobispo Gero como un símbolo de devoción, para que los que lo vieran se pudieran conectar con Cristo y entender el sufrimiento que vivió. Es una escultura en madera de roble y pintada con diferentes colores que representa a Cristo crucificado. La cantidad de detalles permite ver un realismo en su cuerpo y cara. Está tallado con muchos detalles, permite ver los detalles de sus músculos tensos, se le marcan las venas e incluso podemos ver algunos de sus huesos marcados. Tiene una postura natural, no está totalmente recto ni está erguido, las manos están estiradas y nos permite ver que están cargando el peso del cuerpo. Tiene poca ropa y la mayoría del cuerpo está expuesto. Todos estos detalles permiten transmitir un sufrimiento, para reflejar el sufrimiento de la crucifixión. A diferencia de otras épocas, en este no se muestra una idealización del cuerpo perfecto, en vez, muestra sufrimiento. La cara también tiene un alto detalle, los ojos están cerrados y la boca está un poco abierta. A partir de la cara podemos ver resignación.

Esta obra muestra cómo en la época cambió un poco la idea de los símbolos religiosos, usa más la humanización para que las personas puedan conectar con el sufrimiento y conectar de manera más personal con Cristo. A partir del cuerpo humano se pueden transmitir muchos sentimientos a las personas. Se puede ver la importancia del sufrimiento y a Cristo como un salvador que se sacrificó por todos nosotros. EL cuerpo humano es usado para transmitir un mensaje, no solamente como idealización y permite ver el contexto de la época.

Fecha: c. 1123

Dimensiones: 6 metros

Lugar: Climent de Taüll, Cataluña, España

Autor: Desconocido

Material: Pintura sobre yeso

Genero: Pintura religiosa

Julian. (n.d.). Rezando con Los Iconos. Cristo en majestad. https://rezarconlosiconos.com/index.php/el-salvador/cristo-majestad

Fecha: c. 1220-1230

Dimensiones: 4 metros

Lugar: Catedral de Amiens, Francia

Autor: Desconocido

Material: Piedra caliza tallada

Genero: Escultura religiosa

Unknown. (1970, January 1). Le Beau Dieu (El Bello Dios) 1230. Le Beau Dieu (El bello Dios) 1230. https://unratodearte.blogspot.com/2014/03/le-beau-dieu-el-bello-dios-1230.html

El rostro de Cristo en Majestad destaca por su mirada penetrante y falta de emociones, reflejando autoridad divina y respeto. Por el otro lado, El Beau Dieu tiene una mirada suave y compasiva, haciendo conexión con las personas. Las expresiones de cada uno muestran una de poder y autoridad y una de misericordia y cercanía con las personas.

El cuerpo del Cristo románico es rígido y no tiene proporciones naturales, enfatizando la divinidad no cercana a lo humano. El Beau Dieu, en cambio, tiene proporciones naturales y detalles realistas del cuerpo humano, mostrando una figura más humana y accesible. Esta diferencia muestra el contraste entre lo celestial y lo terrenal, un cristo ajeno a lo humano y uno cercano.

En su composición, Cristo en Majestad está sentado en un trono, rodeado de símbolos religiosos, una mano como símbolo de bendición y un libro sagrado en la otra, mostrando su majestad. El Beau Dieu está de pie en postura relajada, sosteniendo el libro sagrado, lo que transmite un sentimiento de un maestro que comparte sus enseñanzas. Estas muestran distintos propósitos, uno como juez supremo y el otro como guía y maestro espiritual.

Estas obras responden a sus contextos históricos. El románico (siglo XII), durante la expansión cristiana, enfatiza la autoridad eclesiástica. El gótico (siglo XIII), con una espiritualidad más personal, buscaba humanizar lo divino. El primero muestra a Cristo como gobernante, el segundo lo muestra como una figura compasiva.

Ambas representaciones, cumplían la función de comunicar valores religiosos similares ajustándose a la época en la que fueron hechas. El románico inspiraba respeto ante el poder divino, mientras el gótico inspiraba devoción a través de la identificación emocional y personal . Los dos enfoques muestran como se usaba el arte para mostrar lo que pasaba en la época y como el cuerpo humano es usado como herramienta para expresar esto.

Fecha: c.1485

Dimensiones: 172.5 × 278.5 cm

Lugar: Galería Uffizi, Florencia, Italia

Artista: Sandro Bottecelli

Material: Temple sobre lienzo

Genero: Bajo renacimiento

Botticelli, S. (2018, February 10). El Nacimiento de Venus - Sandro Botticelli. HA! https://historia-arte.com/obras/el-nacimiento-de-venus

Fecha: 1434

Dimensiones: 80 × 60 cm

Lugar: National Gallery, Londres

Autor: Jan van Eyck

Material: Oleo

Genero: Retrato

Àlex Sala Periodista especializado en Arte e Historia del Arte    Actualizado a  26 de agosto de 2024 · 12:20  · Lectura:, Àlex Sala Periodista especializado en Arte e Historia del Arte, Sala, À., & Periodista especializado en Arte e Historia del Arte. (2024, August 26). El Matrimonio Arnolfini, Una Obra Maestra Llena de Símbolos ocultos. Historia National Geographic. https://historia.nationalgeographic.com.es/a/matrimonio-arnolfini-obra-maestra-lena-simbolos-ocultos_18794

Fecha: 1525-1528

Dimensiones: 204,5 x 261,5 cm

Lugar: Museo del Prado, Madrid

Autor: Weyden, Rogier van der

Material: Oleo

Genero: Pintura religiosa

En esta obra muestran cuando bajan a Jesús de la cruz después de morir. Todos muestran mucho dolor en la expresión de sus caras y sus posturas. Cristo se ve pálido, con la boca un poco abierta y las costillas marcadas, como si hubiera sufrido mucho. Su cuerpo cae en diagonal, sostenido por las demás personas, sin vida.

Alrededor de él, las personas que lo ayudan a bajar también están sufriendo. La Virgen María, vestida de azul, está casi caída en el piso. Su piel está muy pálida y su cuerpo se ve débil. Los demás también se ven sin fuerzas, sus cuerpos se ven débiles y muestran tristeza en sus expresiones. Algunos tienen la boca abierta como gritando o llorando, otros con los ojos muy abiertos de shock, otros casi cayéndose. La manera en que miran a Cristo, muestra la razón de su tristeza y expresiones. Los colores son muy fuertes, la sangre en el cuerpo de Jesus, el contraste con la piel, entre otros colores usados, hacen que la obra se vea todavía más triste y dramática.

Esta es una época en la que se muestra la humanidad de cristo a través del sufrimiento y sacrificio que tuvo. Esta obra logra transmitir el mensaje que se sacrificó por todos nosotros por lo que las personas logran empatizar.

El cuerpo de Cristo es el centro de la obra y lo primero que se ve. Se nota que ha pasado mucho sufrimiento ya que se ven sus huesos y su piel está muy pálida. Transmite un sentimiento que estamos viendo todo el dolor que vivió antes de morir y el sacrificio que hizo. Los demás cuerpos alrededor muestran su propio dolor, mostrando una reacción al estado en el que está el cuerpo de Jesus.

Museo del Prado. (2015, April 28). El descendimiento. Colección . https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-descendimiento/856d822a-dd22-4425-bebd-920a1d416aa7

Fecha: 1602-1604

Dimensiones: 306x214 cm

Lugar: Museos Vaticanos, CIudad del Vaticano

Artista: Michelangelo Merisi di Carvaggio

Material: Oleo sobre lienzo

Genero: Pintura religiosa

Redacción. (2011b, August 14). El descendimiento: Psicología y monumentalismo en Caravaggio. Revista de Arte . https://www.revistadearte.com/2011/08/14/el-descendimiento-psicologia-y-monumentalismo-en-caravaggio/

Fecha: 1793

Dimensiones: 161.9 x 128 cm

Lugar: Musées Royaux des Beaux-Art, Bruselas, Belgica

Autor: Jacques Louis Davis

Material: Oleo sobre lienzo

Genero: Pintura historica

Sienra, R. (2019, May 30). “La Muerte de Marat”: De Pintura Neoclásica a Imagen Propagandística. My Modern Met en Español. https://mymodernmet.com/es/jacques-louis-david-muerte-de-marat/

Fecha: 1819

Dimensiones: 491 x 717 cm

Lugar: Louvre, Paris, Francia

Autor: Theodore Geriacault

Material: Oleo

Genero: Pintura historica

Calvo Santos, M. (2016a, May 6). La balsa de la Medusa - Theodore Géricault. HA! http://historia-arte.com/obras/la-balsa-de-la-medusa-de-gericault

En La Muerte, se ve la parte del torso de un cuerpo con muchos detalles. El cuerpo parece casi perfectamente ubicado, la piel no es tan pálida, tiene algunos tonos que le dan calidez. Tiene una herida ubicada perfectamente y la sangre cae por su cuerpo de manera perfecta , no se esparce por todo el cuerpo. No parece una herida real, parece más simbólica.

La diferencia entre estas dos obras es mayormente su propósito, ambas usan el cuerpo humano, mostrando la muerte, para mostrar un mensaje. Caravaggio usa el cuerpo de cristo para mostrar la muerte de cristo, el sacrificio y el dolor de las personas. Por el contrario, en la muerte se busca mandar un mensaje político. Usan los detalles del cuerpo, los colores de la piel, que tan marcados están los músculos, la expresión de la cara, las heridas entre otros elementos para expresar diferentes cosas y así llegar a lo que quieren mostrar. También muestran cómo dependiendo del propósito y la época, se ha usado el cuerpo humano para expresar diferentes ideas, aunque usen la misma idea del cuerpo sin vida.

Fecha: 1849

Dimensiones: 165 x 238 cm

Lugar: Gemäldegalerie, Dresde, Alemania 

Autor: Gustave Courbet

Estilo: Realismo Francés

Material: Óleo sobre lienzo

Género: Pintura de género

Soler, M. (2021, December 28). Los Picapedreros. La Cámara del Arte. https://lacamaradelarte.com/obra/los-picapedreros/

Fecha: 1882

Dimensiones: 96 x 130 cm

Lugar: The Courtauld Gallery, Londres, Reino Unido

Autor: Édouard Manet

Estilo: Impresionismo

Material: Óleo

Género: Escena de la vida moderna

MVF. (2019, August 22). Un bar del folies-bergère - edouard manet. HA! https://historia-arte.com/obras/un-bar-del-folies-bergere 

Fecha: 1893

Dimensiones: 91 x 74 cm

Lugar: Galería Nacional de Oslo, Oslo, Noruega

Autor: Edvard Munch

Estilo: Expresionismo

Material: Óleo pastel temple

Género: Pintura Simbólica 

El grito, de Eduard munch, es una obra que transforma totalmente el cuerpo humano y lo usa para transmitir emoción. Es una figura que no tiene muchos detalles, no es el cuerpo humano como muchas veces lo hemos visto con todos los detalles del cuerpo y de la cara.  Se ve una figura gritando de dolor o miedo, no se ve que tenga un género específico, es una figura con un cuerpo alargado y ondulado. Este tiene las manos en la cámara, como tapándose los oídos y la boca abierta como si estuviera gritando. Su piel es una combinación de diferentes colores, entre rojo, verde, café, entre otros.

El paisaje también sigue el movimiento de la figura, tiene figuras onduladas y el cielo es de tonalidades rojas, naranjas y amarillas. El puente también es curvo, toda la obra sigue esta idea de las cosas curvas y onduladas. Esta obra no usa detalles ni usa la figura humana de manera perfecta. Usa más los colores y formas como expresión.

Esta obra, más que usar el cuerpo humano de manera perfecta para mostrar dolor o una situación, lo usa para mostrar un sentimiento. Muestra una angustia y preocupación que es expresada a través de la figura y de las formas. En esta figura, el cuerpo humano no es realista. El autor lo usa así para mostrar el dolor no solamente como el dolor físico, lo muestra como algo de adentro. La expresión de esta figura transmite su desesperación, sin necesidad de que tenga una forma realista. En esta obra se usa el cuerpo humano, más que todo la expresión para mostrar un sentimiento. A través de esta obra vemos cómo el cuerpo humano puede ser una herramienta para expresar dolor emocional, no solamente físico, esta obra muestra un grito de ayuda.

Bolaño, E. (2017, August 25). El grito - Edvard munch. HA! https://historia-arte.com/obras/el-grito