A metalurgia foi uma atividade de crucial importância para a humanidade. A partir dela foi possível a fabricação de ferramentas e de armas em metais. Nesse período, destacam-se os utensílios, instrumentos e ferramentas fabricados com o intuito utilitário. Por exemplo, os instrumentos de cozinha, objetos artísticos, armas, ferramentas para a agricultura, caça e pesca. Havia ainda esculturas em metal representando mulheres com roupas detalhadas e também guerreiros.

É desse período a invenção da roda e o arado de bois utilizado na agricultura. Nesse momento, também começam a surgir os primeiros experimentos na escrita.

Na arquitetura românica, podemos destacar alguns elementos característicos, como a horizontalidade, ou seja, as edificações não possuíam estruturas muito altas. Diversas igrejas, mosteiros, conventos e catedrais foram construídas nesse estilo.

Havia ainda a utilização das abóbodas, que podiam ser de dois estilos: as de berço e as de arestas.

As abóbodas de berço eram mais simplificadas, baseavam-se em uma estrutura em semicírculo chamada arco pleno. Por conta de algumas desvantagens nesse tipo de construção, como a pouca luminosidade e riscos de desabamento, foi criado um novo estilo, a abóboda de arestas.

Nela, duas abóbodas de berço eram apoiadas sobre pilares, em ângulos retos. Dessa forma, conseguiram criar ambientes melhor iluminados e mais seguros.

Denominada de arte das catedrais, ela era realizada nas cidades. Foi uma reação ao estilo românico e pretendeu rivalizar com os mosteiros e basílicas que eram construídas no campo.

Isso porque nesse momento, as cidades começaram a crescer por conta da economia fundamentada no comércio.Eles conseguiram dominar a geometrização e suas relações matemáticas com um objetivo muito claro: a verticalidade, visto que buscavam um direcionamento para o céu.

A arquitetura foi a principal expressão da arte gótica e a ela estará atrelada à pintura e à escultura.

A desmaterialização das paredes, agora mais finas e leves, bem como a distribuição da luz no espaço, possibilitada por um número maior de vãos e janelas, permitiu um espaço mais livre e luminoso.

A luz mística e a grandiosidade constituem o veículo para comunhão com o divino.

O arco em ponta e a rosácea - também chamada de mandala - serão atributos continuamente presentes nesse estilo arquitetônico, o qual busca substituir o horizontalismo românico pela verticalidade gótica.Escultura Gótica

A escultura gótica também expressa o desejo de verticalidade. Contudo, esboça também o naturalismo capaz de atribuir movimento e vida às esculturas, as quais são, quase sempre, um complemento à arquitetura.

Desse modo, a Arte Bizantina pode ser considerada o primeiro estilo de arte cristã.Os artistas da época não tinham liberdade para se expressar, não podiam usar sua criatividade; deviam apenas cumprir com a elaboração da obra, tal como lhes era solicitado.
Pintura Bizantina

A predominância dos temas religiosos dá destaque às pinturas feitas nas igrejas.

Nessa época foi criado o ícone, uma vertente da pintura bizantina. Ícone em grego significa imagem e nesse contexto representavam personagens religiosas como a Virgem e Cristo, além de santos.

Uma das técnicas bastante utilizadas pelos pintores bizantinos foi a têmpera, que consiste em preparar os pigmentos junto a uma goma feita de material orgânico (como a gema de ovo) a fim de fixar melhor as cores à superfície.

Inspirado nos valores da Antiguidade Clássica e gerado pelas modificações econômicas, o Renascimento reformulou a vida medieval, e deu início à Idade Moderna.O termo Renascimento foi criado no séc. XVI para descrever o movimento artístico que surgiu um século antes. Posteriormente acabou designando as mudanças econômicas e políticas do período também e é muito contestado hoje em dia.O Renascimento foi marcado por importantes descobertas científicas, notadamente nos campos da astronomia, da física, da medicina, da matemática e da geografia.

O polonês Nicolau Copérnico, que negou a teoria geocêntrica defendida pela Igreja, ao afirmar que "a Terra não é o centro do universo, mas simplesmente um planeta que gira em torno do Sol".

Galileu Galilei descobriu os anéis de Saturno, as manchas solares, os satélites de Júpiter. Perseguido e ameaçado pela Igreja, Galileu foi obrigado a negar publicamente suas ideias e descobertas.

Na medicina os conhecimentos avançaram com trabalhos e experiências sobre circulação sanguínea, métodos de cauterização e princípios gerais de anatomia.

Leonardo da Vinci: Matemático, físico, anatomista, inventor, arquiteto, escultor e pintor, ele foi o esteriótipo do homem renascentista que domina várias ciências. Por isso, é considerado um gênio absoluto. A Mona Lisa e A Última Ceia são suas obras primas.

Mona Lisa

Rafael Sanzio: foi um mestre da pintura e famoso por saber transmitir sentimentos delicados através de suas imagens de Nossa Senhora. Uma de suas obras mais perfeitas é a Madona do Prado.

Michelangelo: artista italiano cuja obra foi marcada pelo humanismo. Além de pintor foi um dos maiores escultores do Renascimento. Entre suas obras destacam-se a Pietá, David, A Criação de Adão e O Juízo Final. Também foi o responsável por pintar o teto da Capela Sistina.

Nesse período, a Europa passava por diversas transformações políticas, econômicas e culturais, tal qual o Renascimento e a Contrarreforma.

Isso fez surgir uma nova estética que fugia dos moldes tradicionais e que se espalhou rapidamente por toda a Europa.

Esse movimento artístico utilizou da arquitetura, escultura, artes plásticas, música e literatura, para apresentar uma arte mais perturbadora, exagerada e sofisticada.

Além disso, os artistas do maneirismo buscavam se afastar dos moldes renascentistas (cânones clássicos), inaugurados por figuras da alta renascença como Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael Sanzio.

O termo “maneirismo” advém do italiano “maneira” que significa “maneira”, ao referir-se ao estilo próprio de cada artista. O termo foi popularizado e utilizado pela primeira vez pelo artista italiano Giorgio Vasari, como sinônimo de leveza e sofisticação.

Para muitos historiadores da arte, o maneirismo representou um momento de transição entre a Alta Renascença e o Barroco, enquanto outros acreditam ser uma escola artística independente.

Alguns estudiosos consideram o maneirismo um período de decadência das artes, o qual fora muito criticado na época.

Por isso, toda a cultura desse período, incluindo costumes, valores e relações sociais, é chamada de "barroca".

Essa época surgiu no final do Renascimento e manifestava-se através de grande ostentação e extravagância entre os grupos beneficiados pelas riquezas da colonização.Sua Principal obra "Os Sermões" constituem um mundo rico e contraditório. Revelam sua inteligência voltada para as coisas sacras e, simultaneamente, para a vida social portuguesa e brasileira.

Vieira foi uma espécie de cronista da história imediata. Assim, ele elaborava os sermões dentro da técnica medieval, explicitando as metáforas da linguagem bíblica.

Além de Vieira, merecem destaque: o padre Manuel Bernardes, D. Francisco Manuel de Melo, Francisco Rodrigues Lobo, soror Mariana Alcoforado e Antônio José da Silva.

Na pintura do barroco português, merece destaque a pintora Josefa de Óbidos, que embora tenha nascido na Espanha, viveu e desenvolveu sua arte em Portugal. Dentre suas obras mais destacadas estão: "Maria Madalena confortada pelos Anjos", "Calvário", "A Sagrada Família" e "Santa Maria Madalena".

Caracterizado pelo uso de conchas, laços e flores em seus adornos, o estilo rococó predominou na esfera da arquitetura, escultura e pintura. Elas deveriam se complementar harmonicamente, muitas vezes pela união de artistas especializados em afazeres distintos.É evidente que o estilo rococó migrou para a América e no Brasil o expoente máximo foi o artista Aleijadinho.

Aqui, o estilo floresceu no fim do século XVIII, sob grande influência religiosa, ao contrário das representações da vida profana e aristocrática comuns em outras localidades.

Nelas, o rococó decorava algumas igrejas, mas foi realmente difundido para decoração de palácios que glorificavam o poder civil.Ele abandona aquelas linhas retorcidas, típicas do barroco, para empregar linhas e formas mais leves e delicadas, vistas facilmente na decoração dos interiores, ourivesaria, mobiliário, pintura, escultura e arquitetura.

As obras deste movimento estético possuem texturas suaves que buscam expressar o caráter lúdico e mundano da vida. Assim, foi uma preferência os temas leves e sentimentais relacionados ao cotidiano e recheados de alegorias mitológicas e pastoris.

Os ambientes luxuosos, como parques e jardins suntuosos, retratam, na maioria das vezes, cenas eróticas e sensuais em paisagens idílicas e alegres, nas quais transparecem os interesses hedonistas e aristocráticos.

O "Panteão de Paris" é um dos maiores exemplos da arquitetura desse período localizada na França. Além dele, o "Portão do Brandemburgo", em Berlim, demostra a forte presença desse estilo em outros países europeus.
A pintura apresenta diversas características desse período, o qual buscava a pureza e a harmonia das formas.

Inspirados na artes greco-romana e renascentista, o realismo, o racionalismo das obras e o equilíbrio das cores foram essenciais para disseminar esse estilo nas artes plásticas.

Merecem destaque os pintores neoclássicos franceses: Jacques-Louis David (1748-1825) e Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867).

A Escultura Neoclássica vem unir diversos elementos baseados na escultura clássica, donde o uso do mármore é sua mais forte característica.

Busca-se a harmonia das proporções e das formas com a exploração de temas relacionados a mitologia e personagens heroicos.

Contrário ao objetivismo e as tradições clássicas de perfeição, ele apresenta uma visão de mundo centrada no ser humano com destaque para as sensações humanas e a liberdade de pensamento.

O romantismo surgiu na Europa no século XVIII no contexto da revolução industrial e do iluminismo, movimento intelectual e filosófico baseado na razão. Ele durou até meados do século XIX, quando começa o realismo.

Rapidamente, esse estilo chegou a outros países inspirando diversos campos da arte: literatura, pintura, escultura, arquitetura e música.

No Brasil, o movimento romântico começa em meados do século XIX, anos depois da independência do país (1822) com a publicação da obra Suspiros poéticos e saudades, de Gonçalves de Magalhães, em 1836.Como escola literária, as bases do sentimentalismo romântico e do escapismo pelo suicídio foram estabelecidas pelo romance "Os sofrimentos do jovem Werther", de Goethe, publicado na Alemanha em 1774.Na Inglaterra, o Romantismo se manifesta nos primeiros anos do século XIX, com destaque para a poesia ultrarromântica de Lord Byron e para o romance histórico Ivanhoé, de Walter Scott.

Também figuram entre as primeiras obras do início da revolução romântica na Europa os livros Manon Lescut, do árabe Prévost (1731), e a História de Tom Joses, de Henry Fielding (1749).

O romance, contudo, já era utilizado no Império Romano, cuja palavra romano era aplicada para designar as línguas usadas pelos povos sob o seu domínio. Tais idiomas eram, na verdade, uma forma popular do latim.

As composições de cunho popular e folclórico escritas em latim vulgar, em prosa ou em verso e que relatavam fantasias e aventuras, também eram chamadas de romance.

E foi no século XVIII, que tomou o sentido atual, após passar pelas formas de "romance de cavalaria, romance sentimental, romance pastoral", na Europa.

Do ponto de vistas das artes plásticas, desponta sobretudo na pintura francesa, entretanto, também se desenvolve na escultura, arquitetura e no meio literário.

O contexto histórico em que ocorre é o do sucessivo crescimento industrial e científico das sociedades.Naquele momento, passou-se a acreditar que, com a natureza "dominada", era preciso haver maior objetividade e realismo também nas expressões artísticas, rejeitando todo tipo de visão subjetiva e ilusória.Na arte realista predominam temas do cotidiano. Os artistas se ocupam em retratar as pessoas como aparentam, sem idealizações.

Dessa forma, por conta do amadurecimento da industrialização e da crescente desigualdade e pobreza, os trabalhadores serão assunto de destaque.Courbet demonstrava interesse e empatia pela parcela mais pobre da população do século XIX, e isso transparece em suas telas.

A preocupação do artista era também com a superação das tradições clássica e romântica, além dos temas que essa sugeria, como a mitologia, religião e fatos históricos.Cabe dizer que Courbet era admirador das teorias anarquistas de Proudhon que despontavam na época, ele também teve intensa participação durante a Comuna de Paris.

Dessa forma, seu posicionamento político teve grande impacto em sua produção.Millet também foi um importante pintor realista. Juntamente com Camille Corot e Théodore Rousseau, organizou um movimento artístico chamado Escola de Barbizon, no qual eles retiram-se de Paris e se estabelecem no povoado rural de Barbizon. Lá, o grupo de pintores se dedica a representação de paisagens e cenas rurais.

Para Millet, mais importava a representação humana do que o cenário em si. Ele dedicou-se, sobretudo, a retratar camponeses e a integração da natureza com o ser humano.

O termo em inglês significa "arte popular" e surgiu durante a década de 1950, na Inglaterra. A expressão foi criada pelo crítico Lawrence Alloway durante encontros de um grupo de artistas, o "Grupo Independente". Depois, espalhou-se durante os anos de 1960, atingindo seu auge em Nova York.

A pop art não deve ser considerada um fenômeno de cultura popular (apesar de estar muito interligada a ela), mas uma interpretação de seus artistas da cultura dita popular e de massas.

Este fenômeno baseou-se, em grande medida, na estética da cultura de massas, a mesma criticada pela Escola de Frankfurt.

O movimento influenciou muito o grafismo e os desenhos relacionados à moda.
Esses símbolos eram ironizados para fazer uma crítica ao excesso de consumo da sociedade capitalista. Isso porque o capitalismo é muito incentivado pela publicidade, cinema e etc.

Entretanto, de certa forma, a pop arte se alimentava e se confundia com essa indústria cultural.

Apesar de se diferenciarem, os artistas, de modo geral, mantinham as temáticas, os desenhos simplificados e as cores saturadas.

A Pop Art buscava evidenciar a crise da arte do século XX através de um retorno à arte figurativa. Fazia um bom contraponto ao expressionismo abstrato e à complexidade da arte moderna.

Ela recusa a separação entre arte e vida. Por isso a arte pop é capaz de se ligar ao seu público a partir de signos e símbolos tirados da cultura de massa e da vida cotidiana.

Isso ocorreu quando os artistas utilizaram na arte a linguagem do design comercial. Com isso, diminuíram as diferenças que separavam arte erudita da arte popular.A primeira representação de Marilyn foi feita logo após o falecimento da diva, em 1962. Depois foi reproduzida novamente em outras cores e formatos

Esses movimentos primavam pelo mínimo de recursos e elementos utilitários, reduzindo todos seus aspectos ao nível essencial.

Já em 1966, o filósofo e critico de artes Richard Arthur Wollheim (1923- 2003) já apontava o minimalismo daquela década como uma das correntes que mais influenciariam o campo das artes visuais, arquitetura, design, música, programação visual, desenho industrial, durante o século XX. Em termos gerais, os movimentos minimalistas se caracterizam pela austeridade e síntese, inclusive dos meios e usos da abstração.

Enquanto aspecto filosófico, o minimalismo irá adequar às necessidades da vida aquilo que é realmente essencial, descartando as futilidades no caminho da realização pessoal.

No campo das artes, normalmente está representado de forma abstrata e “crua”, de modo a revelar a origem industrial e a natureza dos materiais que compõem a obra minimalista, a qual, via de regra, interage com o público. Nas artes plásticas, o minimalismo surgiu em Nova York, ainda na década de 1950, quando um grupo de artistas passou a lançar mão de poucos elementos para fundamentar suas obras, abusando de atributos visuais criados a partir de um pequeno número de cores. 
Eles privilegiaram as formas geométricas simples, puras, simétricas e repetitivas, reduzindo os objetos aos seus aspectos de reprodução em série para que eles sejam mais bem percebidos em seu próprio contexto.

Já do ponto de vista do conteúdo das representações, é comum a ausência de emotividade.

Assim, as estruturas minimalistas suportam uma bi ou tridimensionalidade que lhe permite vencer os conceitos tradicionais, principalmente acerca da necessidade do suporte que limitava pintura e a escultura aos seus respectivos campos de ação.

Este caráter geométrico é fruto da influência construtivista, a qual buscava uma linguagem universal para expressão artística.

Como o próprio nome indica, trata-se de uma expressão artística mais pautada nos conceitos, reflexões e ideias, em detrimento da própria estética (aparência) da arte. Nela, a atitude mental é o mais relevante.

Em outras palavras, a arte conceitual é uma “arte-ideia” em detrimento da “arte-visual”, sendo o principal material da arte a "linguagem".

Diante disso, os artistas conceituais preocupam-se em criar reflexões visuais para seus espectadores.

Pertencente ao movimento da contracultura, a arte povera foi criada com o propósito de provocar reflexão sobre a estética das obras de arte em geral. As obras no estilo da arte povera são consideradas efêmeras e dotadas de criatividade. 

A arte povera é também conhecida como “poor art” – termo em inglês. O nome desse movimento foi criado por Germano Celant, um famoso historiador e crítico artístico. O movimento se manifestou principalmente na escultura, na instalação, na pintura e na performance.

“Povera” em português significa pobre. A arte ganhou esse nome por ser construída com materiais orgânicos como plásticos, pedaços de corda, papel, folhas de arvores, objetos aleatórios, pedaços de tecidos, entre outros. Este movimento também faz forte oposição ao minimalismo, pop art, modernismo e racionalismo científico.

Uma das obras mais conhecidas deste movimento foi uma instalação feita por Jannis Kounellis, no ano de 1969. A obra era formada por doze cavalos que circulavam livres dentro da sala de uma exposição da galeria italiana “Attico”.
O marco inicial da arte povera aconteceu na exposição “Arte Povera – In Spazio”, no ano de 1967, na cidade de Veneza. Diversas obras compostas por materiais orgânicos foram expostas, fazendo com que o historiador e crítico de arte italiano Germano Celant chamasse as obras de “arte povera”. 

Celant afirmou que a arte povera se manifesta de forma precisa “em diminuir aos mínimos termos, em empobrecer os signos, para reduzi-los aos seus arquétipos”. A arte povera durou cerca de 10 anos e se desenvolveu com força, primeiramente na Itália, depois em toda Europa e depois se tornou uma tendência no mundo. 

Os artistas da arte povera buscavam causar a reflexão com suas obras que eram marcadas por contrastes entre o novo e o velho e o industrializado e o natural. 

O termo “land art”, se traduzido, corresponde a “arte da terra” e tem como principal característica a utilização de recursos provenientes da própria natureza para o desenvolvimento do produto artístico.Em outras palavras, a land art surge a partir da fusão e integração da natureza e da arte onde a natureza, além de suporte, faz parte da criação artística.Os artistas dedicados a essa estética buscavam na natureza a reflexão sobre o fazer artístico. Eles utilizavam, dentre outros materiais, folhas, madeira, galhos, areia, rocha, sal e daí sua aproximação com a arte povera.l

O intuito era chamar atenção para a grandiosidade da natureza como local central de experimentação artística, bem como para a ocorrência da efemeridade dessa arte.

Importante destacar que, ao contrário da arte exposta nos museus, a land art propõe ultrapassar as limitações do espaço tradicional ao sair deles.

Assim, ela é realizada em espaços exteriores e, devido suas grandes dimensões, só é possível conhecê-las dentro de um museu por meio de fotografias.

Sendo a natureza o local (locus) de desenvolvimento dessa tendência da arte contemporânea, a arte pode surgir nos mais variados espaços naturais tais como a praias, mares, lagos, lagoas, desertos, montanhas, canyons, campos, planícies, planaltos, dentre outros.

Intervenções – A interação de um grupo de pessoas com um objeto artístico pré-existente, podendo ser comentários, encenações ao ar livre, painéis.Instalações – A organização de elementos em um ambiente para a sua exposição, que irá existir por apenas um curto espaço de tempo: a obra é montada em um lugar público, exposta, e então desmontada.O grande diferencial da Street Art para qualquer outro movimento ou estilo artístico é que, enquanto movimento uno, não há um único objetivo em mente dos seus artistas: cada obra executada, planejada, exposta ou representada tem em si suas próprias características, críticas e ações que deseja evidenciar, criticar ou incitar.

Quando levada a sério, a Street Art é uma manifestação rica da cultura atual, onde não há, também, unidades como havia no passado. Não há mais fronteiras no mundo, e essas fronteiras se desfazem também na arte.No entanto, a Street Art ainda sofre certo preconceito pela sua proximidade com as artes de rua, vândalas, como, grupos de grafiteiros que depredam monumentos públicos e históricos, desvalorizando não só a obra de arte danificada, mas também o movimento artístico urbano.

Essa forma artística diferenciada foi mais uma vertente da arte contemporânea e ia de encontro a todo tipo de arte tradicionalista que era feita até aquele momento. A Body Art, que tem aspectos das culturas primitivas, deixou um legado que existe hoje no cotidiano de alguns povos, além de servir como ferramenta de reflexão da própria arte. 

Continua sendo usado também em diversas manifestações artísticas, como no mundo do circo, por exemplo, onde é uma ferramenta quase indispensável.As primeiras experiências com o corpo humano como forma de expressão foram realizadas pelos artistas do surrealismo e dadaísmo. A Body Art passou a se utilizar dessa forma de arte de uma maneira mais intensa, rompendo barreiras e preconceitos por meio de pinturas corporais, assim como era feito na era primitiva. 

O grande inspirador da Body Art foi o pintor e escultor francês Marcel Duchamp (1887-1968), que se baseava na premissa de que “tudo pode ser usado como uma obra de arte” e rompeu os limites na maneira de produzir arte. 
A Body Art se caracterizava, principalmente, na utilização do corpo como principal forma de expressão, veículo portador de atitudes e ideias. Alguns outros aspectos importantes desse movimento artístico foram:

- O corpo tornava-se uma “escultura viva” com o intuito de transmitir a ideia de transformação da vida em arte;

- Ruptura radical com a arte tradicional;

- Tatuagens, queimaduras, ferimentos, mutilações, deformações, maquiagens, tudo isso era usado como forma de arte com o intuito de chocar o expectador e transgredir às normas sociais e tabus;

- Os artistas se utilizam de temas livres de qualquer tipo de preconceito, seja de gênero ou sexualidade, tendo a arte como uma forma de protesto;

- Visava despertar o público com relação a importância da vida e da arte.    

Está relacionada também ao happening e, muitas vezes, os termos são descritos como sendo a mesma coisa.

Alguns estudiosos dizem que há uma pequena diferença entre os dois tipos de manifestação artística.A performance seria quando o artista apresenta uma cena em que normalmente utiliza seu corpo como suporte enquanto os espectadores observam; já no happening o público costuma participar também da ação.No universo das artes, esse tipo de fazer artístico surge a partir da segunda metade do século XX, em decorrência de desdobramentos da pop art e da arte conceitual nos anos 60 e 70.

Isso porque a arte contemporânea desponta como uma nova maneira de produzir e apreciar a arte.Contudo, pode-se dizer que a performance tem relações com movimentos modernistas mais antigos, como o dadaísmo e a Escola de Bauhaus.No Brasil, já na década de 50 a arte da performance dava sinais. Isso por conta de Flávio de Carvalho (1899-1973), precursor do movimento e integrante do modernismo brasileiro.

É uma linguagem relacionada à arte contemporânea e, na maior parte das vezes é montada em espaços de arte, como museus e galerias. Entretanto, pode também ser realizada ao ar livre. A palavra instalação surgiu nos anos 60, quando a arte de maneira geral passava por grandes transformações. Mas anteriormente, artistas já produziam obras que buscavam trabalhar em cima dos ambientes, criando novos cenários e provocando o público a interagir com as obras.Esse é o caso do artista Kurt Schwitters (1887-1948), que na década de 20 cria composições com objetos que são dispostos em cômodos.

Outro nome importante para a instalação na arte é Marcel Duchamp (1887-1968). Entre 1938 e 1942 o artista elabora obras nas quais se apropria dos espaços. Uma dela é Milhas de Barbante, que consiste em um carretel de barbante desenrolado pelo ambiente de um museu.A instalação, feita na década de 70, é uma das mais lembradas quando se fala em arte feminista.

Isso porque a artista criou um ambiente que propõe um jantar em homenagem a diversas mulheres importantes da história.

São 39 lugares dispostos em uma mesa triangular, sendo que o triângulo simboliza a igualdade. Os pratos são de porcelana e pintados à mão com temas que remetem às convidadas, que tem seus nomes bordados em dourado na toalha de mesa.Os artistas que se utilizam do recurso da instalação, geralmente estão preocupados em criar uma atmosfera diferente e instigar o público em uma apreciação com vários sentidos, não apenas o visual.

Além disso, o fato de as obras serem de grandes proporções, torna inviável que sejam colecionáveis, nesse sentido há um questionamento ao mercado da arte.

Assim, o interior dos templos, bem como as peças ou espaços relacionados com o culto dos mortos, eram artisticamente elaborados. Os túmulos são um dos aspectos mais representativos da arte egípcia.Isso porque os egípcios acreditavam na imortalidade da alma e que ela poderia sofrer eternamente, caso o corpo fosse profanado.

Daí decorre a mumificação e o caráter monumental do local onde as múmias eram colocadas, cujo objetivo estava voltado para protegê-las pela eternidade.O faraó contratava artistas para desenhar e pintar nas paredes das pirâmides, que viriam a ser os seus túmulos. Essas pinturas detalhavam a vida deles e seu entorno, de modo que essa arte registra parte da história do Egito.Nessa sociedade, a arte era produzida de forma padronizada e não dava espaço para a criatividade.

Dessa maneira, foi realizada uma arte anônima, pois o importante era a perfeita realização das técnicas executadas e não o estilo dos artistas.

A dimensão das pessoas e objetos não caracterizava uma relação de proporção e distância, mas sim os níveis hierárquicos daquela sociedade. Assim, o faraó era sempre o maior dentre as figuras representadas numa pintura.

O povo grego foi na antiguidade um dos que exibiam manifestações culturais mais livres, rendendo-se pouco às ordens de reis e sacerdotes, pois acreditavam que o ser humano era a concepção mais incrível do universo.A arte grega passou pelos períodos arcaico, clássico e helenístico, e cada uma dessas fases históricas, influenciou a elaboração das obras.
As pinturas e esculturas eram concebidas a fim de serem belas e assim perfeitas, de acordo com os princípios da filosofia grega. Esta, talvez, seja a principal característica da arte grega, o que a torna singular e cujas influências são visíveis até os nossos dias.

As artes foram ainda influenciadas pelas próprias civilizações com as quais a Grécia se relacionava. Afinal, a Magna Grécia, compreendeu possessões na costa da Turquia, Macedônia, e sul da Itália.A arte da pintura era desenvolvida em cerâmicas, bem como nas paredes das grandes construções. Os vasos nem sempre foram peças de decoração, sendo utilizados no trabalho diário ou para guardar mantimentos, tais como vinho e azeite.

Eles habitavam as terras férteis do vale dos rios Tigre e Eufrates, territórios que hoje pertencem a Turquia e ao Iraque. Os principais povos mesopotâmicos foram: os sumérios, os acádios, os assírios, os caldeus e os babilônicos.Ainda que seja difícil reunir as diversas características que marcaram a arte mesopotâmica, visto a infinidade de povos e culturas que se desenvolveram na região, no geral, a arte mesopotâmica reflete a história, a política, a religião, as forças da natureza e as diversas conquistas dos povos que habitaram o local até o século VI a.C., ou seja, até a conquista dos persas.

Os principais materiais utilizados para a produção da arte mesopotâmica eram a argila, o adobe, a terracota, a cerâmica, o cobre, o bronze, o basalto, o ouro, a prata, o estanho, o alabastro, o junco, o marfim e ainda, diversas pedras preciosas.

A arquitetura mesopotâmica foi a mais desenvolvida das artes desse período, sendo marcada pela grandiosidade das formas. A escultura e a pintura possuíam a mesma finalidade decorativa, ou seja, elas foram produzidas para decorar os espaços arquitetônicos.

A arte germânica pode ser caracterizada pela confluência de elementos europeus e asiáticos, pois os contatos entre as tribos, seja pelos fluxos migratórios, seja pelo comércio entre diferentes culturas.
Francos, teutos, godos, saxões, burgúndios, alamanos, hérulos, vândalos e outros grupos compõem a variedade cultural dos povos que entre os séculos V e IX , invadiram a Europa a qual sofreu um acentuado processo de ruralização, cujos desdobramentos foram uma das causas as invasões bárbaras.
A etnia celta se concentrou numa área bastante ampla da Europa ocidental: norte da Península Ibérica, França, Ilhas Britânicas e parte da Europa central (Sul da Alemanha, Hungria e República Tcheca). Sua estrutura social estava articulada em tribos, as quais eram dotadas de um chefe e no contexto de guerra, formavam uma espécie de federação através de alianças e se subordinavam a um chefe comum, dotado do título equivalente de rei.

Desenvolveram um padrão arquitetônico que demonstrou sua fixação perene num território com o uso de construções de pedra especialmente para muralhas, optando no caso das moradias por cabanas de madeira e telhado de palha, fato que não impediu a organização de cidades de pequeno e médio porte e que posteriormente, com a dominação romana se transformaram em núcleos importantes, como Lutécia, que se transformou em Paris.

Este período da história da civilização ficou conhecido como Idade do Bronze. Isso faz com que a Arte Egeia às vezes seja chamada de “Arte Grega da Idade do Bronze”.
Ídolos esculpidos em mármore que vão de poucos centímetros ao tamanho natural, com características abstratas: a cabeça é um ovóide e o único relevo é o nariz; 

- Pequenas figuras de homens tocando lira ou flauta e mulheres segurando crianças;

- Simplicidade, austeridade, singeleza, contenção das expressões religiosas, ausência de ornamentos, formas minimalistas.

Viviam no Norte da Palestina, entre o Mar Mediterrâneo e o território que hoje corresponde ao Líbano, Síria e Israel.

Os fenícios são conhecidos como o povo do mar. Isso porque eles foram grandes mercadores marítimos e contribuíram para o desenvolvimento da Astronomia.Os fenícios conviveram e comerciaram com vários povos. Tiveram como vizinhos os hebreus que também viviam na região onde está o atual Estado de Israel.

Com os persas, além do comércio, os fenícios ainda tiveram que enfrentá-los como inimigos devido à expansão do Império Persa.A religião da Fenícia era o Politeísmo onde praticavam rituais de sacrifício de animais.

Os fenícios cultuavam, principalmente, três deuses, que são conhecidos por nomes diferentes: