As cortes são o roteiro de uma despedida, a de uma menina. Uma princesa portuguesa que parte para longe, deixando a sua terra e deixando saudades.

A sua festa de despedida ficou marcada por uma oposição de Portugal ao Mundo, uma afirmação de nacionalidade ao que parece um destino português por excelência.

As Cortes são uma obra de Gil Vicente profundamente portuguesa e à moda de Gil Vicente portanto irónica, inteligente, misturando o nobre dos versos de Júpiter, da Providência ou de Marte, figura de inspiração ilustre.

No Auto de Gil Vicente, o que nos entusiasma é sobretudo o amor pela confusão, paixão de um projeto, cruzando duas intrigas: a dos ensaios e a representação do Auto com a dos amores de Beatriz, Paula e Bernardim.

É como se o teatro vivesse entre um suicídio por e o destino da nação, como se o teatro fosse tudo e nada ao mesmo tempo.

Nesta peça pouco se passa, mas de tudo se fala, vai passando toda a cultura portuguesa, a poesia, o teatro, a arquitetura antiga, os Descobrimentos, a hipocrisia, a política das artes.

Vai de um monólogo trágico à farsa, passando pelo melodrama e pala alta comédia, ou seja é um género híbrido.

São três atos que permitem três tipos de escrita dramática e três modos diferentes de mostrar a mesma gente em três locais de ação emblemáticos. É de certo modo, uma estrutura aberta, livre.

O seu teatro defende a liberdade e uma necessidade de História.

Recorre à História para falar da sua época trazendo para cena D.Manuel e o renascimento em Portugal.

Percebemos que para pôr em cena a peça de Garrett era rever a nossa bandeira, tendo-se feito um espetáculo com as suas cores predominantes e a presença da esfera armilar dourada e quinas azuis como o luar, a abrir e fechar cortinas.

O nosso espetáculo gostava de esvaziar a nossa bandeira da normalidade dos uniformes, reivindicamos a generosidade portuguesa.

Por detrás da nossa bandeira está a delicadeza da alma das nossas ‘Beatrizes’, a violência das paixões das nossas ‘Paulas’ e o corpo de ‘Bernardim’.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa, "Viagens"

O elemento central do poema é, então, os olhos da amada. O fogo é o elemento divino eterno e suave e a cinza a recordação do amor espiritual. 

Nas duas estrofes, a rima é interpolada e emparelhada: ABAABCC, 1ªestrofe; DDEFFEF, 2ª estrofe. Ambas as estrofes são constituídas por sete versos, logo sétimas.

Onde vás pescar com ela,

 Que é tão bela,

 Oh pescador?

Não vês que a última estrela

No céu nublado se vela?

 Colhe a vela,

 Oh pescador!

Deita o lanço com cautela,

Que a sereia canta bela...

 Mas cautela,

 Oh pescador!

Não se enrede a rede nela,

Que perdido é remo e vela

 Só de vê-la,

 Oh pescador.

Pescador da barca bela,

Inda é tempo, foge dela,

 Foge dela

 Oh pescador!

Nasceu na localidade de Ponta Delgada, na ilha de São Miguel, nos Açores, Portugal, no dia 18 de abril de 1842. Iniciou os seus estudos em Ponta Delgada.

Em 1858, com 16 anos, Antero de Quental ingressou no curso de Direito na Universidade de Coimbra e tornou-se o líder académico, graças à sua marcante personalidade.

Em Coimbra, Antero de Quental organizou a Sociedade do Raio, que pretendia renovar o país pela literatura. Em 1861 publicou alguns versos que lhe abriram o caminho para as glórias futuras.
Ainda estudante de Coimbra, Antero de Quental liderou um grupo de estudantes, que repudiava as velhas ideias do Romantismo, a geração de 70, causando uma polémica entre a velha e a nova geração de poetas. Nasceu assim a “Questão Coimbrã”.

Dividia-se entre a produção de poesias, publicadas em jornais, e atividades de comerciante, herdadas do pai. Em 1877, começou a dar sinais de tuberculose, doença que já lhe havia tirado o irmão e a irmão. Estas mortes servem de inspiração a um dos seus principais poemas, “Nós”.

-O realismo (atitude crítica em relação à sociedade), o naturalismo, o impressionismo (o real apreendido através de impressões) e o parnasianismo (busca da perfeição formal) são as influências artísticas e estéticas na poesia de Cesário Verde.

-O binómio cidade/campo derivado da deambulação da cidade e das suas experiências no campo é um aspeto fundamental da poesia de Cesário Verde, assim como a captação impressionista da realidade, a dimensão social e a inovação poética.  Ao longo das suas obras, este oscila entre a exaltação e/ou crítica da cidade e o elogio do campo, que representa a vida, a saúde, o espaço onde se restabelecem as energias consumidas pelas metrópoles.

António Pereira Nobre, conhecido como António Nobre, nasceu no Porto, Portugal no dia 16 de agosto de 1867. Filho de família abastada ingressou na Faculdade de Direito, na Universidade de Coimbra. Após ser reprovado duas vezes, abandonou o curso. Em 1890, mudou-se para Paris, onde se formou em Direito pela Universidade de Sorbonne, em 1895.
Referindo-se ao seu único livro publicado em vida, Só (1892), declara que é o livro mais triste que há em Portugal. Apesar disso, e de ser real o sentimento de tristeza e de exílio que perpassa em toda a sua obra, ela aparece marcada pela memória de uma infância feliz no norte de Portugal e pelo relembrar das paisagens e das gentes que conheceu no Douro interior e no litoral português a norte do Porto, onde passou na infância e juventude, e em Coimbra.

 Há uma certa inibição, isto é como se a crítica não tivesse perceção de como deveria atuar relativamente ao objeto poético proposto à sua análise. 

 A crítica de cariz positivista marca a obra com circunstâncias biográficas ou em descobrir fontes, influências e genealogias de géneros e de temas. A crítica procura explicar o texto por fatores exteriores e vê apenas nele um documento humano/expressão de cultura de que muito pouco se consegue extrair.

De modo que, não se conseguem identificar mulheres existentes, paisagens com uma localização exata, ou seja é uma poesia impenetrável que resiste às interpretações biográficas e às catalogações histórico-culturais

 Os tentames literários da sua juventude denunciam a marca do decadentismo e do naturalismo, e determinadas características comuns a realistas e parnasianos. A sombra torturada de Antero transparece na inquietação de algum raro soneto daqueles tempos. Mas nada disso define o verdadeiro Pessanha, o que havia de se afirmar na maturidade.

  A poesia de Camilo Pessanha não resiste à crítica biografante, mas também ao estreito historicismo literário. 

Era leitor de Verlaine e de Rúben Darío que o ajudaram a encontrar determinadas cadências, a modular a sua própria música. Era simbolista, era um grande senhor dos ritmos e tratava os esquemas tradicionais do verso para depois os moldar em formas que, nunca pareceram revolucionárias, acabam por ser novas pela perfeita aderência às intenções e instituições que exprimem. Foi o  reiventor da língua, que é nele a mesma dos clássicos, apenas percorrida por uma vibração profunda que elimina velhos hábitos, desarticulando os períodos, variando os andamentos, iluminando com súbita intensidade de certas palavras belas e expressivas, às quais uma sábia e discreta valorização restitui o poder inicial. Raros tiveram como ele o segredo de colocar no lugar oportuno a palavra-chave carregada de um magnetismo poético.

Adaptado de Manual de Literatura Portuguesa "Viagens"                

feito em conjunto com Jéssica Gonçalves 

Através da pintura romântica, os artistas exprimem as suas emoções e a sua imaginação. Substituíram as cores límpidas e brilhantes e as composições harmoniosas do neoclassicismo por cenas de atividade violenta, dramatizadas por pinceladas vigorosas, cores ricas e sombras profundas.

A escultura romântica era sentimental, apelava aos sentidos e caracterizava-se pela sua energia e dinamismo.

Como o neoclássico, este estilo continuou a dar importância a monumentos funerários, estátuas equestres, motivos heróicos e homenagens a reis e militares.

A novidade da escultura vem com figuras de animais em cenas de luta e de caça. Entre os escultores que trabalharam no estilo romântico destaca-se o francês François Rude.

Embora a tuberculose pulmonar apenas se tenha manifestado depois de publicada a primeira edição do livro, pelo que são erróneas as leituras que pretendem ver os poemas de Só à luz daquela doença, em toda a obra de António Nobre está presente a procura de um regresso a um passado feliz, que transfigura a realidade, poetizando-a e aproximando-a da intimidade do poeta. Estas características da sua obra, que reflectem as influências simbolistas e decadentistas que recebeu em Coimbra e Paris, são acompanhadas de alguma ironia amarga perante o que achava ser a agonia de Portugal e a sua própria, particularmente na fase final da sua vida na qual as circunstâncias críticas do seu estado de saúde contribuíram em muito para as características da sua obra.

Em todos os seus livros (Só e os póstumos Primeiros versos e Despedidas), bem como no seu abundante epistolário, está presente um sentimentalismo aparentemente simples, reflectido nos temas recorrentes da sua obra: a saudade, o exílio, a pátria e a poesia. Este sentimentalismo ganha uma dimensão mítica, por vezes um certo visionamento, na procura de um passado pessoal entretanto perdido pelo desenraizamento da sua pátria ou pelo sentimento de amargura a sua estagnação lhe causa, como se percebe no seu poema Carta a Manuel.

Na sua obra poética, António Nobre procurou recuperar um pitoresco português ligado à vida dos simples, ao seu vigor e à sua tragédia, pelos quais sentia uma ternura ingénua e pueril. Nessa tentativa assume uma atitude romântica e saudosista que marcaria profundamente a literatura portuguesa posterior, aproximando-o de figuras literárias como Guerra Junqueiro e Almeida Garrett.

Esta proximidade e admiração a Almeida Garrett são confessadas pelo próprio autor no poema intitulado significativamente Viagens na minha terra.
Estilisticamente, recusou a elaboração convencional, a oratória e a linguagem elevada do simbolismo do seu tempo, procurando dar à sua poesia um tom de coloquialidade, cheio de ritmos livres e musicais, acompanhado de uma imagem rica e original. Nesta ruptura com o simbolismo foi precursor da modernidade. Marcantes, ainda, na sua obra são o seu pessimismo e a
obsessão da morte (como em Balada do Caixão) e o apreço pela paisagem e pelos tipos pitorescos portugueses (como na segunda e terceira partes de António)
Considerada ousada para a época, a obra de António Nobre foi interpretada por alguns como nacionalista e tradicionalista.

Dos meus olhos, porque não vos fixais?

Que passais como a água cristalina

Por uma fonte para nunca mais!...

Ou para o lago escuro onde termina

Vosso curso, silente de juncais,

E o vago medo angustioso domina,

_ Porque ides sem mim, não me levais?

Sem vós o que são os meus olhos abertos?

_ O espelho inútil, meus olhos pagãos!

Aridez de sucessivos desertos...

Fica sequer, sombra das minhas mãos,

Flexão casual de meus dedos incertos,

_ Estranha sombra em movimentos vãos.

Na primeira estrofe conseguimos ter uma perceção visual do que o eu lírico nos pretende transmitir, conseguimos idealizar "a água cristalina" que passa por uma fonte porém não conseguimos fixar tais imagens.

A imagem da água revela a ideia de transição, essa ideia é reforçada pelo verbo passar que se repete no 1º e no 3º verso.

O facto de a água ser cristalina simboliza a fragilidade das imagens que não se fixam, mas também simboliza tranquilidade ou paz interior do sujeito poético.

As reticências no final da estrofe sugerem a resignação do poeta, e a ideia do fluir sem fim da água que se escoa para distâncias desconhecidas. 

A palavra "mais" que encerra a 1ªestrofe revela lamentação que se perde no infinito e o seu lamento que vai escoando à distância, sem encontrar um fim. Esse lamento está presente nos versos 2 e 3 e na repetição da forma verbal "passais" no 1ª e 4ªversos.

O ritmo da estrofe expressa a calma do poeta e o seu discurso fluente e contínuo.

A atitude do eu poético é a de um observador atento ao que o rodeia, mas o "eu" interior vai intensificar essa preocupação na 2ªestrofe, onde há uma repetição da ideia de "meus olhos" que aparece 2 vezes na 3ª estrofe. 

Na segunda estrofe o tom adquire um aspecto sombrio. O poeta volta-se para dentro de si, fato nitidamente mostrado no 3º verso, após o que duas referências a si mesmo aparecem no 4º verso: “mim” e “me”. Agora a imagem da “água cristalina” é substituída pela do “lago escuro”, uma imagem sombria, tétrica, conotando morte em oposição à vida das imagens anteriores. 

O elemento, água, é o mesmo. Apenas o aspecto é que muda. Esse elemento de diluição vai culminar na “sombra das mãos”, na última estrofe do soneto. Por enquanto, vamos analisar a segunda estrofe. Novamente temos a aliança da imagem visual com o plano sonoro do poema. Note-se a predominância marcante das vogais fechadas, com o grande número de vogais posteriores, que dão a própria imagem do sombrio: /u/ e /o/.

No verso mais expressivo dessa estrofe que é o 3º, aparece apenas uma vogal aberta em contraposição a cerca de dez vogais fechadas, na maioria, posteriores. Esse verso é importante porque denota a mudança de atitude do poeta. Essa valorização é feita no plano sintático, havendo uma quebra da ordem natural do pensamento com a identificação da oração que constitui o 3º verso e a continuação da ideia anterior no 4º verso (o enjambement de ”termina” valoriza a ideia da própria palavra terminando o verso). Essa quebra revela a tensão do narrador. O ritmo dessa estrofe, aliás, é tenso em comparação ao da primeira. A leitura torna-se mais pausada, mais lenta. A imagem do “lago escuro”, “silente de juncais”, apresenta-se nos como a de um “poço” parado (sem vida) e profundo. A partir do momento em que o poeta se volta para dentro de si, no 3º verso, o tom passa a ser outro. “Porque ides sem mim, não me levais?” sugere um despertar para a realidade da sua dor. 

A interrogação adquire agora tom mais desesperado; o objeto dessa interrogação é ele mesmo: “porque não ME levais?” e esse ME é uma reiteração da ideia já expressa em “mim”. Esse verso é dividido em duas partes, havendo uma cesura após a palavra “mim”. Ambas as partes têm o mesmo significado, o que muda é a estrutura da frase, acarretando uma nova dimensão para a negação. Não ocorre uma simples repetição do conteúdo sob duas formas estruturais, mas uma mudança de estrutura, ocasionando diferenças de grau na interrogação negativa: a primeira frase nega, mas por exclusão (através do termo “sem”), ao passo que a segunda reforça tal negativa pelo uso da negação absoluta “não”.

Reforçada a interrogação, reforça-se também o objetivo dessa interrogação que, com já dissemos, é o próprio poeta. A cesura é elemento também importante na valorização da interrogação: “porque não me levais?”.

Simultaneamente ao distanciamento, ao afastamento das imagens, temos uma aproximação do “eu”.

Depois de constatar sua inutilidade (pela diluição das imagens), apela para a “súplica” que é uma tentativa de agarrar-se a um referente externo, relacionado com o “eu”. 

No 3º verso do primeiro terceto há uma concentração de sibilantes /s/ e uma ausência total de nasais, sugerindo a interrupção do fluir anterior e o aspecto do deserto.

Essa concentração dá a impressão de que as imagens são realmente “sucessivas” e se diluem, desaparecendo totalmente e dando lugar à súplica que aparece no último terceto.

Relativamente ao nível formal, este soneto é constituído por catorze versos, distribuídos por duas quadras e dois tercetos. Os versos são decassilábicos e a rima é interpolada e cruzada.