1512년 경부터 로마에서 메디치 가문이 권력을 잡았는데, 다빈치는 당시 메디치 가문의 후원을 받아 작업을 하기도 했다.

그 시기에 <성 안나와 성 모자> <모나리자> 등의 작품을 완성했고, 이후 프랑스로 이주하여 더 다양한 과학 연구와 <최후의 만찬>과 같은 작품을 남겼다.

2. 대표작 <모나리자>
모나리자는 16세기 르네상스 시대에 레오나르도 다빈치가 그린 초상화로, 현재 프랑스 파리 루브르 박물관에 전시되어 있다. "모나"는 유부녀 이름 앞에 붙이는 경칭이고, "리자"는 초상화의 모델이 된 여인의 이름이다. 즉, 한국어로 하면 "리자 여사"라는 뜻이 된다.
이 그림은 여러가지 면에서 선구적인 작품으로 당시로서는 새로운 방식인 유화 기법을 사용했으며, 선을 부드럽게 하는 스푸마토 기법을 사용하여 엷은 안개가 덮인 듯한 효과를 주고 있다. 구도는 당시에 가장 기본적인 초상화 구도였던 피라미드의 형태를 띠고 있다.

3. 미술 사조 : 르네상스
르네상스는 부활이라는 뜻으로 유럽에서 14세기부터 16세기 사이 일어난 문예 부흥 운동을 말한다. 과학 혁명의 토대가 만들어져 중세를 근세와 이어주는 시기가 되었다. 문예 부흥이라는 것은 문화, 예술 전반에 걸친 고대 그리스, 로마 문화의 재수용을 의미한다. 옛 그리스와 로마의 문학, 사상, 예술을 본받아 인간 중심의 정신을 되살리려 하였다. 이 점에서 르네상스는 일종의 시대적 정신 운동이라고 말할 수 있으며, 르네상스 시대에 활동한 대표적인 미술가로는 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로 등이 있다.

툴루즈 로트레크 <디방 자포네>
Divan Japonais, 제작연도: 1893년, 종류: 다색 석판화, 크기: 81.0x60.3cm

살롱에는 1861년 겨우 입선하여 수상한 바 있으나, 처음부터 이색적인 작품은 그 후에도 여러 차례에 걸쳐 낙선을 거듭하였다. 혁신적인 작품은 1863년 낙선전(落選展)에 전시된 《풀밭 위의 점심 Le Déjeuner surl’herbe》, 1865년의 살롱 입선작《올랭피아 Olympia》로 일약 세상의 주목을 끌었다. 이 두 작품에 대한 비난은 지나쳤으나 도리어 그의 표현기법의 참신성과 밝음을 결정적으로 인상지어준 결과가 되었다. 이 사건 이래 화단과 문단 일부에서 열렬한 지지자를 얻었고, 자신을 경모(敬慕)하는 C.피사로, C.모네, A.시슬레 등 청년화가들 사이에서 그 후에 대두될 인상주의에의 길을 여는 기연(機緣)을 이루었다. 그러나 마네 자신은 아카데미즘의 공인을 기다려, 인상파그룹의 전람회에 참가하기를 거부하고, 그들과 동일시되는 것을 대단히 꺼렸으나 한때는 인상파기법을 채용하여 제작한 적도 있다.

북(北)프랑스의 카토 출생. 처음에는 파리에서 법률을 배웠으나 화가로 전향하였다. 1892년 파리의 장식 미술학교에 적을 두고, 미술학교 수험준비를 하면서 아카데미쥘리앙에서 부그로의 지도를 받았다. 그러나 그 아카데믹한 가르침에 만족할 수 없어 루브르미술관에서 모사(模寫) 등을 하고 있는 사이 G.모로의 눈에 띄어 그의 미술학교 교실로 입학하였다. 여기서 루오 마르케 등과 교우, 모로의 자유로운 지도 아래 색채화가로서의 천부적 재질이 차차 두각을 나타내었다. 1897년 소시에테 나시오날 전람회에 출품한 《독서하는 여인》을 국가가 매입하게 되자 이 전람회의 회원이 되었다. 그 후 피사로 등과 알게 되어 인상파에 접근하였고, 또 보나르나 뷔야르 등의 영향도 받았다. 모로가 죽은 후에는 아카데미 카리에르에 다니며, 드랭과 알게 되었다. 이 무렵 그는 경제적으로도 매우 어려웠다.

한편 예술적으로는 드랭을 통하여 블라맹크를 알게 되고, 1900년 이후에는 세잔풍(風)을 도입하여 극도로 구성적인 포름과 어두운 색조로 전향하였으나, 1904년 시냐크 ·크로스와 함께 생트로페에 체재하게 됨으로써 신인상파풍을 짙게 받아들였다. 이 새로운 교우관계가 이듬해에 시작된 야수파(포비슴) 운동의 강렬한 색채의 폭발로 나타나게 되었다. 드랭 ·블라맹크 등과 함께 시작한 이 운동은 20세기 회화의 일대 혁명이며, 원색의 대담한 병렬(竝列)을 강조하여 강렬한 개성적 표현을 기도하였다.

1908년경에는 강한 색채효과를 억제하는 한편, 새로이 전개된 피카소를 중심으로 한 입체주의(큐비즘)의 방향으로 눈을 돌린 적도 있었다. 그러나 1910년의 뮌헨 ‘근동미술전’의 인상, 1911∼1913년 두 번에 걸친 모로코 여행으로 왕년의 포브 시대와 다른 장식적인 현란한 색채를 사용하여 특히 아라베스크나 꽃무늬를 배경으로 한 평면적인 구성이나 순수색의 병치(竝置)로 독특한 작풍을 창조하였다. 이 무렵의 작품으로는 《목련꽃을 든 오달리스크》가 있다.

그 후 그의 예술은 차차 성숙해져 보색관계를 교묘히 살린 청결한 색면효과 속에 색의 순도를 높여 1923년경부터 1930년대에 걸쳐 확고한 마티스 예술을 구축함으로써 피카소와 함께 20세기 회화의 위대한 지침이 되었다. 제2차 세계대전 후인 1949년 남(南)프랑스 니스의 방스성당의 건축 ·장식 일체를 맡아 여기에 모든 기법과 재료를 동원, 그의 예술의 집대성을 이룩하고 니스에서 죽었다. 오늘날 그의 작품은 세계 각국에 존재합니다

유화, 동판화, 드로잉 작품들이 남겨져 있고 자화상을 특히 많이 그렸다.

네덜란드 최고의 화가로 그의 굳은 신념은 두터운 신앙심에서 우러나왔기에 특히 종교화에 많은 걸작을 남겼다. 남긴 작품 수는 유화·수채화·동판화·데생 등을 포함하여 2천여 점이나 된다. 성서·신화·역사·풍경·풍속·위인 등 각 방면에서 광범위하게 소재를 구하였다.

그의 작품 속 대상에 대해 사실적 수법을 쓴 다른 네덜란드 파의 화가와 다름이 없으나, 빛의 효과에 있어서는 색채 및 명암의 대조를 강조함으로써 의도하는 회화적 효과를 거두었다. 이러한 결과로 그는 '근대적 명암의 시조'란 이름을 듣게 되었다. 또 그는 북부 유럽 동판화의 대가로서 약 300점의 걸작을 남겼으며, 이 동판화만으로도 그는 세계 미술 사상 최대의 화가로 인정된다.

스페인의 벨라스케스와 벨기에의 루벤스와 함께 17세기 최대의 화가로 손꼽히며, 레오나르도 다 빈치와 함께 유럽 회화 역사상 가장 훌륭한 화가로 알려져 있다. 작품으로 <자화상>,<마리아의 죽음> ,<성 가족> 등 많은 걸작을 남겼다.

렘브란트의 그림의 특징은 시대의 관행을 뛰어넘어 개성을 발휘했다는 데 있다. 이를테면 야경의 경우 얼굴이 모두 나온 사람도 있고, 그렇지 않은 그림도 있는데, 이는 모두 얼굴이 나오게 하는 단체 인물화가들의 관행을 뛰어넘은 것이다. 성서를 주제로 한 성화들도 성화(이콘)에서 볼 수 있는 화려하고 거룩한 느낌 대신, 인물들의 심리를 담아내는 심리묘사가 특징이다. 이를테면 구약성서의 족장설화 중 하나인 아브라함이 첩 하갈과의 사이에서 낳은 큰 아들 이스마엘과 그의 어머니를 버리는 장면을 그림으로 묘사하면서, 아브라함의 고뇌와 정실부인인 사라의 뿌듯함을 아브라함은 고뇌하는 표정을 짓고, 사라는 숨어서 웃는 모습으로 대비시키고 있다.

르네상스는 유럽 문명사에서 14세기부터 16세기 사이 일어난 문예 부흥 또는 문화 혁신 운동을 말한다.
대표작(피에타):미켈란젤로의 피에타는 특히 드라마틱한 장면을 아름답게 표현한 작품으로 유명하다. 예술가는 뛰어난 솜씨로 대리석 돌덩어리를 깎아내어 젊고 여린 성모의 콧날로 떨어지는 고운 선과 하늘을 향해 열린 손 매무새를 묘사하였다. 

출생-사망 | 1864.11.24 ~ 1901.9.9
국적 | 프랑스
활동분야 | 예술
출생지 | 프랑스 알비
주요작품 | 《니스로 사두마차를 몰고가는 로트레크백작》, 《세레랑의 젊은 루터》, 《목욕하는 여인》

본문

알비 출생. 처음에는 아버지의 친구인 화가 R.프랭스토에게 배웠고 1882년부터는 파리에서 코르몽(본명 F.A.Piwstre)의 지도를 받으면서 개성 있는 소묘화가(素描畵家)로서 독자적인 자질을 키워나갔다. 이 무렵 고흐, 고갱 등과 알게 되었고 드가의 예술에 끌리기도 하였다. 파리의 환락가 몽마르트르에 아틀리에를 차리고 그후 13년 동안 술집·매음굴·뮤직홀 등의 정경을 소재로 삼아 정력적으로 작품제작을 하였다. 처음에 풍자적인 화풍으로 사람들의 관심을 끌었고, 유화와 더불어 석판화도 차차 높은 평가를 받았다.

1889년부터는 앙데팡당전(展)에 출품하였고 최초의 개인전은 1893년에 파리에서 열었다. 그의 소묘는 날카롭고 박력 있는 표현으로 근대 소묘사에서 중요한 위치를 차지한다. 그런 소묘의 힘에 바탕을 둔 유화는 어두우면서도 신선하고 아름다운 색조와 독자적인 작풍으로, 인생에 대한 그의 통찰과 깊은 우수를 공감하게 한다.

30대 이후 알코올중독으로 정신착란을 일으켜 1899년에는 3개월 동안 병원에 입원하였다. 입원 중에는 물론 퇴원 후에도 여러 곳을 돌아다니며 그림 그리기를 계속하였으나, 끝내 말로메의 별장에서 요양을 하던 중 37세로 생애를 마쳤다. 그의 어머니는 아틀리에에 남겨진 아들의 작품을 전부 챙겨 고향인 알비시(市)에 기증하였고, 1922년 알비시에 로트레크미술관이 개관되었다.

출생: 1890년 6월 12일, 툴른안데어도나우, 오스트리아

사망: 1918년 10월 31일, 비엔나, 오스트리아

국적: 오스트리아

예술 사조: 표현주의


한 여자가 한 남자를 끌어안고 애절한 눈빛으로 떠나려는 남자를 붙잡고 있다. 

남자는 놀라고 당황한 얼굴로 어쩔 줄 모르고 있다. 

남자는 실레 자신인데 죽음을 상징하고 여자는 발리 노이질(Wally Neuzil)이라는 모델이다.

전체적으로 선이 많아 마치 인물의 심리를 보는 것처럼 어지럽고 색채도 암울하다.

배경이 어둡고 얼룩덜룩한데 지옥을 표현한 듯 그로테스크하고 암울하다. 

인물의 옷도 어지러운 선으로 그려 죽음이란 이토록 복잡한 것인가 생각하게 된다. 

이 그림을 그릴 당시에는 한창 전쟁 중이었고 사랑과 이별, 배신 등의 감정이 뒤섞여 실레의 복잡한 심리상태를 보는 것 같다.

에곤 실레의 대표작으로 꼽히는 이 그림에 나오는 발리는 실레의 인생에서 아주 중요한 여자이고 다른 그림의 모델로도 많이 나온다.

대표작:전함 테메레이르호
사조:낭만주의

뭉크는 정서적으로 문제가 있었지만, 그는 그의 불안감에 사로잡힌 그림들을 세밀한 계획 하에 작업해냈다. 그의 <절규>(1893)는 실존의 고통을 형상화한 대표적인 작품으로 여겨지고 있다. 1890년대에 그는 넓은 색면으로 그림의 구성을 변형시키기 시작했는데, 거친 붓질과 왜곡된 형상에 의해 강조된 꾸불꾸불한 윤곽선을 특징으로 했다. 1892년에 뭉크는 베를린 미술가 협회의 초청을 받아 베를린에서 그림을 전시하게 되었다. 일주일 만에 막을 내린 이 전시회에서 그의 작품 <사랑과 고통>(1893~1894)은 격렬한 논쟁을 불러일으켰고, '흡혈귀'라는 별칭도 얻었다.

이 전시회에는 그의 '생의 프리즈 : 삶, 사랑, 죽음에 관한 시'(1893~1913) 연작 가운데 첫 번째 작품도 전시되었다. 이 연작을 통해 뭉크는 자신의 삶 전체를 되돌아보려 했던 것으로 추측된다. 1908년에 신경쇠약에 걸린 후 뭉크의 작품은 좀 더 낙천적으로 변했고, 그는 점점 더 자연의 풍경을 그리게 되었다. 그는 또한 오슬로 대학교에 벽화 연작을 그렸고, 많은 양의 그래픽아트를 제작했다. 1916년에 뭉크는 오슬로 근처의 에켈리로 이사하여 죽기 전까지 이곳에서 살았다. 그는 80번째 생일이 지나고 얼마 되지 않아 죽음을 맞았다.

"질병과 정신 착란, 그리고 죽음은 요람 위에서 나를 굽어보는 검은 천사들이었다."

르누아르의 가장 인기있는 그림 중 하나인 <피아노 앞에 앉은 소녀들>은 선적인 드로잉 기법을 더욱 유려한 붓질로 대체했던 이른바 '진주빛' 시기의 대표적인 그림이다. 1891년 말 혹은 1892년 초에 르누아르는 프랑스 정부로부터 파리에 새로 생긴 뤽상부르그 미술관(활동 중인 화가들의 작품을 소장하려는 목적으로 건립됨)에 걸 수 있는 그림을 주문받았다. 르누아르가 그린 다섯 점의 그림은 중산층 가정생활의 내밀함을 완벽하게 보여주려는 시도였다.

스위스의 화가, 판화가. 초기에는 선화나 동판화를 중심으로 사회 풍자를 내용으로 한 캐리커처를 그렸고, 말기에는 아동화 같은 단순한 기호에 의한 작품을 선보였다. 그는 색채의 전조나 큐비즘적 공간 구성, 쉬르레알리슴의 오토마티즘적 수법을 구사하여 작품을 제작했다.

페테르 파울 루벤스(Peter Paul Rubens, 1577~1640)는 이탈리아를 중심으로 한 남유럽과 모국 플랑드르로 대표되는 북유럽 미술 전통을 종합하여, 빛나는 색채와 생동하는 에너지로 가득 찬 독자적인 바로크 양식을 확립한 17세기 유럽의 대표 화가이다.

1전 유럽의 화가
루벤스는 안트베르펜(Antwerpen)의 상류 부르주아 가정 출신이다. 그는 1577년, 법률가였던 부친 얀 루벤스(Jan Rubens)가 개신교 신앙에 대한 박해를 피해 이주했던 쾰른 근처 지겐(Siegen)에서 태어났으나, 아버지가 사망한 1587년에 안트베르펜으로 돌아왔다. 이곳에서 루벤스는 형 필립과 함께 라틴어 학교에서 고전 교육을 받으며 가톨릭교도로 자랐다.

14살 때부터는 먼 친척이었던 풍경화가 토비아스 베르하크트(Tobias Verhaecht), 매너리즘 양식의 인물화를 그리던 아담 반 노르트(Adam van Noort), 당시 안트베르펜에서 가장 영향력 있던 이탈리아 유학파 화가 오토 반 벤(Otto van Veen)에게서 미술 수업을 받았다. 마스터로 독립을 한 지 2년 뒤인 1600년에 그는 8년간 이어질 이탈리아 여행길에 오른다.
이탈리아로 간 그는 만토바 의 공작 빈센초 곤자가( Vincenzo I Gonzaga )의 궁정에서 일하면서, 수없이 많은 모사를 통해 고대로부터 당대에 이르는 이탈리아 미술의 유산을 흡수했다.

그가 공부한 대상에는 근처 도시 베네치아 에서 본 티치아노 , 틴토레토 , 베로네제의 그림, 바티칸 의 라파엘로와 미켈란젤로 의 작품, 로마에서 접한 고대 그리스 조각, 스페인에서 본 합스부르크 왕가의 컬렉션, 동시대 화가인 코레지오 와 카라바조 까지 포함되었다.

[인동덩굴 그늘의 루벤스와 이사벨라 브란트] 1610
캔버스에 유채, 174×143cm, 알테 피나코테크, 뮌헨
직접 보고 연구한 대가들의 영향과 타고난 재능으로 루벤스는 이탈리아에서 이미 명성을 얻었고, 안트베르펜으로 돌아온 다음해인 1609년, > 플랑드르 를 다스리던 ( 펠리프 2세 의 딸) 이사벨라와 그녀의 남편 알베르토 대공의 궁정화가가 된다.

그에게는 궁정이 있던 브뤼셀 이 아니라 안트베르펜에 살면서 다른 곳으로부터 주문을 받는 것이 허락되었다. 같은 해에 결혼한 루벤스는 유명한 부부 초상화를 남겼다.
[인동덩굴 그늘의 루벤스와 이사벨라 브란트 Rubens and Isabella Brant in the Honeysuckle Bower]라는 제목이 붙은 이 작품에서 신혼부부는 서로의 오른손을 잡는 혼인 서약의 자세를 취하고 있다. 부부의 뒤로 보이는 인동덩굴은 결혼의 행복을 상징하는 식물이다. 세련되고 품위 있는 이들의 모습은 귀족적인 분위기를 자아낸다.

자유롭게 구사했던 여러 외국어 능력과 고전에 대한 뛰어난 학식과 교양, 능숙한 궁정 매너를 가졌던 루벤스는 정신에서는 이때부터 이미 귀족이었다. 브뤼셀 궁의 궁정 사제는 그를 ‘세상에서 가장 교양 있는 궁정화가’라고 칭송했고, 이후 그는 유럽 전역의 왕궁을 오가며 외교관의 역할을 하여 이와 같은 자질을 십분 발휘하게 된다.
북유럽 미술은 다양한 재질로 이루어진 대상의 표면 질감 표현을 비롯한 '세부 묘사'를 통해 사실성을 확보하려고 했다는 점에서, 원근법이나 해부학과 같은 '구조'를 통해 현실을 더 정확히 재현할 수 있다고 본 이탈리아와 대조되는 전통을 가지고 있었다.

이 작품에서 인동덩굴 같은 상징물을 사용한 것이나 다양한 옷감의 질감을 살린 정교한 붓질은 플랑드르를 비롯한 북유럽 미술의 특징이다.
그러나 자주와 감색을 비롯한 격조 있는 채색과 설득력 있는 해부학적 구조를 가진 인물의 모습은 베네치아를 비롯한 이탈리아 전통의 영향을 볼 수 있게 하는 면이다.

1980년대-넓은 색면으로 그림의 구성을 변형시키기 시작했고, 거친 붓질과 왜곡된 형상에의해 강조된 꾸불꾸불한 윤곽을 특징으로 하였다.

1908년- 신경쇠약에 걸린 뭉크의 작품은 좀 더 낙천적으로 변했고, 점점 더 자연의 풍경을 그리게 되었다.

그리스에서 태어난 에스파냐 화가로 17세기 르네상스말기 에스파냐의 펠리페 2세의 궁중 화가였고 당시 매너리즘으로분류된 그의 화풍은 주목받지 못했다. 그의 화풍은 20세기 초 독일 표현주의에 지대한 영향을 주었으며 오늘날에는 미술사에서 매우 중요한 작가로 평가받는다.

그의 대표작인 1586년 대표작 〈오르가스 백작의 매장〉은 산토 도메 교회 사제인 안드레스 누녜스의 주문으로 그려진 이그림은 교회의 후원자였던 오르가스 백작 곤살로 데 루이스의 장례식을 묘사했다. 1332년 타계한 오르가스 백작의 장례식에 성 아우구스티누스와 성 스테파누스가 나타나 그의 시신을 무덤 속에 눕혔다는 일화를 표현했다 화면의 상단은 천상, 하단은 지상이며, 서로 다른 방식으로 묘사되어 있다. 천상 세계는 밝고 화려하며, 인물들은 환영과 같은 모습에 크기와 형태가 왜곡되어 있다.

​

반면 지상 세계는 어둡고 무거우며, 수평적 구도에 인물들의 크기와 균형이 정상적이다. 또한 인물들의 행위는 모두 화면전면에서 이루어지는 독특한 구성을 취했다.

보편적인 조형 요소인 수평과 수직선만이 남아있고 색채도 빨강, 파랑, 노랑의 삼원색만 남아있다.

명암으로는 무채색인 검정과 흰색, 회색이 남아 명도를 조절했다.

(1475.03.06 ~ 1564.02.18)

이탈리아 르네상스 시기의 조각가이자 건축가, 화가 

그리고 시인이다

르네상스를 대표하는 거장 중 한 명으로 불린다.

다방면에서 걸작들을 남겼는데, 본업인 조각에서는 다비드상, 피에타상이 있으며, 회화에서는 시스티나 소성당에 천지창조와 최후의 심판 등을 남겼고, 건축에서는 성 베드로 대성당을 계획했다.

[대표작]

아담의 창조

최후의 심판

시스티나 천장화

피에타

외국어 표기 | Edward Hopper
출생 - 사망 | 1882. 7. 22. ~ 1967. 5. 15.
출생지 | 미국 뉴욕 주 나이아크
직업 | 화가

작가, 이론가, 목판화가, 석판화가, 그리고 화가였던 칸딘스키는 모스크바 대학교에서 법학과 경제학을 공부했으나 이후 미술로 방향을 바꾸었다. 1896년에 그는 독일로 건너가 뮌헨 아카데미의 프란츠 폰 슈투크 밑에서 미술 교육을 받았다. 칸딘스키는 초기에는 화려한 색의 풍경화나 러시아 민속화에서 영감을 받은 주제들을 그렸으나, 점차 구상적인 묘사에서 벗어나 추상적인 작품에 집중했다.

기본적인 성격은 고대 그리스, 고대 로마의 복원을 추구하는것 이며, 예술 뿐만 아니라 문학, 사상 등.. 도 포함된 부흥, 혁신 운동으로 일종의 시대적 정신운동입니다.

일반적으로는 중세적인 문화의 쇠퇴 > 근세적인 문화의 성립이라고 여겨집니다만, 최근에는 애매하다는 의견도 있습니다.

회화 쪽에서 유명한 작가로는 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로 부오나로티, 라파엘로 산치오 가 있습니다

서유럽의 모더니즘과 직접적인 관계없이 그녀는 추상과 구상이 교차하는 자신만의 추상환상주의적 이미지를 개발해 20세기 가장 독창적인 화가로 평가 받는다.
그녀 자신은 ‘여류’ 화가라고 불리는 것을 매우 싫어했지만, 여성화가가 혼자서 독립적인 영역을 만들기 어렵던 20세기 초부터, 그녀는 세상의 편견을 묵묵히 넘어서며 결국에는 여성성에 바탕을 둔, 그러나 결코 여성성에 한정되지 않는 조지아 오키프 자신만의 화풍을 만들고 이를 굳건히 지켜냈다.
65세가 될 때까지 유럽땅을 밞지 않았던 그녀였기에 예술사조의 유행에 휘둘리지 않고 자신이 보고 느끼는 신대륙 미국의 모습을 내면화하여 독특하고 새로운 화풍을 만들어 낼 수 있었던 것이다.
밖에서부터 오는 충격에 때로는 무방비할 정도로 연약했지만 또 그런 만큼 자신을 강건하게 지켜낸 조지아 오키프는 신비스럽고 상징적인 자신의 그림을 자신의 얼굴이라고 여겼던 고독하고도 강인한, 그녀 자신이 불리기 싫어한 여류화가가 아니라 남성도 여성도 아닌 인간, 그리고 예술가였다.

키스헤링은 미국 출신으로 뉴욕에서부터 화가의 경력을 시작했다. 그는 비주얼 아트 스쿨에 재학했고 거리와 지하철,그리고 언더그라운드 클럽 등에서 ‘그라피티 아트’를 발견했고, 이 시기부터 유명해지기 시작했다.

해링은 자신의 폭팔적인 작품 활동 기간 내내, 그는 고급미술과 저급미술의 경계를 허물어하고 싶어했다.

그의 가장 유명한 작품은 <무제>로  화면 중앙에 그게 자리한 붉은 하트는 두 사람 간의 우정과 믿음, 신뢰와 사랑을 나타낸다. 또한 하트에서 뿜어져 나오는 검은 선들은 사랑이 뿜어내는 에너지를 더욱 강조하고 있다. 

출생-사망
1866년 12월 16일 ~ 1944년 12월 13일
예술양식 | 조각가, 추상화의 아버지, 미술, 음악, 미술의 정신적 가치 사이의 관계에 대한 관심, 색채를 탐구
순수한 색과 추상적인 형상들로 이루어진 작품을 창조하는 데 초점을 맞춘 그는, 추상의 탄생이라는 미술사의 혁명을 이루어냈다. 선명한 색의 덩어리들과 기하학적인 형상들로 구성된 캔버스가 미학적으로 아름답다. 칸딘스키는 원과 지그재그, 곡선, 그리고 대각선들을 활기차게 뒤섞어 보여주었다.

칸딘스키는 초기에는 화려한 색의 풍경화나 러시아 민속화에서 점차 구상적인 묘사에서 벗어나 추상적인 작품에 집중했다.

1911년에 그는 프란츠 마르크와 함께 아방가르드 모임인 '청기사파'를 결성했다. 이 '청기사파'란 이름은 칸딘스키의 그림들 중 하나의 제목에서 따온 것이며, 이후 이 모임은 자연의 추상성과 정신성에 초점을 맞춘 독일 표현주의의 전형으로 여겨지게 되었다. 바우하우스의 교수로 임명되었다. 순수하게 미술의 감정적이고 정신적인 힘을 증류하여 가장 응축된 형태로 만들어내는 그의 능력은, 오늘날에도 여전히 미술가들과 관람자들 사이에서 반향을 불러일으킨다.

"색은 영혼에 떨림을 줌으로써, 영혼에 직접적으로 영향을 미치는 힘이다."

밤깊은 대도시의 어두운밤, 사람들이 불을 환하게 밝힌 길모퉁이 식당에 앉아있습니다.

평범한 어느 밤 풍경으로 볼수도 있지만, 

어둠속에서 과하게 밝혀진 빛과 그 빛 너머 경계의 어둠은 이질적으로만 느껴집니다

 불 밝힌 식당은 고독하고 소외된 외로운 도시인들에게 내어준 자리.

앉아 있는 이들은 하나같이 고독한 사람들로 서로 동떨어져 부자연스런 모습을 느낄수 있습니다.

 에드워드 호퍼의 작품에서는 사실적인 일상 속 내재된 상실감같은 심리가 잘 드러납니다.
https://www.artic.edu/artworks/111628/nighthawks

이 작품은 루소의 잘 알려지지 않은 작품들 중 하나이다. 제작 시기도 확실하지 않은 이 작품은 루소가 프랑스 군대에 자원하여 1862년부터 1867년까지 4년간 멕시코에서 근무했을 당시 구상되었을 것으로 여겨진다. 왜냐하면 루소는 단 한 번도 전쟁에 참전한 적이 없으며, 배를 타본 적이 한 번도 없기 때문이다. 파리 근교에 살면서 파리를 단 한 번도 떠난 적이 없는 소박하고 충성스러운 루소에게 그림은일상으로부터의 탈출이자 여행과도 같았다. 

미술사조:팝아트

서유럽의 모더니즘과 직접적인 관계없이 그녀는 추상과 구상이 교차하는 자신만의 추상환상주의적 이미지를 개발해 20세기 가장 독창적인 화가로 평가 받아.

그는 그리스에서 태어나, 이탈리아에서 훈련을 받고, 스페인에서 활동하며 명성을 얻었다. 그의 작품에는 이 세 나라의 역사 문화적 환경과, 1520년대 이후 이미 주류 전통이자 규범이 되어버린 르네상스 미술을 반자연주의적이고 주관적인 방법으로 극복하고자 했던 매너리즘 미술, 프로테스탄트에 맞서 가톨릭을 지키려고 했던 개혁적이고 신비주의적인 종교 운동 등이 반영되어 있다. 

그러나 이 모두의 조합만으로는, 그가 살았던 16세기보다는 낭만주의의 19세기나 표현주의의 20세기초에 더 가까워 보이는 그의 양식이 충분히 설명되지 않는다. ‘사람은 부모보다 시대를 닮는다’는 말이 있지만 엘 그레코의 경우를 보면, 시대의 무엇을 본받아, 어떤 모양의 성과를 만들어내느냐를 결정하는 것은, 개인의 독특한 유전자의 힘이라고밖에 할 수 없을 것이다.

그의 정물화는 정원에서 따온 꽃과 과일로 이루어져 있었다. 풍경화는 실제 주변 풍경을그린 것이 많았다. 특히 누드화는그가 그림을 그리는 즐거움에서 찾아낸 평온함을 보여준다.

주요 작품은 <객석>과 <목욕하는 여인들>등이 있다. 이 작품들은 반짝이는 색채와 빛으로 가득 차 있는 현실생활의 단편을 그린 전형적인 인상파 그림이었다.

아버지는 얀 뤼번스는 칼뱅주의자 변호사였는데, 정작 자신의 화풍은 가톨릭 수호 성향(소위 'counter-reformation', 혹은 가톨릭 종교개혁)의 화풍이었다.

출생-사망 | 1577년 6월 28일 ~ 1640년 5월 30일
출생지-사망지 | 독일 지겐 - 벨기에 안트베르펜
예술양식 | 관능적이고 풍만한 여인, 형태의 유연성, 그리스도의 수난과 같은 종교상 극적인 사건, 호화롭고 방탕한신화의 장면들, 동적인 구

출생-사망1445 ? ~ 1510.5.17
본명Alessandro di Mariano Filipepi
국적 이탈리아
출생지 이탈리아 피렌체
주요작품《비너스의 탄생》(1487), 《수태고지》(1489), 《신비의 강탄(降誕)》(1501)

이탈리아 르네상스시대의 화가. 자연연구에 대한 소박한 정열을 보였고, 미묘한 곡선과 감상적인 시정에 일찍부터 독자적인 성격이 나타나 있다. 고전부흥의 분위기와 신플라톤주의의 정신에 접하고 엄격한 리얼리즘의 일시적인 영향을 받았다. 그러나 점차 사실을 무시하고, 양식화된 표현과 곡선의 묘미를 구사해 장식적 구도 속에 시적 세계를 표현하는 독자적인 화경을 열고 그 후 차차 신비적인 경향을 보이기 시작했다.

후에 문학가 러스킨이 격찬하여 명성이 높아졌으며, 일생 동안 풍경화를 계속 그린 화가로서 17세기 프랑스의 화가 클로드 로랭을 능가하는 것이 일생의 염원이었다. 그런만큼 중기(中期)에는 로랭의 영향이 보이나 후반에는 여기에서 벗어나 한층 더 빛의 묘사로 들어간다. 터너는 1819년부터 약 10년마다, 세 번 이탈리아로 여행을 갔는데, 물과 하늘, 그리고 빛나는 남국의 태양은 터너의 꿈이요 시였다. 터너는 풍경의 일체를 빛의 묘사에 집중시켜 빛 속에 용해시켜 갔는데, 그것은 균정(均整)이 잡힌 윤곽에서 정중하게 그린, 당시로서는 대담한 창작이었다. 더욱이 그는 다시 창작을 계속하여, 《항구 앞바다의 눈보라》(1843)에서 배의 그림자까지 거칠게 불어대는 태풍 속으로 꺼지는 듯 눈보라의 심한 상태를 주제로 잡고, 과거의 회화에 전례없는 동적인 표현을 그려내고 있다. 작품에는 《차일드 해럴드의 순례》(1832), 《전함 테메레이르호(號)》(1839), 《안개 속의 해돋이》, 《비·증기·속력》, 《황금가지》 등이 있는데, 원숙한 빛의 표현이 아름답다. 이상하게도 제자나 후계자가 없는 화가로서 고독한 성격이었으며, 본가 외에 체르시에 은거하면서 이름을 바꾸어 생활을 했기 때문에 아는 사람도 없이 그 곳에서 숨을 거두었다.

무하는 세계 미술 시장에서 유명인으로서 명성을 얻음과 동시에, 수 세기 동안 외세의 침략과 분단을 겪은 그의 조국 체코와 이웃 슬라브 지역들의 정치적 독립에 기여하고자 굳은 결심을 하였다.

물질적 화려함과 근대적 시각이 반영된 1900년 파리 박람회 이면에는 중앙 유럽과 동유럽에 정치적인 긴장감이 감돌고 있었다.

무하는 예술의 보편성과 그 영향력이 사람들과의 소통을 이루리라고 믿었으며, 예술의 힘으로 슬라브 민족과 전 인류의 정신적인 통합을 이룩하기 위한 작업을 하고자 하였다.

이러한 작업으로 무하는 다양한 문화적 배경을 가진 소수인종이 강대국의 위협을 받지 않고 더불어 살 수 있는 세상을 간절히 염원하였다.

무하의 조국을 향한 애정과 유토피아적 이상은 그의 대작 [슬라브 서사시(The Slav Epic)](1911-1928)]에 나타나며, 남은 여생 동안 이러한 무하의 시각이 반영된 작품들이 제작되었다.
[알폰스 무하: 아르누보와 유토피아전]은 포스터, 드로잉, 유화, 장식미술을 비롯한 서적, 사진 등 총 235점을 선보이는데, 파리의 보헤미안, ‘무하 스타일’의 창시자, 코스모폴리탄, 신비주의자, 애국자와 예술적 철학가로서 무하의 여섯 가지 측면을 조명한다.

이번 전시에서는 유럽 역사에서 가장 격동의 시기를 풍미한 그의 활동과 인간으로서의 성장 등을 볼 수 있을 것이다.


사계는 무하의 장식 판넬화의 첫번째 세트이다. 거장들의 회화로부터 친근한 고전적인 주제를 묘사하여 무하는 4개 패널의 시리즈 안에 님프 같은 여성들로 사계를 의인화하였다.

조지아 오키프, <붉은 양귀비>, 1927

 

유럽의 미술이 피카소와 마티스를 선두로 새로운 역사를 써나가고 있을 무렵, 신대륙 미국의 미술은 여전히 전통적인 미술양식을 벗어나지 못한 채 소수의 예술가들만이 전위미술을 개척하고 있었다.

​

대도시의 풍경을 현실적으로 묘사한 ‘에이트 그룹(The Eight)’과 추상과 재현의 경계를 오가며 형태에 대한 새로운 접근을 시도한 ‘정밀주의’ 화가들은 미술의 현대적 해석을 시도하며 전위적인 흐름을 이끌어 나가기 시작했다.

​

​그 중에서도 거대하게 확대된 꽃그림으로 잘 알려진 조지아 오키프(1887.11.15-1986.3.6)는 당시 남성들의 독무대였던 미국화단에서 어떠한 사조와도 연관되지 않는 독창적인 작품세계를 추구하며 미국 미술계에 모더니즘 사조가 주류를 이루는데 앞장섰다.

 

 

“나는 그저 내가 본 것을 그리고 싶었을 뿐이다”

    조지아 오키프, <붉은 양귀비>, 1927

 

유럽의 미술이 피카소와 마티스를 선두로 새로운 역사를 써나가고 있을 무렵, 신대륙 미국의 미술은 여전히 전통적인 미술양식을 벗어나지 못한 채 소수의 예술가들만이 전위미술을 개척하고 있었다.

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대도시의 풍경을 현실적으로 묘사한 ‘에이트 그룹(The Eight)’과 추상과 재현의 경계를 오가며 형태에 대한 새로운 접근을 시도한 ‘정밀주의’ 화가들은 미술의 현대적 해석을 시도하며 전위적인 흐름을 이끌어 나가기 시작했다.

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​그 중에서도 거대하게 확대된 꽃그림으로 잘 알려진 조지아 오키프(1887.11.15-1986.3.6)는 당시 남성들의 독무대였던 미국화단에서 어떠한 사조와도 연관되지 않는 독창적인 작품세계를 추구하며 미국 미술계에 모더니즘 사조가 주류를 이루는데 앞장섰다.

 

 

“나는 그저 내가 본 것을 그리고 싶었을 뿐이다”

    

조지아 오키프, <붉은 양귀비>, 1927

 

유럽의 미술이 피카소와 마티스를 선두로 새로운 역사를 써나가고 있을 무렵, 신대륙 미국의 미술은 여전히 전통적인 미술양식을 벗어나지 못한 채 소수의 예술가들만이 전위미술을 개척하고 있었다.

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대도시의 풍경을 현실적으로 묘사한 ‘에이트 그룹(The Eight)’과 추상과 재현의 경계를 오가며 형태에 대한 새로운 접근을 시도한 ‘정밀주의’ 화가들은 미술의 현대적 해석을 시도하며 전위적인 흐름을 이끌어 나가기 시작했다.

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​그 중에서도 거대하게 확대된 꽃그림으로 잘 알려진 조지아 오키프(1887.11.15-1986.3.6)는 당시 남성들의 독무대였던 미국화단에서 어떠한 사조와도 연관되지 않는 독창적인 작품세계를 추구하며 미국 미술계에 모더니즘 사조가 주류를 이루는데 앞장섰다.

 

 

“나는 그저 내가 본 것을 그리고 싶었을 뿐이다”

    

조지아 오키프, <붉은 양귀비>, 1927

 

유럽의 미술이 피카소와 마티스를 선두로 새로운 역사를 써나가고 있을 무렵, 신대륙 미국의 미술은 여전히 전통적인 미술양식을 벗어나지 못한 채 소수의 예술가들만이 전위미술을 개척하고 있었다.

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대도시의 풍경을 현실적으로 묘사한 ‘에이트 그룹(The Eight)’과 추상과 재현의 경계를 오가며 형태에 대한 새로운 접근을 시도한 ‘정밀주의’ 화가들은 미술의 현대적 해석을 시도하며 전위적인 흐름을 이끌어 나가기 시작했다.

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​그 중에서도 거대하게 확대된 꽃그림으로 잘 알려진 조지아 오키프(1887.11.15-1986.3.6)는 당시 남성들의 독무대였던 미국화단에서 어떠한 사조와도 연관되지 않는 독창적인 작품세계를 추구하며 미국 미술계에 모더니즘 사조가 주류를 이루는데 앞장섰다.

 

 

“나는 그저 내가 본 것을 그리고 싶었을 뿐이다”

    

조지아 오키프, <붉은 양귀비>, 1927

 

유럽의 미술이 피카소와 마티스를 선두로 새로운 역사를 써나가고 있을 무렵, 신대륙 미국의 미술은 여전히 전통적인 미술양식을 벗어나지 못한 채 소수의 예술가들만이 전위미술을 개척하고 있었다.

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대도시의 풍경을 현실적으로 묘사한 ‘에이트 그룹(The Eight)’과 추상과 재현의 경계를 오가며 형태에 대한 새로운 접근을 시도한 ‘정밀주의’ 화가들은 미술의 현대적 해석을 시도하며 전위적인 흐름을 이끌어 나가기 시작했다.

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​그 중에서도 거대하게 확대된 꽃그림으로 잘 알려진 조지아 오키프(1887.11.15-1986.3.6)는 당시 남성들의 독무대였던 미국화단에서 어떠한 사조와도 연관되지 않는 독창적인 작품세계를 추구하며 미국 미술계에 모더니즘 사조가 주류를 이루는데 앞장섰다.

 

 

“나는 그저 내가 본 것을 그리고 싶었을 뿐이다”

    

피트 몬드리안은 네덜란드의 화가이다. 주로 직선과 직각, 삼원색과 무채색만을 사용해 작품을 그렸는데, 이를 통해 ‘질서와 균형의 아름다움’을 표현했다. 추상 미술의 대표적인 화가로 신조형주의를 개발했다.

피트몬드리안의 대표작으로는 

빨강, 파랑, 노랑의 구성이있다 

수직과 수평의 검은 선, 빨강·노랑·파랑의 삼원색과 흰 여백 그리고 완벽한 균형의 비대칭적인 구성으로 이루어져 있다. 

‘그림이란 비례와 균형 이외의 다른 아무것도 아니다" 라는 메시지를 작품으로 보여주었다.

그리고 다음 해에 세상을 떠났습니다.

에두아르 마네의 작품 '봄'은 파리의 여배우 잔 드마르시(Jeanne Demarsy)를 통해 눈부시게 사랑스럽고 싱그러운 아름다움을 표현하는데요.  무성한 나뭇잎과 푸른 하늘을 배경으로 파라솔과  꽃무늬 드레스를 입은 여인을 봄의 화신으로 화사함을 묘사하고 있습니다. 2014년11월15일 뉴욕 크리스티 경매에서 약400억으로 팔렸다고한다
 이 그림은 드레스의 얇고 섬세한 꽃무늬 손길에서부터 잔 데마르시(Jeanne Demarsy)의 얼굴의 매끄러운 처리와 배경의 넓고 스케치 같은 터치에 이르기까지 놀라운 범위의 기교와 붓질의 다양함을 보여줍니다. 

​

이 그림이 갖고 있는 조용하지만 관능적인 아름다움은 물론이고 밝고 활기찬 색채에서 오는 계절을 느낄수 있는 즐거움을 함께 느낄수있게 해줍니다.

모든 회화는 수없는 붓자국에 의해 완성이 

되지만,

그의 작품은 붓 자국에 의한 

표면의 질감과 표현을 배제하고 

만화의 단순한 표현으로 재구성했다고 

합니다.

​

리히텐슈타인이 그린 여러 작품 중에 

눈물을 흘리는 여주인공을 제작한 

작품이 여러 점 있는데 모두 표정과 

눈물은 무관하여 작가는 내면의 슬픔을 

만화적으로 표현하고 있습니다.

그는 뛰어난 색면파 화가로 형태나 공간 색채등의 형식적인 면을 강조하며

색면 회화를 발전시키는데 중요한 영양을 줬습니다

당시 나치의 영향력이 커지는데 두려움을 느껴 미국 시민권을 얻어 미국인이 되었고

정치적 부분에서 미술을 보호하자는 의도로 조각가 연맹을 창설하는데 일조하기도했습니다
마크 로스코가 남긴 명언은
-나는 추상주의 화가가 아니다 나는 그저 인간의
기본적인  감정을 표현하고 싶을 뿐이다-
입니다.

출생 1841년 2월 25일

사망 1919년 12월 3일 (78세)

국적 프랑스

미술사조 인상주의 

대표작 두 자매, 피아노 치는 소녀들 

대표작 두 자매

1881년 캔버스에 유화  

시카고 아트 인스티튜트

봄의 아름다움과 젊음의 생기발랄함을 축하하고 있는 <두 자매(테라스에서)>는 기법적으로나, 구성적으로나 르누아르의 대역작이다. 이 거장은 이 그림을 통해 활기가 넘치는 색상과 변화무쌍한 붓터치를 구사했다. 거의 실물 사이즈의 인물(이들은 작품의 제목과는 달리 실제의 자매가 아니고 모델이다)은 테라스 앞 철 난간의 좁은 공간을 차지하고 있다.

대표작 피아노 치는 소녀들

1892년 캔버스에 유화 

오르세 미술관 

<피아노 치는 소녀들>은 1892년 초, 르누아르가 프랑스 정부로부터 뤽상부르크 미술관에 전시할 그림으로 요청을 받아완성한 작품이다. 당시 그림 구매를 담당한 문화부 공무원 앙리 루종(Henri Roujon)은 르누아르와 친분이 있는 시인이자 비평가인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé, 1842-1898)와 로제 막스(Roger Marx, 1859-1913)에게 선택을 의뢰했으며, 이들이 주고 받은 편지는 오늘날까지 남아 있어 <피아노 치는 소녀들>의 제작 과정이 상세히 알려지게된 것이다.

Michelangelo Merisi da Caravaggio

이탈리아의 화가이다.

카라바조는 다채롭고 화려한 르네상스 회화들과 달리,
어두컴컴한 배경 속에서 중심이 되는 인물들에게 스포트라이트를 비추어 극단적으로 명암이 뚜렷하게 대비되는 키아로스쿠로 기법의 개척자였다. 그의 회화는 당시 사람들에게 강렬한 인상을 남겼다.

대표작
<홀로페네스의 목을 자르는 유디트>

피트 몬드리안은 네덜란드의 화가이다. 주로 직선과 직각, 삼원색과 무채색만을 사용해 작품을 그렸는데, 이를 통해 ‘질서와 균형의 아름다움’을 표현했다. 추상 미술의 대표적인 화가로 신조형주의를 개발했다.

피트몬드리안의 대표작으로는 

빨강, 파랑, 노랑의 구성이있다 

수직과 수평의 검은 선, 빨강·노랑·파랑의 삼원색과 흰 여백 그리고 완벽한 균형의 비대칭적인 구성으로 이루어져 있다. 

‘그림이란 비례와 균형 이외의 다른 아무것도 아니다" 라는 메시지를 작품으로 보여줌

네덜란드 화가 몬드리안)의 엄격한 기하학적 추상 양식과 그의 작품으로 형상화되는 예술에 관한 철학적 사상.