신승이(디지털 미디어 학과), 김민재(물리학과)

현재의 푸릇푸릇한 나뭇잎과 나무에서 떨어져 색이 바랜 과거의 나뭇잎을 한 사진 안에 담았다.

문화콘텐츠학과 202521397 정재인

세월의 흔적을 촬영함으로써 해당 물체가 지닌 시간의 축적을 표현하고자 하였다.

경영학과 이서희

같은 장소에서 다른 계절에 찍은 두 사진을 대조하여 시간의 흐름을 표현했습니다.

활동적인 고양이가 잠시 정지해 있는 순간을 포착하였습니다.

김주원 경영학과

박원민 소프트웨어학과

이건호 미래모빌리티공학과

설명 : 질량에 따라 떨어지는 속도의 차이를 사진으로 담았습니다.

산업공학과 이용진, 영어영문학과 편석훈

심리학과 박수아

건설시스템공학과 권오영

경영인텔리전스 최홍석

VU THI PHUONG THAO - 디지털 미디어학과

TRAN THI PHU AN_문화콘텐츠학과

NGUYEN THI HONG NHI - 디지털 미디어학과

2. 마음에 드는 작품에 댓글을 하나 이상 남겨주세요.

3. 9.16 화 자정까지

**수업을 듣고 나서 본인이 만든 이미지만 가능합니다.

의자, 소화기, 난방기... 각각의 물건은 원래의 쓸모를 잃고 낯선 조합으로 놓여 있습니다.

이 사진은 물건의 '기능'을 제거하면, 그저 하나의 '형태'로서 새롭게 보인다는 것을 보여줍니다.

과거에는 예술가란 고귀하고, 선택받은 자이며 타고나길 금손을 갖고 태어난 사람들만 한다고 여겨지는 경우가 파다했다. 그런 시대 속에서 드샹은 예술의 범위를 확대하고 싶었던 것 같다.

당신도 예술을 할 수 있다. 예술을 하겠다는 마음만 갖고 있다면 누구든 행할 수 있다.

뒤샹이 말하는 예술이란 생각을 불러일으키는 행위라고 생각합니다. 따라서 흐르는 물로 표현해 보았습니다. 물은 잡고자 하면 잡히지 않지만 담고자 하면 담을 수 있듯이 한순간 멈춤으로써 작가의 생각과 의도를 물 흐르듯이 담아낼 수 있다고 생각합니다.

보는 사람으로 하여금 "우리는 왜 끊임없이 위를 향해 뻗어나가려 하는가?"라는 근본적인 질문을 떠올리게 하기 위해 담아냈습니다.

조그마한 것에도 의지와 노력을 가지고 살아가야한다는 것을 생각하게 해줍니다.

뒤샹의 항망막적 예술이란 단순히 감각적으로만 받아들이는 것이 아니라 그 작품에서 더 깊은 의미를 찾아내는 것이라고 생각했습니다.

오늘 강의에서 보았듯 뒤샹의 자전거 바퀴 같은 작품을 통해 평범한 사물도 맥락과 관점의 전환만으로 예술이 될 수 있음을 보여주었습니다. 이 사진에서 자전거는 학교라는 공간에서 반복되고 방치된 모습으로, 일상의 흔적, 질서와 무질서 같은 개념을 드러냅니다.

따라서 관람자는 단순히 ‘교통수단’을 보는 것이 아니라, 평범한 사물이 예술로 읽힐 수 있는가라는 질문을 자연스럽게 던지게 됩니다.

아무도 주목하지 않는 틈새에서 자라난 잡초는 단순한 자연 현상이 아니라, 우리가 발견하는 순간 예술이 됩니다.

뒤샹이 말했듯 예술은 작가의 손에서만 비롯되는 것이 아니라, 바라보는 우리의 시선 속에서도 태어납니다.

사실 과제를 잘못 이해했었습니다. 항망막적 예술에 대한 생각을 표현하는 것인데, 항망막적 이미지를 만들라는 것으로 알아들었습니다. 그래서 ”gpt와 나눈 대화를 캡쳐하면 그것도 항망막적 예술 이미지 아닐까?“하는 막연한 생각으로 gpt와 대화를 나눴습니다.

제가 생각한 예술에 대해 얘기와 함께 떠오른 질문을 하니 gpt가 더 좋은 질문들을 계속해서 던져줬습니다. 감정도 예술일 수 있을까?

gpt와의 대화를 통해 예술은 어떤 작품을 통한 감정의 흐름, 그 흐름을 기록, 기록을 공유, 공유를 통한 또다른 사유와 감정의 흐름이라는 순환이라는 결론을 내렸습니다.

이런 생각과 표현이 항망막적 예술이 아닐까 생각합니다.

gpt 대화 기록

https://chatgpt.com/share/68c768ea-e43c-8005-a853-2db37027e35d

사실 과제를 잘못 이해했었습니다. 항망막적 예술에 대한 생각을 표현하는 것인데, 항망막적 이미지를 만들라는 것으로 알아들었습니다. 그래서 ”gpt와 나눈 대화를 캡쳐하면 그것도 항망막적 예술 이미지 아닐까?“하는 막연한 생각으로 gpt와 대화를 나눴습니다.

제가 생각한 예술에 대해 얘기와 함께 떠오른 질문을 하니 gpt가 더 좋은 질문들을 계속해서 던져줬습니다. 감정도 예술일 수 있을까?

gpt와의 대화를 통해 예술은 어떤 작품을 통한 감정의 흐름, 그 흐름을 기록, 기록을 공유, 공유를 통한 또다른 사유와 감정의 흐름이라는 순환이라는 결론을 내렸습니다.

이런 생각과 표현이 항망막적 예술이 아닐까 생각합니다.

gpt 대화 기록

https://chatgpt.com/share/68c768ea-e43c-8005-a853-2db37027e35d

나아가 제 전공인 기계공학의 관점에서, 특정 부품이 빠졌을 때 그 전체 시스템을 여전히 같은 이름으로 부를 수 있는지에 대한 고민으로 이어졌고, 이러한 사고의 확장이 결국 다이슨의 ‘날개 없는 선풍기’와 같은 발상으로 이어지지 않았을까 하는 생각을 하게 되었습니다.

편리하지만 환경에 좋지 않은 일회용 컵과 세척의 번거로움, 무거움과 같은 불편함이 있지만 장기간 사용할 수 있는 텀블러가 함께 있는 모습입니다.

이 사진을 보면 일회용 컵과 텀블러에 대한 윤리적, 환경적, 편의성 등의 다양한 분야에서 떠오르는 질문들이 생깁니다. 그렇기에 이러한 다양한 질문을 떠오르게 한다는 것이 항망막적이라고 생각합니다.

낯선 조합은 보는 이로 하여금 어색함과 불편함을 느끼게 하고 여러 의문과 생각들을 불러일으키는데 이러한 점이 뒤샹이 말한 항망막적 예술의 일부가 아닐까 생각한다.

내가 이렇게 정의한 데에는 몇 가지 이유가 있다. 우리는 단순히 눈요깃거리만을 예술이라 부르지 않는다. 맛있는 음식에도, 유용한 물건에도, 심지어 잘생기거나 예쁜 사람에게조차 “예술이다!”라는 감탄을 내뱉는다. 그렇기에 뒤샹의 비판에는 일리가 있지만, 나는 예술이란 ‘보기 좋은 것’과 ‘사고’ 그리고 ‘개념’까지 모두 포함한다고 본다.

레디메이드에 대한 나의 입장 역시 반반이다. 21세기의 예술에서 레디메이드는 단순히 선택할 수 있는 방법이 아니라 필수적인 요소가 되었다. 음악을 예로 들어보면 무한히 조합 가능한 음계가 있음에도 불구하고 오늘날 대중음악은 ‘샘플링’을 중심으로 발전한다. 이미 수많은 노래와 멜로디가 쏟아진 상황에서 완전히 새로운 것을 만드는 것이란 쉽지 않다고 판단했기 때문이다. 여기에 더해 저작권, 표절, 지적 재산권과 같은 제약이 생기면서 조금만 유사해도 새로운 창작물로 인정받기 어려운 것도 한몫한다. 미술도 마찬가지다. 기존의 것을 차용하고 변형하여 새로운 의미를 불어넣는 방식은 이제 피할 수 없는 흐름이다. 그렇기에 레디메이드를 단순히 부정적으로만 볼 수는 없다.

이런 생각을 담아 나는 내가 보는 세계를 올드 아이폰인 5s로 촬영하고, 그 장면을 최신 아이폰인 13 미니로 다시 담아냈다. 낡은 시야와 새로운 시야가 한 화면 안에서 공존하는 이 구도는 기존에 있던 것을 다른 맥락에서 다시 제시하는 레디메이드적 태도를 반영한다. 동시에 그것은 ‘예술이란 무엇인가?’라는 질문에 대한 나의 답변이기도 하다. 뒤샹의 견해를 무조건적으로 따르지도, 단순히 반박하지도 않고 현대적인 나만의 정의와 시각으로 재해석한 결과를 사진으로 표현하고자 했다.

나는 인간의 모든 욕구가 '잘 살고 싶은 욕구'에서 시작한다고 생각한다. 인간의 3대 욕구라고 말하는 식욕, 수면욕, 성욕 역시 생명체로서 잘 살고 싶다는 욕구가 기저에 깔렸다고 본다.

이 사진은 '잘 살고 싶은 욕구'를 설국열차의 한 장면을 오마주하여 찍었다. 설국열차의 유명한 신발 장면은 '잘 살고 싶은' 두 계층 간의 통제와 반발 사이에서 일어나는 갈등을 보여주는 장면으로 인간의 '잘 살고 싶은 욕구'를 굉장히 잘 보여주는 장면이라고 생각했다.

거울과 메이크업 도구. 거울은 ‘있는 그대로의 나’를, 화장은 ‘만들어진 나’를 보여준다. 그 사이에서 우리는 정체성의 경계와 아름다움의 모순을 묻게 된다. 관객이 이 질문에 참여하는 순간, 예술은 이미 작동한다.

뒤샹이 예술인으로서 예술계의 변화를 겨냥해 질문을 던졌다면, 나는 예술계 밖의 개인으로서 항망막적 시도를 한다. 이는 권위와 맞서는 것이 아니라, 누구나 예술을 정의하고 공유할 수 있다는 가능성을 드러내는 행위다.

제목에서 알 수 있듯이 영상을 틀었을 때 영상속 보이는 작은 열기구가 움직일거라 예상할 수 있다.

그러나 그 영상이 나오지 않고 로딩중인 화면이 나온다. 이는 패들렛이라는 플랫폼을 활용할 때 데이터같은 통신 또는, 배터리 같은 전기의 역할이 없다면 우리는 작품을 볼 수 없다. 영상은 일부러 로딩중인 화면을 넣었지만 실제로 데이터가 통하지 않거나

전자기기에 배터리가 없다면 작품을 볼 수 조차 없기에 작품을 통해 이것을 생각해보고 사고해볼 수 있도록 하고싶었다.

결론적으로 예술에서 수용자 자신만의 해석이 주요한 역할을 하듯 제 옆을 매일 지나가는 인공물들의 뒷이야기에 관심을 가진다면 항망막적 예술의 의의에 맞는 비슷한 결의 고찰을 할 수 있을 것 같다는 생각이 들었습니다.

물론 끝 없이 검색해서 모든 궁금증을 해소 할 수도 있지만, 그러기 보다는 일정 수준만 알고 나머지 부분에 대해서는 직접 해답을 생각해본다면 재미있을 것입니다. 거의 모든 인공물들은 인간의 의도와 외부의 우연이 뒤엉켜 만들어낸 결과이기 때문입니다.

아래는 항막막적 예술에 대한 개인 사견입니다.

뒤샹이 주장한 '항망막적'이라는 표현에 대해 나는 동의를 표하는 바이다. 예술이 현실을 재현하고 아름답게 표현하는 것으로써 가치를 지니던 시절은 카메라의 발명과 기술의 발전으로 인해 지나갔다고 생각한다. 물론 그러한 예술 갈래는 여전히 가치있고 아름다우며, 때로는 더 적절하게 여겨지기도 할 것이다. 그리고 인간의 기술적인 완성도의 측면으로 보았을 때 사람들에게 충분한 가치와 감탄을 주리라고 본다. 하지만, 분명 그것만으로는 충분하지 않은 것도 맞다.

기술의 발전 이후 예술은 단순히 아름답게 대상을 담아내거나 현실의 이미지를 옮겨담는 것에서 벗어나 의미를 창조하고 만들어내며 새로운 메시지들을 전달해왔다. 이는 곧 완성도나 아름다움 보다도 그것이 담은 의미가 중요한 시기가 찾아오고 있었다는 것으로 보인다. 여전히 사람이 무언가를 직접 그려낸다는 점에서 이미 만들어진 물품을 가져온 뒤샹의 시도는 여전히 충격적일 수 있지만, 자신이 표현하고자 하는 것을 담아내어 가장 적절한 방식으로 나타내고, 새로운 의미와 표현을 만들어낸다는 점에선 크게 차이가 없다고 할 수 있다. 즉 새로운 의미의 부여와 예술가 자신만이 할 수 있는 표현과 의미의 창조라고 하는 것은 기술 발달에 따라 예술이 추구해오던 방향과 일맥상통 한다고 볼 수 일을 것이다. 그 과정에서 미적 즐거움을 포기하기도 하는 것은, '아름다움'이라고 하는 가치에 얽매여 자신이 전달하고자 하는 것을 가장 잘 표현할 수 있는 방법을 포기하지 않게 하기 위함이 아닐까 싶다. 문학이나 극 등에서 때로 추하거나 악한 모습을 적나라하게 묘사하며 부정적인 감정을 유발하는 것처럼 말이다.

뒤샹이 이미 완성된 기성품에 새로운 의미를 더해 예술로 만들어낸 행위는, 인간이 무언가에 의미를 부여하므로써 그것을 중요하게 만드는 존재라는 점에서 납득될 수 있을 것으로 생각된다. 평범한 인형이나 의자도, 누군가가 그것에 소중한 의미를 부여한다면 단순한 기성품이 아니라 하나뿐인 특별한 무언가가 될 수 있는 것처럼 말이다. 특히나 이런 의미 부여는 현대에 와서 더더욱 그 의미가 중요해지고 있다고 생각된다. AI 등의 기술 발전으로 인해, 그림을 그리는 행위 자체는 몇몇 이들에겐 어떠한 예술 작업이라기 보다는, 공장에서 돌아가는 기계장치를 이용하는 것과 크게 차이가 없게 여겨지고 있는 것도 사실이기 때문이다. 그러나 본질적으로 중요한 차이 중 하나를 꼽자면, 그 그림을 그린 자의 의도와 생각, 의미가 그 그림에 녹아들어 있는가 아닌가를 고를 수 있을 것이다. 예술작품은 그것을 만들어낸 이의 의도와 생각, 의미가 담겨있기에 단지 하나의 물체에 불과하던 것에서 작품이 된 것이다.

하지만 사진 속 저 빨간 첨탑은 나에게 조금 특별하게 다가왔다.

꺼질 듯 말 듯 점멸하는 네온 불빛은 십자가의 테두리를 따라 둘려있다. 겨우 그 십자가의 형태를 유지하려 애쓰듯 깜빡인다.

전구 몇 개가 더 꺼졌다. 선인 줄만 알았던 네온 불빛은 연속된 점들이었다. 나는 점들을 이어 본래 십자가의 모습을 상상한다.

그중 몇 개가 잇따라 수명을 다하자, 십자가 그 본래의 형태를 잃어간다.

나는 이제, 남아있는 몇 개의 점들을 보며 다시 그 본래의 모습을 상상하려고 애쓴다.

이러한 이해를 표현하기 위해 고장이 나서 움직이지 않는 시계의 이미지를 선택했습니다. 시계는 시간을 알려주는 도구이지만 고장난 순간부터 시계는 더 이상 시간을 알려주지 못하여 쓸모없어 보이지만, 그 쓸모없음 속에서 우리는 오히려 시간의 본질, 멈춤과 흐름의 의미를 발견할 수 있습니다. 이것이 항망막적 예술이 추구하는 방향과 맞닿아 있다고 생각합니다.

뒤샹이 일상의 사물을 전시장에 들여놓으며 "이것도 예술일 수 있는가?"를 물었던 것처럼, 저는 이 사진을 통해 예술은 무엇으로부터 시작되는 지에 관해 질문을 던지고자 합니다. 우리가 예술이라 부르는 것들은 작품 그 자체라기보다, 그것을 가능하게 하는, 보이지 않는 매개들에 기대어 있기 때문입니다.

검은 화면은 이러한 인식을 시각적으로 드러내기 위한 장치로, 사진 속에는 어떤 형상도 없지만 동시에 모든 형상을 가능하게 하는 조건의 부재가 담겨있습니다. 이는 예술이 단지 눈에 보이는 결과물만이 아니라, 보이지 않는 환경과 조건, 관점이 결합되어 성립한다는 점을 환기하고자 했습니다. 따라서 이 사진은 "무(無)'처럼 보이지만, 오히려 예술의 가장 근본적인 질문을 끌어내는 계기가 될 수 있습니다. 또 이는 시각적 쾌락보다 개념과 사유를 중시하는 항망막적 예술의 태도와도 맞닿아 있다고 생각합니다.

뒤샹의 관점에서 본다면, 표지를 감춘 책은 더 이상 감각적 즐거움이나 정보의 전달에 봉사하지 않는다. 대신 관객은 “책이란 무엇인가, 예술은 어디에 존재하는가”라는 근본적인 질문과 마주하게 된다.

따라서 이 작업은 단순히 책을 거꾸로 배치한 행위가 아니라, 일상의 오브제를 통해 예술의 본질을 사유하게 만드는 시도이다. 책이라는 친숙한 사물이 본연의 맥락에서 이탈하는 순간, 그것은 더 이상 읽히지 않고 오직 사유의 대상으로서만 존재하게 된다. 이는 항망막적 예술의 정신을 구현하는 동시에, 관객에게 예술을 감각의 대상이 아닌 사고의 계기로 받아들이도록 요구한다.

NGUYEN THI HONG NHI - 디지털미디어학과

그나마 뒤샹의 어록에서 큰 힌트를 얻었습니다.

얼마 전 산 큰 눈삽에 `부러진 팔 앞에서` 라는 제목을 달았지. 이걸 낭만적이거나 인상주의적으로, 또는 입체주의적으로 이해하려고 억지로 애쓰지 말거라. 그것들과는 아무 상관이 없이 생각나는 대로 정했으니까…

요점은 눈에 보이는 것만으로 작품을 이해하는 것이 아닌, 작가가 생각하고 정한 것을 이해하는 예술인 것 같습니다.

그래서 저는 알루미늄 자바라 연통 사진에 `공벌레`라는 이름을 붙였습니다. 연통을 저렇게 펼쳐놓으니 열심히 기어가는 공벌레를 닮지 않았나요? 일단 벌레같긴한데 애벌레보단 짧고 굼벵이보단 얇으면서 약간은 귀여운것같아 공벌레라고 정했습니다.

이 이미지는 종이에 커피가 흘러서 생긴 자국입니다. 단순한 흔적이지만, 마치 폭발하거나 별이 퍼져 나가는 모습처럼 보입니다. 일상에서 우연히 생긴 흔적이지만 보는 사람마다 다르게 느낄 수 있습니다.

이 이미지는 종이에 커피가 흘러서 생긴 자국입니다. 단순한 흔적이지만, 마치 폭발하거나 별이 퍼져 나가는 모습처럼 보입니다. 일상에서 우연히 생긴 흔적이지만 보는 사람마다 다르게 느낄 수 있습니다.

하지만 지우는 과정에서 다시 깨끗해지는 화면을 보니 쾌감이 느껴지기도 했고, 오히려 흰색을 다시 채워넣는 것 같은 느낌이 들었다.

창작을 할 때는 무엇을 그릴지부터 시작해서 이런저런 고민으로 스트레스를 받았지만, 지울때는 눈에 보이는 일들을 순서대로 수행하기만 하면 되었기때문에 오히려 스트레스가 풀리는 기분이었다.

지운다는 행위에는 흔적이 필요하고, 그러한 흔적을

칠하는 것과 같이 다시 새로운 흔적으로 덮어버릴 뿐이다

우리의 기억도 그러하다

내가 기억하기 싫은 나쁜 기억을 좋은 기억으로 덧칠해버린 다던지, 그러한 것에 있어 지우는것은 단순히 없애는 것이 아닌, 흔적들을 새로운 흔적으로 덧칠하는 것이라 생각한다

그리고 이러한 덧칠하기/지우기는 언제나 완벽하게 지워지지는 않는 것 같다

새롭게 덧칠한 흔적 아래엔 원래 존재했던 흔적이 존재하며, 아날로그에선 연필의 흔적이, 디지털에선 복구, 기억에선 좋은 기억으로 덧칠했었던 본래의 기억이 어느날 불현듯이 떠오른다

202422290 디지털미디어학과 NGUYEN THI HONG NHI

무언가를 강조한다는 것은, 동시에 무언가를 소외시키는 것이라 생각이 듭니다.

1. 거울을 활용해 몸, 공간, 시선을 탐구하는 퍼포먼스 실험

2. 관객이 예상 못할(?) 사진 혹은 동영상 작업을 만들어 올려주세요.

3. 제목과 함께 작품 설명 한 줄을 작성해주세요.

4. 참여자의 이름도 작성해주세요.

5. 9.30 자정까지

김주원 경영학과

김동훈 경제학과

최무성 경영학과

편석훈 영어영문학과

이재헌 소프트웨어학과

이건호 미래모빌리티공학과

소프트웨어학과 박원민

경영인텔리전스학과 최홍석

참여자 NGUYEN DUY KHANG

거울에 얼굴이 2번 비치면서 다양한 각도에서 얼굴을 볼 수 있다.

심리학과 이송주

영어영문학과 선희수

물리학과 김민재

서툴지만 가까워지고자 하는 마음을 비유적으로 담아냈다.

_

환경안전공학과 배수정

문화콘텐츠학과 정재인

불어불문학과 김선영

심리학과 이다영

심리학과 박수아

산업공학과 이용진

경제학과 민규현

경제정치사회융합학부 김연재

경제정치사회융합학부 육현수

경영학과 국민진, 디지털미디어학과 신승이

이서희 경영학과

배채원 경영학과

VU THI PHUONG THAO _ 디지털미디어학과

NGUYEN THI HONG NHI _ 디지털미디어학과

기계공학과 이진효

건설시스템공학과 권오영

까치는 예전부터 길조로 여겨져 오던 새 입니다.

그런 새를 한국의 단청과 함께 담아봤습니다

모두 까치를 보고 좋은 일만 가득 하길 바랍니다.

Dịch

빛의 중첩으로 손가락이 번져보이면서 실루엣만으로 손가락이 손같이 보이도록 표현하였습니다.

원래는 열려 있어야 할 하늘이 단단하게 막혀 있는 모습을 통해, 도시 속에서 점점 인공적인 공간에 둘러싸여 살아가는 느낌을 담고 싶었습니다.

원래는 패닝으로 오솔길에서 고속 주행하는 느낌의 사진과 차량 사진을 다중노출해 랠리의 스릴과 역동감을 가진 사진을 찍으려했습니다

하지만 귀가중 우연히 마주친 까치 두 마리가 다가오는게 더 무서웠기때문에 차량대신 까치로 대체했습니다

두 세계가 한순간에 함께 존재한다.

두 발로 서 있는 다람쥐 혹은 생쥐와 같은 작은 동물을 표현하였다.

배경은 이끼와 나뭇잎으로 이루어진 자연 그대로의 숲이며,

작품의 재료와 환경이 서로 동일한 자연 요소로 구성되어 있다.

이를 통해 주제인 ‘자연과의 일체감’을 시각적으로 드러내고 있다.

동물이 마치 자연 속에 녹아들어 존재하는 것처럼 보이며,

인공적인 느낌 없이 자연스럽고 조화로운 분위기를 형성한다.

두 그림과 사진이 맞지 않듯 모두를 하나의 틀에 맞출수는 없다.

그렇기에 틀에 맞지 않는 나의 존재를 해당 그림과 사진의 대비로 이중노출을 통해 표현하였다

2. 제목 + 작성자명 +이미지1장 혹은 짧은 동영상 1

:자신만의 제목과 이름을 반드시 기입하세요.

3. 다른 학생글에 ‘내용 기반 댓글’ 남기기

:단순한 반응이 아닌, 의견이나 생각을 적는 방식의 댓글

4. 기한 12.13 자정까지

1.작품의 이미지나 동영상을 올려주세요.

11.25자정까지

2.마음에 드는 작품에 댓글을 남겨주세요.

11.26자정까지

이미지 출처 : AI 생성 이미지(직접 제작)

사용 프로그램 : 미드저니, 소라

참고 작가 : 듀안 마이클, 에드워드 호퍼

[작품 설명 및 의도]

이 작품은 대학생활을 하며 여러 사람을 만나면서 느꼈던 인간관계에 대한 감정과 생각을 담고 있다. 대학교라는 공간의 특성상 다양한 사람을 만날 수 있지만 그만큼 얕은 인간관계도 많다고 생각한다. 실제로 동아리에서 친해진 형을 오랜만에 길에서 마주쳐 반갑게 인사를 했는데 상대는 가볍게 묵례만 하고 지나쳐 나와 동일한 친밀도가 아님을 느꼈을 때 아쉬움이 들었다. 이 감정을 그림을 통해 극적으로 표현했고 대학교 인간관계는 서로에게 지속적인 만날 계기가 없으면 쉽게 느슨해지고 친한 감정도 빠르게 식을 수 있음을 느꼈다. 따라서 이 작품은 언제든 흔들릴 수 있는 사소한 인간관계에 얽매이기 보다 자신이 삶의 주체가 되어야 한다는 메세지를 전달한다.

[표현 방법]

- 제 3자의 입장에서 인물을 멀리서 바라보는 구도를 통해 거리감과 고립감을 표현

- 뒤통수 모습과 인물의 흐릿한 얼굴을 통해 차가운 분위기를 강조

- 보색 대비를 활용하여 밝음과 어둠, 따뜻함과 냉정함이 공존하는 장면을 연출

- 장면 별로 점점 배경 색을 진하게 연출하여 감정의 고조를 표현

- 배경인 논밭과 인물이 입고 있는 수트의 대비를 통해 괴리감을 유도

상영시간: 2분37초

이미지 출처: 직접 제작

사용프로그램: CAPCUT

상영시간: 2분37초

이미지 출처: 직접 제작

사용프로그램: CAPCUT

이러한 감상 경험은 나의 기말 프로젝트 〈루프의 포로들: 릴스와 쇼츠, 그리고 잃어버린 시간〉과 흥미로운 접점을 지닙니다. 나의 작업 또한 미니 빔프로젝터를 활용해 관객의 시선을 9:16의 좁은 세로 프레임에 가두고, 스마트폰을 들여다보는 행위를 유도하기 때문입니다. 하지만 조안 조나스의 ‘상자’가 관객의 감각을 집중시켜 시적인 세계로 확장하는 경험을 제공한다면, 내가 설정한 ‘디지털 상자(스마트폰)’는 무의미한 숏폼의 반복으로 관객을 중독시키는 감옥이라는 점에서 극명한 대조를 이룹니다.

전시를 통해 작가가 ‘프레임’을 다루는 태도를 다시 생각하게 되었습니다. 조안 조나스가 물리적 제약을 통해 오히려 감각의 몰입을 이끌어냈듯, 나 역시 관객이 숏폼의 루프에 갇히는 경험을 통해 역설적으로 디지털 매체에 의해 ‘잃어버린 시간’의 무게를 더 절실히 깨닫게 되길 바랍니다. 이번 전시는 매체는 다르지만, 한정된 시야 속에서 관객의 경험을 어떻게 설계할 것인가에 대한 깊은 영감을 주었습니다.

작품재료: 우드락, 반사필름, 옷, 행거, 옷걸이

이 작품은 제가 올해 상반기와 하반기 동안 수많은 회사에 지원서를 쓰면서 불합격과 합격 메일을 받고, 또 면접을 준비하면서 느꼈던 감정을 기반으로 만들어졌습니다. 그 과정에서 제출했던 지원서들은 어느 순간 한 사람의 삶이 아니라, 정량적으로 평가되는 데이터 조각처럼 보이기 시작했습니다. 대부분의 사람은 포기하지 않고 나름의 스펙을 만들기 위해 노력합니다. 저 또한 충분하다고 믿는 스펙을 갖고 있었지만, 이름도 얼굴도 모르는 수천 명의 지원자들과 함께 경쟁하는 과정은 쉽게 설명할 수 없는 감정을 남겼습니다.

기업의 기준에 따라 분류되고, 선택되고, 탈락되는 일련의 과정은 더 이상 제가 통제할 수 없는 움직임처럼 느껴졌습니다. 저는 이 감각을 제 전공인 기계공학을 바탕으로 물리적인 움직임과 알수없는 알고리즘으로 번역해보고자 했습니다. 졸업작품을 제작한다는 마음으로, 제가 실제로 작성했던 이력서 위에 사회로 나가기 직전의 불안과 중압감을 시각화한 이미지를 이중노출 형태로 덧입혔습니다. 그 위에 ‘이력서 제출’ 스위치를 장착하여 많은 취업준비생들이 공감할 만한 감정과 긴장감을 작품 속에 담아내고자 했습니다.

이력서 제출 버튼을 누르고 컨베이어 벨트 위로 이력서가 올라가는 그 순간, 우리는 개인의 노력과 서사가 모두 정량화된 기준 속으로 흡수되는 시스템의 일원이 됩니다.

<작품개요>

1. 관객은 직접 “이력서”를 작성해 제출 버튼을 누른다.

2. 제출된 이력서는 손으로 구겨져 하나의 “공”이 되고,

3. 컨베이어 벨트 위에 올려지는 순간 나는 취업과정이라는 사회 시스템 위에 올려진 구성원이 된다

4. 시스템은 알고리즘에 따라 ‘합격(파란빛)’ 또는 ‘불합격(빨간빛)’ 판정을 내린다.

본 작업은 현대 취업 시장에서 개인의 복잡한 노력과 정체성이 단순한 평가 데이터로 환원되는 구조를 기계적 움직임과 음성, 빛을 통해 은유적으로 표현한다.

<의도>

1. 지원하고자 하는 회사의 기준에 맞춰진 이력서라는 정형화된 틀에 나를 압축시켜 넣는 과정을 구겨진 공 이라는 오브제로 시각화

2. 공정성, 랜덤성, 확률, 그리고 개인의 통제 밖에 있는 판단 구조를 기계적 프로세스로 구현

3. 청각(판정 멘트), 시각(LED), 촉각(스위치), 공간적 동선(컨베이어)을 결합해 관객이 직접 체험하는 취업 의식으로 재해석 한다.

이를 통해 취업전선에서 최선을 다하는 취업준비생 학우에게는 재미있는 경험을, 아직 이력서를 작성해보지 못한 학우에게는 간접체험의 경험을 제공한다.

1.작품의 이미지나 동영상을 올려주세요.

11.27자정까지

2.마음에 드는 작품에 댓글을 남겨주세요.

11.28자정까지

내면의 울음, 보이지 않는 기도, 사랑의 회복을 표현하고자 했다. 신앙이라는 빛을 통해 어둠을 건너며 다시 사랑을 회복하는 과정인 것이다. 이 작품은 개인적으로 경험했던 자기검열과 자책의 시기와, 그 이후 기도와 사랑을 통해 회복하는 과정을 시각화했다.

먼저 화면 왼쪽의 어두운 영역은 혼란, 불안과 같은 부정적 상태를 상징한다. 그 다음, 중앙에서 발생하는 작은 빛이 전환점이다. 이 빛은 약과 같은 외부에서 주어진 해결책이 아닌, 신앙을 통해 회복된 사랑을 나타낸다.

주제: 사람의 구성과 개성

재료: 스피커, 조명, 공구, 의류, 야구배트, 보호구

참고 작품: 기예르모 델 토로 <프랑켄슈타인>

작품 내용:

이 작품은 학교 캠퍼스를 중심으로 한 참여형 미디어 아트다. 아주대학교 캠퍼스를 배경으로, 여러 사람들이 아주대에서 남긴 추억을 담은 사진들을 모아 전시하는 방식으로 진행된다.

예를 들어, 처음 등교하던 날 찍은 정문, 점심을 먹던 식당, 친구들과 자주 모이던 테라스 같은 장소들이 포함된다.

또한 사진들뿐만 아니라 패들렛 페이지에 질문형 섹션을 따로 마련해, 작품을 감상하는 제3자도 자신의 기억을 떠올리거나 다른 사람들과 공유하며 작품에 직접 참여할 수 있도록 했다.

이렇게 모인 글과 사진들이 어우러져, 결국 모두의 기억이 쌓인 ‘캠퍼스’라는 하나의 작품이 완성된다.

작품 의도:

이 작품은 ‘장소에 담긴 추억’을 주제로 한다.

같은 캠퍼스 안에서도 사람들은 서로 다른 기억과 감정을 가지고 있다. 누군가에겐 그냥 지나치는 길이, 다른 누군가에게는 소중한 기억의 장소가 되기도 한다. 그래서 나는 학교를 하나의 ‘공유된 추억의 공간’으로 만들어 보고 싶었다.

이 작품을 통해 관객이 자신의 기억을 떠올리고, 다른 사람들의 이야기에 공감하거나 새로운 감정을 느끼는 시간을 가졌으면 한다.

또한 많은 사람들이 참여할수록 기억이 쌓이고 이어지는 과정을 시각적으로 확인할 수 있다는 점도 중요한 요소다.

결국 이 작품은 ‘같은 공간에서도 각자의 이야기가 공존한다’는 메시지를 전하고자 한다.

또한 작업실을 재현한 공간에서는 여러 도구와 재료들이 어지럽게 놓여 있었는데, 이런 모습이 오히려 실제 예술가의 창작 과정을 잘 보여주는 것 같았습니다. 예술이 단순히 완성된 작품만이 아니라, 만드는 과정도 중요하다는 점을 느꼈습니다.

마지막으로 본 빛과 기술을 이용한 작품은 매우 미래적이었습니다. 바닥과 기둥에 흐르는 빛, 투명한 구 형태, 그리고 화면의 영상이 어우러져 마치 디지털 세계에 들어온 듯한 인상을 주었습니다.

이번 관람을 통해 자연, 일상, 기술이 모두 예술이 될 수 있다는 것을 알게 되었고, 예술을 조금 더 친근하게 느끼게 되었습니다. 완전히 이해하지 못한 부분도 있지만, 전시 자체가 흥미롭고 새로운 경험이었습니다.

(A meal made with the residual value of everyday life)

러닝타임 2분 24초

경영인텔리전스학 202021503 최홍석

Filmora, Google Ai Studio, 그릇, 포크

지나치는 일상의 경험들 속에서 새로운 가치를 창출하는 과정을 한 끼의 요리를 만드는 과정에 빗대어 표현한 단편 애니메이션. 강의실에서 공부, 대중교통으로 이동, 입사 지원 불합격, 실연 등 사소한 일상과 실패 경험으로 여겨지는 순간조차 잔여가치(음식재료)로 모여 본인은 모르고 있더라도, 어느샌가 새로운 가치(완성된 음식)를 창출하며 스스로를 성장시키는 요인으로 기능할 수 있다. 마지막으로 해당 작품을 감상하고 있는 관객에게 질문을 던지며, 일상적인 ‘11월 26일 미디어아트 수업에 참여하며 작품을 봤던 경험’이 당신에게 어떤 요리(새로운 가치)를 창출할 수 있는지 (빈 그릇과 포크를 오브제로 설치하고) 물으며 참여를 유도한다.

작품명: Make Together Sound (MTS)

제작자: 아주대학교 기계공학과 김형수

장르: 미디어아트

러닝타임: 약 3분 40초

사용프로그래:GPT4,구글 제미나이,캡컷

사용재료:빔 프로젝트 스크린,거울,의자,연습용 드럼패드,미니 심벌즈,가벽(학교),화이트보드(학교),단상(학교),대형스피커(학교),쿠션(학교),빔프로젝트(학교)

시놉시스: 평범한 등교 준비 시간, CD 플레이어 속으로 빨려 들어간 주인공은 가상의 음악 세계(Music World)에 불시착합니다. 거대해진 악기들 위를 뛰어다니며 소리를 온몸으로 체험하던 주인공은, 이내 밴드 'MTS'의 드러머로 각성하여 무대의 중심에 섭니다.

체험 방식: 관객은 단순히 영상을 보는 것을 넘어 밴드의 '새 멤버'가 됩니다. 화면의 리듬 가이드에 맞춰 손(스네어/하이햇)과 발(킥)을 직접 움직여야 하며, 이 관객의 연주가 합쳐져야 비로소 합주가 완성됩니다

기획 의도: "수동적 관람에서 능동적 창작으로" 현실과 가상의 경계를 넘어서는 메타버스 시대, 각자 떨어져 있어도(Alone) 음악을 통해 함께(Together) 하고자 합니다.

장르: Ambience

앨범 사진: 김두현(아버지)

사용프로그램: Logic Pro

잘품 설명

본 작품은 아침의 풍경을 앰비언스로 표현한 음악입니다. 전체적으로 새벽, 여명, 해돋이, 완연한 아침의 순서로 진행됩니다. 양쪽 귀에서 번갈아 들리는 사운드와 자연의 소리를 통해 청각으로 공간을 느끼게 합니다.

숲속의 새 지저귐이 녹음된 샘플을 이용해 자연의 느낌을 살렸습니다. 인트로에 나오는 Dreamy Bells 사운드와 Organ 사운드는 잠에서 덜 깬, 약간은 몽롱한 새벽을 떠올리게 합니다. 뒤에 심벌소리와 함께 String 사운드가 Cinematic으로 나타납니다. 이는 앨범 사진에서도 볼 수 있는 아침에 해가 떠오르는 붉은 여명을 떠올리게 합니다. String 사운드 뒤로 양쪽에서 번갈아 들려오는 Horn 사운드와 중앙에서 들리는 Brass 사운드를 통해 해가 뜨고 점점 밝아오는 하늘을 떠올릴 수 있게 합니다. 다시 한 번 String 사운드가 끝나고 심벌소리와 함께 Dreamy Bells 사운드와 Organ 사운드가 나타납니다. 이는 해가 완전히 뜨고 잠잠해진 하늘색의 하늘을 떠올리게 합니다. 뒤에 깔리는 새 지저귐 소리와 함께 완전한 아침이 되었음을 알리며 음악이 끝납니다.

여담

바쁜 현대사회에 환기가 되는 음악을 만들고자 하였습니다. 처음에는 명상 음악을 만들려고 했으나 기승전결이 있는 앰비언스 음악이 좀 더 제가 원하는 방향과 맞다고 생각했습니다. 급하게 루프가 되는 배경 사운드 샘플을 찾기 시작했습니다. 운이 좋게 Logic Pro에서 기본으로 제공되는 샘플 중에 마음에 드는 샘플을 찾을 수 있었습니다. 그것이 음악의 처음과 마지막에 들리는 새 지저귐 소리 입니다. 샘플을 찾고 어떤 음악을 만들지 다시 한 번 고민하였습니다. 생각해보니 해돋이를 본 기억이 별로 없더군요. 그래서 제가 아는 아침을 표현해 보고자 했습니다. 많이 보지 못한 해돋이기에 더욱이 아름답다고 생각했습니다. 그래서 오케스트라적 사운드를 사용하면 해돋이의 압도되는 느낌을 살릴 수 있을거라 생각했습니다. 실제 악기 사운드가 아니기에, 녹음 후 들어보니 생각보단 어색한 느낌이 들기는 했었습니다. 그래도 생각한대로 압도되는 사운드를 만들 수 있어서 다행이었습니다. 단순한 진행으로 흘러가는 음악이기에 패닝을 통해 양쪽 귀에 번갈아서 악기 소리가 들리도록 배치하였습니다. 이를 통해 단조로울 수 있는 음악에 새로운 느낌을 부여할 수 있었습니다.

앨범 사진을 고르는 것도 일이었습니다. 처음에는 AI 툴을 이용해 사진을 만들어 보았습니다. 그러나 제가 원하는 느낌이 나오지 않았습니다. 그러다 문뜩 아버지가 찍으셨던 해돋이 사진이 생각이 났습니다. 가족 사진 drive를 열심히 찾아보았습니다. 그러다 발견한 사진이 현재 앨범 사진입니다. 가장 제 음악을 잘 표현할 수 있는 사진이라 생각합니다. 압도될 듯이 붉은 여명과 떠오르는 태양. 이보다 완벽한 사진은 없으리라 생각합니다.

마지막으로 이 음악을 통해 모두가 아침을 느끼고 활기차게 하루를 시작하였으면 합니다. 생각보다 자연은 더 아름답고도 아름답습니다. 다들 좋은 하루 보냈으면 합니다.

처음 계획했던 의도에 맞춰 작품이 표현은 되었지만 퀄리티가 상당히 아쉬웠던 것 같습니다. AI를 활용하여 퍼즐 모양으로 해서 하나씩 맞춰지는 것으로도 표현하고 싶었고 지우개 모양의 이모티콘도 넣어보고 싶었지만 영상이라는 것을 처음 만들어보고 미디어를 통해 예술이라는 것을 해보는 것조차 익숙지 않아서 많은 시행착오가 생겼던 것 같아요. 비록 상상했던 퀄리티의 작품을 만들지는 못했지만 수많은 실패 속 저만의 색과 정성을 담아 제 영상 하나를 만든 것만으로도 뿌듯한 것 같습니다. 대학 시절 작은 추억하나가 더 생긴 것 같아 기쁩니다.

과연 다른 사람들은 제 장면 하나하나를 어떻게 생각했는지가 궁금하네요!

조안 조나스의 작품을 보면서 가장 마음에 들었던 작품은 <빈 방>이라는 작품이었다고 생각합니다. 잔잔하면서도 웅장한 분위기에 한 방 전부를 쓰는 거대한 작품이던 탓입니다. 개인적으로 작품이 관객을 압도하는 듯한 느낌을 주는 것을 매우 좋아하는 탓에 그런 큰 작품을 시도해보고 싶다는 생각을 많이 했었어서, 해당 작품이 더욱 마음에 들었던 것 같습니다. 화면에 보이는 영상이나 하늘에 떠있는 종이 모형들, 벽면에 붙은 나무 그림을 보는 동안 웅장한 노래가 함께 흘러나오니 자신 역시 작품에 일부가 되고 그 그림 속 나무들이 무성한 숲속에 들어와있는 느낌을 받았던 것 같습니다. 그래서인지 작품 구상에 있어서도 음향적인 부분을 더욱 신경 쓰고, 작품 구성을 보다 관객의 주의를 집중시킬 수 있도록 하여 작품에 대한 몰입감을 끌어올릴 수 있도록 해봐야겠다는 생각도 들었던 것 같습니다.

이러한 감정의 소용돌이 중에서도 특히 인상 깊고 기억에 남는 작품은 제가 첨부한 사진 속의 작품들입니다. 전시회 설명 중에서 전시 제목인 '인간 너머의 세계'는 다양한 생명체에 대한 배움과 존중을 바탕으로 한계 없이 확장하는 그녀의 예술관을 반영하였다는 내용이 있었습니다. 해당 작품들이 이러한 그녀의 예술관을 잘 엿볼 수 있었다고 생각합니다. 곳곳에 걸려있는 새의 그림, 차가운 철장 속에 갇혀 자신을 촬영하는 사람을 바라보는 앵무새들, 마치 인간들에게 생포되는 새를 연상시키는 그림자 연출의 작품, 그리고 이러한 새들이 마땅히 있어야 할 나뭇가지 사진에 새를 고이 놓아주는 사람을 보여주는 작품들이 모여있었습니다. 저는 개인적으로 환경과 생태계를 중요시 해야 한다고 생각하는 사람으로서, 해당 작품들과 조안 조나스의 메세지가 마음에 깊이 와닿았습니다.

그리고 이 중에서도 제가 첨부한 사진의 그림자를 통해 연출한 작품이 가장 기억에 남는 것 같습니다. 제가 저만의 작품을 만들 때 해보고 싶었던 연출이기 때문입니다. 그림자는 단면적이고, 해당 사물이나 인물의 표정 같은 부분적인 요소들을 정확히 알 수 없다는 점에서 흥미를 느껴 제 작품에 사용해 보고 싶다고 생각했었는데, 아쉽게도 그러지 못했습니다. 후에 또 저만의 작품을 전시할 소중한 기회가 온다면 그땐 꼭 활용해 보고 싶다는 생각이 듭니다. 또한 조안 조나스의 작품은 영상 작품이 많다고 느꼈는데, 제가 전시하는 작품도 영상 작품인 만큼 주의 깊게 감상했습니다. 그리고 영상 작품에 배경 음악이 생각보다 중요하다는 사실을 깨달았습니다. 원래는 정적이고 엄숙한 분위기를 강조하고자 제 작품에 배경 음악을 넣지 않을 생각이었으나, 제가 의도하는 분위기를 해치지 않고 강조할 수 있는 배경 음악이 있다면 넣어도 좋을 것 같다는 생각이 들었습니다.

그러나 작품 설명을 읽고 종이가 표현하는 생명의 연약함, 빛과 그림자를 통한 강인함을 인지하게 되었다. 처음에는 단순한 종이 구조물로 보였던 형체들이 “상실, 기억, 부재”라는 감정이라는것을 다시 알게되었다. 처음 거리감을 유발하던 조형물들은 오히려 관객이 스스로 움직임을 조절하게 만들며, 작품 내부로 조심스레 스며들게 하는 일종의 상호작용 장치로 기능했다.

확실히 전문가의 작품을 본 뒤, 내가 만든 이력서 제출이라는 기말작품을 다시 바라보게 했다. 나는 컨베이어벨트와 랜덤 분류 장치를 통해 취업 시스템 속에서 한 개인이 데이터로 환원되는 현실을 드러냈지만, 이번 전시를 통해 ‘공간 자체가 감정을 형성하는 방식’에 더 주목하게 되었다. 조안 조나스가 조형물과 정적의 시간을 통해 관객에게 호기심을 유발하고 그 의미를 파악할수있게 시간을 주었듯, 내 작업 또한 단순한 기계적 분류를 넘어 관객이 버튼을 누르기 전의 망설임, 결과를 기다리는 몸의 긴장까지 포착할 수 있어야 한다고 느꼈다. 전시의 분위기와 동선이 작품의 메시지를 확장하는 것을 경험하며, 앞으로 내 작업 역시 공간/거리/조도 같은 요소를 적극적으로 활용해 관객이 스스로 “시스템에 편입되는 감정”을 체감하게 만드는 방향으로 발전할 수 있음을 깨달았다.

1.작품의 이미지나 동영상을 올려주세요.

12.02 자정까지

2.마음에 드는 작품에 댓글을 남겨주세요.(수강생 전원 해당)

12.03 자정까지

3.수업시간에 의견을 준 학생들은 해당작품에 동일내용(추가작성가능)으로 댓글 올려주세요.

이렇게 서로 다른 모습으로 자라난 나무들이 모여 비로소 하나의 울창한 숲을 이룹니다. 우리 또한 저마다의 고민을 안고 각기 다른 모습으로 성장해가지만, 결국은 함께 어우러져 살아가는 사회의 소중한 구성원입니다.

이 작품을 통해, 사회를 이루는 사람들이 비록 성장해온 모습은 다르지만 비슷한 고민을 하며 살아왔음을 떠올리며 힘든 순간에는 주저 없이 누군가에게 손을 내밀어 도움을 청하고, 때로는 지친 이의 곁에서 든든한 버팀목이 되어주는 따뜻한 연대의 삶을 제안하고 싶었습니다.

본 작품은 생성형 AI를 활용하여, 디지털 자극에 중독되어가는 뇌의 형상과 결국엔 소멸해버리는 현실의 기억들을 시각화했다. 차가운 파란 불빛의 유혹(Hook)으로 시작된 영상은 맹렬한 속도의 터널을 지나 붉게 과열된 중독(Addiction)의 단계로 치닫는다.

그 끝에서 마주하는 것은 디지털 노이즈로 바스라지는 소중한 가족과의 기억(Glitch), 그리고 칠흑 같은 어둠뿐이다. 그러나 폐허가 된 적막 속에서 들려오는 맑은 알림음("띵")과 함께, 파괴된 기계는 다시 좀비처럼 푸른 빛을 내뿜으며 부활한다.

작가는 정상 속도의 1회차와 폭주하는 속도의 2회차를 반복 구성하여, 관람객으로 하여금 이 지독한 루프를 감각적으로 체험하게 한다. 모든 것이 무너진 후에도 다시 스크린을 켜는 우리는, 이 루프의 관찰자인가 아니면 또 다른 포로인가.

작가: 이건호

사용 재료: 빔 프로젝터, 달력, a4용지, 심장 박동 사운드, 이어폰, 선풍기

사운드 출처:< ASMR | White noise | Heartbeat sound | 심장박동 소리 백색소음 | 心臓の音>

설명:

이 작품은 일상적으로 느끼는 불안감을 표현한 작품입니다. 달력을 넘기면 넘길수록, 시험을 보기 전이나 후나 항상 마음속에 불안감이 남아있음을 확인할 수 있습니다. 불안한 사건들은 검은색으로, 기쁘고 불안을 해소할 수 있을만한 사건들은 파란색으로 나타냈습니다. 갈수록 피폐해지는 정신을 나타내기 위해 달력을 찢었습니다. 선풍기를 통해 서늘한 감각을 나타내려 했으며, 붉은 빔 프로젝터를 사용해 섬뜩하고 불안한 분위기를 조성하려 했습니다. 이어폰을 통해 들리는 심장 박동 소리는 불안감을 극대화하기 위해 사용하였습니다. 앉아서 이어폰을 끼고 감상하였을 때를 고려한 작품입니다. 특히, 이어폰을 통한 감상은 백남준 아트센터를 가서 헤드셋을 끼고 감상하는 작품에서 영감을 받았습니다.

본 작품은 특정한 메시지를 담고 있기 보단 불안감이라는 감정 자체를 표현하는 데에 의미를 두고 있는 작품입니다.

본 작품은 의도적으로 '사랑'이라고 하는 단어를 후반에 배치하므로서 중간까지는 어느정도 사랑 외의 것으로 해석될 여지를 남겨놓으려고 했던 만큼, 감상자 분들 역시 자신에게 무엇이 가장 소중하고 영원히 남을 만한 것인가에 대해 생각해볼 수 있던 시간이었으면 하고 생각합니다.

영상 : Touchdesigner, Canva

이미지 출처 : Pexels

사운드 출처 : Canva

야외 활동을 통한 다채로운 경험을 추구하는 저는 같은 장소에서 반복되는 학업 생활로부터 답답함을 느끼고 있었습니다. 이렇게 주변 환경에 흥미가 떨어져 무감각한 상황 속에서 제가 느낄 수 있는 것은 언어가 대부분이고, 따라서 이에 갇혀있는 느낌이 들어 작품을 계획했습니다.

해당 영상은 인간의 뇌가 발전하는 과정을 미니멀리즘적으로 표현한 것인데, 처음엔 넓은 세상을 누비며 얻은 긍정적인 경험들이 성장을 가져오지만, 나이가 들며 활동 범위가 제한된 후 얻은 단조롭고 부정적인 경험들이 그것을 가져옵니다.

이 맥락 속에서 언어를 비롯한 사회 구조가 우리를 지배한다는 것을 나타내기 위해, 영상이 진행될수록 언어적 요소의 비중을 늘리는 식으로 전개를 구성했습니다. 또한 발전과 혼란이 동시에 진행됨을 보여주기 위해 격자의 규모와 애니메이션의 속도를 점진적으로 늘렸습니다.

2층 조안 조나스의 작품 중 가장 저의 많은 감각을 느끼게 해준 '빈 방'이라는 작품인데, 들어서자마자 실제 조명 인테리어처럼 각기 다른 모습들로은은하게 빛나고 있는 작품이 저를 매료 시켰습니다. 하늘에 둥둥 떠있는 작품들은 종이 질감으로 마치 한지를 연상케했으며, 열려 있는 조명이 있길래 괜히 작가님이 의도한 무언가가 있을까 조심스레 보기도 하였습니다.

방 안을 가득 채운 것은 다름 아닌 음악이었는데, 풍력 발전기가 돌아가는 모습과 소녀가 서 있는 모습을 한 동안 바라보다가 방 가운데에 서서 눈을 감아 청각에 집중하기도 하며, 작가님이 고심한 소리가 영상과 정말 조화롭게 어우러졌습니다. 벽면을 가득 채운 풀숲과 빛과 어둠으로 만들어낸 아름다움, 그리고 방을 가득 채운 음악으로 작품명은 비록 '빈 방'이지만 작품명이 무색하게 오히려 감각을 가득 채운 방이라고 생각할 수 있었습니다. 개인 작품을 할 때 '빈 방'처럼 단순한 시각적 요소가 아니라 청각적 요소에도 심의를 기울여야 빈 방 속에서 온전히 느끼던 저의 모습처럼 다른 누군가도 저의 작품을 감상할 때 시청각 요소가 두드러지도록 나타내는 게 중요하겠다는 생각을 할 수 있었습니다.

전시를 통해서 기말 작품에서 청각적 요소의 중요성과 빔 프로젝터를 쓸 때 비추는 벽과의 거리감을 통해서 화면의 선명도와 높낮이를 고려하면 제 작품을 학생분들이 더욱 효과적으로 이해할 수 있겠다고 생각이 들었습니다. 백남준 작가님과 조안 조나스 작가님은 작품들로 하여금 현대 사회에서 흔히 볼 수 있는 물건들로 생각의 전환을 통해서 관객의 지루할 틈을 주지 않는다고 느꼈습니다. 전시장에서 영감을 받은 것은, 아날로그와 현대 문물을 접합 시키면 너무 재밌겠다는 생각이 들었습니다.

그저 저 혼자만이 만든 아트의 세계로 빠지지 않고 제 작품을 처음 보는 분들도 이해 가능한 어렵지 않은 작품을 만들어야겠음을 느끼고, 작품을 보면서 궁금해하고 빠져들 수 밖에 없었던 감각들을 다시금 체감하게 해준 좋은 시간이었습니다.

나의 기말 작품에도 조명을 사용했지만 해당 작품을 보면서 조금 더 적극적으로 조명을 사용했어야 했다고 느꼈다. 내가 사용한 조명은 어둠 속에서 작품을 비추는 '분위기 잡기'라는 단순한 연출의 스포트라이트에 불과했다. 만약 투광성이 좋은 티셔츠 아래에 스피커의 LED기능을 통해 붉은 빛의 반짝임으로 심장을 뛰게 하는 연출을 추가했으면 내가 하고자 하는 이야기가 더 잘 전달되었을 것이다.

사실 전시회를 둘러보면서 예술적이라는 느낌보다는 머리가 아프고 어지럽게만 느껴졌고 전시장에서 빠르게 나가고 싶었다. 하지만 전체적으로 이해하기 어려운 작품들이 많았음에도 새로운 연출 기법에 대한 영감을 얻기 좋은 전시였다.

퍼포먼스 아트 / 뜨개실, 바늘, 공간 / 김수림, 2025

본 퍼포먼스는 뜨개실을 신체에 감은 상태에서 뜨개질을 수행하는 방식으로 진행된다. 신체를 옥죄는 실은 개인의 삶에서 축적된 감정적 고통과 굴곡을 상징하며, 이를 다시 엮어 나가는 뜨개질의 과정은 그 경험들을 재해석하고 새로운 의미로 전환하는 행위를 보여준다.

1.작품의 이미지나 동영상을 올려주세요.

12.04 자정까지

2.마음에 드는 작품에 댓글을 남겨주세요.(수강생 전원 해당)

12.05 자정까지

3.수업시간에 의견을 준 학생들은 해당작품에 동일내용(추가작성가능)으로 댓글 올려주세요.

우리가 세상에 태어난 순간부터 우리는 가장 많은 사랑과 정성을 받아왔습니다. 하지만 성장하면서 부모님의 품을 떠나 각자의 삶에 바빠지다 보니 가족과의 연결이 점점 멀어지기도 합니다. 어릴 적에는 아무렇지 않게 건네던 안부와 사랑의 말들이 이제는 왜 이렇게 어려운 말이 되었는지, 우리는 앞만 보고 너무 빨리 달리느라 뒤에서 여전히 우리를 기다리고 있는 가족의존재를 잊고 지내는 건 아닐까 생각해 봅니다. 부모님과 할머니, 할아버지는 우리가 가진 돈이나 물질을 원하는 것이 아니라, 함께하는 시간과 따뜻한 밥 한 끼, 그리고 마음을 나누는 대화만으로도 충분히 행복해하십니다. 그러나 그런 가장 소중한 것들이 우리에게는 오히려 가장 어려운 일이 되어버렸습니다. 사랑한다는 말, 보고 싶다는 말은 때로 참 어렵지만, 그 말을 전할 수 있는 순간이 있다면 부디 주저하지 말고 표현해 주세요. 시간은 우리를 기다려주지 않고, 잃고 나서 후회하지 않도록 지금 곁에 있는 사랑을 꼭 붙잡아 주세요.

달리기를 처음 시작했을 때 저는 건강을 위해 뛰기 시작했지만, 저의 건강을 잠시 잊고, 앞에서 뛰고 있는 사람이 보이면 괜히 승부욕이 생겨 앞지르려다 금방 지치곤 했습니다. 승부에서 이겼다는 성취감이 없으면서도 말입니다.

시간이 지나면서 점점 자신의 페이스에 집중하게 되었고, 결국 원하는 목적지에 도달할 수 있었습니다. 

본 작품은 달리기를 통해 배운 것들이 인생의 보편적 모습과 닮아 있음을 깨달은 저의 성찰을 달리기를 비유해 초반에는 앞에 달리는 사람을 따라잡기 급급했던 과거의 모습을, 영상이 점점 지나면서 저의 그림자와 제 자신의 모습을 카메라에 담아 자신만 집중함을 담아냈으며, 3인칭 모습이 보이면서 신나게 달리는 저의 성장한 뒷모습을 표현하고자 했습니다. 

우리는 각자의 목적지가 모두 다릅니다. 그럼에도 불구하고 사람들은 목적지가 같든 다르든 타인의 뒷모습만 보고 맹목적으로 오버페이스하는 현대인의 모습을 담고자 했습니다. 

결국 자신의 속도로 온전히 즐기며 나아가는 것이 중요하다는 메시지를 전달하고자 했습니다.

조리도구는 가부장적인 관점에서의 여성혐오를 의미합니다. 요리 등의 집안일은 여성의 역할이라는 편견의 성차별에 대해 비판하고자 하였습니다.

덤벨 모양 키링은 힘이 세다는 남성성을 강요받는 상황에서의 남성혐오를 의미합니다.

치아(틀니) 모형은 노인혐오를 의미합니다. 노인에 대한 혐오발언 중 ’틀딱’이라는 표현을 비판하고자 하였습니다.

우리는 덜떨어지거나 바보같은 행동을 하는 사람을 보고 ’너 장애냐?‘라고 하는 사람들을 종종 볼 수 있습니다. 이러한 장애인혐오를 나타내고자 직관적으로 표현해보았습니다.

무지개 깃발은 성소수자를 상징합니다. 이들을 부정하는 심한 혐오를 비판하고자 이 또한 직관적으로 표현해보았습니다.

지구가 그려진 구겨진 종이는 외국인/이주민 혐오를 의미합니다. 자세히 보시면 여러 국가의 언어로 ’다양성, 존중, 포용’이 적혀있는걸 확인하실 수 있습니다. 이를 구김으로써 외국인을 부정하고 혐오하는 모습을 비판하고자 하였습니다.

이렇게 여러 혐오를 상징하는 물건들을 구덩이에 넣고 흙으로 다시 덮는 과정에서, 흙을 담담하게 꾹꾹 누르며 살살 쓰다듬는 모습을 강조하고자 이 부분의 영상 길이를 조금 길게 넣어봤습니다. 이를 통해 혐오로 인해 상처받은 마음들을 위로하고, 우리가 굳게 마음을 먹고 꼭 해야만하는 일이라는 것을 표현하고 싶었습니다.

이 작품을 통해 혐오에 대해 다시 생각해보는 계기가 되었으면 좋겠습니다. 우리 함께 서로 존중, 배려하고 사랑하며 살아갑시다!

왼쪽 오브제는 유년 시절에 대한 집착이 만들어낸 잔해를 상징합니다.

촛불은 시간처럼 계속 흘러내려 없어진지만, 덩굴은 그 흐름을 붙잡듯 초를 감고 있습니다.

그 속에 배치된 작은 오브제들은 저의 유년을 이루던 물건들로,

시간의 흐름 속에서 함께 녹아내리며 결국 잔흔만 남습니다.

오른쪽 조형은 제 현재를 상징합니다.

날개가 있음에도 바닥에 웅크린 채 녹아내리는 모습은,

‘날아가야 한다’는 압박과 ‘아직은 두렵다’는 마음 사이에 갇힌 저의 상태를 그대로 드러냅니다.

22살이라는, 누군가는 충분히 어리다고 말하는 시기지만

저에게 시간의 흐름은 오히려 무겁고 빠르게 느껴졌습니다.

그래서 이 오브제는, 자신을 옭아맨 유년의 잔해를 바라보며

날지 못한 채 녹아내리는 저 자신을 보여줍니다.

빔프로젝터 속 영상은 집착과 자아가 서서히 녹아내려 하나의 흐름으로 합쳐지는 모습을 담고 있습니다.

저는 오랫동안 과거를 나누어 붙잡아두려 했지만,

결국 집착은 강제로 무너지고 하나의 존재로 섞여가고 있었습니다.

이 무너짐은 누군가에 의해 강제로 일어난 변화가 아니라,

초가 녹아내리듯 자연스럽고 피할 수 없는 시간의 필연성을 나타냅니다.

1.작품의 이미지나 동영상을 올려주세요.12.9 자정까지.

2.마음에 드는 작품에 댓글을 남겨주세요.(수강생 전원 해당)12.10자정까지.

3.수업시간에 의견을 준 학생들은 해당작품에 동일내용(추가작성가능)으로 댓글 올려주세요.

작가명: 편석훈

상영시간: 1분 23초

-작품설명

이 작업은 ‘발’이라는 신체를 통해 우리가 매일 스쳐 지나가는 공간들이 어떻게 우리의 리듬을 규정하는지 보여준다.

작가명:김연재

내가 생각하는 이상적인 모습의 몸을 만들어가는 과정을 그림으로 표현함

따라서 이 작품은 '보이지 않는 계단'을 시각적으로 드러내기 위해 시작되었습니다. 작품의 바닥에는 여러 개의 계단 이미지가 놓여 있습니다. 이 계단들은 실제로는 높낮이가 전혀 없는 평평한 종이에 불과합니다. 그러나 사람 모형을 그 위에 올려놓는 순간, 우리는 본능적으로 '누가 더 위인지', '누가 아래인지'를 판단하게 됩니다.단순한 그림 하나만으로도 위계가 만들어지는 이 순간을 저는 작품으로 보여주고 싶었습니다.

작품에는 영상도 함께 설치됩니다. 벽에는 계단 이미지가 서서히 흐려지며 점점 사라지는 영상이 투사됩니다. 마지막에는 아무것도 남지 않은 하얀 바탕만 화면을 채웁니다. 이 장면은 우리가 마음속에 만들어둔 비교의 계단이 사실은 언제든 흐려지고, 지워지고, 없어질 수 있는 것임을 상징합니다. 계단이 사라지는 순간, 우리는 결국 모두 같은 평면 위에 서 있는 존재임을 말하고 싶었습니다.

이 작품을 통해 관객이 타인과 자신을 비교하는 것을 잠시 멈추고, 자신에게 조금 더 집중하는 시간을 갖기를 바랐습니다. 우리가 만들어낸 위계의 계단을 내려놓는 순간, 결국 우리는 모두 같은 곳에 서 있다는 사실을 다시 한번 느끼기를 바랐습니다

작품은 3D 모델링 툴을 활용해 인물의 얼굴을 입체적으로 표현한 영상으로 제작되었으며 얼굴의 크기를 다르게 구성하여 각 인물이 느끼는 감정의 무게가 서로 다름을 시각적으로 강조하였다. 또한 얼굴의 색을 회색으로 통일함으로써 외형적 특징에서 오는 판단을 배제하고 본질적인 감정과 생각에 집중하도록 유도하였다. 배경음악으로는 환호와 야유가 동시에 들리는 소리를 삽입해 시각뿐만 아니라 청각적으로도 복합적인 감정이 공존한다는 느낌을 전달하고자 했다.

이 작품은 수업 시간에 같은 과제를 받았음에도 불구하고 결과물이 모두 다르게 표현되는 것을 보며 느낀 흥미에서 출발했다. 이는 겉으로 보이는 모습만으로 사람을 판단할 수 없으며 누구나 각자의 생각과 감정을 지닌 개별적인 존재임을 상기시킨다. 하나의 장면을 바라보면서도 각기 다른 감정과 의견이 존재하듯 우리는 다양성과 공존을 존중해야 한다는 메시지를 전달하고자 했다. 단순한 형식의 구성 속에서 감정의 복잡성과 다양성이 자연스럽게 드러나도록 연출한 이 작품은 보이지 않는 차이를 인정하고 이해하려는 시각의 중요성을 말한다.

영상 출처 : PEXELS

배경소리 출처 : VVLO 무료 배경소리, 직접 녹음

저는 우산을 우산의 폭만큼 다른 사람들로부터 거리를 유지하고, 비를 막아주는 비닐 아래서 나 홀로 존재하게 하는 나만의 공간이라고 생각합니다. 우리는 주로 우산을 비나 눈을 피하기 위해 쓰는데, 작품 속에서는 우리를 지치게 하는 사회적 요소를 막아주고 나만의 공간을 갖게 해 주는 용도로 우산의 역할을 확대하여 사용하였습니다. 원래 우산에 쓰이는 비 우(雨) 자 대신 머무르다, 거처라는 뜻을 가지는 한자 寓를 이용하여 우(寓)산이라는 제목을 지은 것도 이 이유입니다. 처음 영상을 볼 때는 보는 이의 그림자가 영상 속의 비, 도로 등에 그대로 노출되지만 우산을 쓰고 볼 때는 우산이 이러한 것들을 막아주는 역할을 하게끔 연출하고자 하였습니다. 작품 속 영상은 우산 하면 가장 먼저 떠오르는 비와 제가 생각했을 때 사람들을 지치게 하는 요소인 쌓인 할 일, 교통 체증, 붐비는 사람들을 나타낼 수 있는 영상으로 선택했고, 이런 요소들을 차단해주는 개인적 공간으로서 우산의 역할을 강조하기 위해 우산을 쓰고 보는 부분의 영상 소리는 앞 부분보다 작게 조정하여 소리마저 차단되는 느낌이 들도록 하였습니다.

이 작품은 모르는 사람들과 닿는 것, 시끄럽고 복잡한 것을 싫어해 저만의 공간이 생기는 우산 쓰기를 좋아하는 제 경험에서 출발하였습니다. 저와 같은 분도 있겠지만 대부분의 사람들은 비오는 날 쓰는 우산을 거추장스럽게 여기거나 비 오는 날을 싫어할텐데 제가 느끼는 우산의 의미를 다른 사람들과 공유하고 싶었고, 작품 속 영상들처럼 질펀하게 내리는 비, 쌓여가는 할 일들, 꽉 막힌 도로, 북적이는 사람들에 노출되어 지친 사람들에게 우산이 위로의 공간처럼 느껴졌으면 합니다.

영상 용량 때문에 구글 드라이브 링크로 첨부합니다.

의도된 구성인지는 모르겠으나, 전시장에 처음 들어가면 필름 카메라로 촬영한 작품들이 보이고, 전시장 안으로 들어가면서 카메라가 비디오 카메라로 바뀌고, 영상이 흑백에서 컬러로 바뀌는 등 작품을 촬영한 카메라의 변화가 눈에 띄었다. 작품의 내용이나 주제 역시 인상 깊었지만 작품이 결국 영상으로 보여지기 때문에 촬영 매체에 나도 모르게 집중하게 되었다. 평소에 전시 같은 것을 관람하면 작품의 내용을 살피기 바빴는데, 이번에 조안 조나스의 전시를 보면서 작품의 표현 매채 같은 것에도 관심을 두는, 좀 더 넓은 시야를 갖게 된 것 같다.

들어서자마자 입구에서 보이는 <바람> 이라는 작품은 바람이라는 즉흥적인 자연에 몸을 맡겨 움직이는 퍼포먼스 비디오였다. 필름이 등장한지 얼마 되지 않아 필름만이 담을 수 있는 연속성과 즉흥성 등을 담고자 한 시각이 잘 보이는 작품이었다.

내부로 들어가서 보이는 여럿 작품들 모두 더이상 한 장면이 아닌 연속된 장면을 담을 수 있음을 표현하고 있는 것이라고 느꼈다. 나는 전체적인 작품의 주제가 ‘경계‘라는 단어와 가깝다고 생각했다. 자연과 인간, 촬영자와 피사체, 종 간의 경계 등 여러 개념 사이의 정의에 대해 탐구하며 작품들을 선보인 것 같다.

가장 기억에 남았던 작품은 ‘빈 방‘이다. 커다란 방 안에 들어섰을 때 포근한 분위기가 느껴졌다. 작품 설명에 대해 간단히 읽고 들어갔는데 여러 곳에 배치되어 있는 빈 상자들이 껍데기만 놔두고 이승을 떠난 이들의 육체처럼 느껴졌다. 이 작품은 이승과 저승 사이의 경계를 나타낸 것 같다. 방 안에 고래와 비슷하게 생긴 조형물이 있었는데 이에 대한 설명만 부재했다. 그 까닭에 내 생각을 덧붙일 수 있었는데, 내가 해석한 바는 이렇다.

어디선가 고래의 죽음에 대해 들은 적이 있다. 고래는 죽고난 후 부패과정에서 몸 안에 가스가 차올라 외부의 충격에 의해 터질 수 있어 위험하다는 얘기이다. 작품을 보며 이 이야기가 떠올랐고 고래를 둔 이유가 내부를 비우고 떠나가는 이들의 모습과 닮아서라고 생각했다.

전시를 다 보고난 후 여운이 남았다. 모든 작품들을 내 방식으로 해석해내진 못했지만, 작가의 의도가 뚜렷하게 존재한다는 느낌이 전시 전체에 담겨지는 것 같다. 전시를 보고 난 후 내 전시도 다른 사람들에게 여운을 남길 수 있으면 좋겠다는 생각이 들었고, 이를 위해 나의 생각과 의도를 작품에 어떻게 하면 잘 눌러담을 수 있을지 고민하는 계기가 될 수 있었다.

1.작품의 이미지나 동영상을 올려주세요.12.11 자정까지.

2.마음에 드는 작품에 댓글을 남겨주세요.(수강생 전원 해당)12.12자정까지.

3.수업시간에 의견을 준 학생들은 해당작품에 동일내용(추가작성가능)으로 댓글 올려주세요.

^{어렸을 때부터 그림 그리는 것이 취미였던 저는 ai의 등장으로 ’앞으로 그림을 그리는 사람이 필요 없어질 것이다‘라는 사람들의 말이 충격으로 다가왔었습니다.}

^{최근에는 제가 그림을 그리는 수업을 듣고 있는데, 이 과제를 할 때에도 AI로 제작하여 제출하는 몇몇 사람들의 작품을 보며 AI와 사람의 그림을 비교하는 작품을 만들어, 보는 사람들로 하여금 다시 한 번 AI 시대에 대해 깊게 고민해보는 시간을 마련하고자 작품을 기획하게 되었습니다}

^{-제작 과정}

^{멈춰있는 사진을 그리는 것이 아닌 움직이는 사물을 그리는 것은 이번이 처음이었던 것 같습니다. 내 눈 앞에 보이는 움직이는 생명체를 그린다는 것은 단순히 종이와 나의 연결이 아닌 대상과 나의 시간을 종이에 담는 시간이었습니다.}

^{저는 평소 아이패드로 그리는 디지털 드로잉을 하기에 처음 작품을 제작할 때에도 디지털로 드로잉을 하려 했었습니다. 하지만 작품의 의도에 대해 더 생각할수록 사람만이 줄 수 있는 ’정성’을 더 잘 담아낼 수 있는 건 재질이 있고 실재하는 종이라는 생각이 들어 여러 재료를 통해 도화지에 그림을 그리게 되었습니다.}

^{-전시를 마치며}

^{제 작품은 마침표로 끝내는 것이 아닌 물음표로 끝내는 작품이 되었으면 합니다. 여러분에게 어떠한 충격 혹은 사고의 계기를 마련할 수 있는 작품이 되었으면 좋겠다는 생각으로 꽤 긴 시간을 작품에 쏟아부었던 것 같습니다. 작품을 보고 어떤 생각을 하셨는지 한 분 한 분 이야기를 듣고싶은 마음이었지만 그러지 못해 아쉽습니다..!}

^{댓글로나마 어떤 생각을 했는지 남겨주시면 너무 감사할 것 같습니다.}

영상출처: 자체제작 (imovie)

-작품 설명-

<불청객>은 관객이 음악의 단절 및 소음을 경험하면서 순간적으로 몰입이 깨지고, 자신의 감정 상태를 자각하게 된다. 작품은 이러한 ‘몰입 – 단절’의 반복을 통해 자신의 감정 상태가 방해받는 것이 얼마나 불쾌한 경험인지 감각적으로 느낄 수 있게 한다.

동시에 인위적인 소리 및 영상이 아닌 단절이 없는 자연의 소리와 경험들이 얼마나 아름답고 소중한지 관객 스스로 성찰하는 계기를 준다.

여러분의 작품과 생각을 함께 나누며, 저 역시 예술을 더 깊이 경험할 수 있었어요. 여러분이 자신을 이해하고 새로운 도전에 한 걸음 나아가는 시간이었길 바랍니다. 여러분과 작품으로 함께할 수 있어 감사했습니다.

수업을 돌아보며, 스스로 성장했다고 느낀 점이 있다면 편하게 이야기해주세요. 자신의 경험, 수업의 좋았던 점, 혹은 개선되었으면 하는 부분 등 어떤 이야기든 환영합니다.

2층에서는 조안 조나스의 작품을 볼 수 있었습니다. 팜플렛이 있어서 팜플렛을 보면서 작품을 감상하였습니다. 조안 조나스는 많은 영상작품을 만들었습니다. 특이했던 것은 하나의 화면에 2가지 이상의 영상이 겹친듯한 표현이 굉장히 인상적이었습니다. 마치 빔프로젝터 앞을 돌아다니는 화면들이 엄청나게 많았습니다. 서로 겹치는 화면을 통해 물의 흐름을 표현하기도 하고, 자연의 모습을 보여주기도 합니다. 특히 <시내, 강, 비행, 패턴 III>에서 그런 장면을 잘 볼 수 있었습니다. 여러 풍경과 오브제, 드로잉 등이 겹치기도 하고 자연의 소리를 들으면서 실내에서 야생을 느낄 수 있었습니다. 개인적으로 마음에 들었던 작품은 <아름다운 개>였습니다. 작가의 반려견의 몸에 부착된 카메라를 통해 본 자연의 풍경과 작가의 손으로 촬영한 반려견의 모습이 보이는 영상 작품입니다. 중간중간 카메라의 화면이 360도 회전하기도 하고, 화면이 심하게 흔들리기도 했습니다. 그러나 오히려 그러한 장면이 날 것의 느낌이라 더 좋았던 것 같습니다. 꾸밈 없어 보이는 영상이 큰 벽에 영사되니 작품 제목처럼 아름다운 개의 모습을 볼 수 있어서 좋았습니다.

<빈 방>은 제 작업과 비교하게 되었습니다. 작품은 한 공간에 영상, 음악, 설치를 통해 사람의 정서를 표현한 작품입니다. 제 작업인 <아침>은 청각적인 요소만 있는 작품이었습니다. 그러나 <빈 방>은 청각적인 요소가 있음에도 시각적인 요소들을 통해 그 경험을 극대화하였습니다. 공중과 바닥에 설치된 종이조각들, 고래모양의 나무조각, 한 벽면을 가득 메운 앙상한 가지의 나무 드로잉, 벽면에 영사된 춤추는 소녀들의 그림자. 이러한 요소들이 재즈 음악의 경험을 극대화 하였습니다. <빈 방>이라고 하지만 사실은 빈 방이 아니었습니다. 요소들을 통해 외로운 정서와 부재와 그리움의 정서를 탐구하는 작품이라는 설명을 보고 성찰을 하게 되었습니다.

제 작업은 <아침>이라는 제목의 음악이었습니다. 이 작업도 <빈 방>처럼 어떤 공간에 빔 프로젝터로 태양이 뜨는 영상과 함께 상영했다면 제가 원했던 의도가 더 잘 전달되지는 않았을까 생각하게 되었습니다. 청각도 굉장히 중요한 감각이지만 사람이 어떤 정보를 받아들일 때 가장 중요한 감각이 “시각”이라는 것을 망각하고 있었습니다. 앨범커버를 해가 뜨는 일출 장면으로 표현하기는 하였지만, 조금은 부족했던 것 같습니다. <빈 방>처럼 공간 안에서 즐길 수 있는 작품이었다면 제가 원했던 아침의 느낌이 더욱 잘 살아났을 것 같습니다. 나중에 기회가 된다면 다시 한 번 전시해보고 싶습니다.

여담으로 조안 조나스의 영상 작품같은 경우 길이가 15~20분 정도로 긴 작품들도 많았는데 유튜브에서도 감상이 가능해서 다 감상하지 못 한 영상작품의 경우 유튜브에서도 다시 한 번 감상해보려고 합니다.

영상: 자체 제작(deevid ai, runway ai 사용)

의도 및 설명: 이 작품은 관람자가 무대 바닥에 누워 천장을 바라보는 자세로 감상하게 되는 설치형 작업이다. 무대에 누워 있는 몸은 전시 공간에서 흔치 않은 위치이기 때문에, 관람자는 처음에 자신이 드러나 있다는 감각을 강하게 느끼게 된다.

천장에는 정면을 응시하는 하나의 얼굴이 있고, 그 아래에는 서 있는 사람들의 발과 다리가 지나가는 영상이 겹쳐진다. 관람자는 실제 전시장에서도 누워 있는 자신과 서 있는 타인들 (다른 관람객)을 동시에 의식하게 된다. 이때, 화면 속 발은 현실의 상황을 다시 이미지로 되돌려 관람자가 놓인 위치를 두 번 인식하게 하는 장치로 작동한다.

이 구조 속에서 관람자는 천장의 얼굴을 바라볼지, 발 아래에서 흐르는 타인의 존재를 의식할지, 혹은 주변의 실제 관람객을 느낄지 스스로 시선을 선택하게 된다. 이 선택의 순간에 감각은 “나는 지금 어떻게 보이고 있을까”에서 “나는 지금 무엇을 보고 있는가”로 이동한다.

즉, 이 작품은 타인의 시선 속에서 자신의 시선을 되찾는 경험을 다룬다. 관람자는 보여지는 위치에 있지만, 그 속에서도 어디에 머무를지는 스스로 결정한다.

1. 얼굴: 배경 없이 얼굴만 정면 클로즈업으로 촬영한다. 무표정에 느린 호흡, 천천히 깜빡이는 눈 등의 특징을 띄고 있는 얼굴은 감정을 드러내지 않고, 관람자를 판단하거나 해석하지 않는다. 그저 존재한 채 바라본다.

2. 배경: 관람자가 바닥에 누워 보게 되는 시점을 재현하기 위해, 인물들의 하반신과 작은 동작들을 낮은 카메라 레벨에서 포착해 구성한다. 걷다가 멈추고, 손이 옷을 스치는 행동이나 갑작스러운 방향 전환은 타인을 의식하는 순간의 미세한 흔들림을 드러낸다. 후반부의 허리춤 클로즈업은 몸의 중심이 흔들리는 감각을 강조하기 위한 장면이다. 이 영상은 얼굴 영상보다 더 흐릿하게 겹쳐져, 같은 공간을 공유하지만 직접 연결되지 않는 익명의 타자성을 시각적으로 보여준다.

이번에 본 <조안 조나스> 작가의 전시는 작품의 크기가 관람하는 사람에게 얼마나 큰 느낌을 주는지를 깨닫게 해주었다. 전시장에 들어가자마자 엄청나게 큰 구조물과 벽을 가득 채운 큰 영상을 보았는데, 그 크기가 너무 커서 마치 내가 작품 속으로 쑥 빨려 들어가는 기분이 들었다. 전시장을 이리저리 돌아다니며 작품이 놓인 위치나 공간의 분위기를 느끼다 보니, 나의 기말 작품도 자연스럽게 생각이 났다. 나도 관람자들이 작품에 푹 빠질 수 있도록 일부러 전시장 한가운데에 작품을 놓았었다. 이번 전시를 보면서 ‘아, 작품을 어디에 어떻게 놓는지, 어떤 규모를 가지는지에 따라 느낌이 확 달라지는구나’ 하고 다시 한번 느꼈다. 그리고 작품을 그냥 눈높이에서만 보는 게 아니라, 아래에서 위를 쳐다보거나 위에서 아래를 내려다보는 것도 참 색다른 재미와 감각을 준다는 것을 몸소 체험하는 시간이었다.

또한, 이번 전시에서 흥미로웠던 지점은 작품 그 자체뿐만 아니라 작품을 둘러싼 주변 요소들이 시야에 들어왔다는 것이다. 전시장의 미묘한 온도와 습도, 어둠 속에서 빛을 쏘아내는 빔프로젝터의 기계적 소음과 존재감, 관람 동선을 제어하는 바닥의 경계선, 그리고 작품을 지탱하는 스툴이나 관람을 돕는 도슨트의 목소리까지. 과연 '어디까지가 작품이고 어디까지가 배경인가'에 대한 근원적인 물음이 생겨났다. 이러한 주변의 비예술적 요소들마저도 작품의 의미를 확장시킬 수 있다는 생각이 들었다.

결국 이번 관람은 나에게 큰 전환점이 되었다. 나의 작업 역시 단순히 만들어진 오브제 하나를 공간에 던져 놓는 것이 아니라, 관람자가 그 공간에 서서 바라보고, 움직이고, 숨 쉬며 느끼는 '전체 환경'을 설계해야 한다는 점을 깊이 각인했다. 텍스트나 형상뿐만 아니라, 빛과 소리, 그리고 공간의 공기까지도 재료로 삼아야 한다는 사실을 배운 소중한 시간이었다.

<빈방>의 전시공간에 들어왔을 때 움직이는 그림자들을 볼 수 있었습니다.

따뜻한 분위기의 조명과 사람들은 없지만 눈앞에 존재하듯 움직이는 장면은 혼자 있는게 편하면서도 누군가 옆에 같이 있었으면 하는 상반된 감정을 해결해주는 말로 형용할 수 없는 최고의 영상이었습니다.

그 영상에 비춰진 그림자 형상의 사람들을 관찰하며 어느순간 내적 친밀함이 쌓였습니다. 끝내 영상 속 그림자에게 인사를 건넸습니다. "안녕하세요? 과거의 바쁘게 움직이는 당신을 내가 구경해도 될까요?"

큰 공간에 사람은 없었지만 빈방이라는 제목의 역설을 저는 충분히 느낄 수 있었습니다. 이렇게 가득 채워져있는데 빈방이라는 작품명은 저는 오히려 작품에 대한 저의 생각을 유발하는 촉매가 되었습니다.

저는 제 작품인 'MTS(Make Together Sound)"와 <빈방>에서 비슷한 감정을 느꼈습니다. 제 작품은 성호관 대강당 뒤 좁은 복도라는 장소에서 MTS밴드부의 합주실이란 공간으로 관람자를 이동 시켰습니다. <빈방>이라는 작품은 백남준 아트센터 2층의 <빈방>전시장이란 엄청 큰 공간에서 그림자 속 사람들이 바쁘게 움직이는 공간으로 이동시켰습니다. 여기서 제 기말작품에서 새롭게 바라보게 된 점이 있습니다. 제 작품은 초반에 기획했던 부분은 단순히 "MTS밴드부에 초대합니다"였는데 복도라는 협소한 공간에서 합주실이라는 넓은 공간으로 관람자들을 초대했다는 점이었습니다.

전시에서 인상깊었던 공간 구성은 넓은 공간에서주는 원근감이었습니다. 멀리서 벽에 비춰진 스크린을 봤을 땐 별 관심이 없었고 주변 구조, 분위기, 색감을 하나하나 자세히 보며 걸어갔지만 점차 크기가 커지는 그림자들을 보고 집중이 쏠렸고 한참을 보게 되었고 공간이 주는 감정을 느낄 수 있는 소중한 시간이었습니다.

수업에서는 미디어아트의 개념이나 역사뿐만 아니라, 작품이 어떤 기술적 기반 위에서 만들어지는지도 배웠습니다. 예전에는 그냥 ‘신기하다’ 정도로만 봤던 작품들이, 이제는 관람자와 어떻게 상호작용하는지, 기술이 어떤 방식으로 메시지를 전달하는지까지도 자연스럽게 생각해보게 되었습니다. 처음에는 어렵게 느껴졌던 이론이, 오히려 이런 시각을 열어주는 계기가 된 것 같아요.

무엇보다도 가장 기억에 남는 건, 학생으로서 직접 전시를 기획하고 작품을 만들어 전시해본 경험이었습니다. 실제 작가나 기획자가 거치는 과정을 거의 그대로 경험해볼 수 있었기 때문에 단순한 수업 과제 이상으로 다가왔습니다. 기획 단계에서 막막했던 부분은 교수님 상담을 통해 방향을 잡을 수 있었고, 제작 과정에서 시행착오를 겪을 때마다 한 단계씩 성장하고 있다는 느낌이 들었습니다. 완성된 작품을 전시하고, 사람들이 직접 관람하며 피드백을 나누는 시간도 정말 소중했습니다.

돌아보면 이 경험은 단순히 ‘전시를 한 번 해봤다’가 아니라, 내 손으로 하나의 작품 세계를 만들어본 시간이었다고 말할 수 있을 것 같습니다. 그래서 더 오래 기억에 남을 것 같고, 앞으로의 작업이나 생각에도 영향을 줄 수 있는 배움이었다고 느껴집니다.

또한 사물이나 작품을 바라보는 태도에서도 변화가 생겼습니다. 예전에는 무심하게 혹은 직관적으로만 보았다면, 이제는 이건 어떤 의미일까? 어떤 의도가 담겨 있을까? 하고 더 적극적이고 호기심 있게 바라보게 된 수업이었습니다. 처음 ‘미디어아트의 이해’라는 교양 과목명을 봤을 때는 딱딱한 강의일 줄 알았는데, 실제로는 정말 ‘교양다운’ 수업이었다고 느낍니다.

마지막 전시를 준비하는 과정에서도 많은 고민과 수정을 거치며 처음엔 막막했지만, 시간이 지날수록 몰입되고 즐거워지는 경험을 했습니다. 강의가 끝나갈 즈음, 겨울이 다가오는 것이 느껴지면서 아쉬움이 크게 남았어요. 그만큼 시간이 빠르게 지나갔고, 그만큼 즐거웠던 한 학기였습니다.

한 학기 동안 뜻깊고 의미 있는 강의를 해주셔서 진심으로 감사드립니다!

1층의 작품들 중에는 깊은 사색에 잠기기 전에, 그냥 작품을 보고 즐기는 것 자체가 재미있고 흥미로운 작품들이 많았습니다. 특히 관객의 소리에 반응하는 작품이나 관객의 모습에 RGB가 분리된 형태로 나타나는 작품, CRT 화면에 관객이 직접 자석을 가져다 대보면서 반응을 감상하는 작품 등 관객이 참여하고 작품이 그에따라 반응하는 부류의 작품을 재미있게 즐길 수 있었습니다. 아마 제가 기말 전시 작품으로 이러한 부류의 반응형 작품을 제작한 것도 제가 이런 부류의 작품을 좋아했기 때문이었던 것 같습니다.

1층부터 시작해 모든 작품을 보고 마지막으로 빈방을 관람했습니다. CRT 모니터에서 나오는 고주파 소리 그리고 각종 영상과 영상의 소리, 그외 작품에 대한 텍스트 등으로 많은 양의 정보를 주입당하면서 피로해진 상태에서 마지막으로 빈 방에 들어갔습니다. 이전까지의 시끄러운 소리들에 비해 조용하고 탁 트인 공간에 들어서니 생각할 틈 없이 외부에서 정보를 받아들이기만 하다가 드디어 생각이라는 것을 할 여유가 생겼습니다. 전시 공간에서는 빈방을 감상하기보다 지금까지의 작품들을 잘 즐겼는지, 재미있었던 작품이 있는지 등 제가 느낌 감정에 대해 생각해볼 수 있었습니다.

한참 생각에 잠겨있다가 전시공간을 나갈때가 되어서야 벽면에 있던 나무들이 눈에 들어왔고, 기말작품으로 준비했던 숲이 떠올라 가볍게 반가운 느낌이 들어 사진을 찍어왔습니다.

수업 중 기말 과제로 직접 작품을 만들고 전시해보는 기회가 있었습니다. 저는 평소에도 새로운 기술이나 아이디어가 있을 때 그것을 직접 사용하고 만들어보면서 학습하는 것을 선호하는데, 수업에서도 이와 비슷한 형태로 직접 작품을 만들어보면서 "자신의 내면을 살펴본다"는 추상적이고 난해한 행위를 조금 더 쉽게 경험할 수 있었습니다. 저에게는 특히나 더 잘 맞는 교수법이었던 것 같습니다.

하지만 수업을 들으며 이런 생각들이 편견이었음을 깨달았습니다. 교수님의 설명과 접근 방식은 제 상식과 고정관념을 깨 주었습니다. 작품 감상에는 정답이 없고, 예술도 어렵기만 한 분야가 아니라는 점을 자연스럽게 알게 되었습니다. 내가 보고 느끼고 생각한 그대로가 작품을 ‘소화하는 과정’이라는 메시지가 매 수업마다 전달되었다고 느꼈습니다.

물론 아침 9시 수업이 쉽지만은 않았지만, 이번 학기 수강한 과목 중 가장 부담 없이 즐기러 갈 수 있었던 수업이었습니다. 동시에 가장 실용적이고 현실적인 관점을 키울 수 있었던 시간이기도 했습니다.

한 학기 동안 열정적으로 수업해 주시고, 예술의 길을 스스로 찾아갈 수 있도록 방향을 제시해 주셔서 감사합니다. 수고 많으셨습니다!!

초등학교 미술책에서 봤던 백남준 작가님의 전시 작품들, 그리고 처음 봤지만 조안 조나스 작가님의 작품을 통해서 저의 부족한 기말 작품을 한 층 더 공감할 수 있도록 영감을 얻기도 하면서 만드는 과정이 쉽지 않았지만, 그 과정마저도 즐겁게만 느껴집니다.

이번 기말 작품을 통해서 느낀 건 다른 분들의 얼굴도, 목소리도, 모든 것이 처음이었지만, 각자의 마음의 소리를 들려주는 시간 같아서 개인적으로 너무 너무 재밌었고, 소중했던 시간들이었습니다.

질문을 많이 했었는데, 정성껏 만들어 온 작품에 누군가가 질문을 해준다는 것은 제 작품 때 많이 느꼈지만, 너무 감사한 일이기도 하며, 작품의 서사를 알고 싶어서였습니다.

작품을 각자의 스타일대로 만들고, 패들릿에 올리면서 못 다한 질문들, 좋은 작품 감상했다는 덕담까지 나누니까 기록으로 남아서 그런지 두고두고 봐도 생각날 것 같고, 이게 바로 '미디어아트의 이해'라는 과목의 매력이 아닐까 싶습니다.

1교시라 피곤한 줄도 모르고 수업 시간 내내 즐겁게 참여했던 기억이 스쳐 지나가네요! 아무쪼록 즐거운 강의와 진행을 해주신 교수님께도 한 학기동안 진심으로 감사드립니다. 그리고 한 학기 동안 열심히 각자의 색깔을 담아 기말 프로젝트를 만드신 모든 분들 좋은 작품 잘 감상했습니다. 정말 감사합니다.

근래 몇 년 동안 가을을 느낄 시간이 없었어서 이번 프로젝트에는 가을에 관한 것을 하고 싶었습니다. 그래서 무작정 나가서 걸었지만, 결국엔 또 휴대폰을 보면서 걷고 있었습니다. 그러다가 휴대폰을 끄고 앞을 봤는데 낙엽이 엄청 많이 떨어지고 있었습니다. 마치 떨어지는 낙엽들이 멈춰서 저를 쳐다보고 있는 것처럼 느껴졌습니다. 그러면서 왜 단 1분도 지금까지 멈추기가 어려웠나라는 생각도 들었고, 그 생각과 동시에 여러가지 생각들에 자연스럽게 잠식되었습니다. 생각해보면 입시가 끝나고 처음 느끼는 가을이기도 했고 재수도 했어서 아직까지는 가을을 느끼는 게 어색했던 것 같습니다. 그리고 더 걸으면서 떠올랐는데 어릴 때부터 저는 낙엽을 밟으며 소리를 듣는 것을 좋아했습니다. 제가 예상한 소리가 나고 특히 바삭하고 깨지는 소리가 들리면 더욱 더 만족스럽고 웃음이 나왔던 기억이 떠오르며 여러분들도 낙엽을 밟으며 제가 경험했던 감정을 느끼게 해드리고 싶었습니다. 제가 생각하기에 가을은 다른 계절들에 비해 상대적으로 빠르게 지나가며 주변 자연의 모습도 빠르게 바뀌어 가장 체감이 되는 계절 같습니다. 가을 초반에는 시원해지고 중반에는 낮에는 따뜻하지만 밤에는 코 끝이 차갑고 후반에는 금세 추워지며 곧 겨울이 시작됩니다. 저는 중반을 가장 좋아하지만 너무 빨리 지나가서 아쉬움과 여운이 항상 남습니다. 그래서 그 아쉬움을 여러분들에게 드린 낙엽에 향수를 뿌려 그 작품을 감상한 후 손에 남은 향기가 사라짐으로서 표현하고 싶었습니다. 작품 감상해주셔서 감사드리며, 행복한 연말 보내시길 바랍니다.

특히 인상적이었던 점은 이들 사이에 놓인 넓은 여백이었다. 여백은 단순히 ‘비어 있는 부분’이 아니라, 각 작업이 가진 분위기를 더 크게 강조하는 틀처럼 작동하고 있었다. 아무것도 놓여 있지 않은 공간을 바라보고 있는데도, 그 안에서 여러 감정이 차분하게 퍼져나가는 느낌이 들었다. 방 안의 고요함과 여백이 만들어내는 묵직한 분위기는 실제 공간의 규모보다 더 큰 스케일을 느끼게 했고, 작품 하나하나가 아니라 ‘공간 전체’가 하나의 살아 있는 장면처럼 다가왔다. 그래서 전시장을 떠난 뒤에도 그 고요한 장면이 머릿속에 오래 남았고, 설명되지 않은 감정들이 천천히 마음 속에서 정리되는 느낌을 받았다.

이 작품을 본 뒤, 나의 작업 「모두 같은 곳에 서 있다」도 다시 바라보게 되었다. 이전에는 계단과 인형 모형이 만들어내는 위계의 구조에만 집중하고 있었지만, <Empty Rooms>를 본 뒤에는 내가 놓치고 있던 여백이 작품 안에서 어떤 역할을 할 수 있었는지 생각하게 되었다. 만약 작업을 진행할 당시 이런 방식의 공간 감각에 대해 더 깊이 인식하고 있었다면, 작품의 구성이나 여백을 다루는 방식에서도 한층 더 섬세한 접근을 시도할 수 있었겠다는 아쉬움도 살짝 남았다. 작품을 통해 내가 놓치고 지나갔던 점들을 다시 돌아볼 기회를 얻었다는 점에서, 이번 경험 자체가 나에게 하나의 배움이자 확장의 순간이었다.

또한, 인터랙티브 아트의 핵심인 “관객이 작품을 완성한다”는 개념도 이 작품에 그대로 드러난다. 내가 움직일 때마다 화면이 즉각적으로 변하며 작품의 형태가 달라졌기 때문이다. 관람자는 더 이상 수동적 감상자가 아니라 작품의 일부가 되는 존재였다. 화면 속에서 여러 색의 레이어로 분열된 ‘또 다른 나’를 보며, 현대 미디어 속에서 한 사람이 여러 버전으로 존재하는 다중적 자아 개념도 떠올랐다.

이 작품을 통해 기술이 어떻게 우리의 지각과 현실 인식을 바꾸는지 다시 생각하게 되었고, 미디어 속에서 보이는 이미지가 얼마나 매체의 구조와 선택에 의존하는지 더 비판적으로 바라보게 되었다.

조안 조나스의 전시장은 프로그래밍된 꿈의 공간이다. 차가운 비디오 스크린, 거대한 거울에 맴도는 형상, 이웃한 방의 속삭임처럼 이어지는 음향. 그 중첩과 파편과 왜곡 속에서, 문득 누린내가 난다. 이 공간과는 무관한 그 냄새가 유리 장벽을 뚫고 기억의 틈새로 스며든다. 

나는 기말 작업에서, 기다림과 거리, 그리고 폭풍우 같은 만남의 이야기를 가장 일상적인 가정의 유물인 식탁 위 하얀 접시에 풀어놓았다. 내가 재현하는 것은 순수한 ‘부재’라고 믿어왔다. 아버지의 빈자리, 어머니의 빈자리, 완결되지 않은 식사의 빈자리. 그러나 조안 조나스의 거울과 스크린이 말해주는 것은 다르다. 완전한 빈 무란 없다. 모든 부재는 다른 형태의 현재이며, 한 공간을 압도하는 침묵의 그림자다. 

내 그 하얀 접시도 이제 보니 하나의 거울이다. 텅 비어 있지 않다. 그것은 그 위를 내려다보는 이의 얼굴을 비추고, 그 자리의 공기를 비춘다. 더 깊게는, 과거 그 자리를 차지했던 다른 접시들의 유령을 비춘다 – 짧은 귀항 때의 아버지의 접시, 출근 전 서둘러 떠난 어머니의 접시, 팬데믹이 강제한 공생의 시간에 네 개가 나란히 놓였던 접시들. 조안 조나스는 나에게 새로운 기술을 주지 않았다. 그녀는 새로운 눈을 열어줬다. 빈 곳을, 과거가 스며든 현재로 보게 하는 눈. 

그녀는 비선형 시간의 연금술사다. 한 몸짓을 반복 재생하고, 한 장면을 역회전시켜 순간을 영원의 고리로 만든다. 이는 내 이야기의 가장 깊은 욕망, 가족이 완전한 하나였던 그 팬데믹의 시간을 끝없는 순환으로 가두고 싶은 욕망과 정확히 맞닿아 있다. QR 코드에 담긴 선형적 서사는 갑자기 유치해 보인다. 아마도 그 이야기는 끝나서는 안 될 것이다. 조나스의 비디오 퍼포먼스처럼, 접시는 하나의 루프의 시작점이어야 한다. 관객이 코드를 스캔하고 이야기의 끝에 이르러, 접시 옆 작은 거울에 자신의 얼굴이 비칠 때, 이야기는 처음으로, 그리고 영원히, 되돌아가야 한다. 재회는 추억이 아니라, 지금-여기에서 계속 만들어지는 현재가 된다. 

그리고 신체와 참여. 조너스의 작업은 관객의 육체적 현존을 요구한다. 그들의 그림자가 작품의 일부가 되고, 그들의 호흡이 공간의 리듬을 바꾼다. 나의 ‘1인용 식기’도 이제 보면, 은밀한 참여의 강요다. 그것은 관객에게 나의 자리—식탁 앞에서 하루를 기다리는 아이의 고정된 자리—를 빌려가라고 말한다. 그들이 접시를 들고, 뒤집어 보고, 코드를 스캔할 때, 그들은 단지 보는 이를 넘어, 일시적으로 나의 부재를 체현하는 자가 된다. 조안 조나스가 일깨워준 것은, 예술의 최고 힘이 보여주는 것이 아니라 느끼게 하고 행동하게 만드는 데 있다는 사실이다. 

그러므로 나는 변경을 결심한다. 하나의 고독한 접시 대신, 여러 상태의 1인용 자리가 놓인 긴 식탁을 만들 것이다. 각 자리는 ‘집’의 다른 순간이다: 깨끗이 마른 빈 자리(기다림), 음식이 덜 남은 자리(아쉬움), 함께 먹은 후의 축축한 자리(잔향). 관객은 앉을 자리를 선택하고, 그 자리에 맞는 이야기를 헤드폰으로 듣는다. ‘Coming Home’의 선율은 단일한 배경음이 아니라, 각 자리 아래 숨은 스피커에서 흘러나오는 서로 다른 식사 소리—젓가락과 그릇의 부딪힘, 말없는 신호, 가끔 터지는 웃음—의 교향곡이 된다. 

조안 조나스는 답을 주지 않았다. 그녀는 하나의 반사장치를 내 손에 쥐어줬을 뿐이다. 그녀는 보여준다. 거리로 점철된 나의 가족사는 해결해야 할 문제가 아니라, 무수한 각도와 무한한 반복 속에서 마주해야 할 중층적 현실임을 전시장을 떠나며, 나는 ‘고립된 부엌’ 같은 개념을 가져오지 않았다. 나는 내 식탁 그 자체에 대한 침묵의 선물을 가져왔다. 그것은 더 이상 가구가 아니다. 그것은 내 역사의 원형 무대이고, 모든 흠집이 대사 없이 연기하는 배우이며, 누군가 앉을 때마다 동일한 영화—부재가 현재를 증언하는 영화—의 새로운 쇼가 시작되는 장소다. 

그 순간 나는 바로 나의 기말 과제를 떠올렸다. 내 영상은 반복되는 알림음, 문자 소리, 키보드 소리로 가득하지만 대사는 전혀 없다. 처음에는 관객이 ‘가상의 연결이 만들어내는 소음’에 집중하길 바라는 단순한 기술적 선택이라고만 생각했다.하지만 그 후, 나는 영상 속 침묵이 의도치 않게 소리와 공간이 인물 대신 이야기를 말하게 하고 있었다는 것을 깨달았다. 그리고 나는 현대의 외로움이 연락의 부족에서 오는 것이 아니라, 수많은 소리 속에서도 서로의 목소리에 닿지 못하는 데서 온다는 것을 깨달았다

그래서 나는 이 무대사 방식을 하나의 예술적 의도로 받아들이기로 했다. 이번 전시 경험을 통해 나는 작품에서 가장 강력한 힘을 지닌 것이 때로는 말하지 않은 것들이라는 사실을 배웠다.

조나스는 퍼포먼스와 영상, 드로잉을 넘나들며 이미지가 생성되는 방식을 실험해온 작가다. 이번 전시에서도 몸짓과 영상, 자연 이미지가 겹치며 익숙한 세계의 틀이 흔들리는 경험을 만들었다. 자연과 동물을 다루는 방식은 상징을 설명하기보다 인간이 다른 존재들과 맺는 관계를 다시 생각하게 했다.

그중에서도 새 드로잉 세 점과 위에 떠 있는 가벼운 모형이 있는 작품이 오래 남았다. 나는 이 장면을 〈날숨과 깃털의 자리〉이라 불러보고 싶었다. 드로잉 속 새들은 정령처럼 느껴졌고, 위의 모형은 과학적 장치와 신화적 이미지 사이에 놓인 듯했다. 이 이중성은 생태적 메시지를 설명하기보다 자연을 ‘느끼는 방식’을 환기했다.

특히 생태 위기 담론보다, 조나스가 만든 동물 이미지의 존재감이 더 깊은 공감을 불러왔다. 언어보다 이미지가 생태적 감수성을 정령적·과학적 층위로 재해석하는 순간에 예술의 힘, 즉 감각을 흔들어 인식을 바꾸는 힘이 선명하게 드러났다.

이번 전시는 이해보다 경험이 먼저 움직이며 새로운 사유가 만들어지는 과정을 느끼게 했다. 조나스의 작업은 인간 너머의 세계를 상상하는 것을 넘어, 우리가 세계와 관계 맺는 방식을 다시 써 내려가는 하나의 제안처럼 다가왔다. 전시장을 나서며 작품이 남긴 잔상들이 오래 머물렀고, 그것이 조나스가 건네는 질문의 깊이를 더 또렷하게 만들었다.

+ 교수님 샌드위치랑 귤 잘 먹었습니다! 아침이라 배고팠는데 덕분에 남은 수업들 잘 들었습니다. 감사합니다!

학기가 끝나고, 제 작품도 전시해보고, 여러 가지 많은 것들을 배웠습니다.

이제 예술하면 조금은 아는 체를 할 수는 있게 되었다고 생각합니다 ㅎㅎ

저는 성격이 단순하고, 나쁘게 말하면 생각이 별로 없는 사람이라 그런지 항상 예술 작품을 감상하면 큰 느낌이나 감흥이 들지 않았는데, 수업 중 교수님의 말씀과 함께 여러 작가와 작품을 만나고 배우니 제 자신이 좀 더 풍요로워졌다는 느낌이 듭니다. 좀 더 성찰하고 고민해보는 방법을 알게 되었습니다. 그리고 제 작품을 전시해보면서, 나에 대해서 깊게 생각해볼 수 있게 되었습니다. 정말 소중한 기회였습니다!

한 학기 동안 고생 많으셨습니다. 저는 좀 더 멋있는 사람이 된 것 같습니다 ㅎㅎ 제가 좀 더 성장할 기회를 마련해 주셔서 감사합니다!

앞으로 인간이 살아남기 위한 방법과 미래의 모습을 생각해볼 수 있었던 기회였고 개인적으로는 교수님과의 면담을 통해 제가 타인에게 제 이야기를 드러내는 데 어려움을 느낀다는 점도 알게 되어 이를 어떻게 개선해 나갈지 고민해 보았습니다.

예술에 대한 막연한 호기심으로 수강했지만 이론적인 내용뿐만 아니라 여러 작가의 작품을 감상하면서 예술에 대한 나름의 정의를 조금은 세울 수 있게 된 것 같습니다.

끝으로, 매 강의마다 열심히 준비해주시고 깊은 깨달음을 주신 교수님께 감사드리며 수업에 성실히 참여하고 함께 소통해주신 학우분들께도 감사드립니다. 곧 연말인데 마무리 잘하시고 행복한 시간 보내시길 바랍니다!

이를 통해 같은 공간을 공유하지만 각자의 기억이 공존한다는 메시지를 담은 나의 참여형 미디어아트를 다시 돌아보게 되었다. 조안 조나스의 전시가 관람자의 선택과 호기심을 전제로 참여를 설계했다면, 나의 작업은 참여가 필수가 아닌 구조 속에서 관람자가 먼저 나서고 싶어지는 장치에 대한 고민이 충분하지 못했다는 한계가 드러났다. 이번 전시는 작품의 메시지를 전달하는 것에 그치지 않고, 관객의 자발적 개입을 어떻게 유도할 것인가에 대한 작가의 태도와 공간 구성 역시 작업의 핵심 요소임을 분명히 인식하게 된 계기가 되었다.

가장 인상깊은 작품은 비디오 작품인 <버티컬 롤>이다. 미디어가 여성에게 미치는 억압적이고 폭력적인 사회적 현상을 위에서 아래로 계속 돌아가는 비디오 테이프의 노이즈를 마치 전기톱날인 것처럼 영상을 구성하고, 사운드도 이에 맞춘 톱소리를 넣어 여성의 신체가 절단되며 점차 여성의 모습이 사라지며 영상이 끝난다. 비디오 테이프에서 필연적으로 생기는 오류적 결함인 노이즈를 톱날이라고 여기는 인식의 전환이 인상적이었고, 미디어가 현 시대에도 여성에게 가하는 폭력은 유효하기에 더욱 기억에 남는 작품이었던 것 같다.

전시의 제목인 '인간 너머의 세계' 또한 매체에 대한 탐구의지가 드러나는 것 같다고 생각했다. 인간이 인간을 직접 마주보는 것이 아닌, 그 사이에 어떤 매체, 어떤 레이어를 두고, 어떤 맥락을 부여할지에 대한 연구와 관련된 제목 선정이 아닐까라는 추측도 해보았다.

가장 인상 깊었던 건 ‘짖기’라는 작품이었는데, 흑백 비디오에 화면 가운데 자동차 하나 있고, 개가 짖어서 주인이 다가가 쓰다듬어준 후 잠깐 산책한 뒤 끝나는 작품이다. 별 내용이 없지만, 흑백임에도 느껴지는 평화로운 분위기와 주인이 다가오자 얌전히 주인을 따라가고 짖기를 멈추는 개를 보면서 귀엽기도 하고 정겨운 느낌도 들었다. 그러면서 주인이 들판 쪽으로 걸으면서 분명 화면 가운데는 차가 가리고 있음에도 자연스럽게 들판 쪽으로 시선이 옮겨진다. 다양한 생명체와 상호작용하는 조나스의 예술관을 보여준 작품이라고 개인적으로 생각했다.

기말 작품을 준비하는 도중 방문했는데, 세팅 면에서 영감을 받았다. 사실 만들던 ‘일상적 불안’에는 이어폰을 활용할 생각이 없었으나, 의자와 함께 헤드셋이 있는 구성을 보고 감상하며 ‘소리가 있으면 확실히 몰입이 잘 된다’는 생각이 들었다. 특히 교수님과 면담하며 연출 적인 부분이 중요할 거 같다는 조언을 받았기에, 이어폰에 심장 소리를 재생하는 방향으로 작품을 수정했다. 또한, 보면서 몇몇 작품은 너무 심오하고 조금은 거북해서 잘 모르겠다는 느낌을 받았기에 불안적 요소는 학점으로 나타내 최대한 쉽게 표현해보려 노력했다.

조안 조나스는 ‘빈 방’을 통해 최근 몇 년간 지인, 반려동물, 사라져 가는 기억에 대한 상실감을 표현하였다고 한다. 나는 작품의 제목과 달리 텅 비어 있지 않은 공간을 보며 괴리가 있다고 생각했지만 더 깊게 생각해보니 이러한 공간이 인간의 마음 상태와 같다는 생각을 했다. 인간은 매일 수많은 경험과 생각을 하면서 여러 감정을 느끼지만 공허하다는 느낌을 받을 때도 있는데 떠다니는 여러 구조물들이 내면의 수많은 생각들이라고 느꼈고 그럼에도 공허한 감정을 느낀다는 것을 표현하고 싶었지 않았을까 조심스레 추측해본다.  

과가 경영학과이다 보니 예전에는 작품을 볼 때도 저게 실용적인 가치가 있을까? 또는 작품 제작 비용 대비 판매 이윤은 얼마나 남을까?라는 시각으로 바라봤지만 미디어아트 수업을 듣고 전시회에 가서 작품을 스스로 해석해보니 예술 작품은 관람객이 자신의 경험이나 생각을 바탕으로 어떻게 해석하고 평가 하느냐에 따라 가치가 달라질 수 있다고 깨달았다.

전시 준비기간이 전공 프로젝트 기간과 겹쳤는데 전공 프로젝트는 하기 싫고 힘들었지만 전시를 준비하는건 힘들지 않고 너무 재밌게 했습니다.

수업을 통해 전시를 준비하며 다시 한번 내가 좋아하는 일을 해야겠다 생각할 수 있는 시간이었습니다.

감사합니다 교수님-!

이외에도 화지에 그려진 나무 드로잉과 벽면을 가득 채우는 영상 프로젝션이 있는데, 잎이 없는 나무의 가지들은 겨울의 풍경처럼 앙상하고 작품의 핵심 정서인 상실과 애도를 느끼게 한다. 주름이 져있는 화지가 이미지를 단순한 평면으로 남지 않게 하고, 반복되는 형태가 달라지며 마치 기억의 변주를 나타내는 것 같았다. 상영되는 영상 또한 공간을 끊임없이 변화시키고, 때로는 참여자의 몸이 그림자로 투사되어 영상과 겹치며 존재는 더욱 실체보다 흔적과 잔상으로 인식되는 것 같았다. 참여자의 구도에 따라 달라지는 그림자의 모습을 보며 경영학과 이서희님 작품을 보며 교수님이 남겨주셨던 의견이 생각나며 참여자가 걸어다니는 경험 자체를 심리적으로 더욱 밀착시키는 것 같았다.

이미 기말 전시를 마치고 난 이후 거장의 작품을 봐서일까 내 전시 구성에 아쉬움이 남았다. 위 작품은 텅 빈 공간을 그대로 보여주기보다, 오히려 종이의 얇은 빛, 영상의 흐름, 그림자의 겹침, 사운드 등으로 공간을 채움으로써 상실이 남기는 역설(가득 차 있는데도 비어 있는 느낌)을 경험하게 하는 데 반해, 나는 스스로 작품을 구성하면서 캡션이 없더라도 관객에게 주제를 이해시켜야한다는 일종의 강박에 사로 잡혀있었던 것 같다. 작품이 상영되는 2분 30초 가량을 내용으로 가득 채워 관객이 호흡하고, 생각할 공간을 주지 않았던 것 같아 아쉬웠다. 영상에 모든 주제 요소를 담아내기 보다, 함께 전시한 오브제(그릇, 포크)로 충분히 관객의 참여, 생각을 자극할 수 있었을 것 같아 여백의 미를 담는, 보다 세련된 전시를 하지 못한 것 같다는 생각이 들었다.

반면, 나의 기말 프로젝트 ‘불청객’은 이러한 조화로운 몰입을 가장 폭력적인 방식으로 깨트리는 작업이다. 나는 일상에서 에어팟을 꽂고 음악에 심취해 있다가, 예고 없는 배터리 방전이나 페어링 오류로 소리가 뚝 끊길 때 찾아오는 그 신경질적인 감각에 주목했다. 세상과 나를 연결해주던 기술이 멈추는 순간, 환상은 깨지고 적막과 짜증이라는 ‘불청객’이 난입한다. 이를 표현하기 위해 나는 춤추는 댄서의 절정 동작을 예고 없이 정지시키고, 음악 대신 기계적인 소음이나 날카로운 파열음을 삽입하여 관객의 시청 리듬을 고의적으로 방해했다.

조안 조나스가 이질적인 매체들을 겹쳐 새로운 맥락의 연결을 만들어냈다면, 나는 매끄러운 디지털 경험에 인위적인 균열을 내어 기술 의존적인 우리의 취약성을 드러내고자 했다. 작가가 구현한 '끊김 없는 흐름'을 목격함으로써, 역설적으로 나는 내 작업의 핵심인 '불쾌한 단절'이 갖는 미학적 충격을 재확인했다. 나의 작업은 관객들에게 기술이 제공하는 안락한 환상이 깨진 뒤 남는, 헐벗은 현실의 감각을 마주하게 할 것이다.

한가지 더 흥미로웠던 점은, 작품 옆에 작품에 대한 메시지나 해석을 두지 않았다는 것이다. ‘바람처럼 내 귀를 스쳤다’뿐만 아니라 다른 작품들에도 구체적인 해석 메시지가 없고, 추상적인 글 몇 줄만 있었다. 나는 조안 조나스가 관객들에게 해석을 맡겼다고 생각되었다. 작가가 실제 의도한 것과 의도하지 않은 것, 중요하다고 생각한 것과 중요치 않다고 판단한 모든게 관객에게는 달리 다가왔을 것이다. 나 또한 그랬다. ‘바람처럼 내 귀를 스쳤다’는 사실 큰 의미와 구체적인 의도가 있는 작품일 수도 있다. 하지만 나는 그냥 작품을 느끼고 싶었다. 조안 조나스의 작품은 이해하기 어렵다. 그냥 보고, 느끼고, 내 나름대로 생각을 하게 한 듯한 전시였다.

내 기말 전시 작품 ‘첫인상에 속지 말 것’은 내가 조안 조나스 전시를 보며 느낀 것을 관객에게 느끼게 하고 싶었다. 뭘 의미하는지 모를 수 있는 그림을 보여주고, 그들이 나름대로의 해석, 감정을 판단할 수 있도록 두고 싶었다. 하지만 조안 조나스의 전시를 보고나니, 아직 내 세계는 작구나 생각되었다. 좀 더 머리를 키워야겠다 생각이 들었다.

실습 과정에서는 팀 활동을 통해 과제를 수행했는데, 함께한 팀원들이 모두 친절하고 협조적이어서 작업 내내 즐겁고 따뜻한 분위기 속에서 배울 수 있었습니다. 이러한 경험은 단순히 결과물을 만드는 것을 넘어, 협업의 중요성과 서로에게서 배우는 가치를 자연스럽게 깨닫게 해주었습니다.

특히 기말 과제는 저에게 깊은 인상을 남겼습니다. 각자가 하나의 예술 창작자가 되어 스스로의 생각과 감정을 작품으로 표현할 수 있었고, 전시회에 참여하면서는 창의적이고 흥미로운 다양한 작품들을 직접 눈으로 볼 수 있었습니다. 더 나아가, 작품이 탄생하기까지의 이야기들을 들으며 예술에 담긴 진심과 노력을 느낄 수 있었고, 교수님께서 해주신 소중한 피드백은 제게 큰 배움과 감동으로 남았습니다.

이 수업은 이론을 배우는 데서 그치지 않고, 곧바로 실천으로 이어질 수 있었던 점에서 더욱 특별했습니다. 예술을 배우는 즐거움과 창작의 감동을 동시에 느낄 수 있었던, 제가 지금까지 참여한 수업 중 가장 인상 깊고 의미 있는 시간이었습니다.

그저 강의노트를 암기하면서 외우고 까먹는 수업이 아니라 수업중에 교수님과 직접 소통하고 생각을 공유하면서 내가 주체가 돼서 수업에 참여하는 것 자체가 예술이었습니다. 교수님의 예술에 대한 열정과 알려주시는 지식을 모두 습득하고 싶은 욕심도 생긴것 같습니다. 이러한 과정을 거치고 제 마음속에 있던 불안, 걱정, 희망과 같은 감정을 녹여 직접 기말 작품을 만들때 너무 즐거운 마음으로 준비했었습니다. 작품을 만들고나서 주변 지인들에게 보여주기도 했었고, 같은 취업준비생 친구들에게 큰 공감을 불러오기도 했었습니다. 단순히 미디어아트에 대해서 배우고 끝나는 강의가 아니라 나만의 작품을 직접 만들면서 살면서 처음으로 "작가님"이라는 소리도 들어보는 이 경험이 너무 소중했습니다. 다른 학생 작가님들의 작품을 보면서도 공감이 되는 부분도 많았고, 그들의 창의력과 가능성을 보면서 또 배웠던것 같습니다. 기말 프로젝트를 하면서 작품을 관람하는 방법, 작품의 의미에 대해 질문하는 방법, 나의 생각을 표현하는 방법에 대해서 배울 수 있었습니다.

미디어아트의 이해 수업은 제가 즐거움을 느끼면서 직접 참여하고 소통했던 대학 수업 중 유일한 수업이었기 때문에 졸업을 하고나서도 계속해서 추억 할 수업이 될 것 같습니다. 앞으로 예술 작품을 관람 할 때도 수업에서 배운것과 느낀것을 기억하며 관람하겠습니다. 예술의 세계에 입문하게 해주셔서 감사합니다.

한학기동안 정말 고생 많으셨습니다!