Titulo (en cursiva): Unicornio de Lascaux

Artista: El humano primitivo

Técnica:La pintura

Dimensiones (en cm): 80 metros de longitud (cueva)

Fecha: Entre 13.000 – 15.000 años a.C

Estilo o corriente artística: Paleolítico superior, rupestre

Genero:Indeterminado

Lugar (donde esta ahora): La cueva de Lascaux, Francia

Análisis:
En las paredes de la cueva de Lascaux, se sitúan una variedad de pinturas rupestres con temática mayormente de animales. Entre ellas se encuentra, la que para mí es su obra más pasmosa, y a la vez simple e interesante; denominada el unicornio. Hallada en el año 1940, en el sudoeste de Francia ––en la región de Dordoña–– por un grupo de chicos (G. Emma, 2016); El unicornio de Lascaux, es una obra de un animal que porta dos largos cuernos, y una figura ancha y voluptuosa. Esta en particular carece de las características principales del animal que conocemos hoy en día ––el unicornio––. Sin embargo, se tiene en cuenta que nuestra idea de unicornio solo es base de teorías mitológicas. Mientras que por otra parte, esta ilustración es posiblemente una imagen más idónea de la especie. Algo que respalda esta idea, es que durante esta época, “las tribus” ilustraban a diferentes animales con propósitos mágicos (icarito, s.f.). Para ellos la caza era algo fascinante. La muerte de estos animales no lo veían como algo malo (maltrato animal) , sino más bien algo maravilloso. Para ellos la caza mostraba su dominio y fortaleza.

 

La pintura del unicornio al igual que otras obras encontradas en la cueva, es tosca y amorfa. Esta hecha por lo que pareciera ser el pigmento negro y rojo, y tal vez amarillo. Sin embargo, este último posiblemente sea la presencia de minerales de hierro de la roca3 (Prensa Escuela, 2017). Varios investigadores recalcan que dichos colores habían sido mezclados con grasa animal para que fueran más fáciles de manipular, ya que la forma en que estas pinturas eran realizadas, era con las manos, o con lo que era en ese tiempo “pinceles” duros. Aun así, aparte de dichas técnicas, esta obra muestra poseer en el centro del animal el uso del soplado de pigmento pulverizado; en este caso rojo, el cual lograban hacer con el uso de huesos. A diferencia de las pinturas de tiempos más recientes, como mencione anteriormente, esta es muy simple. No cumple con ninguna de las características formales; como el juego de la luz, figuras, ni espacio. Su composición es más que todo de líneas onduladas para formar el cuerpo, y líneas mixtas para detalles dentro de este.

 

Hoy en día la cueva no se encuentra habilitada para el público; dado que el constante turismo, y las luces usadas durante la época le causaron un evidente deterioro a las obras. Es por ello que desde el año 1966, la cueva fue cerrada y más bien replicada en un museo. Aun así, actualmente la cueva de Lascaux, sigue siendo denominada como “la capilla Sixtina del paleolítico”4 (National Geographic, 2018) gracias a que a pesar del pasar de lo años, está aún sigue transmitiendo la sensación de cápsula del tiempo al espectador.

Referencias: 

Artista: Indeterminado

Técnica: Sarcófago de madera 

Dimensiones (en cm): 204800 x 149300 cm 

Fecha: 400 a.c

Estilo o corriente artística: Periodo Tardío, Antiguo Egipcio

Género: Indeterminado/hombre

Lugar (donde está ahora): Museo Allard Pierson, Amsterdam, Países Bajos.

Análisis
La obra escogida es un sarcófago egipcio, dotada 400 años a.c, en donde podemos reconocer a uno de los dioses más célebres de la época, Anubis, al lado de lo que pareciera ser el cuerpo de un rey. El rey mencionado se encuentra acostado en lo que se cree que es una mesa con figura de león, en acompañamiento de cuatro vajillas con diferentes cabezas. En cuanto al entorno en este se puede divisar varias “banderas” con escritos, mientras en el piso un diseño de rayas de diferentes colores. Es evidente que lo más llamativo de la obra son sus colores, sin embargo antes de adentrarnos a estos se debe recalcar la peculiar acción de Anubis, el cual pareciera mover encima del rey un triángulo verde. 

 

La obra posee una variedad de colores, desde verde, azul, rojo, negro, y dorado. Colores como el dorado se puede encontrar más que todo en el entorno, así sea en pequeños detalles como también en el fondo. En el mismo camino le siguen los colores rojo, verde y azul encontrados en todas partes, aunque en el caso del rojo y azul estos son fuertemente usados en el rey. El negro, siendo el único color faltante es debidamente usado para todo tipo de detalles, mas que todo para crear pronunciación. Aun así, este fue utilizado para pintar la piel del Dios Anubis. 

 

Contextualmente, Anubis es el Dios de la momificación y de la otra vida. Es conocido como uno de los Dioses más antiguos e importantes; ya que como mencione anteriormente, para los egipcios la muerte era un suceso que iba más a fondo. Para ellos el alma era una entidad inmaterial que tenía el deber de viajar al más allá, especialmente si era una persona de alto rango; como lo puede ser un rey. Tal y como se puede ver representado en la obra, Anubis es un hombre con cuerpo de humano, pero con cabeza de animal – un​ cánido– de color negro. Este color simbolizaba no tan solo la putrefacción de los cuerpos al morir, sino al igual que la resurrección. 

 

Por otro lado tenemos al rey o lo que uno infiere que es un rey, debido a la semejanza que tiene su cabeza con uno. Este posee unos colores inusuales; siendo estos el rojo, azul, y tal vez blanco. Empezando por la cabeza, podemos ver como tanto el pelo, y el color de la piel son azules. Esto puede simbolizar la vida, o más bien, en este caso el posible renacimiento de esta, ya que como se ve en la obra; está está sucediendo en el momento de momificación. Siguiendo más abajo, vemos el cuerpo, el cual está cubierto de blanco con rayas rojas. La combinación de ambos colores es algo peculiar, debido a sus diferentes significados. En el caso del blanco, este era usualmente utilizado para simbolizar pureza, limpieza, y hasta claridad. Sin embargo, el rojo en muchos casos cuando no era utilizado para el color de piel, era más bien usado para enfatizar el mal. Considero que la mezcla de ambos, posiblemente quiera demostrar no tan solo la sangre de la muerte del faraón, pero la impurezas que guardaba en su interior; el cual finalmente salen a luz con su muerte y ayuda de Anubis que lo embalsama con la jarra verde.

Como ya se ha podido haber dado a entender, la escena en demostración está sucediendo en el proceso de momificación. Es por ello que en esta se encuentran las cuatro vajillas anteriormente mencionadas, y la cama. Aparte de mostrar las cabezas de diferentes Dioses, siendo estos Anubis mismo, Horus la cabeza de halcón, Uadyet el ureo, y por último una cabeza poco reconocible que se encuentra en la esquina derecha,  las vajillas eran usadas para retener los fluidos y los órganos sacados del cuerpo. En cuanto a la cama de forma de león, se especula que probablemente esta sea no más que un objeto mobiliario para demostrar la clase social, riqueza e importancia de la persona recostada en esta. Considero esto correcto, ya que durante esta época este tipo de muebles, especialmente una cama de león como muestra en la obra, sólo era asequible para personas de alto rango, este caso un Faraón el cual comúnmente era contemplado como un Dios. 

 “la vida después de la muerte” fue una de las creencias más fuertes y características de los egipcios. Estos no tan solo la manifestaban en su forma de vivir, sino que también en su religión, arte y arquitectura que los rodeaba. Esto es algo que propiamente la obra busca señalar tras su ilustración. 

Artista: Indeterminado

Técnica: Tallado en alabastro yesoso

Dimensiones (en cm): 60 cm (altura)

Fecha: VII a.c 

Estilo o corriente artística: Relieve en forma de friso 

Género: Hembra

Lugar (donde está ahora): Museo Británico


Referencias:

Artista: Policleto

Técnica: Escultura de bulto redondo 

Dimensiones (en cm): 210 cm de altura y de ancho 78 cm 

Fecha: 450 - 440 a.c 

Estilo o corriente artística:  Grecia clásica

Género: Masculino  

Lugar (donde está ahora): Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Artista: Pérgamo 

Técnica: Escultura de bulto redondo 

Dimensiones (en cm): 211 cm de altura y de ancho 

Fecha: 230 - 220 a.c 

Estilo o corriente artística: Grecia helenística 

Género: Masculino y Femenino

Lugar (donde está ahora): Museo Nacional Romano del Palacio Altemps

La obra ``El Doríforo'' es una de las esculturas de Policleto que mejor representa el arte griego en su etapa clásica. La escultura en sí es muy simple, esta es la de un hombre atleta al desnudo acompañado de una jabalina. La apariencia del hombre aunque a primera vista parece algo sencilla, si vamos más a detalle podemos darnos cuenta cómo su movimiento muscular va en concordancia con su pose. En primer lugar se puede divisar una dureza en la pierna izquierda debido a la inclinación que está está teniendo de todo el cuerpo. Por otro lado tenemos los músculos de la pierna derecha, los cuales se ven más relajados al estar doblada y recaída. En una misma instancia siguen los brazos. En estos, el derecho es el que muestra la musculatura y fuerza del joven, ya que está siendo flexionado. Mientras que por otro lado, el izquierdo se encuentra en modo de reposo. En cuanto a la cabeza, su pelo no es  voluptuoso o llamativo, más bien se nota su dureza. Aun así este está muy bien detallado. Ya por último en su rostro, este da la impresión de ser frío al no tener una expresión precisa. La escultura en conjunto no da más que una vibra de un modelo posando. 

La Gálata Ludovisi o Gálata suicida es una escultura hecha por Pérgamo de dos figuras. A diferencia de la primera obra, esta hace parte del periodo artístico helenística. Tal y como su mismo nombre implica, esta representa la muerte de un soldado y la de una mujer. El soldado el cual se encuentra expuesto al completo desnudo, muestra estar sosteniendo el brazo derecho de una mujer, mientras que a su vez se entierra su espada en el pecho. En el caso de la mujer esta se sitúa arrodillada en el piso momentos de caer cuerpo completo a este. En cuanto a detalles entre ambas piezas, el hombre pese a tener su parte delantera descubierta, la trasera es acogida con una capa fuertemente detallada. Ya en la mujer, esta muestra algo más de modestidad al ser presentada con una túnica de la época. 

Si comparamos ambas piezas podemos encontrar un alto rango de diferencias aparte de sus distintos significados y temas. El Doríforo no es una escultura que va más allá con las técnicas previamente vistas. Su simplicidad deriva no sólo de la pose, sino que también del detalle que posee. Anteriormente se mencionó que tenía una buena implementación de la anatomía y su concepción de funcionamiento, pero eso no quiere decir que su uso sea perfecto. Carece de lo que uno entiende como propiedades físicas que hacen al humano humano, como lo son las arrugas, venas y patrones de respiración. Esto mencionado es todo lo contrario a la obra de Pérgamo. La Gálata no solo dispone de un movimiento más dinámico y profundo, si no que se beneficia de este para crear una mayor fluidez en el movimiento salvaje de ambos personajes. 

No importa la perspectiva en la que veamos la escultura, en esta se evidencia las venas que corren por los brazos debido al fuerte agarre que tiene en su espada y en la mujer. Aparte del cuerpo, las expresiones que presentan son muy arrugadas, y antiestéticas. Lo que las hace bellas no es el hecho de no tener imperfecciones, sino más bien la pasión de dolor de radean. La Gálata a diferencia del Doríforo, juega en complementar su movimiento de último respiro, el entierro de la espada, y la sangre que cae por el pecho, con la expresión de dolor del guerrero.Todo esto con el propósito de darle más profundidad y drama a la historia que se quiere contar. Aunque cada escultura a su manera representa la época y el conocimiento en que fueron hechas, el Doríforo muestra una realidad corta, en la que solo muestra una alta perfección del cuerpo del ser humano, en donde no existe ninguna imperfección. 

Artista: desconocido 

Técnica: paños mojados

Dimensiones (en cm): 165 cm 

Fecha: Siglo I a. C.

Estilo y corriente artístico: El retrato 

Género: Varon

Lugar (donde está ahora): Palacio de los Conservadores de Roma

 Artista: desconocido 

Técnica: panel de estuco y relieve 

Dimensiones (en cm): desconocido 

Fecha: Siglo II d.C.

Estilo y corriente artístico: fresco/corriente: estilo neoático

Género: Varon 

Lugar (donde está ahora): Basílica de San Marino, en la república de San Marino

Obra encontrada en el templo basílica de San Marino, la tauroctonía es un fresco en representación al culto a Mitra durante el imperio romano. En el mural se ve como enfoque principal como el dios Mitra sacrifica a un toro blanco mientras que mira al más allá. En ese suso dicho más allá se encuentra el rostro de un hombre, el cual es resaltado con lo que pareciera ser una luz. Por otro lado, en la esquina derecha se encuentra el rostro de una mujer, que por su mirada y expresión pareciera estar disgustada. En cuanto alrededor de la obra se pueden ver varias cosas. Primero, dos líneas de cuadros con pequeñas imágenes. Segundo, dos personas algo parecidas a Mitra viéndolo matar al toro. Y tercero, un perro y una serpiente tratando de lamer la sangre del toro que se derrama al ser acuchillado. Debido a su descomposición no se pueden señalar exactamente otros detalles aparte de los expuestos, sin embargo aun así se pueden identificar los colores de su composición. En el fresco se puede ver el uso del rojo, amarillo, naranja, marron, y el azul munsell. 

Para poder disectar la obra parte por parte primero se debe entender su historia. Aunque teóricamente el culto mitraico no empezó en roma, y más bien en Persia, este sí se extendió por el todo el imperio, especialmente como culto entre los soldados romanos, y los hombres. Esta era una religión secreta la cual excluía a las mujeres, es por ello el evidente simbolismo en que Mitra solo mirara a donde esta el varón, el cual cabe recalcar era representado como el sol. Mientras que la mujer representada por la luna, en la obra pareciera verlos de reojo como si supiera su nula importancia. A partir de esta representaciones es que se dice que el fresco también tiene alguna relación con lo astrológico. Los Mitras mostrados en la obra parecen tener una cierta coordinación de colores, el de la izquierda ubicado cerca al sol con una ropa amarilla, y el de la derecha abajo de la luna puesto con un color azul. Aparte de esto, también se puede ver el uso de las estrellas en todo lado, tanto en el fondo oscuro, como en la ropa como detalle. 

Según cuenta la historia de Mitra, este es un dios que nace de una roca, y que durante su vida vive demasiadas aventuras. Considero que dichas aventuras son las mostradas en las pequeñas imágenes a los lados. Esto puede ser fundamentado, ya que en todas las imágenes se ve la repetición de algo, o mejor dicho de alguien. Este alguien debe ser el dios Mitra, debido a su parecida vestimenta y pelo con el Mitra principal expuesto en la obra. Si vamos más a fondo sobre la imágenes, podemos ver como una de ellas muestra la captura de un animal algo grande y blanco. Si nos basamos en la idea de que las imágenes son representación de la juventud de Mitra, el animal en cuestión debería ser el toro cósmico que manda el dios Ahura Mazda para que mitra capture.  

Dentro de la cultura romana, el toro siempre ha tomado lugar para ellos como una representación de la divinidad. En cuanto al tema de la muerte en método de sacrificios, los romanos lo veían como un contrato denominado “do ut des”. Es decir, doy para que me des. Durante de estos ritos la sangre era lo más importante. Al ser un toro divino, se creía que a base de su muerte ahí surgieron todos los aspectos beneficiosos para la humanidad, los animales y las plantas. Acorde a esto, eso también explicaría la acción de ambos animales en querer ingerir al menos un poco de la sangre del toro, al ser beneficiosa.  

El fresco de la tauroctonía nos permite darnos una idea de alguna de las religiones paganas durante el imperio. Y cómo la gente parte de este culto creía que seguir susodicho sacramento les traería una vida eterna, o en caso de la muerte un pasaje hacia el regazo del dios de la luz y el sol, Mitra. 

Artista: Desconocido

Técnica: Fresco 

Dimensiones (en cm): Desconocido

Fecha: Finales del siglo II y siglo II

Estilo y corriente artístico: Pintura/ Paleocristiano

Género: Masculino

Lugar (donde está ahora): Catacumba de Santa Domitila, Roma 

 

 Artista: Desconocido

Técnica: Tesela

Dimensiones (en cm): 35,7 x 36,6 cm 

Fecha: c1310-1320

Estilo y corriente artístico: Mosaico/Cristianismo

Género: Femenino

Lugar (donde está ahora): Iglesia de San Salvador de Cora

Análisis:
La muerte de la virgen es un tema que primeramente se desarrolló en la época bizantina, y que luego se volvería más popular en otras eras. En este caso apreciamos el mosaico en representación de su muerte, el cual se encuentra en la iglesia de San Salvador de Cora. 

Empezando por lo podemos ver, la imagen muestra a  varias personas alrededor de una mujer acostada en una cama. A su lado en conjunto a la multitud, se encuentra Dios, que a la par sostiene a un bebe. Detrás de Dios, se encuentra una pared llena de ángeles y un gran querubín dorado. En sus elementos formales, es evidente que primeramente fue hecha con pequeños fragmentos de piedra. Se nota que fueron puestos de una manera desorganizada, pero que aun así logra claramente representar cada personaje y expresión. En cuanto a los colores que la componen, esta el dorado, el azul, tanto celeste como marino, el rojo, el naranja, el blanco, y por ultimo el negro. 

Aunque actualmente la obra carezca de muchas de sus piedras, está aún puede ser legible, especialmente si se comprende su contexto. La obra representa la asunción de María, el cual hace parte de un capítulo largo de los textos apócrifos. En estos se comienza con Maria recibiendo la vecindad de su muerte a través de un ángel. Debido a esto, la misma decide convocar a todos los apóstoles, desde los vivos hasta los ya muertos, para que la vengan a ver en su casa de Belén. Acorde a esta información ya podemos entender el espacio donde se encuentran, el porqué y quienes son la multitud. Para empezar, esto quiere decir que la cama en la que se encuentra Maria es de ella. Y segundo, que las personas que tienen lo que pareciera ser un brillo en su cabeza, y unas bufandas blancas con cruces negras, son los apóstoles muertos, mientras que los demás son los vivos. 

Siendo que el mosaico es una síntesis del episodio, se entiende que la Maria de la obra ya está muerta, y que ya está lista para ir al cielo. Esta idea se intensifica con la presencia de Dios. Vestido en su totalidad de dorado, y con una expresión seria en vez de triste, se da entender que Dios llegó en conjunto de su treno, para llevarse el alma de Maria. Siguiendo el contexto, el trono sería lo que anteriormente se creía que era una pared de angeles. En el caso del bebe, este es más y nada menos que la representación del alma de Maria. 

La composición de la obra es algo simple pero muy rica a la vez. Las proporciones, y movimientos del cuerpo y del rostro no son perfectas, pero hacen su trabajo. Dan a entender el mensaje, y lo que claramente está pasando. Los apóstoles están atentos a Maria y la llegada de Dios para llevarla al paraíso.

 Cada color está puesto para representar a los personajes con más importancia, de dónde vienen, y qué es lo que debe tener nuestra mayor atención. Es por eso que se usa el rojo en la cama de Maria para enfatizar donde se ubica y el azul oscuro para mostrarla a ella. El dorado sirve para dar a entender la importancia de Dios en el tránsito hacia el cielo, y en el brillo de  las cabezas de los apóstoles para mostrar de dónde vienen. De ahí en fuera los demás colores son usados para brindar una mayor armonía en el mosaico.

Ya por último, la relación de la obra con la muerte viene más que todo de la creencia cristiana de la época. Demuestra que se creía en el eterno paraíso, el cielo, y en el curso de la vida terrestre. Es decir, en el deber que uno debe cumplir para ser llevado en ser y alma a la gloria celestial.

Prendimiento Córdoba, “La asunción de María: un misterio teológico y artístico”. (2021) Sacado de: https://prendimientocordoba.com/la-asuncion-de-maria-un-misterio-teologico-y-artistico/

Slide to doc, “Arte Bizantino decoracin musivaria el mosaico como revestimiento”. (S.F) Sacado de: https://slidetodoc.com/arte-bizantino-decoracin-musivaria-el-mosaico-como-revestimiento/

Getty Images, “La muerte escena de la virgen Maria, Istanbul.(2010) Sacado de: gm104508408-13052292?phrase=dormición%20de%20la%20virgen%20maria

Palio, “Pequeñas lecciones de iconografía. La dormicion de la virgen”.(2014) Sacado de: https://palios.wordpress.com/2014/11/06/pequenas-lecciones-de-iconografia-la-dormicion-de-la-virgen/

Artista: Desconocido

Técnica: mampuesto de piedra

Dimensiones (en cm): Dimensiones exactas Desconocidas

Fecha: Siglo XIII

Estilo y corriente artística: Tardorrománico

Género: No aplica 

Lugar (donde está ahora): Ciudad de Albalate de Zorita,provincia de Guadalajara, España.

Artista: Maestro Enrique, Maestro Simón, Juan Pérez

Técnica: Piedra de sillería

Dimensiones (en cm): Altura:30 m/ Torres: 65 m y 68 m de altura

Fecha: Siglo XIII - XIV

Estilo y corriente artística: Gótico

Género: No aplica

Lugar (donde está ahora): Provincia de León, España

En las afueras del pueblo de Albalate de Zorita se encuentra un antiguo pedazo arquitectónico Románico, conocido como “La ermita de Nuestra Señora del Cubo”. Con cierta apariencia parroquial, la realidad es que el recinto es el cementerio municipal de la localidad. Se cree que la misma fue construida durante el siglo XIII, época en donde la zona volvió a repoblar. 

La planta del edificio fue hecha en mampuesto de piedra, posee arcos, y muros, pero solo sur y este. La puerta principal se sitúa en el muro sur del recinto. Arco hecho con sillería, este se encuentra muy bien detallado de arquivoltas, al igual que acompañado de unas pequeñas escaleras, paredes, y tejadillo. A lo largo del mismo muro, pero en el interior, se puede ver otro arco. Este muestra ser más grande que el de la entrada, pero menos detallado. Su propósito es marcar la entrada para el resto de la inhumación. Ya por último se tiene el muro este, el cual es la cabecera de la parroquia. En cuanto a detalles, el lugar muestra tener canecillos de animales o la cabeza de un hombre perfecto. 

Estructuralmente el cementerio hoy en día se muestra algo simple, ya que solo quedan algunas partes de sus restos como arcos, y muros.  Sin embargo, se cree está también poseyó al menos dos naves, localizadas en cada espacio en donde abren los arcos. 

“La catedral de León”, es una de las arquitecturas más representativas del arte gótico en España. Esta es grande, alta, y posee tres torres, una a cada lado. Estas mismas están llenas de pequeñas ventanas, al igual que detalles como gabletes y un rosetón en el centro. En las puntas de cada torre hay cinco capiteles y en los tres arcos del centro arquivoltas. 

Debido a la comparación que se hará posteriormente, no nos enfocaremos en todo el edificio, sino que más bien en su claustro, debido a que es considerada el cementerio principal de la catedral. Empezando por la bóveda de crucería que rodea el claustro. Estos pueden ser descritos como altos y llamativos, gracias a sus ojivales delgados y las esculturas que cuelgan del techo. En cuanto a las columnas que las sostienen, estas son cortas, pero detalladas de manera abalaustrada. 

A pesar de que ambos edificios cumplen con la misma finalidad de retener o guardar cuerpos, estos lucen totalmente distintos. No tan solo por fuera, o por dentro, pero también la manera en que los difuntos eran enterrados. 

Comenzando por su estética, la parroquia se muestra como una estructura voluptuosa, ancha, y bajita. Mientras que la catedral es delgada y alta. Aunque es cierto que cada una es llamativa a su manera, si bien lo que hace resaltar a la catedral es la armonía entre su altura y sus elementos, para la parroquia sería el espacio que ocupa por su ancho. Un detalle curioso de la parroquia, es que acorde a su época de construcción esta fue hecha durante el tardorrománico. Es decir que originalmente debió ser compuesta por más formas recargadas y decorativas, debido a la combinación con el estilo gótico. Sin embargo esto ya no es evidente, gracias a su descomposición. Pero aun así muestra particularidades del estilo románico, como los canecillos. 

Otro aspecto que las hace diferenciar son sus materiales y las maneras en que fueron empleadas. Aun cuando esto no parezca de alta importancia, el hecho de que la parroquia haya utilizado una técnica de construcción de mampostería, el cual se caracteriza por emplearse sin labrar, y sin orden de tamaño y organización; Causó que su composición se viera brusca. En cambio la catedral al haber usado la técnica piedra de sillería, regularmente labrada, hace que su composición se vea elegante pero fresca a la vez. 

Lo último y lo más importante sería su panteón. Y aunque relativamente podrían parecerse, ya que ambas guardan los cuerpos, cada uno lo hace de manera distinta. La parroquia es mucho más abierta y visual con los ataúdes. Sabes que están ahí, porque estos mismos se encuentran expuestos alrededor. Por otro lado, en la catedral, estos se encuentran dispersos en diferentes partes del claustro. El claustro es la parte abierta de la catedral, la cual hace semejanza a un patio. Al ser tan grande y espaciosa, los cuerpos fueron sepultados no en ataúdes simples como en la parroquia, sino más bien en unas en acompañamiento de llamativas esculturas. 

Para el estilo gótico esto tenía una funcionalidad más allá que significativa. Para ellos esta era una forma de mostrar belleza y atención a la tumba. Atrae todas las miradas de las personas que entraran, al igual que mantienen el recuerdo del difunto al pasar de los años.

Artista: Hans Baldung 

Técnica: Aceite

Dimensiones (en cm): 32.5 x 48 cm

Fecha: 1509 - 1511

Estilo y corriente artística: Renacimiento 

Género: Femenino y masculino 

Lugar (donde está ahora): Museo de Kunsthistorisches, Viena

Artista: Doménikos Theotokópoulos (El greco) 

Técnica: Óleo sobre tela 

Dimensiones (en cm): 480 x 360 cm

Fecha: 1586-1588

Estilo y corriente artística: Manierismo - Renacimiento

Género: Masculino

Lugar (donde está ahora): Iglesia de Santo Tomé, Toledo

El salto inesperado a la edad moderna comienza con un cambio cultural, globalmente conocido como el renacimiento. Esta toma lugar en Italia pero después se expande a toda Europa. Siendo que este es un gigante movimiento cultural, no solo artísticamente, sino que también de ideas, conceptos y razonamiento, lógicamente la forma en que anteriormente se veían las cosas también cambiaron. La muerte siendo uno de estas. 

El renacimiento trasciende la visión religiosa a una humanista. Se entiende que dicho movimiento intelectual revalúa los valores del mundo y del hombre, en sí la dignidad del espíritu humano. Esta pretende poner al hombre en el centro del universo, en vez de Dios. 

A continuación compararemos dos obras renacentistas que a pesar de nacer de una misma idea, la muerte, son sobrellevadas de maneras distintas. 

Comenzado por la más vieja, “Los dos amantes y la muerte” es una obra del pintor renacentista Hans Baldung, que a pesar de ser alemán, viaja a Italia para la creación de dicha obra. 

En esta podemos apreciar a una joven al desnudo que se arregla su cabellera mientras que se mira en un espejo. Detrás de ella se encuentra la muerte, calva, y esquelética,  la cual de forma acechante, sostiene un reloj de arena con su mano izquierda,  y una tela con la derecha. Esta tela es también sostenida por un pequeño bebe ajeno al asunto. Por último, se encuentra un hombre, también al desnudo, con un cierto rostro de preocupación, deteniendo a la muerte. 

Significativamente la obra es una alegoría al arte de morir. En donde la muerte era vista como un suceso que todo humano debe de pasar algún día. Esta hacía parte para lo que en esa época se reflexionaba como el ciclo de la vida. En la obra a pesar de que el hombre, considerado el amante de la joven, intenta detener su muerte, la muerte le recuerda mediante el reloj de arena, que el tiempo de su chica ha acabado y es hora de irse. Este mismo significado se puede extender con la vanidad, ya que la joven no deja de verse en el espejo a pesar de estar apunto de morir. Demostrando así cómo la vida puede llegar a sentirse tan efímera, al tener un exceso de arrogancia.  

La segunda obra hecha por el Greco, nombrada “El entierro del Conde Orgaz” se origina a través de un pedido de parte del Párroco de Santo Tomé, Madrid. El encargo era solicitado para colocarse en la capilla de la iglesia. 

El cuadro debe ser dividido en dos grandes escenas. Una siendo la alta, en donde pareciera representarse lo celestial. En esta se encuentran Jesus y la Virgen Maria en el centro, rodeados de ángeles, y santos. Por otro lado, la parte baja representa lo terrenal, en donde se sitúan los civiles, y lo que pareciera ser la organización del clero completo. Ahí mismo también se encuentra el cuerpo del Conde Orgaz ya muerto, al lado de una niña que lo señala. 

 En cuanto su significado, este hace referencia al hecho milagroso que sucedió en la dicha iglesia que se situaría la encomienda. Muestra el momento exacto en donde San Agustín y San Esteban bajan del cielo, para agarrar y enterrar al señor de Orgaz. La obra simboliza esa perspectiva más allá del ciclo de la vida, muestra la salvación del alma humana. 

Comparando ambas obras, podemos evidenciar que nos enfrentamos a una alta discrepancia de composición. Para empezar, lo más evidente entre ambas es el tamaño. Se tiene en cuenta que ambas fueron hechas para y en diferentes circunstancias. La obra italiana, fue hecha más que todo como estilo personal. Es por ello que se muestra en un formato vertical, y más reducido en componentes. Por otro lado, la Europea siendo una comisión para una iglesia, el cual buscaba recordarle a los visitantes el extraordinario suceso, es más grande y con más componentes. 

La intensidad de pigmento entre las obras, también es distinta. La pintura de Baldung se le siente un amarillento, mientras que la de Greco no. Sus colores son más intensos y llamativos. Esto a pesar de que ambas fueron hechas en óleo. Aun así se tiene en cuenta que la de Baldung fue en tabla, y la de Greco en tela. 

Las expresiones, musculatura, y movimiento, de ambas pinturas son muy parecidas. Están muy bien detalladas y hechas. Muestra tener coherencia y concordancia con el sentido y sentimiento humano. Sin embargo la luz y claridad son totalmente distintas. Sabiendo que la obra de Greco es del renacimiento Europeo, se entiende porque esta posee una mayor profundidad con la luz y las sombras, especialmente en la ropa, rostros, y diferenciando el lado terrenal y el celestial. 

A diferencia de la pintura de Greco, el cual aún se le sienten aun esos pequeños gustos en referencia a lo gótico, acorde al renacentismo Europeo. La de Baldung encuentra un punto de construcción perfecto para un espacio de sentido humanista no tan solo con su significado, sino que también con sus personajes. Algo totalmente en consonancia al renacentismo italiano. 

Título (en cursiva): “El triunfo de la muerte”

Artista: Pieter Bruegel (viejo)

Técnica: Óleo sobre tabla 

Dimensiones (en cm): 117 x 162 cm

Fecha: 1562 - 1563

Estilo y corriente artística: Renacimiento 

Género: Impreciso

Lugar (donde está ahora): Museo del Prado, Madrid, España

El siglo XVI es denominado el alto renacentismo o cinquecento, debido a los cambios y avances en el mundo artístico, religioso, e ideológico.  Esta es considerada la segunda etapa del renacimiento y la más importante, ya que refleja el gran desarrollo que hubo desde la primera etapa. Los artistas al tener un mayor dominio de técnica logran crear obras de alta calidad, belleza y perfección. En las obras podemos evidenciar la representación del humano como la figura central de todo. 

A continuación se expondrá la pintura en óleo “El triunfo de la muerte”.  Elaborada por el pintor holandes Pieter Bruegel, mejor conocido por su apodo el viejo. Siendo que es el fundador de la dinastía de los pintores de Bruegel, el mismo fue bautizado como uno de los artistas más célebres de la época. 

Para empezar, podemos evidenciar como la obra consiste de una composición  compleja. Esto hace alusión al hecho de que el escenario de la pintura está repleto de personajes, objetos, y detalles. El propósito de esto es hacernos entender que no hay un cierto personaje al que debamos enfocarnos, o que tenga más importancia. Más bien nos obliga a uno como espectador a verla desde una perspectiva completa para poder entenderla. 

La obra puede ser resumida como un ataque atroz de entes esqueléticos hacia los humanos. Como se puede ver claramente, los esqueletos no muestran ningún tipo de compasión hacia las personas, y en vez las matan con diferentes artefactos y métodos. Así sea tirandolos al agua, desde rocas, cortando sus cuellos, o ahorcándolos. 

La parte inferior, está más que todo compuesta de cuerpos de humanos tirados por todas partes, escondiéndose o escapando de la situación. Desde un punto de vista realista, la profundidad de detalle para representar el caos, es natural y directa. Las expresiones de miedo y desesperación entre las personas, los objetos tirados por todas partes, y las acciones de los animales, son ejemplo de ello. 

Por otra parte, en la zona superior elementos como el fuego, la oscuridad, la muerte y el conflicto son más prevalentes. En esta se muestra una horda de esqueletos destruyendo la zona, matando, y enterrando cuerpos. Mientras que unas secciones de las montañas se queman, otras son usadas para colgar cuerpos, o derribar árboles. En sí destruir la vida. 

La obra hace un guiño a una pelea unilateral. Los humanos muestran estar en un estado indefenso, debido a la falta de armas y coartada. Deja en claro que lo único que pueden hacer es correr para salvar sus vidas. En cambio, los esqueletos están preparados. Consigo traen una cantidad de caballos, armas, y tropas. Se muestran decididos a llevar a cabo dicho plan. 

La muerte es un acontecimiento inseparable de la vida en la Edad Media. Tan así que llegó a considerarse la idea de morir una razón de ser. La obsesión por la misma en aquellas épocas proviene de la curiosidad del proceso de agonía y su creida relación a la salvación.  “Buena muerte” es un término coloquialmente usado en la época para referirse a esas manifestaciones que la gente hacía para cuando murieran llegarán a la salvación. 

Nos enfrentamos a una obra sombría, y grotesca, la cual acentúa perfectamente el impulso humano, y sus acciones en situaciones inesperadas y desconcertantes. Representa lo que alguna vez fue la naciente cultura macabra en el Norte Europeo. Dicho término constituye aquello feo, repulsivo y escalofriante de la muerte. Aspecto exactamente visto en la obra al mostrar a los humanos siendo abusados, y asesinados de varias maneras por los esqueletos. 

Aunque no lo parezca a primera vista, la intención de la obra es religiosa. Pese a que en la era renacentista ideologías como el humanismo llegan a tomar fuerza, hay que tener en cuenta que la religión cristiana aunque ya no tenga ese mismo enfoque, sigue siendo igual de prevalente. La obra efectivamente tiene la intención de provocar cierto miedo a las almas no creyentes en cuanto al castigo de Jehová. Esto es discretamente referenciado a través de las diferentes cruces, ataúdes, y vestimentas en el escenario de la obra. 

En cuanto a sus aspectos formales, empezando por los personajes. Es evidente que por su proporción, cantidad, y detalle, la obra no pretende poner a la figura humana como el centro de todo. A pesar de ser un aspecto característico visto en el alto renacimiento, la obra más bien la pone como un personaje más y aun así igual de importante. Ese dicho protagonismo no viene a través de los elementos artísticos de cómo la pusieron, sino de lo que representa para la obra.  El hecho de que hayan puesto a diferentes personas de distintas clases sociales (la nobleza, la burguesía, el rey, etc..), demuestra que ante Dios al final de cuentas todos los hombres son iguales, y lo mismo va para su destino. 

Por otro lado, los esqueletos en esta pintura representan la muerte en acción. Mientras que los relojes de arena, los jinetes de la muerte y las grandes campanas, dan a entender que el día del destino final ha llegado. La pintura deja muy en claro que la toma del alma, no solo va para los humanos, sino para todo ser vivo creado por Dios mismo. Como lo son los  animales, y la naturaleza. 

Los elementos como el color, la luz, y el movimiento son utilizados para ejemplificar la gravedad, y la miseria de la situación. La obra juega con una luz clara, colores fuertes y movimientos bruscos en la parte inferior, para acentuar la masacre, el dolor humano y la vulnerabilidad. Mientras que por otro lado, la oscuridad, los colores sombríos, y movimientos no tan detallados en la sección superior, son para enfatizar cómo la vida poco a poco se va desvaneciendo y la muerte va llegando. 

Bruegel nombró su obra el triunfo de la muerte como una figura retórica a una pelea que tiene un final destinado e inevitable. La llegada del juicio final. 

Artista: Pedro de Camprobín

Técnica: Óleo sobre tela 

Dimensiones (en cm): 800 x 481 cm 

Fecha: 1670 c. 

Estilo y corriente artística: Barroco

Género: Masculino y femenino 

Lugar (donde está ahora): Hospital de la caridad, Sevilla, España

El barroco es un estilo artístico desarrollado durante los inicios del siglo XVII. Es largamente conocida al ser un movimiento totalmente opuesto al renacentismo. No por sus temas, ya que estos siguen siendo los mismos, sino más bien por su profundización y luz hacia una mentalidad de pesimismo existencial (Boga S.M., Garcia P.F, S.F). Los artistas buscaban representar una dura realidad social, y económica de la época con obras sensibles, ornamentadas, oscuras e inquietantes. En estas la presencia de la estética, iluminación,  el harto detalle, y el contraste,  son sus mayores fuertes (Imaginario A., 2022).  

“El caballero y la muerte” es una pintura en óleo del artista español Pedro Camprobín. Camprobín fue un pintor con mayor especialización en obras de temática floral y bodegones. El caballero de la muerte es su única pintura con carácter altamente simbólico.  En cuanto, a su estilo personal este era fanatico en la implementación de colores cromáticos y la iluminación teatral; creando así vibras tenebrosas, pero con sus toques de elegancia. Camprobín dotaba sus piezas con una intensa representación a la naturalidad (Real academia de la historia, S.F). 

Su composición a primera vista es algo simple. Nada más hay dos personajes, un hombre y un esqueleto, en acompañamiento de varios objetos (guitarra, libros, monedas, un arma, y cartas) alrededor de una mesa. Las acciones de ambos personajes podrían considerarse inquietantes, siendo que el hombre al tiempo que sostiene su sombrero, mira al esqueleto con un rostro de confusión o asombro. Por otro lado, el esqueleto no le devuelve la mirada, y más bien nos mira a nosotros. Tiene puesto un velo negro transparente, el cual muestra su cuerpo, pero no su rostro. El esqueleto nos revela por una pequeña abertura una mirada, aquella de una chica. 

Contextualmente la obra busca conllevar la visita que le hace la muerte a un caballero ingenuo (Labat A, 2020). 

Considero que la simpleza de la obra, esconde de una manera excelente su explícito mensaje. Aunque no lo parezca, la obra realmente toca los temas de la sexualidad de la época. Con esto hago referencia a la promiscuidad sexual. La prostitucion era uno de las labores más persistentes y extendidas del siglo en Sevilla, tan así que la sociedad llegaba a tolerar las por el simple hecho de que mantenían cuerda a los hombres ante conductas repulsivas, como lo son: el incesto, la violacion, el crimen, etc..(Ruiz Pozo Alfonso, S.F). 

Se presupone que el esqueleto más que ser un esqueleto es la representación de la muerte que muchos hombres tenían al contraer enfermedades sexuales. Ya que si esto no lo hace más evidente, lo poco que se nos muestra del esqueleto no es una mujer cualquiera, o una de “sociedad”, es una prostituta. Trabajadoras que a pesar de no ser “maltratadas”, estas no eran respetadas (Ruiz Pozo Alfonso, S.F). El hombre conforme a lo anterior sería el cliente o mejor dicho los habituales contribuyentes a dichos lugares. La obra enuncia abiertamente como los hombres importantes, de la ciudad, forasteros, etc.. Los denominados “caballeros, o nobles” eran los más sucios (Ruiz Pozo Alfonso, S.F). 

Los objetos de la obra cumplen la función de ejemplificar las intenciones codiciosas entre ambos lados. Los hombres viendo a las mujeres como objetos fáciles de usar y botar. Mientras que estas mujeres veían a los hombres como su manera de poder subsistir, a pesar de que fuera de una forma considerada “mal vivir”(Ruiz Pozo Alfonso, S.F). 

La relación entre la muerte y la prostitucion, tal y como se había mencionado anteriormente son las enfermedades sexuales. Durante este siglo debido a los bajos conocimientos de la higiene no tan solo en el aspecto sexual, pero también mundano, permitió que algo tan común como el sexo se volviera la casa de enfermedades mortales (Ruiz Pozo Alfonso, S.F). En el año 1568, la epidemia de sífilis era la más corriente entre este grupo de personas. 

La obra busca enfrentarnos a un juego entre sus elementos formales y su significado. La iluminación y la gama de colores utilizada, es sombría pese a ser colores dorados y blancos perlas, y teatral con la iluminación específica a los rostros de sus personajes. Exalta ese contrapunto entre la vida y la decrepitud de la muerte, y una elegancia falsa en cuanto a la situación. El movimiento del hombre, es natural y breve. Aunque su rostro no sea tan expresivo, su cuerpo da ese mensaje corporal de ingenuidad. Esa ingenuidad derivada a no saber que al meterse con dicha mujer estaría firmado su lecho de muerte. 

Artista: Jacques Louis David 

Técnica: Óleo sobre lienzo 

Dimensiones (en cm): 165 cm x 128 cm 

Fecha: 1793 

Estilo y corriente artística: Neoclasicismo 

Género: Masculino

Lugar (donde está ahora): El museo Oldmasters, Bruselas, Bélgica 

 

Artista: Francisco de Goya 

Técnica: Óleo sobre pared 

Dimensiones (en cm): 1.43 m x 81 cm 

Fecha: 1819 - 1823 

Estilo y corriente artística: Romanticismo

Género: Masculino

Lugar (donde está ahora): Museo Nacional del Prado, Madrid, España

El neoclásico fue una era a partir de mediados del siglo XVIII hasta la mitad del siglo XIX. Su  movimiento estético y artístico surgen con base a un pensamiento opuesto al del barroco (todoesfundamentaldelarte, 2016). Rechazan todo lo que tenga que ver con este y el rococó. Por ejemplo, un excesivo decorativismo, intimismo, y gran sublimidad y elocuencia (masdearte, 2022). 

El estilo de esta época está basado fuertemente en la antigüedad clásica. Se presenta como idealizado y equilibrado. Los artistas empiezan a utilizar nuevas técnicas como la de proyectar para así poder exaltar con rigurosidad la exactitud, luminosidad, y la serenidad (todoesfundamentaldelarte, 2016). El uso del lápiz sobre lienzo y la pintura de gamas cromáticas crema es predominante durante esta corriente. 

Las pinturas neoclásicas reviven a la antigüedad, sin embargo a su manera y conforme a escenas de la época (Sienra R., 2019). Esto puede ser visto en las obras de muchos artistas, pero en particular en una de las más populares realizada por Jacques Louis David. “La muerte de Marat” es una pieza el cual representa uno de los asesinatos del periodo, la de Jean-Paul Marat, tal y como su nombre ya mismo dice. 

Antes de empezar a descomponerla hay que entender su contexto histórico. Se sabe que Paul Marat fue un político radical francés, es con eso que entendemos que esta pintura tiene una carga política. Aclaró que esta idea no viene precisamente por quien era Marat, si no que más bien con qué y con quienes estaba relacionado. Se dice que el mencionado tuvo involucraciones en lo que sería la revolución francesa, un periodo de mucha agitación política (Sienra R., 2019).  

Teniendo esto en cuenta, ¿que podemos encontrar en la obra? Un hombre muerto, una carta, un cuchillo, y una pluma estilográfica antigua. Nos enfrentamos a una obra muy simple, pero rica. Con sencilla se hace referencia a la escena, ya que esta es simplemente Marat en una tina muerto por una herida de punción. Este mismo pareciera haber estado escribiendo y revisando cartas minutos antes de su muerte, debido a la pluma que aún sostiene su mano, la bandeja que tiene dentro de la tina, y  el mueble de madera a su lado con la tinta.

Seguido del neoclasicismo nace el romanticismo a finales del XVIII. Una era en donde regresa el drama, pero acompañado del sentimiento, la imperfección y el erotismo (Santos C.M., 2015). A esta corriente le interesa exaltar la realidad diferente al conocimiento objetivo o lo que es la razón. Una manera más clara de explicación, es como una concepción en donde

la razón ya no es el punto de referencia esencial para entender la realidad (masdearte, 2022).

En esta era se reivindica esa parte del humano olvidada y despreciada, el sentimiento, los sentidos y la imaginación. El artista exalta esos elementos salvajes de la naturaleza, mientras que aplica elementos exóticos, e históricos (masdearte, 2022). Entre los temas más populares entre la pintura estaban el paisaje, la libertad, o el patriotismo, debido a las revoluciones (Jorquera L.M., 2014).

 

“Saturno devorando a su hijo”  hace parte de una serie de pinturas realizadas por Francisco de Goya, nombradas Pinturas Negras. Esta al igual que muchas otras fueron desarrolladas alrededor de la paredes de una casa de campo, el cual el pintor permaneció mientras que realizaba su retiro (Editorial Grudemi, 2022).

La pieza es grotesca y algo perturbadora de ver. Exhibe lo que se cree que sucedió en cuanto a narraciones mitológicas griegas con el dios saturno, también conocido como cronos.  Tal y como la obra ya muestra, este se come a sus hijos debido a los celos y desconfianza que tenía hacia ellos (Editorial Grudemi, 2022). 

Cronos en la obra muestra un rostro de miseria y locura, mientras que arrodillado agarra con fuerza el cuerpo de su pequeño hijo para meterle otra fuerte mordida y acabar con su vida. La pintura nos ofrece una vista de un cuerpo que sería un dios ya todo destrozado por su propio padre. 

A pesar de que ambas obras recaigan en una simplicidad en cuanto a su composición, esto sea porque no hay mucho en que mirar más que a los protagonistas Marat, y Saturno. Se sienten y expresan cosas diferentes dependiendo de la época en que fueron hechas. 

“La muerte de Marat” es una obra hecha acorde a estructuras geométricas, con el propósito de crear una contraste entre el espacio y el débil cuerpo de Marat. Se puede ver el trabajo de líneas transversales en lápiz, un componente importante para David en todas sus obras, para establecer una exacta altura y ancho entre los cuerpos (Istituto Italiano Edizioni Atlas, S.F). Todo esto va exactamente acorde al estudio que abundaba el neoclásico: la forma, reglas de trazo, y una buena ejecución (Instituto de Educacion Secundaria Poeta Tomas Morales Castellano, 2022). 

Como ya se había mencionado anteriormente, la pieza utiliza una paleta de colores crema con tonalidades calientes, pero esta la implementa de una forma en que juega con la iluminación. Los colores y el hecho de que la luz entre por arriba del lado izquierdo, crea lo que yo considero un buen pensado contraste y armonía para enfatizar la “realidad” y calma de la escena. Asimismo tampoco se puede olvidar del fondo, el cual sorprendemente es negro. Produce esa misma armonía que anteriormente se explica, pero lo hace a manera de soledad, para así dar protagonismo al cuerpo de Marat, quien pretende ser mostrado como abandonado o desolado (Istituto Italiano Edizioni Atlas, S.F). 

En cuanto a los objetos y el cuerpo, los objetos se nota que fueron posicionados estratégicamente para así poder crear un mayor simbolismo al momento histórico y entender que pudo haber sucedido. Por el contrario, el cuerpo apunta al desnudo heroico, un concepto de la cultura clásica, popular durante el neoclásico. Porque aunque se entiende que es un cadáver, la forma serena en que su cuerpo está posicionado y el rostro casi perfecto con una expresión de calma, hace alusión a lo frío y calculado que eran las figuras de la corriente del neoclasicismo.  Parece una pose de estatua. 

Todo esto es totalmente diferente a lo que nos enfrentamos en la obra de Goya. “Saturno devorando a sus hijos” es mucho más sentimental. Como se puede saber eso, siendo que la obra es muy vacía en cuanto a su composición. Y es que es exactamente eso lo que hace que la obra refleje la intensidad emocional del autor. 

Es una obra algo abstracta, pero aun así entendible. Utiliza colores de demasiado contraste, como el rojo, el negro, y el gris, con el proposito de crear un efecto aterrador. La figura de Cronos es irreverente y sin lógica. Se sabe que está desnudo por el color de la piel que se le puso, pero su figura es fea y deforme para la talla de cualquier artista de alta habilidad (Fundación de Goya en Aragón, 2022). 

El expresionismo es el elemento más substantial que la obra posee. Lo que lo demuestra no es cronos en sí, o lo que está haciendo, si no la forma en que está compuesto. Pinceladas en algunos sectores fuertes, y otras suaves, reflejan el periodo de conflicto e intensa angustia interior de Goya. Desarrolla una pintura que vincula su estado mental y corporal, con el simbolismo de un padre comiéndose a sus hijos (el tiempo acabando con el humano o con el). 

La obra de David muestra ese era racional y objetiva por el cual pasaba el arte. Lo demuestra con la manera en que fue hecha, y con su significado. Modela un movimiento guiado por las normas, por la seguridad y lo clásico. Un tono calmado, moderado y racional. Por otro lado, la de Goya es libre y “original”. No sigue ningún estereotipo más que lo que le dice su mente. Da entender que no lo pensó mucho, solo ejecutó. 

La diferencia entre  la neoclásica y la romántica, es que una fue planeada, mientras que la otra guida con lo que su mano quisiera hacer de ella. 

Artista: LLiá Yefimovich Repin 

Técnica: Óleo sobre tela

Dimensiones (en cm): 200 cm x 254 cm 

Fecha: 1885

Estilo y corriente artística: Realismo artístico 

Género: Masculino

Lugar (donde está ahora): Galería del museo Tretyakov, Moscú, Rusia

Título (en cursiva): Le Suicidé 

Artista: Édouard Manet 

Técnica: Óleo sobre lienzo 

Dimensiones (en cm): 38 cm x 46 cm 

Fecha: 1877

Estilo y corriente artística: Impresionismo 

Género: Masculino

Lugar (donde está ahora): Fundación de la colección E.G. Bührle, Suiza 

El impresionismo hace su gran aparición en la mitad del siglo XIX, con cambios sociales, económicos, y filosóficos. Desvanece el romanticismo junto a sus pensamientos e ideales, y más bien emerge una filosofía positivista y realista (todo cuadros, S.F).  Con realista se hace referencia al hecho de que el artista empieza a retratar lo primero que le llamó la atención. Lo que el ojo percibe a primera vista en el momento en que llegó al lugar (arkiplus, 2022).

Las rígidas reglas de técnica y composición que anteriormente se seguían en la pintura académica se quiebran, y se cambia por el ingenio artístico. Aunque la técnica sigue siendo algo importante, el impresionismo incita al autor a crear una impresión de lo que estaban viendo, capturar un momento exacto sin tanto detalle. Es una obra que busca plasmar de forma inmediata el momento. Es por ello que nos damos cuenta que las pinceladas no son precisas, sino más bien gordas  y flojas (arkiplus, 2022).

Édouard Manet es uno de los artistas franceses más célebres de la historia. Algunos lo consideran el primer impresionista, mientras que otros cuestionan su relación con el impresionismo (grupo enciclopedia, 2021). Aunque es cierto que la obra que se analizará a continuación es impresionista, Manet se consideraba un artista clásico. A pesar de utilizar técnicas y composiciones impresionistas, prefería no considerarse uno para evitar las críticas que en esos tiempos dichos artistas recibían por el estilo. 

“Le Suicidé ” es una pintura que expone el retorcido cuerpo de un hombre de atuendo formal, desplomado en una cama. Si vamos más a fondo encontraremos que se encuentran manchados de sangre su atuendo, la cama, y el piso.  Pareciera que estas fueron hechas por una herida de bala, de acuerdo con el arma (revólver) que aún sostiene en su mano izquierda. En cuanto al escenario, es simple, es un cuarto que pareciera algo vacío. Pero se debe recordar que  sólo se puede ver la mitad de este, ya que la obra solo nos da la posibilidad de ver una vista hacia la cama. 

La obra desarrolla una escena trágica y confusa, debido a que no se nos da tanto detalle en quien era el hombre, que hace en ese cuarto, y porque se mato. Pero de alguna manera, presiento que este era su propósito desde un principio. Dejar que la imaginación del espectador fluya y reúna las piezas del crimen. 

Como ya se expresó anteriormente, en el arte impresionista propiedades como el detalle, son pequeñas o hasta nulas. Y es esto exactamente lo que se evidencia en el suicidio. Toda la obra es desfigurada e incoherente, pero no deforme hasta el punto de ser inentendible. El detalle en esta obra está muy vinculado al método de pincelada. El cual en este caso son atrevidas y bruscas. Sus líneas siguen ese elemento impresionista de ser borrosas; acompañado de esa multiplicidad de fuerzas (suaves o fuertes), y longitud (largas o cortas).

Esto lo que crea es la inexpresión del desconocido hombre tirado en la cama. Su rostro es plano y serio. No hay forma de deducir su dolor, más que por su desolada mirada hacia el techo. Lo mismo va para su cuerpo, siendo que este no refleja esa frialdad y vulnerabilidad en que el cuerpo se convierte al apagarse. 

Otros aspectos como la iluminación y el color son algo peculiares. Con “peculiar” hago idea de lo diferente que es en referente a la estética clásica o usual en la que uno está acostumbrado a ver en pinturas de alto calibre. Para poder entender la forma en que Manet colocó la iluminación, debemos comprender su manejo del color. Si vemos desde muy cerca la obra, nos damos cuenta que la paleta de colores es estática.  Es buena ya que es calmada en cuanto al tema de la pieza y se complementan ricamente. Este utiliza el marron, el azul claro y oscuro, el negro, el blanco, el naranja, el verde y el rojo, de forma descontrolada por toda la obra. Pero lo peculiar  en sí es que en ningún momento se ve una mezcla, sin contar la pared. De demás, todo pareciera que cada capa de color esta encima de cada uno. Y es eso particularmente lo que sucede con la iluminación. Esta es sutil, y encimosa, pero no realistica. La iluminación pareciera estar por todas partes, pero en realidad es evidente que llega de una ventana al lado derecho. 

El hecho de que la pintura se vea algo desordenada no debería ser considerada como algo de mala calidad, sino más bien ingenioso. El impresionismo tiene este escondido detalle de que para poder apreciarla se debería de ver a distancia que de cerca. Es por ello que recomiendo hacerlo para poder mirar con buen ojo lo que Manet quiso mostrar. 

El enfoque de Manet en esta pintura es plasmar con rapidez el momento exacto después de la muerte. Es muy plana y sin emoción, porque posiblemente es así lo que se siente ver una escena de esa clase. La persona cotidiana tiende a no saber cómo reaccionar al presenciar la muerte de alguien más. Considero que esta es una realista, conmovedora y brutal representación de lo impasible. 

Artista: Frida Kahlo

Técnica: Óleo

Dimensiones (en cm): 14.9 x 11.0 cm

Fecha: 1938

Estilo y corriente artística: Surrealismo

Género: Femenino

Lugar (donde está ahora): Nagoya City Art Museum, Nagoya, Japon

La vanguardia escogida fue el surrealismo. Movimiento esencialmente literario pero que a modo que pasaba el tiempo fue expandiéndose en todas las ramas del arte. Para poder entender la obra que a continuación se analiza, se debe entender su estilo, siendo este surrealista. El surrealismo suele seguir entre líneas una idea que en la superficie es incongruente, automática, onírica, y espontánea (Santos C.M, 2015). Hago énfasis en la palabra superficie, porque es lo que uno como espectador ve y percibe a primera vista. Sin embargo, por dentro cumple un significado fuertemente personal.

Frida Kahlo la artista que realizó la obra, es reconocida como la pintora con el mayor impacto en el arte moderno mexicano. En muchas de las obras de Kahlo se pueden evidenciar ese estilo surrealista, acompañado de temas derivados de experiencias personales. De los variados temas íntimos que toca, el más impactante para ella y para uno como espectador al saber su historia, es la muerte. 

Para ella la muerte siempre fue un asunto muy presente en su vida, tanto directa como indirectamente. Mediante sus obras siempre buscaba implementarlo de alguna manera, especialmente reflejando ese concepto cultural que tiene el mexicano de la muerte (Google Arts & Culture, S.F). 

La Niña con máscara de muerte, es una pieza simple pero conmovedora. En esta Kahlo nos presenta una niña sola en un escenario montañoso. Dicha niña porta un vestido rosado, una máscara de calavera, y una flor en su mano. En conjunto de sus pies descalzos, se encuentra una máscara de jaguar sin pupilas sacando la lengua.  

La obra emplea colores llamativos a pesar de tener un significado sombrío. El rosado y la piel son utilizados para centrar la atención completamente en la pequeña. Mientras que el gris, el azul, y el verde, son usados para armonizar la escena y complementar el personaje principal, la niña. El amarillo, al igual que los demas colores, busca complementar el vestido rosado, pero a la vez cumple con ser atractivo por si mismo, para asi volverlo un detalle significativo. 

La obra carece de un tipo de técnica de luz, espacio y movimiento. Las figuras expuestas son estáticas y bidimensionales, excepto las montañas, que muestran tener un tipo de sombra para crear la ilusión de movimiento.  

La textura de las pinceladas se sienten rocosas, algo paradójico de la vida de Frida. Aunque no creo que esto haya sido a propósito, las pinceladas si reflejan el estado mental frágil que Kahlo mantenía durante la época. Especialmente en el cielo nublado, el cual genera un sentimiento de melancolía. 

Debido a su ambigüedad, el significado de la obra puede variar. Pero entre las más establecidas, se dice que la pieza se trata del aborto que Kahlo tuvo espotaneamente. Aunque sí es cierto que Frida, estaba decidida en no tener hijos debido a sus malas condiciones médicas. Recordemos que Fridha sufre de un fuerte accidente, el cual le deja su cuerpo totalmente destruido. El abortar a lo que sería su hija le causó mucho dolor. Es por ello que decide pintar la obra estando en luto en forma de conmemoración. 

La calavera, la máscara de jaguar, y la flor son un reflejo de la cultura mexicana en cuanto a un día especial, el día de los muertos. La máscara y la caléndula (la flor) son objetivos típicos usados por toda la comunidad en dicho día de honra. Si bien es confirmado que las caléndulas son utilizadas para guiar a los espíritus de los muertos, considero que la niña está usando la máscara más que un juguete típico de la festividad. No tiene un rostro, porque Kahlo nunca logró conocerla, al haberla dejado ir muy pronto. 

El hecho de que la niña se encuentre descalza representa esa inocencia y desconocimiento del mundo que la rodea. A su lado la máscara de jaguar, es implementada como talibán, acorde a la idea de que brinda protección hacia los niños del mal. 

La niña se encuentra sola, pero a la vez acompañada de los deseos de la que pudo haber sido su madre. Kahlo muestra ese sentimiento de bienestar para ella, pese a no haber sido deseada. La pieza sugiere una vista hacia lo que Frida reflexionaba sobre los ciclos de la vida y la muerte. Muestra de una manera hiperrealista, característico del surrealismo, el inconsciente que Kahlo tenía de la muerte.  “la que nadie puede escapar” (Google Arts & Culture, S.F).