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전시를 관람하기 전 팜플렛을 받았을 때, 캐릭터와 석고상이 함께 그려진 그림을 보며 왜 작가는 향유된 시대가 다른 종류의 그림을 병렬적으로 배치했을까? 하는 생각이 들었다. 그리고 전시를 보며 도슨트분의 해설을 듣고나자 다니엘 아샴의 의도와 전시의 이름이 ”daniel arsham seoul 3024“ 인지 알 수 있었다. 지금으로부터 1000년 후에는 11세기의 작품이든 21세기의 작품이든 전부 그저 과거의 작품이라는 것이다. 즉, 일상생활에서 쉽게 쓰이는 오늘날의 물건이 미래의 유물이 될 수 있다는 생각을 갖고 있었던 것이다. 허리케인, 백투더퓨처, 달 등 자신의 과거 경험에서 영감을 받은 작품들을 보면서 시간의 초월적인 힘과 인간의 유한성을 느낄 수 있어 좋았다. 가장 기억에 남았던 작품은 ”서울 3024-발굴된 미래“ 이다. 처음에 그 작품을 볼때는 어떻게 저 작품의 배경이 대한민국인지 의문이 있었지만 ‘상상의 고고학’ 이라는 주제를 알고나니 시간앞에 덧없는 인간의 문명을 설명하려했던 다니엘 아샴의 의도가 이해되었다. 개인의 독특한 사고가 다수를 감동시킬 수 있다는 점에서 예술의 본질적 특징을 이해할 수 있는 전시였다.

뭉크의 일생에 관한 설명은 전시회 곳곳의 벽에서 볼 수 있었다. 평소에 몰랐던 뭉크의 여러 작품들을 보며 그가 어떤 삶을 살았는지, 작품에는 어떤 의미가 담겨 있는지에 대해 생각하는 시간을 가질 수 있었다.

많은 장르들도 감명깊었지만 그중 가장 마음에 들었던 테마는 "날 것의 드로잉"이다. 박미례 화가의 작품이 주가 되었던. 여러개의 색이 다채롭게 어우러져 화려하고 몽환적이지만 난잡하지 않은 작품이 많았다.

이 테마에 왜 날것의 드로잉이라는 이름이 붙었는지 조금 의아했다. 이유는 아마도 작품이 시각적인 영향이 크지 않을까 한다. 이번 작품들은 아름다우나 그렇게까지 심오한 주제는 없는 경우가 대부분이었다. 말 그대로 날 것인 것이다. 날 것이기에 오히려 관객들이 순수하게 작품을 감상하고 몰입할 수 있지 않았을까 싶다.

단순 보는 것만이 아닌, 관객이 작품과 연결될 수 있었던 의미있는 전시회였지 않을까 싶다.

나는 다니엘 아샴이 포켓몬과 협업하여 포켓몬과 자신의 세계관을 연결한 포켓몬 동굴, <시간의 파문>이 인상 깊었다. 우리가 그리스 로마 신화에 나오는 인물들을 신들로 여기는 것처럼 1000년 뒤, 2000년 뒤 인류가 포켓몬을 보고 하나의 신으로 볼 수 있을 것 같다니는 큐레이터 설명에 공감했고 전혀 생각해 본 적 없던 것들을 새로운 관점에서 생각해 볼 수 있는 기회가 된 것 같다. 또 동시대 살아가는 대중문화의 캐릭터가 동굴 속에서 부식되어 가는 모습을 봤을 때 애매한 감정이 들었던 것 같다

그리고 <기묘한 벽> 작품. 다니엘 아샴이 12세 때 허리케인이 집을 덮친 사고가 트라우마로 남았는데 현재까지 그의 작품에 트라우마가 영향을 주고 남아있었다. 큐레이터 설명을 듣고 그림을 다시 보니 작품에서 작가의 트라우마가 보이는 것 같았다.

“시간의 영원성”, “인강의 존재”를 주제로 하여 고전 조각상과 개성 있는 애니메이션 캐릭터들이 융합되어 대중에게 비쳤다. 하지만 어색하지 않았고 오히려 신기하고 재밌었다.

현대미술에 대해 잘 알지도 못하고 어려울 것만 같았는데 큐레이터 설명을 들으면서 보니 정말 재밌었고 어렵지 않았다. 내가 건축 조형물쪽에 관심이 있어 더 재밌게 본 것 같다. 또 이번 전시회 관람을 통해 현대미술에 대해 흥미가 생긴 것 같다. 또 좋은 전시회들이 있으면 보러갈 것 같다.

작품의 전체를 보면 작품 끝과 끝을 가로지르는 주름과 찢어질 듯한 선들은 무언가 억제된 감정이나 복잡한 내면을 표현하는 것처럼 보인다. 이러한 선들은 마치 고된 삶에 지친 현대인들을 표현하는 것처럼 보였다.

흑백으로 표현된 이 작품은 색의 통일성으로 인해 더욱 차분하고 깊이 있는 분위기를 나타낸다. 또한 색이 아닌 질감과 형태에 관람자들을 집중하게 만들어 작품의 표면을 더욱 세밀하게 관찰하게 만든다. 작품 속의 명암과 주름의 흐름을 집중하다 보면 단순한 구김이 아닌 시간의 흐름이나 인생의 굴곡을 표현한 느낌도 든다. 마치 인생의 고된 길을 나타낸 것과 같은 이 작품은 학업으로 인해 스트레스를 받은 나와 또래 학생들에게 위로를 주는 것 같았다.

이 작품을 바라보며 자연스럽게 불안함과 안정감 사이의 미묘한 감정을 느꼈다. 격렬하게 구겨진 표면은 불안정하고 복잡한 나를 연상시켰고, 작품의 일정한 패턴은 나에게 안정감을 주었다. 우리의 인생의 복잡한 감정 상태나 인간 내면의 갈등을 은유적으로 표현한 것 같다.

미술관을 갔다 오며 많은 위로와 공감을 얻었다. 요즘 학업적으로 힘든 나에게 미술관에 많이 전시된 작품들은 위로를 주었다. 이번 미술관 방문으로 앞으로의 '변할 수 있는' , 무궁무진하게 변해 갈 나의 인생을 더욱 힘차게 살아갈 수 있는 용기를 얻게 되었다.

전시회는 뷔페의 초기 작품부터 말년의 작품까지 다양한 시기를 아우르고 있었습니다. 초기 작품에서는 그의 예술적 실험과 발전 과정을 엿볼 수 있었고, 말년의 작품에서는 그의 성숙한 예술 세계를 느낄 수 있었습니다. 특히, 뷔페의 색채 사용과 선의 표현은 매우 독창적이었으며, 그의 작품을 통해 당시 사회적, 정치적 상황을 반영한 메시지를 전달하고 있었습니다. 전시회를 통해 뷔페의 예술적 열정과 창의성을 깊이 느낄 수 있었으며, 그의 작품이 주는 감동은 오래도록 기억에 남을 것입니다.

전시회장에 처음 들어가서 뱅크시의 작품 연대기를 읽어 보았다. 그 중 ”소녀와 풍선“ 이라는 작품에 대한 내용이 2개가적혀있어 약간 의아했었다. 자세히 보니 하나는 작품 제작년도였고, 나머지 하나는 충격적이게도 작품이 파쇄된년도 였다. 작품이 망가졌다고 할 수 있는 사건을 왜 작품 연대기에 적어놓았을까 궁금증이 생겼었다. 그리고 전시회를 쭉 감상하며 그 이유를 찾을 수 있었다.

“소녀와 풍선”은 작은 소녀가 손을 내밀어 공중에 떠 있는 빨간색 풍선을 잡으려는 모습을 담고 있다. 풍선은 일반적으로희망과 꿈을 상징하지만, 이 그림에서는 풍선이 조금씩 떠오르며 소녀의 손이 닿지 않는 모습을 통해 꿈이나 희망이 현실에서 멀어져가는 것을 암시하는 것 같았다. 뱅크시는 이 작품을 통해 사람들에게 희망과 꿈의 소중함을 상기시키면서, 그들이 현실에서 희망과 꿈을 놓치게 되는것에 대해 고민해보도록 만든다. 나도 이 작품을 보며 닿을 듯 닿지 않는 풍선(꿈)에 대한 간절함을 간접적으로 느낄 수 있었다.

한편, “소녀와 풍선” 작품은 경매 도중 파쇄되었다.

이 사건은 단순히 작품이 손상된 사건이라기 보단 복잡한 의미를 내포한다. 파쇄된 작품의 모습은 예술의 가치를 돈으로환산하는 상업적 요소에 대한 비판으로 해석될 수 있다. 예술이 상업적 거래에 의해 어떻게 변질될 수 있는지를 상징적으로 보여주며, 파쇄된 작품 자체가 새로운 형태로 재탄생하면서 예술의 진정성과 가치에 대해 우리에게 깊은 질문을 던진다.

아이러니하게도 작품을 파쇄하는 퍼포먼스 이후 논란에 휩싸이면서 작품의 가치는 더욱 올라갔다.

그리고 구매자는 작품이 파쇄된 이후에도 작품을 구매하겠다는 의사를 밝혔다. 이를 통해 작품의 구매자가 ”소녀와 풍선“ 자체를 산 것인지, 아니면 그 유명세를 산 것인지 사이에서 의아함이 들었다.

뱅크시는 여러 작품들에서 아이러니와 유머를 사용하여 사람들의 관심을 끌고, 이를 통해 사회적 문제를 강조한다. 또 건물 안의 전시회에 작품을 걸기 보다는, 외부의 담벼락 등 사람들이 쉽게 접근할 수 있는곳에 작품을 걺으로써 그의 메시지가 더 널리 퍼지도록 의도했다고 생각한다. 그의 예술은 단순히 시각적 만족감을 제공하는걸 넘어, 사회와 정치에 대한깊은 성찰을 하게 한다. 그의 작품들을 감상하면서, 예술이 어떻게 사회에 영향을 미칠 수 있는지 다시 한번 깨달았다.

나는 이번 뱅크시 전시회 관람을 통해 진정한 예술이란 이런 것이라는 생각이 들었다. 단순히 그림을 현실감있게 사실적으로 잘 그리는것보다는 사회의 문제점을 예술로 풍자하고 비판하는것이 진정한 예술이지 않을까 라는 깊은 생각을 할수 있었다.

1학년 6반 친구들과 다같이 가서 더욱 즐거운 관람이 되었던것같다

평소 생각하던 미술과 조금 다른 형식의 미술작품들이 많아서 더욱 흥미있게 지켜본것같고

백남준이라는 유명한분의 전시를 무료로 관람할수있는 기회가 있다는점이 좋았다

이 작품은 뒤쪽만 찍어서 이렇게 보이지만 사람이 자전거를 타고 뒤에 티비를 싣고 가는 모습을 한 작품이다

처음봤을때는 뭘 의미하는지가 의문이었지만 어떻게 이러한 작품을 만들었을까라는 생각이 점점 커져만 갔던 전시였던것같다

이 작품에 대해서 검색해보니 20세기 칭기즈 칸을 나타낸 작품이라고 한다. 백남준이 생각하는 20세기의 칭기즈 칸은 말 대신 자전거를 타고 있고, 잠수 헬멧으로 무장한 투구와 철제 주유기로 된 몸체와 플라스틱 관으로 구성된 팔을 가지고 있는 모습에 자전거 뒤에는 텔레비전 케이스를 가득 싣고 있으며, 네온으로 만든 기호와 문자들이 텔레비전 속을 채우고 있다는 사실을 알게 되었는데, 역시 예술가들은 확실히 뭔가 다르다고 생각했다.

이 작품 외에도 다른 작품들을 보며 새로운 경험을 했지만, 어떤 작품들은 이해하기 힘들기도 했다.

어쨌거나 반 친구들과 다같이 갔었어서 새롭고 재밌는 경험이었다.

백남준의 작품들은 나를 더 흥미롭게 만들었다. 여러 재료들로 이어 붙여 만든 작품, 화면에 비추면 번지는 듯한 특정화면으로 영상까지 촬영되는 카메라 등등 재밌는 작품들이 전시가 되있었다. 작품들이 사회성과 융합성, 정통성을 기초로 상상력을 더한 작품들이 많아 신기했다.

정말 뜻깊은 하루였다.

작가의 캐릭터가 책가방을 매고 축 늘어진 채 벽에 매달려 있는 작품이 있었는데 마치 우리나라의 학생들의 모습처럼 보여서 안쓰럽다는 느낌이 들었다.또 다양한 감정들별로 시그니처 캐릭터를 그려냈는데 작가만의 인사이드 아웃을 만들어 낸 거 같았다.

거대한 크기의 입체작품이 가장 기억에 남았다. 이 작가가 종종 모든 것이 커 보였던 어린시절을 추억하며 거대한 크기의 작품을 만든다는데 그런 작가의 의도가 잘 표현된 것 같았다.작가의 어린시절 세상이 커 보였다는 느낌이 잘 다가왔고 항상 종이에 그려진 평면그림만 보다 이 작품을 보니 신선했다.작품이 입체적으로 커졌을 뿐이었지만 마치 이상한 나라의 앨리스처럼 내가 작아진 거 같았다.어쩌면 그저 커 보였던 세상을 보기위해 작가는 캐릭터의 눈망울을 크게 표현한 것은 아닐까라는 생각도 들었던 것 같다.

난해하고 이해하기 어려운 다른 작가들의 작품과는 달리 미술을 잘 알지 못해도 ,좋아하지 않아도 즐길 수 있는 전시회여서 좋았고 작품뿐 아니라 우리가 접하지 못 했던 작가들을 알 수 있는 시간이었던 것 같다.

그 중에서도 가장 사진을 찍은 듯이 선명하게 머리에 남은 그림이 하나 있었는데, 바로 <Hoga Valley on Tjorn Island>, 직역하면 ’츠혼섬의 계곡‘이라는 의미의 작품이었다. 이 그림이 특히 깊은 인상을 심어준 이유는 단지 그림의 색채가 너무나도 조화롭게 절경을 이루어 한눈에도 감탄을 자아냈기 때문이다. 평소에도 이런 풍경을 감상하는 것을 매우 좋아하는 편인데, 이 그림 속 풍경은 내 눈앞에 실제로 펼쳐진 광경이 아닌데도 마치 그런 것처럼 느끼게 해주었다. 선명하지만 인상주의 특유의 흐릿흐릿함이 있는 그림의 기법 때문인 것 같았다. 그림 속 노을이 지는 시간의 커다란 구름과, 넓게 펼쳐진 비옥해보이는 초록의 땅이 나를 이 그림에 시선이 머물게 만들어 산뜻한 감정을 남겨주었다.

또 하나 눈 여겨 본 그림이 있었다. 위 사진의 그림이다. 이 그림은 <엄마와 아이, 화가 알란 외스터린드의 부인과 딸>작품이었다. 내가 이 그림을 유심히 본 이유는, 아이를 안고 있는 어머니의 얼굴은 이목구비가 뚜렷이 그려진 반면에, 아이의 얼굴은 눈코입만 겨우 알아볼 정도로 엄마의 얼굴에 비해 흐릿하게 그려져 있었는데, 굳이 얼굴을 이렇게 그려놓은 화가의 의도가 궁금해서였다. 그런데 옆에 써져 있는 설명을 보았는데, 바로 ‘아동의 세기‘에 대한 설명이었다. 이 설명에 따르면 19세기에 아동에 대한 생각과 그들의 입지에 변화가 일어났다고 한다. 그래서 예술가들은 그 어느 때보다 아동을 자유롭고 중요한 개인으로 묘사하기 시작했다는 것이다. 이 설명을 읽고 나니 나만의 나름대로의 해석을 하기가 더욱 재미있어졌다. 오로지 나의 직감대로 생각하기로는, 이 그림에 그려진 아이의 내면을 화가가 멋대로 판단하고 싶지 않아서 아이의 얼굴을 뭉뚱그려 묘사해놓은 것 같다. 내가 이렇게 판단하게 된 이유에는 같은 섹션에 있던 다른 설명의 영향도 있다. 당시 인상주의 화가들은 인간의 내면을 중시했기에 누군가의 얼굴 즉, 자화상이나 초상화를 그릴 때 그 인물의 내면이 최대한 겉으로 나타나게 그렸다고 한다. 누군가의 겉모습만을 표현할지라도 그 인물의 성격이 표정이나 옷차림 등으로 나타나게끔 말이다. 이것들을 바탕으로 나는 그림 속의 아이는 너무 어려 아직 정체성과 성격을 정의 내릴 수 없기에 화가가 얼굴을 그렇게 그린 것이라고 생각하게 되었다.

이렇게 전시회에 다녀온 후기를 적어보았는데, 이것을 적으며 전시회 작품들을 다시 한 번 곱씹어보게 되고, 머릿속에 잡다하게 퍼져있던 나만의 해석을 글로 정리할 수 있어 좋았다. 전시회 관람을 함으로써 조금 더 다양한 사고를 할 수 있었던 것 같아 매우 값지고 흥미로웠던 경험이라고 생각했다. 예술 작품을 감상하는 것은 마음을 평화로이 해준다는 것을 오랜만에 직접 느낄 수 있어 좋았고, 앞으로도 미술 전시를 자주 다니며 더 넓은 사고의 폭을 가질 수 있다면 좋겠다.

2층에는 시간을 소장하는 일에 대하여라는 주제로 담긴 작품들과 동시대 미디어 아트 작가와 작품을 수집하고 연구하는 미션을 수행하고 있음을 알리는 아름다운 장소였다.

정말 관람 내내 작품들을 보며 백남준 선생님의창의력과 생각에 감탄했다. 정말 신기하고 대단했다. 역시 예술은 아름답지만 한편으로는 정말 어려운 것 같다.

이 작품은 신경철 작가님의 그림으로, 밑그림인 드로잉과 형상을 그리는 전통회화의 작업 방식을 역순으로 작업하여 새로움과 완결성을 만들었다. 이 그림을 처음 봤을때는 파란 하늘에 구름, 바다의 파도같아 보였다. 근데 뇌를 조금 빼고 다시 보니 하얀 물감들이 달리는 사람들처럼 보였다. 급박하게 달리는 모습으로 생동감이 느껴지는 것 같았다. 비록 다리는 아팠지만 처음 보는 수많은 작가 분들의 수많은 작품들을 보고 체험도 해보니 정말 좋은 경험이 되었고 다음 전시회도 궁금하지게 되었다.

[일어나 2024년이야!] 는 새로운 기술에 대응하는 과거의 장면들을 통해 현재를 마주한다.

전시 제목은 미국 밴드 오잉고 보잉고가 1984년 백남준의 위성 프로젝트〈굿모닝 미스터 오웰〉에 참여하며 발표한 노래 제목〈일어나 1984년이야!〉를 2024년으로 재설정한 것이라고 한다.

오웰에게는 텔레스크린과 같은 기술 네트워크가 개인을 억압하는 전체주의적 감시망이었다면,

백남준에게는 지구 반대편에 있는 사람들과 만나고 다른 문화를 즐길 수 있도록 돕는 기술로, 백남준은 위성 방송 시스템을 대륙 간 서로 다른 문화를 연결할 수 있는 기술로 구상했고, 여러 협업자들과 예술로 소통하며 이를 실현했다고 한다.

나는 이런 백남준의 작품 중에서도

TV 정원이라는 작품이 인상적이였다.

초록 정글같은 정원 속에서 마치 꽃송이처럼 TV가 여러개 숨겨져 있는데 그 화면 속에서는 현란하고 화려한 음악과 춤이 흘어나오고 있았다.

잔잔한 자연 속에서 현란하게 뿜어져 나오는 무지개빛을 보고 있자니 이질감이 느껴졌다.

백남준은 이런 자연과는 상반되는 것으로 여겨지는 텔레비전이 하나의 공간을 이루고 있다. 나뭇잎을 타고 흐르는 텔레비전의 전자적 영상이 다양한 리듬 속에서 생태 계의 일부가 됨으로써 백남준은 끊임없이 변화하는 픽셀의 자극과 자연이 내뿜는 초록빛이 함께 어우러질 수 있음을 표햔했다고 한다 .

처음 갔을 땐 작가의 의도를 던혀 모르고 이게 므ㅓ지 리는 생각밖에 들지 읺았는데 작가의 의더ㅗ를 알고 나니 갑탄이 나욋다. 끗.