Fecha: años 1800-1750 a. C
Estilo o corriente artistica: arte Mesopotamico
Lugar donde se encuentra:  The British museum
Referencias
"La reina de la noche", Wikipedia, 28 de abril del 2020 https://es.wikipedia.org/wiki/La_Reina_de_la_Noche_(relieve)

Fecha: 1600 a. C
Estilo o corriente artística: arte minoico
Lugar donde se encuentra: Museo Arqueológico de  Heraclión.

Análisis visuales- criterios características formales y funcionales
Adoradora sin cabeza  hace parte de las  piezas escultóricas que se han encontrada en el palacio de Cnosos, y se puede configurar como una de las esculturas que se denominan diosa serpiente. Por lo que se puede inferir que era de apreciación privada y que si se rendía culto este debía ser restringido,  y  rendido por los nobles cretenses que habitaran el palacio. La diosa, era importante  para la cultura cretense dado su vinculo entre la vida y la muerte. Pues la figura femenina representa  a una mujer de esbelta figura acentuada por el corsé que resalta su pecho desnudo como símbolo de fertilidad. Y las serpientes que sostiene en sus manos representan la muerte y sanación. A un mas, la bella vestimenta del faldón  de 7 niveles o capas hace alusión a los 7 planetas que se concebían en el momento como los 7 días de la semana. Sobre este faldón se superpone un delantal bordado, que realzan  la postura rígida en forma de candelabro de la diosa donde las manos levantadas sostienen 2 serpientes onduladas. Serpientes que como se ha mencionado anteriormente presentan una gran simbología hasta nuestros días.  En ese momento para la cultura cretense, es un icono religioso y mediante la cual se manifiesta el imaginario de los minoicos hacia la sanación, la capacidad de devolver la vida y por tanto la inmortalidad. Por lo que la diosa representa la dualidad de fecundidad y supervivencia. 

Referencia
"La diosa de las serpientes". Wikipedia,  4 de marzo del 2020 https://es.wikipedia.org/wiki/Diosa_de_las_serpientes

Autor: Fidas
Técnica/material: escultura de mármol y oro
Dimensiones: altura 105 Cm

Fecha:  438 a.C
Estilo o corriente artística: arte griego periodo clásico
Lugar donde se encuentra: Museo Arqueológico de Piraeus
ficha técnica Arte helenístico. 
Titulo: Cabeza de Artemisa del templo Deméter y Despina en Lykosoura

Autor: Escultor Timothy
Técnica/material: escultura de mármol 
Dimensiones: altura 48 cm

Fecha: 190-180 a.C
Estilo o corriente artística: arte griego periodo helenistico
Lugar donde se encuentra: Museo Arqueológico de Piraeus

La Atenas de Varvakeio y  la Cabeza de Artemisa del templo Deméter y Despina en Lykosoura son esculturas del arte griego que aluden a la misma deida, Atenea hija de Zeus, nacida de su frente y armada despues de que consumiera a su madre. Es la diosa de la guerra, la sabiduria, de la estrategia en combate y de la justicia. Es la llamada virgen griega dado que nunca se caso,  o tuvo amantes manteniendo su virginidad perpetua. Y hace parte del partenon griego siendo uno de los 12 dioses griegos principales.

Comparación análisis formales
 

 

Las dos grandes esculturas, hacen alusion a la misma deida pero su  representación es diferente. Para comenzar la primera es una replica de  la gran escultura de 12 metros,  inspirada en el cuerpo humano, ofreciendo un ideal de belleza y manifestando un gran contenido espiritual. La escultura expresa partes desnudas hechas de marfil mientras el resto estaba forrado con pan de oro. Como se observa en esta escultura Athena usa un velo y su pecho esta cubierta de una egida escamosa con serpientes. En la cabeza lleva un casco ático con 3 plumas , dos caballos y una esfinge en su centro. La diosa sostiene en su mano derecha un cetro que se utilizaba para simbolizar el vuelo y en la mano izquierda un escudo que simbolisa la guerra. Siendo así la escultura de 1,05 metro en una posición de contrapposto que se realizó por el ateniense Fidas. Por otro lado, La segunda, proviene de una estatua de mayor tamaño, en donde se rendía culto . Al igual que la primera, esta escultura de manera completa tenía un cetro en su mano pero en cambio del escudo tenia dos dragones. Puntualmente la cabeza presentaba ojos incrustados con la finalidad de abandonar la representación idealizada y aproximarse más a la realidad. A su vez, es viable ver su cabello  peinado hacia atrás que era denominado «πεπονοειδή» en donde se intenta representar el cabello lo mas real posible, si bien en la primera estructura si hay un vestigio de cabello no  es tan detallado, este  se adorna con una corona en marmol. Lo que implica que hay una intencion de resaltar el rostro, y se enfatiza en la cejas, y aspectos oseos que en la primera si bien son importantes no exalta la representación idividual del cuerpo. Pues la 1 se exalta el ornamento y vestimentas en la cabeza en marmol mientras en la 2 por la necesidad de representar la realidad, la escultura se adornada con joyas de metal en sus orejas  y las sienes exaltando así el realismo de la cabeza de 48 cm por el escultor Timothy. 

Autor: Desconocido pero de procedencia Flavia romana. 
Técnica/material: escultura de mármol y yeso bronceado
Dimensiones: altura 347 cm

Fecha:  Antigua Roma finales del siglo I
Estilo o corriente artística: arte romano
Lugar donde se encuentra: The State Hermitage Museum

Análisis del contexto
La estatua representa a Jupiter un dios romano que tiene referencia griega del dios Zeus, la cual fue encontrado durante las excavaciones arqueológicas del emperador Domiciano. Esta estatua fue realizada bajo los emperadores Flavios (69 - 96 d. C.) en Roma, uno de los imperios que alcanzo más apogeo y que permitió a Roma ser la capital del mundo. Periodo de una estabilizada monarquía y donde se reconoce el facto por el Senado. A su vez,   el arte flavio se convirtió en un patrimonio mundial, al igual que esta estatua. Como lo comenta el filosofo e historiados Dio Crisóstomo “ Si se  para ante esta imagen, olvidaría, todos los terrores y penalidades que recaen sobre nuestra suerte humana”. Lo que implica la magnificencia de la obra no solo para la época si no en la actualidad al combinar el mármol con madera dorada y yeso que alude al oro y el marfil y su gran dimensión sobre el espacio. Pues la obra mide 347 cm y pesa no menos de 16 toneladas, simbolizando la soberanía e inmortalidad de la civilización romana. La estatua era un símbolo de culto romano, ya que Jupiter era el rey de los dioses, el dios del cielo y del rayo, hijo de Urano, esposo de Juno  y hermano de Neptuno y Pluton. La legendaria estatua, es contemplada y fue venerada como una de las 7 maravillas del mundo. Pues su propósito original fue para un edificio religioso central. En donde se realizaban sacrificios como el toro castrado, el cordero, o Wether, los cuales debían ser animales blancos. Sin embargo se presume que esta regla podía tener excepciones. Tras las guerras púnicas al dios Jupiter en sus templos se les ofreció todos los animales nacidos en ese año. La obra paso de manos por el marqués Giampietro Campana, tras su ruina, la compra Alejandro II y luego en 1861 fue entregada al Hermitage Museum.

Referencias:

 

 

Autor: desconocido 
Técnica/material: Pintura mural 
Dimensiones: desconocido 

Fecha:  Finales del s. IV d. JC
Estilo o corriente artística: arte paleocristiano
Lugar donde se encuentra: Catacumbas de Comodila, Roma
ficha técnica Arte bizantino. 
Titulo: Cristo Pantocrátor

Autor: desconocido 
Técnica/material:mosaico 
Dimensiones: desconocido 

Fecha: 1261
Estilo o corriente artística: arte bizantino
Lugar donde se encuentra: Basílica de Santa Sofía, Estambul

Comparación análisis de la temática

Estas dos obras hacen una alegoría al Mesías del cristianismo, el cual protagoniza al principal evangelista de la religión cristiana y quien es juez de los vivos y muertos. Motivo por el cual el fresco y el mosaico se encuentra en la parte arquitectónica mas cerca al cielo, la cubierta de la catacumbas y la cúpula de iglesia.  Sin embargo las dos imágenes presentan diferencias. En cuanto al arte paleoscritiana, (imagen de la izquierda) los romanos cristianos primitivos buscaban representar la figura del mesías a través de símbolos sencillos e identificables para su comunidad, este fresco en las catacumbas de Comodila en roma a final del siglo IV evidencia tanto la manifestación simbólica como las primeras fieles representaciones de la imagen de Jesús. Ya que esta, presenta  en su centro a un hombre que mira hacia el horizonte, barbudo, con unos símbolos específicos: unas flores de fondo, y con la letra alfa y  omega a sus costados. Lo que permite deducir qué es el mesías dado que  estas letras significan  el principio y el fin, acto descrito en la biblia en el capítulo del Apocalipsis 22,13 “ yo soy  alpha y omega, principio y fin, el primero y postrero”(Elpizein, 2019). Expresando así oficialmente el  culto cristiano de forma clandestina e ilustrativa de los escritos sagrados de la epóca. Por otro lado, La imagen bizantina expresa más detalle sobre el mosaico. Aunque sigue representado un hombre de edad madura, solemne, y mirando al horizonte, pero cuya  barba esta arreglada, su cabello recogido, su mano derecha bendice,  enalteciendo su cualidad de juez ante los vivos y muertos.En cuanto a las túnicas, el arte bizantino, expresa a Jesús con unas túnicas de color purpura, azul y una franja vertical de oro para hacer un símil   a un emperador, siendo así Cristo un ejemplo de la  realeza divina. A su vez estos colores buscan narrar el misterio de la encarnación descrita en apocalipsis 1-13 “ Al volverme, vi siete candeleros de oro, y en medio de los candeleros a un Hijo de Hombre, vestido de una túnica de talar, ceñido al talle con un ceñidor de oro”(UFM, 2008). Mientras que azul expresa la naturaleza humana de Cristo y sus misericordia vinculado al salmo 102 “Clemente y compasivo es  Yahveh, tardo a la cólera y lleno de amor. Como se alzan los cielos por encima de la tierra, así de grande es su amor para los que le temen”.(González, 2008)

Autor: desconocido pero de procedencia celta
Técnica/material: escultura 
Dimensiones:  0.66 centímetros de altura y 1.45 metros de largo.  Eje principal de 2 metros de alto, 0.5 centímetros en la parte inferior.

Fecha: siglo X (aproximadamente 900–920 EC)
Estilo o corriente artística: arte irlandés de la alta Edad Media
Lugar donde se encuentra: Monasterboice  en el Condado de Louth  en la República de Irlanda.

Análisis de la función

La cruz alta de Muiredach hace parte de la cruces altas irlandesas que son iconos religiosos de la iglesia primitiva irlandesa. Los cuales tenían la función de ser incluidos en usos litúrgicos, ceremoniales y simbólicos. En sus inicios, eran de carácter funerario para conmemorar las victorias de las batallas y se hacían en madera, posteriormente se hicieron piedra y pasaron a convertirse en lugares de culto, al igual que como un símbolo o señal para referenciar que era un santuario. Las cruces tienden a mostrar escenas del antiguo testamento y el libro del apocalipsis en su cara este y en la cara oeste estaba las escenas del nueva testamento. Que buscaban transmitir el mensaje de salvación y redención.  Estas cruces eran esculturas en piedra arenisca  que se decoraban en madera o metal. Lo mas interesante de esta cruz, es que se cree que la simboligia del centro de la cruz es la escena  de la crucifixión de cristo y el juicio final.  “La cruz expresa el pecado original de Cain dando muerte a Abel, David a Goliat, Moisés haciendo manar agua de una roca al golpearla, la adoración de los reyes magos, el juicio final y el encuentro de San Antonio y San pablo en el desierto.” (Jú, 2014) Específicamente, la cruz de Muiredach es conocida como la cruz del sur dado que tiene una inscripción en la parte inferior que se traduce a “una oración por Muiredach que hizo esta cruz”. El Muiredach se cree que era un de los abades más famosos del monasterio. Este lugar fue el epicentro del conocimiento  y religiosidad hasta que se funda la Abadía d Mellifont en 1142. Era un lugar donde muchos eruditos irlandés, artesanos, monjes y escritores dedicaron tiempo para aprender.

Referencias

1."Monasterboice, descubrir las cruces celtas mas importantes de Irlanda"  Robin Jú, acceso el día 17 septiembre https://www.robinju.com/2014/01/monasterboice-cruces-celtas.html

2."Monasterboice" rings from ireland, Acceso el día 17 de septiembre https://www.ringsfromireland.com/es/Article/68/Monasterboice

Autor: Arquitecto: Jacques- Eugene Barthelemy. Escultor: Jean Pierre Defrance
Técnica/material:  materiales pétreos 
Dimensiones:  desconocida 

Fecha: 1437 - 1517 
Estilo o corriente artística: arquitectura gótica flamígero
Lugar donde se encuentra: Francia, Roun

Ficha arte románico.
Titulo: Catedral de Zamora

Autor: constructor Obispo estaban
Técnica/material:  materiales pétreos
Dimensiones: desconocida 

Fecha: 1140 - 1174
Estilo o corriente artística: arquitectura románica
Lugar donde se encuentra: España, Castilla y León

Comparación análisis de la tematica
Estas dos obras hacen referencia a la misma temática. El cual es un espacio  donde se realiza el culto y ceremonias religiosas de la religión católico - cristiano que ha perdurado hasta el S. XXI. Sin embargo dependiendo del momento de construcción cada una presenta diferentes componentes  en su diseño arquitectónico. Para comenzar la Catedral de Zamora es presidida por un obispo quien realiza la ceremonia sobre el abside. Componente que esclarece que hace parte del periodo románico. Al igual que, su planta de cruz latina, compuesta por tres naves de 4 tramos cada una, las cuales culminan en 3 absides que se cambian en el S. XVI a un estilo gótico. La catedral a tenido ampliaciones y variaciones pero aun se percibe la temática religiosa católica al igual que los vestigios de la arquitectura románica. Por otro lado la iglesia San Manclou es un templo católico donde preside un padre ordinario el culto de la religión. En donde encontramos unos espacios de adoración individual y otros de culto colectivo. Su fachada occidental presenta un rosetón con un porche delantero en arco de 5 tramos. con glabaletes tallados, es decir cómo dos cubiertas  inclinadas que configuran un triangulo. Que enmarcan el ingreso principal compuesto por arquivoltas con escenas la Resurrección de los muertos y el juicio final siendo así todo un ejemplo de la arquitectura gótica.


 

Autor: Giotto
Técnica/material: Tempera 
Dimensiones:  578 x 406 cm 

Fecha: 1290 - 1295
Estilo o corriente artística:pintura del Treceno
Lugar donde se encuentra: basilica di Santa Maria Novella

Ficha técnica Van Eyck
Titulo: Díptico : la Crucifixión y el juicio final. 

Autor: Van Eyck 
Técnica/material: Pintado al Oleo
Dimensiones:  56,5 x 19,7cm 

Fecha: 1440 - 1441
Estilo o corriente artística: Gótico
Lugar donde se encuentra: Museo metropolitano de arte, NY

Comparación análisis de la forma


Ambos artistas intentan registrar la escena de la crucifixión de Cristo, partiendo de la forma tradicional y arquetípica del crucifijo para representar un hombre crucificado de gran carácter y naturalista como centro de atención. Giotto por un lado presenta el cuerpo de Cristo erosionado, enalteciendo y demostrado su conocimiento de la anatomía humana, la caída del cabeza con peso y unas proporciones propias. A su vez, Cristo sangra abajo de sus costillas, manos y pies. En cuanto a las vestimenta,  presenta una tela que recubre su miembro sexual masculino y una aureola pero no la corona de espinas, resaltando su carácter divino pero vinculado a lo real. La pintura en tempera presenta sombras que reviste el torso y las piernas de Jesús, lo que permite modelar la figura y generar un espacio en la tabla. En sus costados esta María y San Juan como asistentes de la crucifixión. Quienes destacan por la expresión en sus rostros ante el sufrimiento y la pasión que afronta Cristo. Es importante decir que es cristo el unico que se intenta representar en una trimensionalidad. Pues la cruz y demas componentes estan en una bi-dimensión. 

Por otro lado Van Eyck, genera toda una escenografía y un espacio que contextualiza el momento de la crucifixión.  La pintura presenta 3 planos. El primero esta en la parte inferior izquierda, en  donde aparece 5 personajes llorando entre los cuales se encuentra María y el evangelista Juan. Allí mismo,  una de las mujeres alza las manos lo que dirige la mirada del espectador al grupo central y por tanto el segundo plano. Donde los espectadores del acto son jueces diversos que presencian un espectáculo con expresiones de "felicidad" en sus rostros. Paralelamnete, Cristo mira directamente al espectador, mientras esta clavado a la cruz, sin un vendaje en sus ojos, niuna  tela que recubra el miembro  sexual masculino,  a diferencia de los otros 2 ladrones que se encuentran amarrados y si presentan vendaje en sus ojos y una ropa interior. Este Cristo sí tiene la corona de espinas  y al igual que Giotto representa la cabeza caída hacia su  lado derecho. Consecutivamente, la escena representa el momento en el que  la daga atraviesa a Cristo,  derramando sangre y agua a diferencia de la pintura de Giotto que presenta el acto seguido sin la daga. Asimismo,  Van Eyck no muestra a  Cristo retorciéndose, ni con articulaciones plegadas como lo hace Giotto; Si no que al contrario el cuerpo se encuentra estilizado y estirado a diferencia de los otros ladrones. Por último, en el  tercer plano, de la pintura de Van Eyck esta Jerusalén al fondo, detrás de la escena de la crucifixión. Para esto, Van Eyck hace  uso de sombras y luz que determinan los planos y la perspectiva del cuadro. Al igual que las proporciones de cada individuo vinculados más a la realidad.

Referencias:

1."Crocifisso di Santa Maria Novella di Giotto", Ado analisideloperait, acceso el día 16 octubre https://www.analisidellopera.it/giotto-crocifisso-di-santa-maria-novella/

2."La crucifixión y el Juicio Final" The MET , Acceso el día 16 de octubre. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/436282

Autor: Sofonisba Anguissola
Técnica/material: Pintura al oleo  
Dimensiones:  162 × 230 cm

Fecha: 1578
Estilo o corriente artística: Iconografia
Lugar donde se encuentra: iglesia del siglo XVII del antiguo monasterio benedictino de SS. Annunziata en Paternò (Catania)

Análisis de la función.

La obra de titulada Madonna del’Itria se creo con el objeto de ser una donación por parte de la pintora Sofonisba Anguissola para la Iglesia de Paterno como un ejemplo de su legado personal. Pues dada la muerte de su esposo Fabrizio Moncada, la pintora decide mezclar la tradición local con lo que ella considera su interpretación de un hecho religioso. Todo esto debido a que su esposo había elegido esta temática y tenia fascinación por su ejecución como se manifiesta en los documentos de la donación.  Sus obras cumplen la intención de contemplación intima y están rodeadas de un interés piadoso religioso. Por lo que sus obras religiosas no tenían el propósito de estar en espacios públicos. Todo lo contrario, era de carácter intimo, motivo por el cual la pintora  buscaba retratar  escenas de tipo familiar. Pues dentro de sus obras religiosas  no existe vestigio  de un Jesucristo crucificado u otro tipo de martirio religioso.  Por ultimo, Sofonisba se inspiraba siempre a través de sus maestros,  lo que permite encontrar  similitudes con otros artistas.

Referencias 
1. "Varia". Archivo Español de Arte. Acceso 20 de noviembre http://archivoespañoldearte.revistas.csic.es/index.php/aea/article/view/161/162
 

Autor: Picasso
Técnica/material: Pintura al óleo sobre lienzo  
Dimensiones:  194× 260 cm

Fecha: 1957
Estilo o corriente artística: Cubismo
Lugar donde se encuentra: Museo Picasso Barcelona

Comparación Analisis de la forma

Autor: Francisco Goya 
Técnica/material: Pintura al óleo sobre lienzo  
Dimensiones:  250× 180 cm

Fecha: 1819
Estilo o corriente artística: Neoclasicismo 
Lugar donde se encuentra: Museo de la Residencia Calasanz (Madrid, España).

Análisis del contexto.

La ultima comunión de San José se creo para la Escuela Pias cuyo destino era la iglesia del Colegio de San Antonio de Abad en Madrid.  El cual fue un encargo realizado por la comunidad religiosa  hacia el pintor y profesor de anatomía de la escuela de san Fernando,  Francisco de Goya. Artista  que buscaba representar la ultima comunión en los años noventa  de José de Calasanz en la Iglesia de San Pantaleón de Roma. Cuadro que implico ser de gran importancia para Goya. Todo esto debido a que San José fue un sacerdote  que compartía  unas creencias diferentes  a la de su comunidad religiosa. Es decir, el  sacerdote aceptaba  todo individuo en su escuela sin importar su religión o su ingreso económico, lo que ocasionaba recelo y critica en la época. Aún mas, se evidencia en este cuadro la influencia y el estudio previo que Goya había tenido sobre la obra de Velázquez. Pues el cuadro representa una relación entre exterior del cuadro y su interior, teniendo un dialogo entre el espacio donde se colocará la obra y su implicación inmediata en el  espacio que recrean sus pinceladas.Paralelamente, el cuadro retoma y tiene influencia de la pintura religiosa española del siglo de oro y esta estrechamente relacionada con las denominadas pinturas negras que se empezaban a desarrollar en el momento. Por otro lado, este es uno de los últimos ejemplares que Goya realiza para una iglesia. En este caso puntual, el cuadro se instala en el altar de la iglesia de San Antón, una de las capillas de la iglesia del Colegio de San Antonio de Abad en Madrid. Pero, en la actualidad suele  encontrarse en la Comunidad de la Residencia Calasanz bajo la gestión de los Padres Escolapios en Madrid. Aunque desde el 2018 hasta el 14 de diciembre del 2020 esta expuesta en la sala 66 del Museo Nacional del Prado. 

Referencias:
1. "La ultima comunión de San José". Museo del Padro. Acceso 20 de noviembre https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/la-ultima-comunion-de-san-jose-de-calasanz/2c72b354-b301-277c-5cb7-ff0016b347ca

Autor: Vicent Van Gogh 
Técnica/material: Pintura en aceite
Dimensiones:  73x60 cm

Fecha: 1889
Estilo o corriente artística: post-impresionismo 
Lugar donde se encuentra: Musei vaticani

Análisis de la forma

Vicent Van Gogh realiza la obra Pietá meses antes de su muerte y  aunque, la obra es inspirada y captura la  misma composición  de la obra la Piedad de Eugène Delacroix. Van Gogh constituye su propia recreación y versión al aportar  un tratamiento personal con el color y sus pinceladas rapidas y fuertes que lo caracterizan. Es de esta manera, como la obra en óleo sobre tela permite apreciar los toques del pincel sobre el lienzo y su abundante color amarillo  en Cristo y azul en la virgen María, que se mimetizan con el entorno monocromático de estos dos colores.  Adicionalmente, hace uso de otros colores, unos tonos rojizos en las rocas de la cueva y la cabellera de Jesús, y unos verdosos en la parte inferior derecha que aluden a la vegetación. Permitiendo crear una sensibilidad frente a lo que busca transmitir el artista en su pintura. Por otro lado, el cuadro presenta dos personajes cuyas siluetas son de mayor dimensión y en un color más oscuros. En cuanto a sus expresiones, la Virgen María esta ligeramente inclinada hacia adelante intentando abrazar con sus manos a su hijo. Su rostro expresa tristeza, angustia y dolor, al igual que  una mirada vacía hacia el horizonte. Paralelamente, su hijo, presenta los ojos cerrados, esta moribundo y con su cabeza inclinada hacia su derecha.  Ambos personajes intentan presentar un entendimiento de la anatomía humana en especial en sus brazos y manos que se desfiguran y pierden realismo hasta llegar a sus rostros. En termino de la luz, el cuadro logra confundir por que hay una luz que ilumina el torso de Jesús que proviene del frente y  que a su vez  también aparece a sus espaldas proviniendo a su espalda, como si  artista buscara el capturar el atardecer/amanecer a la vez. Por ultimo, el cuadro elimina la profundidad en el paisaje, lo que dificulta el reconocimiento puntualmente de donde se encuentran los personajes.

Referencias:
1." Vicent Van Gogh, Pietà " . Musei Vaticani. Acceso 23 de noviembre. http://www.museivaticani.va/content/museivaticani/es/collezioni/musei/collezione-d_arte-contemporanea/sala-2--van-gogh--gauguin--medardo-rosso/vincent-van-gogh--pieta.html

Autor: Gustave Coubert 
Técnica/material: Pintura al óleo sobre tela
Dimensiones:  315× 688 cm

Fecha: 1849
Estilo o corriente artística: Realismo
Lugar donde se encuentra: Museo Orsay, París

Analisis de la temática

La obra fue expuesta por primera vez en 1850 y provoco todo un escándalo dado su formato,  estilo  y el contenido de la obra. Pues la obra hace una alegoría a un episodio o acontecimiento tradicional, el entierro de un ser humano en el pueblo de Ornans. Esto se logra identificar gracias a la claridad de los personajes, componentes religiosos, y el paisaje que configura la escena. En otras palabras, la obra permite identificar y clarificar los siguientes componente. Primero  27 personajes, quienes son todos ciudadanos de Ornans y quienes reflejan el contexto y dinámicas sociales del momento. Segundo, las acciones de los personajes aluden al duelo y al entierro. Dado que  los hombres en el costado izquierdo llevan el ataúd con sus vestimentas negras de duelo. Mientras que las mujeres hacia la misma dirección y proporción en el lado derecho, aparece con pañuelos blancos reflejando el duelo que afrontan.  Y tercero, la escena principal que ocasiona esta división, es la  que  esclarece la narrativa del cuadro, el entierro de un habitante de Ornans. Esto es viable identificarlo gracias a  el sacerdote  que guía la ceremonia y esta acompañado por sus feligreses y el símbolo De la Cruz; el sepulturero; y los laicos. Estos últimos, son los personajes de rojo de la obra que  se encargan de  garantizar el desarrollo ejemplar de las ceremonias religiosas. Dicho lo anterior,  se puede decir que  la  temática del cuadro es la religión y la muerte.

Referencia
1."Gustave Courbet 
Un entierro en Ornans".Musée d'Orsay. Acceso 20 de noviembre
https://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/busqueda/commentaire_id/un-entierro-en-ornans-2499.html?no_cache=1

Autor: Andy Warhol 
Técnica/material: tinta acrílica u serigrafía sobre lienzo.

Dimensiones:  294,6 x 998,2 cm

Fecha: 1986
Estilo o corriente artística: Arte contemporáneo- pop art.
Lugar donde se encuentra: Tate Modern de Londres- colección privada.

Análisis del contexto.

La fe, la muerte y el deseo son tres aspectos que se observan en la obra  de Warhol. La cual en comparación con la mayoría de sus pinturas, no es la individualidad el protagonista si no la escena grupal de la ultima cena de Da Vinci. La cual se basa en una copia "barata"  que se había empezado a replicar en el siglo XIX. Lo que conllevo a la   devaluación de la obra de Da Vinci, como objeto único y canónico.  Motivo por el cual, al igual que las demás obras de Warhol se buscaba hacer una crítica a la industralización y consumo masivo de esta imagen. Todo esto hacia qué el artista partiera  desde una reproducción y no desde la obra original. En cuanto a la composición de  la obra se puede observar la repetición constante de una misma imagen cuya actividad colectiva ha sido simbólica para la religión católica cuestionado al espectador la importancia de la obra. Esta obra  se crea una vez ha muerto por una enfermedad vinculada al SIDA, el compañero sentimental de Warhol durante el  periodo histórico en el que la vida homosexual se enfrentaba a los medios de comunicación.  Por lo que, se  ha llegado a pensar que la obra hace alusión a un muro de tumbas en la pared que se encuentra en los cementerios. Siendo un símil a las tumbas de homosexuales  que han muerto frente a la causa y en la defensa de la  igualdad. Sin embargo, Warhol siempre fue creyente religioso a pesar de sus exploraciones homoeroticas. Factor espiritual y religioso que se empieza a evidenciaren los últimos años de vida. Periodo en el que la iconografía religiosa ocupa la mayor parte del arte del artista. Por ultimo, varios artistas contemporáneos validad el  lado católico y espiritual que Warhol tenia. Pues   «Solo sus confidentes más cercanos sabían que era una persona religiosa y con frecuencia iban a misa». como lo menciona Atkins a Reuters. Adicionalmente otros artista,  Richardson decía  «Me gustaría recordar un lado de su personaje que él ocultó a todos menos a sus amigos más cercanos: su lado espiritual. Aquellos de ustedes que lo conocieron en circunstancias que eran la antítesis de lo espiritual pueden sorprenderse de que tal lado existiera. Pero existe, y es clave para la psique del artista» .

Referencias:
1. "Andy Warhol’s Sixty Last Suppers".Christie`s. Acceso 1 de diciembre. https://www.christies.com/features/Andy-Warhols-Sixty-Last-Suppers-8582-3.aspx
2. "Andy Warhol" . Tate. Acceso 1 de diciembre. https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/andy-warhol/exhibition-guide
3. "Andy Warhol’s Sixty Last Suppers".Christie`s. Acceso 1 de diciembre. https://www.christies.com/zmags?ZmagsPublishID=68e71ae6