El Rijksmuseum significa en español: El Museo del Estado.

En el año 1800, el Rijksmuseum abrió por primera vez su colección al público bajo el nombre de Nationale Kunstgallerij (Galería Nacional de Arte). Desde entonces, se trasladó varias veces antes de establecerse en Ámsterdam (1808). Cuando fue establecido en esta ciudad gracias al Rey de los Países Bajos, Louis Bonaparte, hermano de Napoleón; fue nombrado como el Museo Real. Luego, en el año 1815 recibió su nombre actual del rey holandés Willem I. En 1885, el Rijksmuseum se trasladó a su actual ubicación construyendo el hermoso edificio que hoy en día se conoce. Este museo fue diseñado por el arquitecto holandés Pierre Cuypers en 1876. Este edificio tiene un estilo bastante holandés y fue construido con elementos del renacentismo e históricos neo-góticos que le dan su forma.

El museo abre todos los días de 9 a.m. a 5 p.m y tiene un costo entre 20 a 60 euros, pero para menores de 18 años la entrada es gratis. Está dedicado al arte, la artesanía y la historia. Posee la más famosa colección de pinturas del Siglo de Oro neerlandés así como una rica colección de arte asiático y egipcia, pero también hace mucho énfasis y alberga obras significativas de casi todos los grandes maestros neerlandeses de los siglos XV al XVII.

Bibliografía:

• El Rijksmuseum en Amsterdam | Amsterdam.info. (s. f.). https://www.amsterdam.info/es/museos/rijksmuseum/

• colaboradores de Wikipedia. (2024a, agosto 17). Rijksmuseum. Wikipedia, la Enciclopedia Libre. https://es.wikipedia.org/wiki/Rijksmuseum

  
  

Mi visita al Rijksmuseum fue una experiencia cautivadora que me sumergió en la amplia historia del arte holandés. Desde el momento en que cruce sus majestuosas puertas me asombre de lo amplio que es y lo lindo que es como tal. Las obras maestras de Rembrandt, Vermeer y otros grandes maestros están cuidadosamente exhibidas, cada una contando una historia a través de su luz, forma, exhibición y color. Pasear por sus amplias salas, admirando la exquisita colección de pinturas, esculturas y objetos decorativos, es como hacer un viaje en el tiempo. Además, la arquitectura del museo en sí, con su imponente fachada y hermosos jardines, añade un toque mágico a la visita, convirtiendo cada rincón en una obra de arte en sí mismo. Personalmente siento que el edificio esta muy bien diseñado, ya que permite navegar fácilmente dentro de él, además las paredes y su arquitectura es hermosa al usar diferentes patrones y tapices de papel dentro de sus columnas y estructura como tal. A pesar de que haya sido virtual puede apreciar cada obra y valorar todo el arte que habia dentro del lugar con mayor detalle y con mayor claridad al poder recorrer el museo conociendo su información en mi lengua materna.

El montaje de las obras dentro del Rijksmuseum está diseñado con una meticulosa atención al detalle que realza la experiencia del visitante y de cada pieza y obra que tiene. Cada sala está cuidadosamente curada para crear un diálogo entre las obras, permitiendo que los visitantes conecten diferentes épocas y estilos artísticos. La iluminación juega un papel crucial, resaltando los matices de cada pintura y la textura de las esculturas, mientras que la disposición de las piezas guía al espectador a través de una narrativa visual. Las secciones temáticas, que abarcan desde el Siglo de Oro hasta el arte contemporáneo, invitan a una exploración profunda, haciendo que cada recorrido sea único y enriquecedor. Este enfoque curatorial no solo muestra la grandeza del arte, sino que también establece un espacio de contemplación que invita a la reflexión y el descubrimiento. Además, la curaduría esta muy bien diseñada, dado que juega con los tamaños de las obras y hace que cada una resalte y se vea única al organizarlas correctamente y como estan exhibidas dentro de diferentes materiales como ocurre con las bajillas que estan dentro de vidrios, las esculturas que estan sobre bases de madera o metal o las paredes con sus diferentes colores complementando y resaltando las obras. Otro factor importante dentro del montaje y curaduría es que las piezas expuestas en el vidrio permiten que las obras se realcen más y se puedan apreciar sin que corran el riesgo de perderse o romperse.

Línea: Las líneas suaves y fluidas del manto de María contrastan con las líneas más definidas del ángel. Estas líneas dirigen la mirada del espectador y crean una sensación de movimiento y conexión entre las figuras. Las lineas dentro de esta obra generan un sombreado permitiendo ver detalles y volúmenes de los objetos.  Las lineas también permiten generar un juego de luz que nos permite identificar un disco luminoso sobre la cabeza de la virgen y del niño Jesús conocido como halo.

Forma: Las formas redondeadas y orgánicas de María y el niño contrastan con las formas más angulares del fondo, creando un sentido de calidez y cercanía en el primer plano creando un punto de fusión que serian la virgen cargando al bebe.

Luz: El uso de la luz es fundamental. Durero aplica la técnica conocida como claroscuro de una manera sutil que resalta las figuras principales, creando un efecto tridimensional que aporta profundidad, al volumen y al realismo.

Espacio: El espacio se utiliza eficazmente para crear un entorno a pesar de que es sutil y esta construido de lineas se puede observar el espacio, ya que la disposición de las figuras dentro del plano se pueden observar ligeramente inclinadas generando una la sensación de que están en un espacio real, invitando al espectador a entrar en la escena. Además, el espacio se observa claramente ya que se le da profundidad como suele pasar en las ilusiones de profundidad en el renacimiento italiano como es en este caso con la ubicación de los Santos y de la ciudad en el fondo.

Principios de la composición:

Balance: La composición de la obra refleja un balance simétrico, porque la figura de María y el niño se sitúan en el centro acompañados por el ángel, lo que genera estabilidad visual. Este equilibrio refuerza la importancia del tema religioso, sugiriendo armonía y serenidad.

Énfasis/Subordinación: María y el niño son claramente el foco de atención, ya que Durero utiliza la luz para iluminarlos creando un énfasis visual que atrae la mirada del espectador. Las figuras del ángel, aunque también importa se ve subordinada por la madre y el niño.

Ritmo/Patrón: El ritmo en la obra se genera a través de la repetición de formas pero sobretodo de las líneas. Las suaves curvas del manto de María y la disposición de los pliegues crean un patrón que guía la vista del espectador a través de la composición. Además, el ángel introduce un patrón vertical que contrasta con las líneas horizontales del fondo, creando dinamismo.

Proporción: La proporción de las figuras es cuidadosa y deliberada. En el caso de la virgen María y el niño son representados en una escala mayor en comparación con el ángel, lo que enfatiza su importancia y el rol central de la maternidad en la imagen.

Creador: Asselijn, enero

Fecha de creación: California. 1650

Dimensiones físicas: hacer

Palabras clave del asunto: historia política, año de desastre, Países Bajos del Norte, Francia, Inglaterra, Münster, Colonia, Witt, Johan de, República de los Siete Países Bajos Unidos

Me llamo la atención esta obra dentro del museo por los colores que se usan, pero también por el significado que tiene la obra que es un cisne que esta defendiendo ferozmente su nido contra un perro. Esta obra me llamo la atención, dado que según la descripción de la obra dice que hace varios siglos esta pelea entre estos dos animales se interpreta como una alegoría política que explica que en ese tiempo se pensaba que el cisne blanco simbolizaba al estadista holandés Johan de Witt (asesinado en 1672) que protegía al país de sus enemigos.

Título: Toilet Mirror

Creador: Dutalis, Joseph-Germain

Fecha de creación: 1828 - 1829

Dimensiones físicas: plata

Palabras clave del asunto: Marianne (Princesa de los Países Bajos)

Me gusto esta obra por el significado que tenia al ser un regalo de padre a hija además me gusta el material, el color y las formas que crean el espejo en sí.

Creador: Hokusai, Katsushika

Fecha de creación: 1829 - 1833

Dimensiones físicas: papel

Palabras clave del asunto: fuji, Yokohama

Me gusta el movimiento y los colores que usa. Además, me gusta porque me genera un sentimiento de calma, armonía y tranquilidad.

Creador: Falconet, Étienne-Maurice

Fecha de creación: 1757

Dimensiones físicas: marmer

Siempre me ha interesando el tema del amor en la actualidad en en la antigüedad por lo que me parece muy interesante esta representación de cupido y la expresión facial de su rostro.

Creador: Crivelli, Carlo

Fecha de creación: California. 1480

Dimensiones físicas: panel

Título: Maria met kind aan de borst

Creador: Durero, Alberto

Fecha de creación: 1519

Dimensiones físicas: papel

El Museo del Oro del Banco de la República en Bogotá, Colombia, preserva una extraordinaria colección de orfebrería prehispánica, la mas grande del mundo. Sus objetos arqueológicos de metal, cerámica, piedra, concha, madera y textil dan testimonio de la vida y el pensamiento de las sociedades indígenas que habitaron el territorio hoy colombiano antes del contacto con Europa. Es una institución pública la cual su fin es la adquisición, conservación y exposición de piezas de orfebrería y alfarería de culturas indígenas del periodo precolombino, cuenta con más de 34.000 piezas hechas en oro, 20 000 de objetos líticos, cerámicos, piedras y textiles pertenecientes a las culturas Quimbaya, Calima, Tairona, Zenú, Muisca, Tolima, Tumaco entre otros. El Museo del Oro esta ubicado en el centro histórico de Bogotá.

La entrada al museo tiene un costo entre $5.000 y $8.000 pesos, pero para niños menores de 12, adultos mayores de 60 años o indígenas la entrada es gratuita.

Bibliografia:

• Museo del Oro, Bogotá, Bogota, Colombia - Google Arts & Culture. (s. f.). Google Arts & Culture. https://artsandculture.google.com/partner/museo-del-oro-bogota

• colaboradores de Wikipedia. (2024, 2 octubre). Museo del Oro. Wikipedia, la Enciclopedia Libre. https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_del_Oro

Visitar el Museo del Oro fue una experiencia fascinante por mas de que ya he ido muchas veces. El museo cada vez renueva sus salas por lo que hace la experiencia del visitante mas agradable sobretodo si uno ya ha ido varias veces, porque te permite apreciar en ciertos casos mejor cada objeto exhibido. La visita y las experiencias a este museo siempre me transportan a la riqueza cultural y la historia de las civilizaciones precolombinas de mi país permitiéndome entender cada vez mas esa época y aprender de nuestros antepasados. Al recorrer sus salas, puede admirar miles de piezas de orfebrería exquisitamente elaboradas, que narran relatos de mitología, rituales y la vida cotidiana de antiguos pueblos. Además, cada pieza es única y muestra su belleza de una manera diferente, por lo que me siento muy orgullosa de los indigenas de mi país, ya que fueron y son muy talentoso. La iluminación dentro del recorrido me pareció cuidadosamente diseñada, ya que resalta la belleza del oro y otros materiales, creando un ambiente casi mágico y al mismo tiempo cuidando cada pieza. Además, las exposiciones interactivas permiten profundizar en el significado y el simbolismo detrás de cada objeto, convirtiendo la visita en un viaje educativo y emocional que celebra la herencia ancestral del país. Por otro lado, siento que mi experiencia fue enriquecedora, ya que puede apreciar, reflexionar y analizar cada pieza, desde los conocimientos previos que he adquirido durante mi vida y sobre lo que he aprendido durante esta clase, complementando esto me pareció muy importante y valioso hacer un recorrido con un guía, dado que nos orientaba y nos contaba historias desde su conocimiento que no estaban dentro de las tarjetas informativas, por lo que me pareció super interesante y valioso conocerlas, ya que eran datos curiosos y muy interesantes sobre esas civilizaciones que a simple vista no se pueden observar.

El montaje de las obras dentro del Museo del Oro es un proceso meticuloso que combina arte, historia y tecnología para ofrecer una experiencia inmersiva al visitante. Cada pieza, cuidadosamente seleccionada, es exhibida en vitrinas de vidrio diseñadas para resaltar su belleza y significado, al mismo tiempo busca proteger de factores ambientales evitando que se dañen como nos contaba la guía. La disposición de las obras se realiza con un enfoque narrativo, guiando al público a través de las diferentes culturas y épocas que habitaron el territorio colombiano. Las etiquetas informativas y las pantallas interactivas complementan la exposición, proporcionando contexto y detalles sobre el uso del oro en rituales, comercio y vida cotidiana. Este cuidadoso montaje no solo preserva el legado cultural, sino que también invita a la reflexión sobre la riqueza y diversidad de la herencia indígena. Siento que el montaje esta muy bien diseñado y organizado, como mencionaba anteriormente solo me gustaría complementar que me gusta como se ven las piezas dentro de las vitrinas de vidrio, ya que resaltan el oro, pero también me gusta las bases de madera que usan para exponer ya que muestra una manera diferente de exhibir las piezas. Un montaje que me llamo mucho la atención y me gusto mucho fueron que sobreponían piezas, las organizaban por tamaños, las enmarcaban en marcos con luces para resaltarlas pero también que usaban diferentes materiales donde exponerlas como las esculturas en piedras sobre la arena brindándoles un significado y un propósito.

Línea: Las líneas son suaves y curvilíneas, que evocan movimiento y fluidez dentro de la figura. Los contornos definen las formas sin ser abruptos, contribuyendo a la sensación de armonía, pero también las lineas en esta cerámica crean ornamentos como la ropa del cacique o el collar.

Forma: La figura es tridimensional, con formas orgánicas que representan el cuerpo humano, contrastadas con los adornos geométricos en la vestimenta, lo que sugiere tanto humanidad como conexión con lo divino haciendo de pronto alusión a un caquique o un dios de los muiscas.

Color: Aunque la arcilla tiene un color predominante a colores cálidos y terrosos, la pieza obtiene un color y sombras con los detalles y huecos que se le elaboraron a la pieza. La ausencia de color también enfoca la atención en el material y su significado cultural.

Principios de la composición:

Balance: La figura presenta un balance simétrico que otorga estabilidad y armonía. Las proporciones del cuerpo humano son evidentes, con extremidades que parecen equilibrarse en relación con el torso, creando una sensación de solidez a pesar de que el ser humano no es así los indigenas trataron de hacer una replica d ella manera mas balanceada.

Énfasis/Subordinación: El énfasis se encuentra en el rostro y los adornos de la figura, que capturan la atención del espectador. Los detalles en la cabeza, como tocados o joyas, son más elaborados, subordinando el resto del cuerpo en una jerarquía visual que resalta su importancia ritual o simbólica.

Ritmo/Patrón: El ritmo se manifiesta en la repetición de formas, como los adornos en la vestimenta y el cabello, creando un patrón visual que guía la mirada a lo largo de la figura.

Unidad/Variedad: La figura mantiene una unidad estética a través de su diseño, mientras que la variedad se encuentra en los detalles de los adornos y texturas que aportan riqueza visual.

Creador: Región Calima-Malagana - Periodo Malagana

Vida del creador: -94/400

Nacionalidad del creador: Colombia

Lugar de nacimiento del creador: Colombia

Lugar de fallecimiento del creador: Colombia

Fecha: -100/400

Dimensiones físicas: ancho 25 x alto 32 mm

Tipo: Orfebrería

Me parece una pieza muy hermosa que quiere resaltar nuestra fauna y la flora de nuestro bello país.

14,8 × 30 cm

Restrepo, Valle del Cauca

Período Yotoco

100 a. C. - 1000 d. C.

La sala de arte de Bancolombia esta ubicada en la torre norte de las Torres Atrio en piso 4 entre la Avenida Calle 26 y Avenida Caracas del Centro Internacional Bogotá. Desde el martes 18 de enero se habilito la entrada al público, con cita previa para poder asistir y visitar esta sala de arte. La entidad financiera como parte de su contribución al país presentó este espacio de 1.400 metros cuadrados, que alberga una colección de 350 piezas de artistas como Fernando Botero, Alejandro Obregón, Eduardo Ramírez Villamizar, Ómar Rayo, Enrique Grau, Édgar Negret, Luis Caballero, Ignacio Gómez Jaramillo, Pedro Nel Gómez y Francisco Antonio Cano, entre otros maestros que se articulan a través de una innovadora puesta en escena que construye relaciones con el arte y la sociedad contemporáneas haciendo 7 salas conmemorando el territorio colombiano.
Adicionalmente, los interesados podrán encontrar una serie de materiales pertenecientes a la colección histórica de Bancolombia, que dan cuenta de las transformaciones de la organización desde su fundación en el siglo XIX. 

Fuentes:

• Sala de Arte de Bancolombia ofrecerá visitas guiadas al público. (s. f.). Bancolombia. https://www.bancolombia.com/acerca-de/sala-prensa/noticias/responsabilidad-social-ambiental/exposiciones-de-arte-en-bogota

• Sala de Arte Bancolombia - Arte que emana vida. (s. f.). Bancolombia. https://www.grupobancolombia.com/corporativo/conocenos/sala-arte

  
  

La sala de arte de Bancolombia ofrece una experiencia única que invita a los visitantes a sumergirse en un universo de creatividad y reflexión de las diferentes etapas y formas de ver a Colombia. Al cruzar sus puertas, se es recibido por una cuidosa selección de obras que van desde la pintura contemporánea hasta la escultura, cada una contando una historia propia. La atmósfera delicada y es un equilibrio entre modernidad y tradición, lo que permite apreciar la riqueza del arte colombiano. Además, las visitas guiadas y las charlas de guías enriquecen aún más la experiencia, ya que nos explican y nos hacen entender reflexiones entre otros factores que uno no nota a simple vista. Además, mi experiencia dentro de la sala de arte fue magnifica, dado que cada parte era mágica a su manera por lo que las salas estaban divididas según un elemento de la vida como es el ser o el alma del ser humano o según la narración de un elemento natural como el agua o el fuego mostrándonos las diferentes perspectivas de los diferentes artistas de como ven a Colombia. Me gustaría adicionar que la experiencia era muy inmersiva, ya que tenia proyectores que transmitían imagenes con movimientos o sonidos que transportaban al visitante al lugar o territorio de Colombia. Siento también que mi experiencia fue valiosa, ya que aprendí temas y datos curiosos sobre mi país, permitiéndome valorarlo más. Por último mi experiencia se complemento mucho con la información que recibí del guía y de las tarjetas informativas.

El montaje de las obras dentro de la sala de arte de Bancolombia es un proceso meticuloso que busca no solo exhibir las piezas que están colgadas con metal, sino también generar una experiencia estética coherente y enriquecedora para el espectador al recorrer las diferentes narraciones que tiene esta sala para mostrar los territorios de Colombia. Cada obra se selecciona con atención al contexto de la narrativa (agua, fuego, aire, ser, alma, etc.) que se desea transmitir desde las diferentes perspectivas de cada pintor o artista. El espacio es cuidadosamente acondicionado para realzar las características de las piezas, respetando sus dimensiones, colores y técnicas al colgarlas o exhibirlas en pequeños pedestales de madera en el caso de las esculturas. El curador de esta sala pensó muy detalladamente de como poner el montaje colaborando en la disposición de las obras, teniendo en cuenta factores como la iluminación, la circulación del público y la interacción entre las piezas, lo que permite crear una atmósfera que invita a la reflexión y al diálogo entre el arte y el espectador. Así, la sala se convierte en un espacio dinámico donde las obras no solo se muestran, sino que cobran vida dentro de un entorno pensado para potenciar su impacto visual y emocional, ademas esto se ve sustentado en las proyecciones y sonidos que acompañan cada pieza como los sonidos de las llamas o el agua. Complementando lo mencionado anteriormente siento que el montaje esta muy bien ejecutado, dado que resalta cada obra y transporta al espectador a cada territorio de Colombia, además al estar acompañado de objetos históricos crea una enseñanza de cuidar la naturaleza y preservar la cultura del país como ocurre en la sala de Simon Bolivar o sobre la historia del Banco Bancolombia permitiéndonos aprender desde los sonidos y el arte por lo que me parece muy valioso y muy enriquecedor.

Línea: Las líneas en "Paisajes Río Magdalena" son suaves y fluidas, lo que ayuda a evocar la sensación de movimiento y fluidez característica de un paisaje natural y sobretodo del agua. El río, como elemento central de la obra, se representa con líneas curvas que sugieren su flujo constante, mientras que las líneas de los árboles están más definidas, con trazos que aportan rigidez y estabilidad. Las lineas verticales de las casas o la bandera crean estética creando superficies firmes, a pesar de que la obra tiene lineas entonas partes desde pequeñas hasta las que contornean ciertos objetos como el barco.

Forma: Las formas en la obra se manejan de manera orgánica. El río, el césped, las nubes y los árboles adoptan formas curvilíneas y naturales que refuerzan la sensación de serenidad y armonía en el paisaje. El tratamiento de la vegetación, particularmente las hojas y las ramas de los árboles, también sigue un patrón orgánico, lo que subraya la autenticidad del entorno natural representado. Sin embargo, los detalles de las rocas y el agua presentan un contraste, pues las formas pueden aparecer más geométricas en algunos puntos, lo que ayuda a dar estabilidad y estructura a la composición.

Espacio: El espacio se maneja de forma efectiva para crear una sensación de amplitud y profundidad. La perspectiva atmosférica se ve a través de la disminución del color saturado a uno mas suave que se observa desde el detalle en de la tierra y la vegetación, contribuyendo a la sensación de distancia y profundidad. El río actúa como un eje central que organiza el espacio y conecta diferentes elementos dentro del paisaje. La distribución de los elementos a lo largo del lienzo genera una sensación de espacio abierto, mientras que las sombras y los detalles de la vegetación ayudan a crear un contraste con las áreas más despejadas, dando lugar a una sensación de profundidad progresiva.

Principios de la composición:

Balance: El balance en la obra es simétrico en muchos sentidos, con el río sirviendo como un eje central que divide el espacio. Aunque la vegetación esta dispuesta de manera asimétrica a ambos lados, hay un equilibrio visual que mantiene la estabilidad en la composición. Los elementos de la naturaleza, como los árboles, se distribuyen de tal manera que el ojo del espectador puede descansar en distintas áreas sin que ninguna parte del lienzo se sienta sobrecargada o vacía.

Ritmo/Patrón:El ritmo se establece a través de la repetición de elementos naturales, como las formas de los árboles, las olas del río o las lineas en el fondo. Este patrón repetido genera una sensación de continuidad y flujo que acompaña la estructura del paisaje. El patrón de las olas y el agua, por ejemplo, puede percibirse como un movimiento cíclico que conecta diferentes partes de la pintura. Al mismo tiempo, el ritmo visual se mantiene fluido y natural, evitando una repetición excesiva que pueda resultar monótona.

Unidad/Variedad: La obra muestra una notable unidad, donde todos los elementos (agua, animales, árboles, humanos) parecen formar parte de un mismo ecosistema. La paleta de colores, que varía desde los verdes y marrones de la vegetación hasta los tonos azules y grises del cielo y el río, mantiene la cohesión visual. Sin embargo, hay suficiente variedad en la textura y el tratamiento de las diferentes áreas (como el agua, los árboles, los animales entre otros objetos) para evitar que la pintura se vea plana o uniforme. La variedad en la representación de los elementos naturales ayuda a mantener el interés visual mientras que la unidad asegura que todos los componentes trabajen juntos armoniosamente.

Énfasis/Subordinación:

El énfasis principal está en el río, ya que actúa como el foco central de la obra. León guía la mirada del espectador hacia este elemento al ponerlo en el centro y ponerlo como el objeto mas grande de la obra acompañado del barco que hace énfasis al cultivo de plátano verde principal trabajo de esa región por lo que el pintor hace una critica como nos contaba el guía de que es para transmitir lo que los Europeos decían sobre que al trabajar con el plátano es signo de pereza. La subordinación se observa en los detalles de la vegetación contribuyendo al ambiente general, sin permitir que se desvíe la atención del río.

Esta pintura es en acrílico de más de 8 metros de ancho y es del artista Alejandro Obregón, año 1973

Me encanta el juego de colores.

1959

Acrilico sobre madera 1972

Objetivo narrar el aire

Me gusto mucho la monocromía.

1982

Carboncillo sobre papel

Exhibición: Narrar el ser

Titulo: Sombrero de Rosas

óleo sobre tela

1963

Narrar el ser

acrílico sobre madera

1973

Narrar el agua

óleo sobre tela 1978

Narrar el agua

1963

óleo sobre tela

Narrar el fuego

Me llama mucho la atención los tonos saturados dentro de la obra

1950

Óleo sobre tela

El museo antes de ser construido fue utilizado con diferentes propósitos. Se levanto el Palacio de Orsay, construcción que fue terminada en 1810 y que se quemó en 1871 durante el periodo de la Comuna de París. El Museo de Orsay fue originalmente una estación de tren por la que pasaban gran cantidad de viajeros. El edificio se debe al gran arquitecto francés Victor Laloux y a otros especialistas que recibieron el encargo de diseñar la terminal desde la que operaría la Compañía de Ferrocarriles Orleans. La estación se ubicaba justo enfrente del Louvre y de los jardines de las Tullerías. Así, la idea de una estación de ferrocarriles tenía que encajar a la perfección con el lujo de toda la zona. Durante la Segunda Guerra Mundial, la estación de Orsay se convirtió en un centro de envío de paquetes y mercancías y, durante la liberación, en una zona de prisión para muchos de los que ocuparon París. Un largo periodo de tiempo pasó hasta que el presidente de la República, Valéry Giscard d’Estaing, tomó en 1977 la decisión de construir un museo aprovechando la estructura de esta antigua estación. No obstante, el museo no se inauguró hasta nueve años después de la mano del presidente François Mitterrand. Cabe aclarar que después de haber recogido y coleccionado varias piezas y obras el Museo de Orsay abrió sus puertas en 1986. El museo se encuentra ubicado en 1 Rue de la Légion d’Honneur, 75007, Paris, Francia en el distrito 7 de París. El museo tiene una colección impresionante que reúne pinturas, esculturas, fotografías y obras de arte decorativo que se fechan entre mediados del siglo XIX y principios del XX. El museo conserva muchas de las mejores pinturas de movimientos como el impresionismo y realismo, aunque también tiene exhibiciones temporales.

Bibliografía:

• https://www.cometoparis.com/spa/descubra-paris/monumentos-de-paris/museo-de-orsay-s952#:~:text=El%20Museo%20de%20Orsay%20fue,la%20Compa%C3%B1%C3%ADa%20de%20Ferrocarriles%20Orleans.

• From Station to the Renovated Musée d’Orsay - Google Arts & Culture. (s. f.). Google Arts & Culture. https://artsandculture.google.com/story/LgWBxC6S6xQA8A

Visitar el Museo d'Orsay fue una experiencia inmersiva en la historia del arte francés, ya que abarca desde el Romanticismo hasta el Art Nouveau. Al recorrer sus salas, se siente la transición de épocas y estilos, desde las obras impresionistas de Monet y Degas, hasta los vibrantes cuadros postimpresionistas de Van Gogh y Cézanne. La majestuosidad de su arquitectura, un antiguo edificio ferroviario reconvertido en museo, crea un ambiente único que acompaña perfectamente la exposición de pinturas, esculturas y arte decorativo. Además, al haber sido un ferrocarril hace la experiencia dentro del museo mas interesante porque te transporta a la época donde los parisinos usaban esta estación para transportarse a sus trabajos entre otros lugares. Cada rincón del museo invita a una nueva reflexión sobre la evolución del arte moderno. El Musée d'Orsay no es solo un museo, sino un viaje sensorial y emocional a través de algunos de los momentos más innovadores y revolucionarios en la historia del arte. La experiencia al entrar al museo es muy impresionante y mágica ya que sientes en una estación de tren, por lo que te dan ganas de recorrer todas las salas como si fueran diferentes paradas de un viaje por tren. Por otro lado, la experiencia también es muy valiosa, dado que uno aprende mucho del impresionismo y del realismo al observar cada sala. Otra cosa que me gustaría mencionar sobre mi experiencia dentro del museo es que cada sala te invita a conocer su interior por las historias y bellezas que abarca dentro de ellas. Por último, la experiencia dentro del museo es muy valiosa y hermosa, dado que uno desde las ventanas puede apreciar el rio Sena y apreciar la belleza de Paris.

Sobre el montaje de las obras dentro del Museo d' Orsay considero que esta muy bien diseñado. Considero que el montaje se volvió muy valioso y hermoso desde que se decidió conservar la estructura de la estación del tren, ya que permite que el montaje de cada obra sea único recordando los inicios de este museo. Complementando esto siento que el montaje y la estadía del reloj permiten darle esencia y valor al museo conmemorando sus inicios y permitiendo valorar y apreciar esa cultura e historia que tiene detrás. Adicionalmente el montaje de las obras en el Museo d'Orsay se caracteriza por una cuidadosa disposición que resalta tanto la belleza individual de cada pieza como la evolución de los movimientos artísticos que abarca. La disposición de las salas está pensada para guiar al visitante a través de las distintas corrientes, creando un flujo narrativo que va desde el Romanticismo hasta el Art Nouveau. Las obras se agrupan de manera coherente, ya sea por temática, estilo o autor, lo que permite observar los matices y las interrelaciones entre los artistas y las corrientes de su tiempo. Además, la estructura del edificio, con sus altos techos y vastos espacios abiertos, permite una disposición libre y fluida, que permite a los visitantes moverse con facilidad entre las distintas exposiciones y disfrutar de las piezas desde diversas perspectivas. Por otro lado, el juego entre esculturas, obras, pinturas, exposiciones en vitrinas entre otros permite que el montaje sea variado y se pueda apreciar con mayor valor cada pieza que esta sumamente curada en cada superficie donde se expone para apreciarla y observarla mejor siempre teniendo en cuenta los cuidados que cada obra debe tener. Por último, siento que el juego de tamaños y diferentes objetos juntos crean un montaje único y hermoso a la vez.

• Forma: Las formas en la pintura son principalmente geométricas y simplificadas y le dan el cuerpo y la masa a la obra. La iglesia y sus alrededores se representan con formas rectas y curvas que se destacan por su estilo esquemático. Las torres de la iglesia, aunque estilizadas, siguen una estructura vertical que dirige la mirada hacia el cielo. Las casas y árboles en el fondo son figuras más abstractas, lo que da énfasis a la monumentalidad de la iglesia, sin perder la conexión con el paisaje. Las formas mas usadas son los cuadrados, rectángulos y circunferencias.

• Línea: Van Gogh utiliza líneas curvas y onduladas que siguen el contorno del paisaje y las estructuras. Las líneas de la iglesia, especialmente las del techo y las torres, son de un trazo firme y definido, mientras que el cielo y el campo presentan líneas más suaves y fluidas, lo que crea un contraste visual entre la arquitectura humana y el entorno natural. Las líneas del camino que se ve en primer plano guían la vista del espectador hacia la iglesia, contribuyendo a la composición en profundidad. Adicionalmente, las lineas trabajadas por Van Gogh generan movimiento en el cielo y en el camino haciéndonos creer que la señora esta caminando rumbo a su casa después de salir de misa. Ademas, ciertas lineas puestas en la obra generan sombras que le dan profundidad a la obra como ocurre con el pasto que es de lineas pero con diferentes tonalidades de los colores.

• Textura: La textura es uno de los aspectos más característicos del estilo de Van Gogh. En esta obra, se observa una pincelada gruesa y vibrante, que da un carácter tangible a la pintura. Las pinceladas en la iglesia son más controladas y suaves, mientras que en el paisaje, especialmente en el cielo y los árboles, la textura es más pronunciada y dinámica, lo que transmite una sensación de movimiento. Las texturas en el cuadro no solo contribuyen al estilo impresionista de Van Gogh.

• Color: Los colores sobresaliente dentro de esta obra son los tonos fríos, ya que Van Gogh trabajo mucho con los azules y los verdes y uso muy pocos tonos cálidos o terrosos como el naranja o el marrón creando un juego de tonos análogos.

  Principios de Composición:

• Énfasis: El énfasis de la obra recae en la iglesia, que es el punto central de la composición. Además, el camino que se extiende hacia la iglesia también refuerza este énfasis al conducir la mirada hacia el edificio, creando una fuerte jerarquía visual.

• Balance: La obra tiene un balance asimétrico pero armónico al mismo tiempo. La iglesia, colocada ligeramente a la derecha, se equilibra visualmente con los árboles y el camino que se extiende en el primer plano a la izquierda.

• Ritmo/Patrón: El ritmo en la obra se crea mediante las repeticiones de las formas: las líneas onduladas del cielo, los árboles y el camino generando un flujo visual que acompaña la mirada del espectador de izquierda a derecha. Aunque la obra no utiliza patrones en un sentido repetitivo tradicional, se puede ver una cierta repetición de formas en los árboles y las nubes, pero sobretodo en las lineas.

• Unidad y Variedad: La unidad en la obra se logra a través de la coherencia en el uso del color, la textura y la forma. Todos los elementos de la pintura parecen unirse en un todo armonioso, incluso cuando la iglesia y el paisaje se presentan de manera algo contrastante. La variedad se encuentra en las diferencias de color, las pinceladas y la textura, que dan vida a cada parte del cuadro sin romper la unidad general de la composición.

El Museo de Arte Miguel Urrutia es un espacio dedicado a la exhibición de obras representativas del arte colombiano, latinoamericano y del mundo, que forman parte de la colección permanente del Banco de la República. De esta manera se propicia el diálogo entre la plástica colombiana y la internacional, al tiempo que se confrontan obras de distintos períodos históricos. Además, el museo de Arte Miguel Urrutia- MAMU tiene exposiciones temporales de arte curadas por la unidad de Artes de la Subgernecia cultural y de diversas procedencias. Inicialmente se llamaba Museo de Arte del Banco de la República, hasta que en 2016 se nombrara en homenaje a economista y académico Miguel Urrutia Montoya. La edificación donde está ubicado el Museo de Arte Miguel Urrutia fue inaugurada en 2004, y fue diseñada por el arquitecto bogotano Enrique Triana Uribe, quien, por este proyecto, recibió el Premio Nacional de Arquitectura 2006. En 2004 presenta al público el nuevo nombre del museo y lo que de ahora en adelante se conoce como la Manzana Cultural del Banco de la República, en el barrio La Candelaria, integrado por el Museo Botero, La Biblioteca Luis Ángel Arango, el Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) y el Museo Casa de la Moneda.

Bibliografia:

• Bogotá - Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) | Banco de la República. (s. f.). https://www.banrep.gov.co/es/sucursal-bogota-museo-de-arte-banco-de-la-republica

• La Red Cultural del Banco de la República, E. |. (2018, 20 diciembre). Museo de Arte Miguel Urrutia - Enciclopedia | La red cultural del Banco de la República. Enciclopedia | la Red Cultural del Banco de la República. https://enciclopedia.banrepcultural.org/index.php?title=Museo_de_Arte_Miguel_Urrutia#:~:text=Miguel%20Urrutia%20Montoya.-,Su%20Historia,Premio%20Nacional%20de%20Arquitectura%202006.

La experiencia que tuve dentro del Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) en Bogotá fue una experiencia enriquecedora que me conecto con toda la historia que ha vivido mi país hasta la historia de otras partes del mundo, al contar con una vasta colección de arte colombiano e internacional. Al ingresar, uno se siente inmerso en un espacio de serena contemplación, donde las obras se presentan en un diálogo entre el pasado y el presente, ya que el museo esta organizado cronológicamente. Desde las piezas precolombinas hasta las expresiones contemporáneas, cada sala ofrece una perspectiva única sobre la evolución del arte en Colombia. Las obras de artistas emblemáticos como Fernando Botero, Débora Arango y Alejandro Obregón se alternan con exposiciones temporales que abordan temas actuales y experimentales permitiendo que la experiencia sea muy agradable al conocer diferentes técnicas y diferentes pintores que han marcado la historia de nuestro país. La experiencia que tuve con la guía fue maravillosa, ya que me explico y me enseño sobre muchos temas y aspectos que no conocía ni hubiera podido saber al analizar las obras, lo que permitió que mi estadía dentro del museo fuera mas amena y enriquecedora para cada vez mas apreciar el arte. Por otro lado, siento que mi experiencia fue enriquecedora porque me quede con mas ganas de saber sobre todas las obras y recorrer con mayor detenimiento cada sala.

El montaje de las obras en el Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) en Bogotá se caracteriza por un enfoque cuidadoso y coherente que busca establecer una relación armoniosa entre las piezas y el espacio. Las salas del museo están organizadas de manera que permiten un recorrido fluido y dinámico, en el que uno como visitante puede experimentar una narrativa visual que conecta distintas épocas y estilos. Las obras se disponen en espacios amplios, aprovechando la luz natural que entra por los grandes ventanales, lo que permite que los detalles de las piezas se aprecien en su totalidad. En algunas salas, se utiliza una disposición más íntima, con una iluminación controlada que dirige la atención del espectador hacia los elementos clave de las obras, creando un ambiente de introspección. El contraste entre las instalaciones contemporáneas y las obras clásicas o de arte precolombino también se maneja con una sensatez visual que favorece el diálogo entre las diferentes colecciones, haciendo que la experiencia de recorrer el museo sea tanto educativa como emocional. Además, las exposiciones temporales están montadas con un enfoque innovador, utilizando tecnologías y recursos audiovisuales que enriquecen la comprensión y apreciación de las obras en el contexto actual. En conjunto, el montaje del MAMU logra que cada obra se manifieste de manera única, invitando al espectador a una experiencia profunda y reflexiva. Adicionalmente, considero que el montaje esta muy bien diseñado, ya que permite apreciar cada pieza como se debe además me gusta ese juego de tamaños y posiciones dentro de las obras como ocurre en la sala de las monjas muertas que personalmente fue la sala que menos me gusto visitar, pero considero que la organización de las obras en forma de tumba va muy bien con el concepto que se quiere transmitir. Por último, me gusta que jueguen con las esculturas al ponerlas en vitrinas o al aire libre dependiendo su tamaño, en general siento que el montaje esta muy bien ejecutado.

Color: El color en Retrato de Jaime es predominante en tonos cálidos y terrosos. La piel del retratado se presenta en tonos suaves de rosa, beige y marrón, lo que aporta una sensación de naturalidad y vitalidad. El fondo es de tonos más oscuros y monocromáticos, generalmente grises o azulados, lo que contribuye a que el rostro de Jaime se destaque con mayor claridad. Este uso de colores cálidos para el retratado y fríos para el fondo ayuda a crear un contraste que refuerza el enfoque en el sujeto. Además, los matices sutiles en la vestimenta del retratado, generalmente en tonos más neutros o apagados, ayudan a mantener la atención en su rostro sin que otros elementos interfieran visualmente.

Formas: Desde la forma las formas en el retrato son fluidas y naturales, buscando una representación realista pero con un toque estilizado, ya que se trabaja con la técnica postimpresionismo. Las curvas del rostro y los contornos de los ojos, la boca y la mandíbula son suaves, sin la rigidez de un retrato académico, pero claramente definidas. La forma de la cabeza y los hombros está tratada con un volumen que sugiere tridimensionalidad.

Línea: Las líneas en Retrato de Jaime son suaves y curvilíneas, lo que contribuye a la suavidad de la imagen. Las líneas que definen el rostro son fluidas, evitando el contorno agresivo, lo que da una sensación de suavidad en la piel del retratado. Sin embargo, en los detalles del cabello y en los pliegues de la vestimenta, las líneas se vuelven más marcadas, proporcionando texturas que hacen que esas áreas sean más dinámicas. La línea en el retrato está orientada principalmente hacia la definición del rostro, con trazos menos pronunciados en el fondo.

Principios de la composición:

Balance:
El balance en la obra es simétrico y equilibrado. El retratado ocupa el centro de la pintura, y aunque el fondo es más oscuro y menos detallado, no se siente desproporcionado. La luz y la sombra se distribuyen de manera que el rostro parece ocupar un lugar central, creando una estabilidad visual en la composición.

Énfasis: El énfasis recae sin duda en el rostro del retratado, que es el área de mayor detalle y luminosidad. A través del contraste de colores y la iluminación focalizada, Santa María atrae la mirada hacia los ojos de Jaime, los cuales son la ventana hacia su estado emocional, intensificando el énfasis en su expresión.

Proporción:La proporción entre la cabeza y el cuerpo está correctamente representada, con un rostro ligeramente más grande en relación con el torso, lo que es típico en los retratos de estilo realista. Esto permite que el observador se enfoque principalmente en la expresión facial del sujeto, un aspecto crucial en este tipo de pintura.

Ritmo/Patron: el ritmo se crea a través de la repetición de formas en el cabello, los pliegues de la ropa y las sombras en la cara. Este ritmo visual guía la mirada del espectador por las diferentes partes del rostro y el vestuario, creando una sensación de fluidez que mantiene el interés generando también que se cree un tipo de patrón dentro de la pintura.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o mayor conocido como Museo Reina Sofía, es un museo español de arte del siglo XX y contemporáneo, con sede en la ciudad de Madrid- España. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía fue un hospital que tenia como la principal función ser la primera fundación del Hospital San Carlos creada por rey Felipe II. En el siglo XVIII, Carlos III decidió una nueva fundación, al resultar insuficientes las instalaciones para la ciudad. El actual edificio es obra de los arquitectos José de Hermosilla y Francisco Sabatini, debiéndose a este último gran parte de la obra. En 1788, tras la muerte de Carlos III, el edificio fue ocupado para asumir la función de Hospital nuevamente.

Desde entonces sufrió varias modificaciones y añadidos hasta que, en el año 1965, se clausura el hospital, pasando sus funciones a ser desempeñadas por la Ciudad Sanitaria Provincial. Logra sobrevivir a diversos rumores de demolición y, por medio de un real decreto de 1977, es declarado Monumento Histórico-Artístico, garantizando así su supervivencia. En 1980 comienza la restauración del edificio, realizada por Antonio Fernández Alba; en abril de 1986 se abre el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas 1 y 2 del antiguo hospital como salas de exposiciones temporales. A finales de 1988, José Luis Íñiguez de Onzoño y Antonio Vázquez de Castro llevarían a cabo las últimas modificaciones, de entre las que cabría destacar especialmente las tres torres de ascensores de vidrio y acero, diseñadas en colaboración con el arquitecto británico Ian Ritchie. El edificio que alberga el Museo Reina Sofía se compone de dos partes: la nueva ala del museo, inaugurada en 2005 y construida bajo la dirección del arquitecto francés Jean Nouvel, y la parte que originalmente se construyó como Hospital General, impulsada por Felipe II de España en el siglo XVI y posteriormente por Carlos III de España. Los planos originales fueron elaborados por el ingeniero y arquitecto José Agustín de Hermosilla en 1756 y continuados por el arquitecto italiano Francesco Sabatini durante la segunda mitad del siglo XVIII. El Ministerio de Educación, en 1976, reforma y transforma el museo en centro cultural. En 1986, como culminación de la transición de España a la democracia, se creó el Centro de Arte Reina Sofía. Cuatro años más tarde se convertiría en Museo Nacional (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), con la fundación del actual museo.

Bibliografía:

• Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. (s. f.). Historia | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. https://www.museoreinasofia.es/museo/historia

• Museo Reina Sofia, Madrid, Spain - Google Arts & Culture. (s. f.). Google Arts & Culture. https://artsandculture.google.com/partner/museo-reina-sofia

Visitar el Museo Reina Sofía es sumergirse en una experiencia única que fusiona el arte contemporáneo con la historia reciente de España. Desde el momento en que se cruza la puerta, uno esta rodeado por obras emblemáticas de artistas como Salvador Dalí, Joan Miró y, sobre todo, Pablo Picasso, cuyo "Guernica" es una de las piezas más impactantes del museo. El espacio arquitectónico, un antiguo hospital, ofrece una atmósfera moderna que invita a la reflexión y al descubrimiento. Cada sala, con su diseño minimalista y cuidadoso en la disposición de las obras, fomenta una sensación de calma que permite conectar profundamente con el arte y las emociones que transmiten las piezas, aunque en este caso al trabajar con fotografías e imagenes relacionadas a la guerra española evoca tristeza, pero al mismo tiempo reflexión para evitar que ocurra en futuras generaciones. La colección permanente, junto con exposiciones temporales, se convierte en un lugar donde el tiempo parece detenerse, brindando la oportunidad de experimentar el arte de manera visceral, cuestionadora y enriquecedora, aunque también te permite ver las nuevas tendencias a través de las exhibiciones y colecciones temporales. Por otro lado, mi experiencia dentro del museo no me gusto, ya que no me gusta estar en espacios donde se atendieron pacientes que en ciertos casos fallecieron, además no me gusto la curaduría, por lo que mi experiencia no fue muy agradable, porque también soy sencible con estos temas relacionados al sufrimiento de la gente, lo único que resaltaría de mi visita es el cubismo y las colecciones temporales que me gustaron bastante. Por último, me gustó mucho apreciar la obra maestra de Picasso y entender su transfondo.

El montaje de las obras de arte en el Museo Reina Sofía se caracteriza por una cuidadosa disposición que busca no solo facilitar la experiencia estética del espectador, sino también fomentar una reflexión crítica sobre el contexto histórico y artístico de las piezas, ya que la mayoría son representaciones o imagenes relacionadas a diferentes guerras. El museo, que alberga una de las colecciones más destacadas de arte moderno y contemporáneo de España, utiliza el espacio de manera fluida y dinámica, adaptando la disposición de las obras a los diálogos que se generan entre ellas. Las salas están organizadas tanto por periodos históricos como por movimientos artísticos, permitiendo una comprensión más profunda de la evolución del arte desde el siglo XX hasta la actualidad permitiéndonos adentrarnos en la historia y en los sucesos del pasado. La iluminación, la escala y el espacio entre las obras se gestionan con precisión para crear una atmósfera que favorezca la concentración y la inmersión de cada pieza como ocurre con la obra de Picasso que esta muy bien diseñada la curaduría, ya que se le da el espacio necesario a la pieza para ser expuesta y presenciada. En el caso de las piezas de arte contemporáneo, el museo a menudo emplea montajes más experimentales y menos convencionales, que permiten una interacción más directa entre el público y las obras al tener espacios con salas y exposiciones atemporales. El montaje no solo responde a criterios estéticos, sino también a la intención de crear un recorrido que desafíe las percepciones y sensibilidades del visitante, invitando una interpretación activa y personal de los trabajos exhibidos. Por último siento que la curaduría esta bien diseñada, ya que se dividen las obras desde sus contextos, pero también con respecto a el juego de tamaños entre las obras y las salas de exhibición. A pesar, de esto siento que el montaje de las obras debería jugar con el color de las paredes en ciertas zonas para resaltar con mayor detalle algunas obras, ya que se pierden al tener tonos muy calidos sobre paredes muy blancas o se pierden las tarjetas informativas creando que se pierdan dentro del espacio.

• Color: La paleta de colores es predominantemente de tonos terrosos y calidos, como ocres, marrones, grises y tonos fríos de los colores verdes y azules. Esta elección de colores ayuda a crear una sensación de armonía y estabilidad dentro de la obra.

• Forma: La obra está llena de formas geométricas: rectángulos, triángulos y círculos que, al descomponerse y reconfigurarse, representan de manera abstracta los objetos (violín y guitarra). Las formas están simplificadas y fragmentadas, lo que es característico del cubismo, pero también se preserva una clara referencia a los objetos originales a través de la disposición de estas.

• Balance: El balance es casi simétrico, con una disposición equilibrada de las formas que ayuda a mantener la cohesión visual en toda la obra. La ubicación de los objetos parece pensada para equilibrar el peso visual entre ambos lados de la pintura, aunque con cierta asimetría en el detalle de las formas.

• Énfasis: El énfasis en la pintura recae en las formas que evocan el violín y la guitarra, a pesar de que estén fragmentadas, siguen siendo reconocibles y evidentes como los principales objetos. Este énfasis es reforzado por la disposición central de las figuras, que dominan el campo visual.

• Ritmo/Patrón: El ritmo visual se establece a través de la repetición de formas geométricas y la alternancia entre líneas rectas y curvadas. Estas repeticiones de líneas crean un patrón como si fuera un tapiz.

• Unidad: A pesar de la fragmentación de las formas, hay una clara unidad dentro de la obra. Las formas, aunque estén separadas y reconfiguradas, se organizan de manera que mantienen una relación visual constante y una interacción entre ellas. No se trata de elementos aislados, sino de una composición en la que cada parte contribuye al todo.

• Variedad: La variedad está presente en la diversidad de formas geométricas, aunque dentro de un esquema coherente. La mezcla de líneas rectas, curvas y ángulos, y la combinación de formas grandes y pequeñas crea una variedad visual que mantiene el interés del espectador.

Joaquín Sunyer

Sitges, Barcelona, España, 1875 - 1956

• Fecha: 1901-1905 (ca.)

• Técnica: Aguatinta, bruñido y acuarela sobre papel verjurado

• Dimensiones: Imagen: 44,1 x 32,9 cm / Soporte: 53,9 x 39,2 cm

• Categoría: Arte gráfico

Feliciano Centurión

San Ignacio Guazú, Paraguay, 1962 - Buenos Aires, Argentina, 1996

• Fecha: 1991

• Técnica descriptiva: Encaje ñandutí y esmalte sobre manta

• Dimensiones: 224,5 x 146,5 cm

• Categoría: Artes decorativas, Textil

• Depósito indefinido de la Fundación Museo Reina Sofía, 2020 (Donación de Patricia Phelps de Cisneros en honor a Rafael Romero

Daniela Ortiz de Zevallos

Cuzco, Perú, 1985

• Serie: Pinturas de castas

• Fecha: 2019

• Técnica: Óleo sobre lienzo

• Dimensiones: 38 x 46,5 cm

• Categoría: Pintura

Moisés Barrios

San Pedro Sacatepéquez, Guatemala, 1946

• Fecha: 1997

• Técnica: Acuarela, collage, lápiz e impresión fotomecánica sobre papel de acuarela y papel cartulina

• Dimensiones: 50 x 32 cm

• Categoría: Obra sobre papel, Dibujo, Obra sobre papel, Collage