Je vous propose aujourd'hui d'explorer la notion d'œuvre d'art en reposant votre regard sur un peintre qui semblerait faire l'unanimité en tant que "vrai artiste", si je puis dire, et qui pourtant a reçu et reçoit encore à ce jour des critiques telles que : "Rothko n'est pas un artiste. Ce n'est qu'un explorateur de la couleur, prétentieux en plus de cela" ou encore "Je vu le travail de Rothko et il n'a rien de sublime ou de spécial. Les gens se persuadent que c'est de l'art car c'est ce qu'on leur a dit."

D'une certaine manière, l'argument de ce public se résume en cette formule bien connue : "Mon enfant de quatre en pourrait faire pareil".

Ainsi, l'impressionnisme abstrait de Rothko serait quelque chose de l'ordre d'un dessin d'enfant, sans valeur ou signification particulière ? Je me demande alors : Mais ces personnes ont-elles comprises l'intention de l'artiste ?

Tout d'abord, bien que l'œuvre de Rothko autour de ses Color Fields répétitifs puissent paraître étrange voir même insignifiante pour certains, son exploration de la couleur, comme l'eu si bien dit l'un des avis négatifs plus haut, offre un caractère visuel à son œuvre mais également un espace sémantique dans l'interprétation de celle-ci. En effet, Rothko ajoute à la notion d'abstraction déjà révolutionnaire un renouveau, l'artiste n'ayant de tout son vivant jamais révélé une interprétation quelconque à ses œuvres, son intention étant de laisser le spectateur s'approprier son art par le regard. Ses Color Fields, engloutissant le regardeur par la simplicité de leurs formes qui renferment pour autant des sentiments complexes et profonds, servent de miroir à nos âmes.

Ainsi, ce public critique n'aurait-il pas seulement un apriori face à l'art abstrait, ou alors ressentirait-il simplement du dédain face à la façade "simpliste" des œuvres de Rothko ?

Nous possédons tous une sensibilité plus au moins développée qui nous permet d'avoir accès à plus que la simple contemplation d'une œuvre d'art, reste-t-il d'essayer de comprendre celle-ci.

L'artiste crée des nuages moelleux là où ils ne se seraient jamais formés de façon naturelle. Les sculptures de l'artiste néerlandais dure cinq, voire 10 secondes tout au plus, avant de s'évanouir.
À l'aide de vaporisateurs d'eau et de machines à fumée, Berndnaut Smilde crée des nuages qu'il photographie dans des lieux étranges, ici dans l'Himalayas Museum de Shanghai. Il retouche les clichés pour faire ensuite disparaître les outils utilisés.

https://www.flipsnack.com/B8AB8CF6AED/la-fen-tre-dans-l-art/full-view.html

À mettre au propre, après tes corrections : fais un tirage papier, que tu me montreras, pour travailler la mise en page (police sans serif)

"The provocateur of the chemical processes is located outside of the world." (langue étrangère en italique)

Joseph Beuys, 1969.

Traduction :

"Le provocateur des processus chimiques se situe hors du monde."

Analyse :

"Les processus chimiques" : ce qui constitue/fait l'humain par la Science. Question métaphysique car qui est ce provocateur de processus chimiques ? Dieu ? L'Art ?

Ce qui ferait notre humanité (est hors du monde) se trouve dans la sphère idéale : l'imagination, les rêves, les sentiments, la conscience.

Hypothèse intéressante, à étayer et à rédiger davantage : après tout, l'artiste est aussi un créateur, et se situe en dehors de son tableau, constitué de pigments et de processus chimiques, mais-pas-que... puisqu'ils dépendent d'une intention de l'artiste, ce que tu développes plus loin.

L'artiste se sert de la prison de la matière. Il en recueille les briques pour les sublimer, les transformer en une création qui réconcilie le sensible et l'idéal.

L'Art permettrait ainsi de lier cette relation du corps sensible et de l'esprit idéal trop souvent séparés, que ce soit chez les philosophes ou dans la vie quotidienne. Il ne resteraient entre eux qu'une évanescence naissante, le flou d'une abstraction mystique insaisissable. Belle formule finale

Tu peux contextualiser davantage la citation en utilisant d'autres parties de l'interview : Beuys s'y oppose à l'explication matérialiste ("les processus chimiques" : hypothèse réductionniste, par exemple de l'amour), et suggère une transcendance, une cause première qui explique le réel sans en faire partie, comme dans l'idéalisme socratique.

On peut aussi être sensible au style de Beuys, et à ses figures : personnification, périphrase dévalorisante...

On peut enfin se référer à l'œuvre de Beuys pour illustrer sa pensée ! L'artiste est certes un philosophe empirique, mais il est d'abord un créateur, capable de donner grâce à un amas de graisse...

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"The provocateur of the chemical processes is located outside of the world." Joseph Beuys, 1969.

Traduction :

"Le provocateur des processus chimiques se situe hors du monde."

Analyse :

"Les processus chimiques" : Ce qui constitue/fait l'humain par la Science. Question métaphysique car qui est ce provocateur de processus chimiques ?

Dieu ? L'Art ?

Ce qui ferait notre humanité (est hors du monde) se trouve dans la sphère idéale.

-> L'imagination, les rêves, les sentiments } La Conscience.

L'artiste se sert de la prison de la matière. Il en recueille les briques pour les sublimer, les transformer en quelque chose qui réconcilie le sensible et l'idéal.

L'Art permettrait de lier cette relation du corps sensible et de l'esprit idéal trop souvent séparés, que ce soit chez les philosophes ou dans la vie quotidienne. Il ne resteraient entre eux qu'une évanescence naissante, le flou d'une abstraction mystique insaisissable.

Joachim Patinir, dans son tableau "Paysage avec Saint-Jérôme", a pour sujet principal la représentation d'une scène religieuse. Pour autant, le peintre montre une grande nouveauté dans son tableau en offrant au paysage un espace quasiment omniprésent. Par cette action, l'artiste sort de l'iconographie ou de l'icône religieuse et s'engage vers le genre du paysage. Joachim Patinir donne une grande importance aux détails de chaque éléments, révélant une certaine recherche de mimesis. Son travail devient ainsi une représentation idéalisée, décomposée car il sélectionne des éléments du paysage réel, d'après une étude de celui-ci, avant de les reconstruire et de les replacer à sa guise dans son tableau. Cette peinture à huile sur bois est composée de plusieurs plans, visibles grâce a l'utilisation du sfumato qui modèle de façon vaporeuse les objets et qui offre une impression de profondeur, et à la perspective atmosphérique créée par les nuances de "Bleu Patinir" s'ajoutant aux éléments les plus lointains. Le point de vue aérien ou encore en vol d'oiseau nous permet ainsi de nous perdre dans un paysage en profondeur.

David Hockney, appartenant au mouvement du modernisme, offre un écart avec le réel dominant sur plusieurs points. En effet, bien que le sujet soit celui du paysage par une vue aérienne, ici la perspective est distordue, faussée et nous pouvons donc observer un mélange, ou plutôt une découpe peu nette entre les différents plans. De plus, nous pouvons reconnaître chez l'artiste une palette de couleurs rappelant celle des impressionnistes. Celles-ci sont vives et ainsi irréalistes, étant composées principalement de verts, de roses, de violets et de bleus. Nous pouvons également constater que la gestuelle de l'artiste est visible à l'inverse du tableau traditionnellement lisse de l'époque classique.

Malgré le fait que les formes restent figuratives et que l'on reconnaît les différents éléments du tableau, l'artiste, à travers son écart avec le réel et le mouvement artistique auquel il appartient, ne semble pas chercher qu'à représenter le paysage mais bien à retranscrire le sentiment que celui-ci a produit en lui. Précisément, nous pouvons ressentir face a se tableau une sentiment d'immensité non pas effrayante mais plutôt envoûtante et fascinante. Le paysage attire notre regard et les couleurs saisissent nos sentiments.

Ainsi, la composition des couleurs et la technique utilisée pour réaliser les deux tableaux sont divergentes en tout point. Chez Patinir, les détails et le réalisme sont rois, rendant la recherche de mimesis évidente, cela étant renforcé par l’aspect lisse du tableau dans son absence de gestes, d'effets de reliefs. En revanche, chez Hockney, les couleurs vives, la simplification des formes et la perspective distordue soulignent l'écart avec le réel. Le peintre rejette toutes les règles appliquées par Patinir.

De plus, Joachim Patinir a pour sujet premier la représentation religieuse. Bien qu’elle puisse n'être qu’un prétexte pour pouvoir peindre librement le paysage, il possède tout de même comme intention initiale celle de la narration de l'histoire de Saint-Jérôme. Il utilise donc le paysage et son symbolisme pour agrémenter le sujet religieux au cœur de son travail. Au contraire, David Hockney a pour intention en tant que peintre moderne de traduire par le geste, la couleur et la composition, l’émotion que transmet un paysage. En effet, les ressentis face a ces deux toiles diverges. Les vives couleurs utilisées par David Hockney offrent des fortes émotions au paysage, l'écart avec le réel renforçant le sentiment d'émerveillement face à celui-ci. À l'inverse, le paysage de Patinir s'aplatit dans son détail pour mettre en avant la scène religieuse et le symbolisme du tableau. De cette manière, le réalisme poussé du peintre classique donne à voir quelque chose de l'ordre d'une complexité qui nous submergerait presque.

Finalement, le sentiment essentiel et direct que nous ressentons d'un tableau à l'autre se conclut comme deux perceptions réciproquement discordantes.

Porte folio non à jour.

Les notes d'intentions doivent être rédigées sur un doc google drive pour pouvoir être corrigées par les enseignants.

Manque les dessins anatomiques avec écart.

Manque les dessins des workshops de Prime.

BD non encrée

Rapport avec N°7 et N°1.

Rapport avec N°7.

Rapport avec N°7 et N°1.

Rapport N°5.

Rapport avec N°5.

Rapport avec N°1.

Rapport avec N°1 et N°5.

Rapport N°8, N°5 et N°1.

Rapport N°5.

Rapport avec N°1.

Rapport avec N°5.

• la combinaison du travail au trait et de la couleur en lavis fonctionne bien.

• Tester des mises en page plus audacieuses (jeu verticales/horizontales, rythme chromatique, contrastes entre les dimensions des différents fragments, importance des vides)

• Réf: Pierre Alechinsky, Emil Nolde (peinture), Hugo Pratt (Corto Maltese: l'organisation des vignettes/ la narration)

Prod2 Oniromantic abstrast (vidéo ombres projetées)

• très beau travail (image et son), une vraie atmosphère

• les formes "fantômes", l'immatériel

• réf: Christian Schad (les Schadographies), les rayogrammes de Man Ray, les films de Hans Richter

Prod3 Aquarelle + texte

• Developper une série pour ouvrir la narration...ou pas?

• Raymond Pettibon (dessins texte/image), Aurélie William Levaux

  
  

Prod 4

• relation image vidéo + texte

• tester d'autres combinaisons (sous-titres? voix-off?

• Réf: Chris Marker (si j'avais quatre dromadaires + la jetée)

  
  

Prod5 Photo paysage/ filtre fenêtre

• ça fonctionne plastiquement. Quel mode de présentation? diaporama, tirages papier et accrochage? édition?

• réf: Karl Hugo Schmölz (photographies)

  
  

Black narcissus (dessin au fusain)

• Tester avec une composition moins centrale?

• le rayonnement de la partie sombre du corps par estompe est-il vraiment nécessaire?

  
  

L'après-midi d'une nymphe (dessin, peinture)

• jeu intéressant fini/ non fini, figures/éléments décoratifs, abstraction/ figuration

• Réf: les éléments décoratifs et végétaux dans l'art nouveau, les compositions murales de Kara Walker.

  
  

PLUS GLOBALEMENT:

• La relation image/texte, la narration

• le paysage ( Emil Nolde, Courbet (vagues), August Strindberg, Victor Hugo (dessins à l'encre)

• l'image fragmentée (Gary Hill vidéos, David Hockney photographies)

• matériel/immatériel (Bill Viola, Michael Snow)

• l'évanescent, le fantôme, la peinture en "jus de couleurs" ( Marc Desgranchamps, Marlene Dumas, Valerie Favre, Pascale Simont les portraits à l'huile)

  
  

https://www.constellation.re/product-page/mu-guillaume-lebourg-charles-prime

Faire le travail d'impression photos et réaliser concrètement le travail de présentation.

Lien pratique perso: mélange entre musique, texte et image. Processus à questionner.

A vidéoprojeter?

Attention à élargir le champ référentiel vers des oeuvres grand public et internationales et à ouvrir les sujets (du local vers le mondial).

Prendre conscience du processus de création qui entremêle la musique au texte et à l'image.

Portfolio: mettre toutes les productions. Nous ferons le tris avant les concours.

Pistes:

La musique comme processus comme matériau plastique.

Prise en compte de l’espace réel dans la présentation des productions.

Poursuivre les investigations in situ avec les éléments naturels.

Qualités plastiques et d’analyses des productions.

Références :

Aude Franjou Nid d’amour coeur du figuier

Ossifia zadkine sculpture sur l’arbre.

Mishka Henner photo et picturalité.

Jackie Mulder (photos paysage et support)

"Scriptor plantis, l'écriture des plantes"

MARRONIES