Bajo relieve sobre piedra caliza y ocre

54cm x 36cm x 15,5 cm

Ca. 25,000 – 20,000 AP

Descubierta en 1911

Museo de Aquitania. Burdeos, Francia
Análisis visual  - Criterio: Características formales y de función
Teniendo en cuenta la composición de esta pieza, donde su único y principal personaje en una mujer, se puede deducir que su creación se realizó con el objetivo se representar un aspecto especifico de esta. El cual, en este caso, partiría de la imagen del cuerpo desnudo y voluptuoso de una mujer, donde resaltan e incluso son algo exagerados los senos, su vientre, vulva y caderas, lo cual haría pensar que se hacía alusión a la fertilidad y al hecho de estar embarazada, además por la posición de la mano izquierda que reposa sobre el vientre de la mujer. Sin embargo, resulta interesante ver cómo el rostro no esta diseñado en esta pieza, lo cual representaría que el objetivo de crear esta venus era bastante general y el autor no se preocupaba en lo absoluto por la particularidad de una sola mujer sino de su propósito dentro de la comunidad, el ser fértil y reproducirse.  Ahora bien, esta pieza al ser un bajo relieve y contar con un tamaño medianamente grande podría indicar que no era posible transportarlo con facilidad, y que incluso podría haber sido parte de una pared o estructura mucho más grande donde pudiera ser vista por muchas personas. Lo cual también indicaría que podría ser una pieza específica para realizar algún tipo de celebración o ritual en torno a la fertilidad, lo cual también explicaría, dentro de la composición, lo que podría ser un cuerno o quizás una luna en su brazo derecho, esto quizás haciendo alusión al ciclo lunar y su relación con la fertilidad. Muy seguramente esta pieza hizo parte del ámbito público de una comunidad.

Desconocido

Estatuilla de Isis amamantando a Horus
Bronce, plata dorada y bronce con plomo separado

39,3 x 12,3 x 18,8 cm

611–594 a. C.
Regalo de David Dows, 1945 

Museo Metropolitano de Arte. Nueva York, Estados Unidos
Análisis visual  - Criterio: Temática
Para el caso de esta pieza, se percibe como tema principal la maternidad. Esto es visible gracias a la narrativa en la que se ven inmersos los dos personajes, la diosa Isis y su hijo Horus. Ahora bien, hay varios componentes que nos ayudan en el análisis. Por un lado, en cuanto a la parte iconográfica, se reconoce a la diosa Isis, gracias a su tocado heredado de la diosa Hathor de la maternidad y el amor, el cual se compone de un disco solar entre unos cuernos de vaca. Seguido de esto, se entiende que el bebé que carga en sus brazos es su hijo Horus (a pesar de que sus piernas sean las únicas visibles). Finalmente, el componente que permite identificar la temática de la obra, es el acto de amamantar, símbolo también de amor, cuidado y protección. 

Desconocido

Miniaturas de las Diosas serpiente
Loza vidriada

Depósito del Templo de Knossos

1650-1550 a.C 
Descubiertas en 1903

Museo Arqueológico de Heraklion. Creta, Grecia  

Estatuilla de metal, bronce y cobre

Segundo milenio a.C

Museo de Pérgamo. Berlín, Alemania

Ahora bien, estas piezas parten de una similitud, la cual es la maternidad y cómo esta era representada en los diferentes periodos. Para aquel entonces, la maternidad además de ser considerada primordial, era fuertemente impuesta en las mujeres e incluso ellas temían no poder ser madres a causa de esta presión, además porque el matrimonio no se consumaba hasta quedar encinta y sin un marido la mujer sería fuertemente juzgada (Reboreda 2012, 136-137). Finalmente, se puede deducir que, si esta era la realidad de las mujeres en la época, sus deidades debían ser representadas cumpliendo con el rol de madre, con el objetivo de que las mujeres vieran que sus diosas cumplían con los mismos mandatos, así como se evidencia en la segunda pieza. 

 

 

Susana Reboreda, “El espacio religioso de la maternidad en la Antigua Grecia”, en Los espacios de la esclavitud y la dependencia desde la antigüedad (Madrid: Presses Universitaires de Franche-Comté, 2012), 135-152. 

 

 

Porque incluso resulta difícil afirmar que las mujeres de las grandes casas no eran sometidas también a violencias a causa de su sexo y su valor reproductivo, así ellas no cumplieran con tareas pasadas, debían ser madres como fuera posible y acarrear con todo lo que esto conllevaba. Prácticamente el análisis parte de que, la mujer con prestigio era representada en el arte pero muy seguramente su situación no era muy diferente a la mujer esclava que por otro lado no era representada en estos medios, o al menos no muy seguido. 

 
Carla Rubiera, “Esclavitud femenina en la Roma antigua. Entre la reproducción biológica y la maternidad”, en ·       Dialogues d’histoire ancienne

 (Madrid: Presses Universitaires de Franche-Comté, 2015), 151-170

Teniendo esto en cuenta, no resulta muy difícil suponer que desde este momento la maternidad pasó a otro plano aún más canónico y complicado que por cierto debía ser representado y que vemos aquí expuesto. Una maternidad donde se debía acompañar permanentemente al hijo y al parecer de forma individual. En efecto, esta idea asociada con la gran responsabilidad de dar a luz al hijo de Dios, debía también ser ejemplar y regida por la palabra de la Iglesia y todas sus exigencias. Claramente, en estos momentos de la historia, resulta más dificil representar una maternidad 100% real, con la asociación de la Virgen a todas las maternidades, la idea de imperfección queda aún más escondida y rechazada.

 
 

“La Maternidad Divina de María en la historia de la Iglesia”, Católicos firmes en su Fe, acceso el día 15 de septiembre de 2020, http://www.catolicosfirmesensufe.org/la-maternidad-divina-de-mara-en-la-historia-de-la-iglesia

ca. 1165

Donación de J. Pierpont Morgan, 1917
Museo Metropolitano de Arte. Nueva York, Estados Unidos 

Análisis visual  - Criterio: Características formales
Esta pieza fue realizada con la técnica de esmalte champlevé, una técnica de esmaltado de origen francés, con una aleación de cobre para el soporte e incrustaciones de oro visibles como fondo de la pieza. Obra en donde se pretende representar una cierta profundidad, la cual se percibe gracias a la posición en la que se encuentra San José junto con el Niño Jesús hacía el fondo de la habitación, mientras que la Virgen María se percibe en un primer plano. Seguido de esto, se percibe la intención de crear volumen y contraste sobre todo en las ropas de los personajes. Sin embargo, este aspecto no está muy trabajado y no se entiende perfectamente si la luz vendría de algún punto especifico. Ahora bien, esta obra cuenta con cierta sencillez en cuento a sus personajes.  En primer lugar, las expresiones que en ellos vemos no son muy detalladas y tampoco transmiten mucha expresividad. En segundo lugar, es completamente visible como las proporciones no son realistas y más bien son exageradas, esto representado por ejemplo en el tamaño del niño Jesús con respecto a san José y a su madre. Finalmente, el tamaño de la pieza también haría pensar que “esta pieza en conjunto con las otras del mismo diseño, hicieron parte de un altar o pulpito” (The MET).

“Plaque with the Nativity”, The MET,acceso el día 22 de septimebre de 2020, 

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/464405

Madonna e il Bambino
Fresco
180 x 90 cm
c.1295 - c.1300
Iglesia San Giorogio alla Costa, Florencia, Italia

Técnica mixta sobre roble

65,7 x 49,6 x 0,8 cm

1437

Städel Museum, Frankfurt am Main, Alemania

1535 – 1537
Museo del Prado, Madrid, España

Análisis visual - Criterio: Temática
Para la obra de Parmigianino, es posible identificar una temática no solo de maternidad, sino de poder, esto gracias a que se representa a la condesa Camila acompañada de 3 de sus hijos y esto muy seguramente fue con la intención de representarse a sí misma para la posteridad además de su posición en aquel entonces, dado que tenía los medio económicos y sociales para hacerlo. En adición a esto, es también posible hablar de otras dos temáticas menos perceptibles. Por un lado, la fecundidad dado que la condensa tiene en su hombro una marta cibelina. Y, por otro lado, la desgracia, atribuida también a este animal ya muerto (Museo del Prado). 
Ahora bien, para el caso de esta pieza no se presenta mucha narrativa, pero sí es posible imaginar un poco el contexto del “antes y durante” de la obra. Es visible como los niños no tienen la misma rigidez de su madre, quizás a causa de su edad y cómo son representados de una forma más libre y con más movimiento; mientras que, para el caso de Camila, ella sí pudo o quizás “tuvo” que guardar la postura durante toda la realización del retrato. Incluso esto nos hace pensar que ella en su deber de madre y esposa debía reflejarse de una manera perfecta, pulcra y de control, por más agobiada o estresada que estuviera. 

320,5 cm x 281,5 cm

Museo del Prado, Madrid, España

Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe, Alemania

Análisis visual - Criterio: Función
Esta obra pudo haber sido creada para representar la vida cotidiana y doméstica de una mujer burguesa en la Francia de la época (Francia puesto que Marguerite se desempeñó como artista en este, su país natal). Esto se puede inferir gracias a los objetos que indican cierta iconografía en la obra, tales como las joyas, la guitarra y las ropas de la mujer; objetos que no solo denotan gran poder económico y social, sino que muestran atributos típicos de las mujeres y madres de aquel entonces, como lo es la guitarra y lo que esta significaba como símbolo de acompañamiento para deleite de otros, en este caso el bebé. También es muy probable que este haya sido un encargo para una persona en especifico, quizás quien comisionó la pieza quería reflejar el ser madre en aquel entonces y cómo era la relación “madre e hijo/a”. Incluso el tamaño de la obra da estos indicios puesto que su tamaño no era demasiado grande, era más bien modesto, lo cual lo hacía más personal y para ser expuesto quizás en una habitación específica. 

Mother Holding a Child in Her arms
Óleo sobre lienzo
81 x 65,5 cm
1890
Museo de Bellas Arte de Bilbao, España

Análisis visual - Criterio : Características Formales
Esta obra fue realizada con óleo sobre tela, se nota por las pinceladas que fue un dibujo rápido en cuanto a los colores, aunque se perciben muy bien las figuras, en este caso la madre y el niño. En cuanto al espacio, no hay mucha tridimensionalidad ni profundidad, sí se entiende que delante de la mujer hay algo, lo que vendría siendo una mesa sobre la cual hay una jarra quizás para bañar al infante, pero no se percibe un “más allá” de este plano. Ahora bien, la luz es muy notoria, eso puede darse gracias a las pequeñas sombras que muy sutilmente agrega Cassatt, por ejemplo las que deja el niño sobre el cuerpo de la madre. Sin embargo, predominan los colores claros sin mucho contraste y esto nos hace pensar en cómo y por donde llegaba la luz, la cual apuntaba directamente a la espalda de la mujer. Muy seguramente habría una ventana del lado derecho de la madre y por eso la luz provendría de aquella dirección. Seguido de esto, la primera figura que vemos es la del niño, quien inmediatamente nos lleva al punto focal y quien expresa un rostro de fatiga o aburrimiento, mientras que el rostro de la madre está completamente oculto tras su cabello. Lo que nos haría imaginar qué estaría haciendo mientras tenía a su hijo en brazos y si esta acción era de su agrado o no. Finalmente, resulta que la obra es de gran tamaño, quizás poco habitual a lo que acostumbraban los y las impresionistas. Muy seguramente esta obra con enfoque vertical fue hecha para ser vista por un público, como bien se sabe estas piezas eran de género y buscaban representar la cotidianidad de las personas, en su mayoría ya no eran de comanda ni dominio personal o privado. 

Óleo sobre lienzo

Sin medidas

Sin año

Ubicación desconocida

Análisis visual - Criterio : Temática
Se podría decir que esta imagen carece de una temática especifica. Sin embargo, gracias al movimiento al que pertenece esto queda más a interpretación y puede ser leída de muchas formas. Para el caso de esta obra únicamente se presentan a dos personajes, una mujer y una niña, lo cual es muy ambiguo al momento de precisar su narrativa especifica. A pesar de esto, muchas teorías pueden ser leídas y es gracias a los rostros de las dos. Por un lado, la mujer está sentada, quizás cansada, agotada y aburrida e incluso reflexiva, mientras que la pequeña casi que mira directamente al espectador como si estuviera buscando algo, o a alguien con quien seguir jugando o a alguien para llamar su atención. Esto me hace pensar que son madre e hija y que la mujer sencillamente está tomando un descanso de este arduo trabajo de ser madre, mientras que la niña de alguna forma intenta seguir jugando o haciendo algo; ella aún es joven y cuenta con mucha energía. Ahora bien, es importante precisar que para esta obra no hay mucha información, casi que únicamente esta la imagen, esto hace aún mas difícil comprobar mi análisis con información real. Sin embargo, se sabe que Menez fue madre y que sufrió la muerte de sus dos primeros hijos. Esta información podría de por si confirmar el por qué retrataría sus sentimientos, el ser madre e incluso la expresión de la mujer, suponiendo que la obra fue realizada después de esta tragedia. Finalmente, esta pieza además de ser enigmática y si mis suposiciones son ciertas, podría ser una de las primeras obras que habría empezado a mostrar una maternidad más real, más trágica, melancólica y más humana. Es precisamente esa idea de perfección la que se va perdiendo con los años y por eso esa imagen llamó mi atención, en ella vi quizás esa ruptura de devoción a ese sofisma de una única maternidad perfecta.

How We Would Give Birth
Óleo sobre lienzo
152.4 x 182.9 cm

2007

Ovitz Family Collection, Los Angeles

Análisis visual - Criterio: Función

Esta pieza fue creada para representar una relación entre el pasado y el futuro desde el punto de vista de la artista, además de hacer referencia a su propia experiencia de convertirse en madre. Incluso se podría decir que esta obra era más para ella en cuanto lo que significa y cómo se siente ser madre. Schutz menciona que ser madre es tan loco que incluso es algo que se olvida (MAC), lo cual resulta muy honesto y de hecho refleja una maternidad sincera en donde no se espera una devoción inmediata de la mujer hacía su nueva “labor” o “deber”. Ahora bien, ella agrega el detalle del paisaje al fondo para mostrar un poco esa idea de “perderse” en algo más, de jugar con quien da a luz, el pasado que se representa con la pintura de atrás y el futuro visto en el bebé que está naciendo. Esta combinación de elementos pone al espectador a dudar y a preguntarse en qué anda esa madre… ¿Estará realmente pendiente de su bebé? Finalmente, tendría más sentido ver esta obra públicamente, su significado alrededor de los sentimientos de una madre que incluso se pregunta si debió hacer esa obra de la forma en que la hizo es un claro ejemplo de cómo estas obras ponen sobre la mesa temas tan importante y que poco a poco han tomado más relevancia. 

 

MAC. Dana Schutz. https://danaschutz.macm.org/en/the-gallery/how-we-would-give-birth/?__cf_chl_captcha_tk__=99abaf5373c3cbad5159f2c62c603598d3d5fff3-1606865898-0-ARzbfbMDB1yojx_Jy2V5p6leoVtKihnHgDfrvjyVP3GSYWEyqgxid2iSM3yvuWgHz2XenX03jcmUymDeMMWRuT-e9_oISPfso42jCa90ORRvF-GlJwE4-ygCV_ihyDx-CDKDuBvty1rybrSu189xGq5jpS1wrTCCtjQYai6xTL8gtCP9AXDefSRSRjJoto_WUefJ0EtNJYbhDaLWf1VOOMMF5Wvyo0Cmmywq26iixN4cuXPxScBjaUxr7KQ5-bWM8i_dzrMT2I5btWo730Kds7PyO6Qc-VDefW8h7Hk4xTOV_3KtBlZdlwlMopQo92Lpc1r2r0mu8b1sgp8uiPlqjshW5tkQmJFZWypZsnTGD0pRh1kfAU5_M6dgNOBl_kktnY0VeKNdE_WdH57f9BykSzumZljNWEmIPB_XCcnwS4-Q1gExakV8xX4CWT-yItnSKBAFU8J6QC0Ig-btvaxCrpqrN7iwBT2Gs44lNQzju8UnCOxGrNLP5JvgTENzsYnQ-nH9UGFl9V6ziCgppnt8NmCQA0TTsLcaihDTPIxk49r0amJ9WsmbCNdZa-DyC4pCdg#