Durante esta experiencia comprendí que no siempre la “mejor” imagen se logra a partir del enfoque y la nitidez, sino que es más importante el sentido que uno busca darle a la toma, para lo cual es necesario valerse de diversas técnicas y experiencias.

Una vez finalizada la sesión pude ver como las imágenes tenían cierto hilo conductor, que estaba dado por el ambiente generado en cada imagen, en este caso, oscuro y en ocasiones siniestro.

  Por otra parte, el encuadre horizontal que brinda el dispositivo, se asemeja a la visión que tendría un espectador de cine, generando de esta manera más énfasis en la imagen.

a.1 Detalle 

a.2 Detalle con luz coloreada 

b.1 Paisaje 

b.2 Paisaje con filtro de color 

c. Filtros de distorsión de la imagen


En esta ocasión, el trabajo se centro en la exposición o intensidad de la luz durante el tiempo que acta el sensor de la cámara. Trabajando en la combinación entre la abertura del diafragma y la velocidad de obturación. 
Para esto trabaje con la profundidad de campo (a partir de la regulación del diafragma) y con distintos tipos de filtros (tanto para la luz como para el lente).

    Para realizar esta sesión, me base principalmente en el gnomo de jardín, que utilice de modelo para trabajos anteriores. Al indagar sobre su contexto (el patio de la casa de mis abuelos) recordé un momento de mi infancia, específicamente una frase que repetía mi abuela siempre que yo o alguno de mis primos nos acercábamos a sus rosales: “¡No corten los pimpollos!” Este disparador me sirvió para reflexionar sobre el concepto de metamorfosis, al imaginar e indagar sobre esa orden, que a su vez tenía un aire de advertencia. 

    En base a esto, me centré en elaborar una secuencia fotográfica que ilustre con tintes de fantasía, el posible desenlace de no cumplir con la advertencia de no cortar pimpollos de rosas. En este caso, tuve la contribución de mis abuelos, quienes hicieron de modelos para las diferentes tomas. 

    En cuanto a la parte técnica, decidí utilizar el recurso de balance de blancos (fluorescente) en todas las tomas, así como también la iluminación de los objetos principales, en base a dos fuentes lumínicas diferentes, para enfatizar los sectores que me interesaban destacar (con excepción de la primera imagen, donde solo utilice una luz directa suave). En todos los casos, utilice la luz suave (papel vegetal sobre la fuente lumínica) sobre linternas de intensidad cálida y fría. Además, en algunas tomas utilice un filtro de color verde sobre la luz, para enfatizar sectores de la imagen, como por ejemplo en las imágenes 2 y 4, donde logre hacer hincapié en el fondo de la imagen gracias a este recurso.  Por otra parte, para las imágenes de “metamorfosis” y “transición” decidí que lo más conveniente sería emplear la técnica estroboscópica, ya que me permitían transmitir esa sensación de alteración y cambio en la imagen. 

La  siguiente selección de imágenes, corresponden a la utilización de las técnicas trabajadas en la clase 6, en relación a mi producción personal a partir la Transición como eje disparador. Considero que esta técnica, al igual que la técnica estroboscópica, permite generar una sensación de cambio y movimiento en la imagen, dando como resultado imágenes fantásticas con tientes surrealistas. 

Como puede apreciarse, decidí retomar la rosa como objeto protagonista, lo cual me permitió, debido a su fragilidad, alterarla no solo virtualmente en base a la técnica de escanografía, sino también físicamente, mediante el desgrane de la misma.

 Por otra parte el ambiente de la imagen, remite a la vista superior de un estanque, dando la sensación de cuerpos flotantes en agua que se esparcen y difuminan al momento de tocar el agua, generando ondas. Este efecto se logro al mantener la tapa del escáner abierto y cubrirlo con una tela negra alejada del vidrio, o que dio como resultado un fondo más oscuro, que puede verse en la imagen 1 y 3, mientras que los fondos mas difuminados y grises se lograron con la tapa abierta en un ambiente totalmente oscuro, pero sin la tela negra de fondo. 

 

b) Ilustración digital

c) Collage
-Aplicaciones utilizadas: Bazaart y Picsart

    Para abordar este trabajo me centre en la selección de imágenes de trabajos anteriores que consideraba interesantes para intervenir digitalmente. La implementación de cada técnica, resulto útil para reforzar ideas o tramas que venia plantando en los escritos, lo que me llevo a reflexionar, que si bien en ocasiones estas técnicas pueden contribuir a la retorica de la imagen, la sobresaturación en su uso también puede llevar a caer en redundancias, dejando de lado las sutilezas que a veces brindan otras técnicas. Señalo esto porque fue un trabajo que consideraba resolvería en menos tiempo, sin embargo me vi constantemente retocando y sumando información, lo que me llevaba a comparar con las imágenes anteriores y seguir probando más y más posibilidades –lo cual, si bien dio resultados productivos e interesantes para mi, se alejaban de la estética y el discurso que buscaba mantener para cada imagen-.

   A continuación detallare cada procedimiento realizado en cada fotografía: 

a)  Intervención de la imagen: para el abordaje de esta técnica utilice la aplicación Picsart para distorsionar la imagen a partir del efecto “planeta pequeño”, y luego utilice el editor estandar del celular para subir la exposición de la imagen y cambiar el color a blanco y negro.

b)  Ilustración digital: en este caso utilice la aplicación Bazaart, ya que me permitía trabajar en capas, esto me ayudo a hacer un relevo de la fotografía inicial (en la imagen puede verse la figura de negro con una corona) que luego decidí modificar agregando alas. Este trabajo fue el que más tiempo me llevo ya que en un momento me aleje mucho de la estética que buscaba para el padlet. Además decidí agregar un objeto que simbolice el poder de esa figura, ya que fue una de las cosas que no pude lograr a la hora de tomar la fotografía inicial y me hacía ilusión lograrlo por este medio.

c)  Collage digital: En esta ocasión también utilice la aplicación Basaart. En primer lugar, cabe señalar que me pareció interesante el resultado, ya que desde que vi los ejemplos del teórico sobre la técnica de la artista Luciana Crepaldi, me llamo la atención, como realizaba grandes composiciones en base a la fragmentación de escanografias de su cuerpo. Por lo tanto, en este caso decidí retomar las fotografías de rosas, siendo un objeto que se repitió en varios trabajos, pasando por varios estados y técnicas distintas, lo cual me permitía llevar a cabo una imagen que guarde coherencia con algunos términos que habia puesto en juego en escritos anteriores, como:  cosmovisión contrapicada, metamorfosis, transición, fragilidad, etc.

2)   Imagen vectorizada:
-Programa utilizado: Inkscape

    En una primera instancia, me centre la exploración del programa Inkscape, ya que nunca había trabajado con el. Me resulto bastante intuitivo y fácil de usar, una vez que logre entender para que servía cada herramienta. En este sentido el PDF y la clase zoom me sirvieron para no sentirme del todo perdida. 

    Dicho esto, pasare a describir tanto los pensamientos discursivos como los recursos estéticos que atravesaron este trabajo, en base a las dos técnicas implementadas, y como se relacionan con el enfoque que deseo darle a la propuesta de trabajo final. Si bien es un tema que vengo desarrollando desde el principio de la cursada considero que no es redundante abordar nuevamente el concepto de cosmovisión, desde la estética y los recursos que brinda el vector. En este sentido me refiero a que las transiciones, cambios y alteraciones que pretendo transmitir con la imagen, pueden ser logradas a partir de técnicas como la repetición, la transparencia, etc.
    Por otra parte, decidí mantener el criterio espacial que vengo manejando en los últimos trabajos de la materia, al centrarme en fondos oscuros, ya que es un recurso que quiero aplicar en el trabajo de producción final.

1)   Composición vectorial:
    Para la elaboración de este trabajo, me centre en la utilización de formas básicas que brinda el programa Inkscape, como círculos y rectángulos, esto y la utilización de acromáticos para componer la imagen me permitió crear una atmósfera pulcra, que da cuenta de lo que pretendía transmitir, ese paralelismo con la imagen de la cosmovisión Maya pero que en este punto plantea un giro, una vuelta de turca. Ya que en este caso, la aridez de las “raíces” y las “ramas” pueden percibirse desde la forma y el color de la imagen central, anunciando así un ciclo en extinción que se transformara al completarse.  

2)   Imagen vectorizada:

    En este caso, aborde la composición a partir de una fotografía tomada a través de un caleidoscopio. En un primer momento comencé a vectorizar las figuras internas de la imagen a partir de nodos. Estas formas y figuras resultaron ser en su mayoría geométricas, ya que podía percibir una diferencia de brillo que daba la sensación de figura fondo. Me incline por enfatizar esto, a partir de la diferencia de color que aplique, por lo cual me centre en una selección aproximada de la paleta de color utilizada en los últimos trabajos de la materia. Luego de vectorizar el interior del calidoscopio, me pareció oportuno para la composición expandir esas figuras fuera del marco de la fotografía, de modo que opte por copiar las figuras y pegarlas equidistantemente del centro. Esto dio a la imagen una sensación de expansión y explosión de la fotografía del fondo (también me recordó a los efectos de la luz directa sobre el lente de una cámara).