• 1966: Víctor Jara
• 1967: Canciones folclóricas de América (con Quilapayún).
• 1967: Víctor Jara
• 1969: Pongo en tus manos abiertas...
• 1970: Canto libre
• 1971: El derecho de vivir en paz
• 1972: La población
• 1973: Canto por travesura

• 1978: El recital
• 1996: Víctor Jara en México
• 1996: Víctor Jara habla y canta

• 1966: Víctor Jara
• 1967: Canciones folclóricas de América (con Quilapayún).
• 1967: Víctor Jara
• 1969: Pongo en tus manos abiertas...
• 1970: Canto libre
• 1971: El derecho de vivir en paz
• 1972: La población
• 1973: Canto por travesura

• 1978: El recital
• 1996: Víctor Jara en México
• 1996: Víctor Jara habla y canta

• Aguabajo: Baile y canto de la región del Baudó, en el Chocó. Canto propio de los bogas. El baile es una especie de juego trenzado entre hombres y mujeres.
• Bambuco: El aire musical más popular de la región Andina de Colombia, como también el ritmo nacional más representativo y es emblema nacional. Ejemplo: El Trapiche (Emilio Murillo), Antioqueñita (Pedro León Franco), Soy Colombiano (Rafael Godoy). Los instrumentos más usados son el tiple la guitarra y la bandola.
• Bullerengue: Ritmo variante de la cumbia, de agitados ademanes, en el que las mujeres llevan el compás con la palma de las manos. Difiere de la cumbia por la coreografía.
• Bunde chocoano: Aire folclórico del Litoral Pacífico, de procedencia africana.
• Bunde tolimense: Mezcla de ritmos como la guabina, el torbellino y el bambuco. Ejemplo: Bunde Tolimense (Alberto Castilla), El Republicano (Luis A. Calvo), etc.
• Calipso: Música típica del Archipiélago de San Andrés, Providencia y Santa Catalina.
• Chandé: es un aire musical folclórico originario de la Costa Atlántica Colombiana. Es un ritmo alegre y fiestero que hace parte de la idiosincrasia costeña y de los carnavales. Proviene de la fusión de ritmos indígenas con la música negra africana y se ejecuta de manera tradicional con una tambora, un tambor alegre, un tambor llamador, flautas de millo o gaitas. Al ser interpretado por una orquesta, la tambora sería reemplazada por un timbal (paila) o una batería, y los otros tambores por congas. es un aire musical folclórico originario de la Costa Atlántica Colombiana. El chandé es un baile de cortejo y no importa la manera del cortejo si no la forma en la que se demuestra. Ej: Te Olvide del Maestro Antonio María Peñaloza Cervantes, uno de los grandes folcloristas colombianos, a él se le debe este ritmo.
• Contradanza: Baile muy popular al sur de la Costa Pacífica. Tiene gran acogida en los montajes de danzas típicas por su vistosidad y elegancia plástica.
• Cumbia: aire folclórico más representativo del Litoral Atlántico de origen indígena y africano, ritmo de gran riqueza expresiva, las mujeres lo bailan con velas en la mano. Tiene variaciones según la región. Se baila en Barranquilla, Mompós, El Banco, Ciénaga, San Jacinto, Soledad, Sincelejo y Sampués. Ejemplo: Cumbia Cienaguera (Luis E. Martínez), El Alegre Pescador (José Barros P.), La Piragua (José Barros), Navidad Negra (José Barros), etc.
• Currulao: Es el ritmo más destacado del Litoral Pacífico. Posee danza y canto con instrumental típico correspondiente, como: El Cununo, El Guasá y La Marimba. Ejemplo: Los Cununos (N. Lambuley), Mi Buenaventura (Petronio Álvares), Tormenta (Begner Vásquez Angulo), etc.
• Chichamaya: Danza aborigen de la Guajira. Se manifiesta en las ceremonias o ritmos de iniciación a la pubertad. Danza de gran destreza y resistencia física, que se desarrolla en forma de pugilato y entraña un significado especial del matriarcado guajiro.
• Danza: Baile del folclor Andino. Se relaciona la danza como una transformación de la contradanza europea y la habanera cubana. Ejemplo: Negrita (Luis Dueñas Perilla), etc.
• Galerón: El baile y canto más antiguo del folclor de los Llanos Orientales. Su ritmo de gran utilidad en las labores de Vaquería y de frecuente interpretación en las fiestas llaneras. Ejemplo: El Galerón Llanero (Alejandro Wills), etc.
• Guaracha: La guaracha es un género de canción bailable, en tiempo rápido y texto cómico o picaresco
• Guabina: Aire musical de los Departamentos de Santander, Boyacá, Tolima y Huila. Canto propio de las montañas, en que el grito, la cadencia y los calderones son características principales. Se destaca el festival Nacional de la Guabina en Vélez (Santander) como una de las fiestas más populares y auténticas de Colombia. Ejemplo: Guabina Santandereana (Lelio Olarte), Guabina Chiquinquireña (Alberto Urdaneta), Guabina Huilense (Carlos E. Cortés), Los Guaduales (Jorge Villamil C.), etc.
• Guaneña: La guaneña es un género de canción del sur de Colombia, específicamente de la región de Nariño.
• Joropo: El llanero colombo-venezolano llama joropo a las reuniones o fiestas donde se canta, baila y toca el arpa, el cuatro, las maracas o instrumentos típicos de la región. En el joropo las parejas bailan zapateando y cogidas. El canto son mensajes que expresan los valores propios de la raza llanera. Ejemplo: A sus horas, Ay, sí, sí (Luis Ariel Rey), Carmentea (Miguel A. Martín), etc.
• Mapalé: Danza de origen africano que se baila en la Costa Atlántica y a las orillas del río Magdalena, de ritmo rápido, con palmoteo constante de los participantes y de marcada tendencia lúbrica.
• Merengue: Popularmente en el Departamento del Magdalena, se toca con acordeón, tambor, maracas, y guacharaca.
• Merecumbé: Creado por Pacho Galán, este ritmo musical es la mezcla del merengue colombiano y la cumbia del departamento del Atlántico, del nombre "merecumbé"; su tema más representativo es "Cosita Linda", grabado en 1954 y consolidado en 1955, esta pegajosa obra musical cuenta con más de 400 versiones en el mundo.
• Pasaje: Joropo lento y cadencioso en el que los textos o letras son de carácter descriptivo, amoroso o lírico. Ejemplo: Ay! Mi llanura (Arnulfo Briceño), Luna Roja (Jorge Villamil C.), etc.
• Pasillo: Aire musical del folclor andino derivado del vals. A principios del siglo XX se convirtió en el ritmo de moda de los compositores colombianos. Son muy famosos los pasillos: La Gata Golosa, Vino Tinto, Esperanza, Espumas, Chaflan, etc.
• Porro: Ritmo más rápido que la cumbia. De ritmo monótono pero alegre. El porro antiguo se tocaba con instrumentos indígenas. El porro moderno es ejecutado con “bandas papayeras”, comúnmente con el uso del clarinete.
• Pregón: Canto popular del Litoral Pacífico, utilizado como mensaje o anuncio de mercancías en las ventas callejeras. Tiene una base melódica que acompaña un texto breve.
• Rajaleñas: Coplas picarescas de los Departamentos del Tolima y Huila, en las cuales los copleros expresan sus sentimientos amorosos, su manera de vivir, sus problemas y ambiciones. Las coplas son interpretadas con flauta, tiple, tambora y carangano.
• Sanjuanero: Aire folclórico del “Tolima Grande”. Mezcla de Bambuco y Joropo, de ritmo agitado e interpretado con especial alegría en las fiestas de San Juan y San Pedro.
• Seis: Variedad musical del joropo. Algunos nombres del seis: Seis por derecho, el Seis por numeración, el Seis figurado y el Seis corrido.
• Torbellino: Danza y canto representativo de los departamentos de Boyacá, Cundinamarca y Santander. Ritmo usado en las romerías, bailes, fiestas patronales, viajes y correrías. Con la melodía los campesinos expresan en forma sencilla sus sentimientos religiosos, sus amores, como también la descripción del paisaje. Ejemplo: Del otro lado del río (Milciades Garavito), Tiplecito de mi vida (Alejandro Wills), Viva la fiesta (Luis María Carvajal), etc.
• Vallenato: Aire musical originario de Valledupar. El vallenato reúne al paseo, el son y la puya. Es importante el carácter narrativo de los cantos de amor o descripciones de personas. Su interpretación con acordeón (instrumento importado), caja y guacharaca, (instrumentos autóctonos).
• Carranga: La carranga, música carranguera o música campesina, es un género de música folclórica surgida en la región andina colombiana, más exactamente en el departamento de Boyacá en los años 70, de mano del compositor Jorge Velosa y los Carrangueros de Ráquira. En la ejecución de la música carranguera se utiliza la guitarra, el tiple, requinto-tiple, la guacharaca y la voz.
• Música Popular Colombiana Aunque Proviene de ritmos como la Rancheras, Corridos y Huapangos es un género musical colombiano del Eje cafetero, Antioquia y Cundinamarca, anteriormente era conocida como música guasca o carrilera.

• Agustina García - Voz
• Gastón Puentes - Voz
• Rodrigo Calzada - Bajo y coros
• Gastón Pepe - voz, coros, percusión y scratches en 12
• "Tato" Bolognini - Batería.
• Rodrigo Baleato - Saxo tenor, saxo soprano y saxo barítono, clarinete y coros
• Miguel Leal - Trompeta y coros
• Sabrina Diaz - Teclado y coros
• "Sebo" Delgado - Guitarra

• Camilo Sequeira - Mánager
• Joana Alonso - Producción
• Martín Gaviglio - Producción
• Daniela Beracochea - Arte y diseños
• Emilio Ferraro - Técnico FOH (Front of House; quien se encarga del sonido que escucha el público)
• Gustavo Gestido - Luces

Es considerado como uno de los artistas con mayor éxito en América Latina, así también como uno de los mayores compositores y personajes más conocidos en el medio musical dentro de México. Sus ventas totales se estiman en más de 150 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los artistas latinos con mayores ventas discográficas de la historia.

https://youtu.be/3M_Gg1xAHE4?si=UYWCzBQ4sRXhAwzV

Radiohead es una banda británica de rock alternativo originaria de Abingdon-on-Thames, Inglaterra, formada en 1985 inicialmente como una banda de versiones. Está integrada por Thom Yorke (voz, guitarra, piano), Jonny Greenwood (guitarra solista, teclados, otros instrumentos), Ed O'Brien (guitarra, segunda voz), Colin Greenwood (bajo, teclados) y Phil Selway (batería, percusión).

Radiohead lanzó su primer sencillo, «Creep», en 1992. Si bien la canción fue en un comienzo un fracaso comercial, se convirtió en un éxito mundial tras el lanzamiento de su álbum debut, Pablo Honey (1993) debido al auge comercial del rock alternativo. La popularidad de Radiohead en el Reino Unido aumentó con su segundo álbum, The Bends (1995). El tercero, OK Computer (1997), con un sonido expansivo y temáticas como la alienación y la globalización, les dio fama mundial y ha sido aclamado como un disco histórico de la década de 1990 y uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.

Kid A (2000) y Amnesiac (2001) significaron una evolución en su estilo musical, al incorporar música electrónica, experimental, música clásica del siglo XX, trip-hop y cool jazz. A pesar de la división inicial de fanes y crítica, Kid A fue nombrado mejor álbum de la década por Rolling Stone, Pitchfork y The Times. El álbum Hail to the Thief (2003), una mezcla de rock y música electrónica con letras inspiradas en la guerra al terror, fue el último de la banda con el sello discográfico EMI. Radiohead lanzó de manera independiente su séptimo álbum, In Rainbows (2007) con un sonido más suave y «aterrador» similar a su tercer disco de estudio, OK Computer, según el mismo Yorke, el álbum fue puesto a la venta en forma de descarga digital por la que los usuarios pagaban el precio que estimasen oportuno. Su octavo álbum, The King of Limbs (2011), fue una exploración del ritmo y de texturas más calmadas. En su noveno álbum, A Moon Shaped Pool (2016), predominan los arreglos orquestales de Jonny Greenwood.

Han obtenido tres veces el Premio Grammy al mejor álbum de música alternativa, por OK Computer, Kid A e In Rainbows. El trabajo de la banda ha sido reconocido por los críticos en distintas listas y sondeos musicales. En 2005 se posicionaron en el puesto 73 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. En 2009 fue nombrada la mejor banda de la década del 2000 por The Guardian. En 2010 ocuparon el puesto 29 en la lista de los 100 artistas más grandes de todos los tiempos según el canal VH1 y en 2011 se situaron en la posición número 3 de la lista de los mejores artistas británicos de la historia según Paste Magazine, solo superados por The Beatles y The Rolling Stones. En 2014 el semanario inglés NME los ubicó como los músicos más influyentes del momento. Asimismo, su actuación en Glastonbury '97 fue elegida mejor concierto de la historia en una votación de la revista Q en 2004 y mejor concierto de un festival en una encuesta de Proud Galleries en 2005. El grupo ha vendido casi 40 millones de álbumes en todo el mundo. El 29 de marzo de 2019, Radiohead ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Aunque los primeros álbumes de la banda fueron especialmente influyentes en el rock y la música pop británica, su trabajo posterior ha influido a otros músicos de géneros que van desde el jazz y la música clásica contemporánea al hip hop, la música ambient, el R&B y el metal.

Björk ha logrado que 41 de sus sencillos lleguen a los primeros 30 en listas musicales de todo el mundo, también ha posicionado 22 éxitos en el top 20 en el Reino Unido, incluidos algunos de sus mayores éxitos como «It's Oh So Quiet», «Army of Me» e «Hyper-ballad». Björk ha vendido más de 20 millones de álbumes en todo el mundo, siendo una de las cantantes alternativas con más álbumes vendidos de todos los tiempos. En ese mismo año respectivamente Björk fue incluida en la lista de los 100 artistas más influyentes del siglo. Así mismo, también fue incluida por la revista Rolling Stone como una de las cantantes y compositoras más influyentes de la época actual, incluyendo su presencia en la lista de los 200 artistas más influyentes de los últimos 25 años por Pitchfork en 2021. Björk también ha sido nominada 16 veces a los Premios Grammy.

Pasó sus primeros años en Reikiavik Islandia, donde se convirtió en vocalista profesional a los doce años al publicar su primer álbum, Björk. El álbum tuvo éxito en Islandia, pero no fue publicado fuera del país. Tras haber formado algunas bandas post-punk, Björk saltó a la fama como una de las cantantes principales del grupo de rock alternativo The Sugarcubes, manteniendo un seguimiento de culto en Estados Unidos y Reino Unido. Tras la desintegración del grupo, Björk se mudó a Londres, donde comenzó una carrera en solitario.

Debut, su segundo álbum, lanzado en 1993, no solo estableció su nueva dirección artística, sino que también se convirtió en un éxito internacional. Debut Tour fue su primera gira internacional, en 1993-1994. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que adoptó diversos géneros musicales, desde el jazz hasta la electrónica y la música experimental, obtuvo la aclamación de la crítica y siguió trabajando con importantes diseñadores de moda, productores y fotógrafos. Sus videos musicales, dirigidos por reconocidos directores como Michel Gondry, también han sido aclamados por la crítica. Sus mayores éxitos incluyen temas como «It's Oh So Quiet», «Human Behaviour», «Hyper-ballad», «Army of Me», «Violently Happy», «Big Time Sensuality», «Pagan Poetry», «Hidden Place» y «Bachelorette».

Björk protagonizó la película Dancer in the Dark (2000), de Lars von Trier, la cual ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Su interpretación le valió el premio a la mejor actriz de dicho festival y una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz. Sin embargo, decidió no volver a actuar, optando por centrarse exclusivamente en la música.

Su disco Biophilia se convirtió en el primer álbum de la historia en ser lanzado en formato app-album, el cual es un eBook con objetos 3D interactivos, películas, animaciones y diagramas basado en datos científicos reales, con imágenes de la NASA, la Agencia Espacial Europea y la Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial.

En 2011 se hizo oficial que la cantante había vendido más 40 millones de álbumes en todo el mundo con sus primeros 6 álbumes de estudio, convirtiéndose en la cantante alternativa con más álbumes vendidos en la historia. Ha ganado cuatro Premios Brit, cuatro MTV Video Music Awards, un premio MOJO, tres UK Music Video Awards y, en 2010, el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música en reconocimiento por su "música y letras profundamente personales, sus arreglos precisos y su voz única". En 2001, Björk recibió la Orden Nacional del Mérito francesa. Además, ha sido nominada a un Premio Óscar y Globo de Oro a la mejor canción original. Ocupó el puesto veintinueve en "Las 100 mujeres más grandes en la música" de VH1, el octavo lugar en "22 mejores voces de la música" de MTV, y el sexagésimo puesto de las "100 más grandes cantantes de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone. En agosto del 2016, Björk anunció un espectáculo adicional (en el Hammersmith Apollo, el 24 de septiembre de 2016) a su presentación, el 21 de septiembre de ese año, en el Royal Albert Hall, en Londres.

Considerada como una de las figuras más importantes en la música contemporánea, Björk es conocida por su música ecléctica, videos provocadores, estilo vanguardista y sentido de la moda extravagante. Cada uno de sus álbumes incluye una estética y mensaje propios y únicos, y su voz ha sido elogiada por su habilidad para el scat, estilo vocal único y entrega.

Desde su primer álbum Angels Fall First (1997), Nightwish ocupa un lugar destacado en su país de origen. El reconocimiento internacional lo alcanzaron con los álbumes Oceanborn (1998) y Wishmaster (2000), y su consolidación como banda de referencia fue en 2002 con Century Child y con el álbum Once (2004). En octubre de 2005, Turunen fue expulsada de la banda a través de una carta abierta escrita por Holopainen y respaldada por el resto del grupo. Después de revisar más de 2000 maquetas de cantantes aspirantes, en mayo de 2007 se anunció que la nueva vocalista era la sueca Anette Olzon. A finales de 2007 salió a la venta Dark Passion Play, y a principios de 2011 publicaron Imaginaerum. En octubre de 2012, la banda anunció la separación por mutuo acuerdo con Olzon y contrató a la vocalista Floor Jansen (exintegrante de After Forever-ReVamp), que es la actual voz femenina del grupo.

De acuerdo a la Federación Internacional de la Industria Fonográfica, Nightwish es una de las bandas de heavy metal más importantes y emblemáticas del género a nivel europeo y a nivel internacional, además de ser el grupo de música de mayor éxito de ventas de Finlandia con más de nueve millones de copias vendidas a nivel mundial. Y recibió más de 60 premios de oro y platino, después de haber lanzado cinco álbumes Número 1 y trece sencillos Número 1.

El 26 de octubre de 2018, Nightwish fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Finlandesa, convirtiéndose en el miembro número 11 de la galería honoraria.

Raffaella Maria Roberta Pelloni (Bolonia, 18 de junio de 1943-Roma, 5 de julio de 2021), conocida por su nombre artístico Raffaella Carrà, fue una cantautora, compositora, bailarina, coreógrafa, presentadora de televisión y actriz italiana.

Considerada «la reina de la televisión italiana», y definida como «ícono de la cultura pop» en Europa y América Latina por la crítica italiana e internacional, entre los años setenta y ochenta se convirtió en precursora del feminismo y de la libertad sexual de la mujer en la industria televisiva y musical italiana y española, así como en defensora de la comunidad LGBT.

A lo largo de su carrera, publicó 25 álbumes de estudio en 37 países, vendiendo más de 60 millones de discos en todo el mundo y debutando en numerosas listas internacionales, gracias a las canciones Tanti auguri, Fiesta, Lucas, En El Amor Todo Es Empezar, interpretadas por la cantante en inglés, español, francés y alemán, además de italiano.

Carrà estuvo presente en las parrillas televisivas desde finales de los años sesenta en Italia RAI, España TVE y Latinoamérica, siendo reconocida con doce Telegatti y dos TP de Oro. Tras debutar como actriz en Italia, firmó un contrato de interpretación con la 20th Century Fox de Hollywood, protagonizando también películas francesas y españolas, y trabajando con Mario Monicelli, Marcello Mastroianni, Frank Sinatra Jr., Edward Mulhare, Trevor Howard, Jean Marais y James Coburn.

Tras su muerte, Rafaella Carrà fue galardonada con el Premio Sorriso Diverso Venezia en el Festival Internacional de Cine de Venecia por su contribución a la industria italiana de la música y el espectáculo.

Daniel Robert "Danny" Elfman (Los Ángeles, 29 de mayo de 1953) es un compositor, músico, cantautor y productor discográfico estadounidense.

En 1985 Tim Burton, un prometedor y joven director de cine que quería hacer su primera película, quiere que Danny Elfman componga la banda sonora. A partir de este momento ambos autores inician una larga amistad que daría lugar a una de las colaboraciones más largas y fructíferas de la historia del cine, con la única excepción de Ed Wood compuesta por Howard Shore y Sweeney Todd, compuesta por Stephen Sondheim, autor original del musical. Hoy día es difícil pensar en una película de Tim Burton sin la música de Elfman.

Elfman demuestra con su trabajo que se adapta a todos los estilos con obras de monstruos enamorados como Edward Scissorhands, personajes de cómic como Batman, Hulk, Spider-Man, Hombres de negro o Dick Tracy, mundos fantásticos como Razas de noche o El planeta de los simios, comedias como Mars Attacks! y Scrooged, el mundo de los vivos mezclado con el de los muertos, como Beetlejuice y The Frighteners, y también al musical, con Corpse Bride y The Nightmare Before Christmas considerada por muchos como su obra maestra.

Para las series de televisión ha realizado los temas principales de Los Simpson, Historias de la cripta, Beetlejuice, Mujeres desesperadas y The Flash.

También han utilizado sus temas en las bandas sonoras de algunos videojuegos como por ejemplo: Kingdom Hearts II y en todos los basados en Los Simpson (Road Rage, Hit & Run, etc.). Ha compuesto los temas principales para los videojuegos Fable y Fable II. La banda sonora de Edward Scissorhands se usó para el anuncio de la Lotería de Navidad de 2011.

Ha sido candidato a los Óscar en cuatro ocasiones por Good Will Hunting (1997), Hombres de negro (1997), Big Fish (2003) y Milk (2008), sin llegar a ganar finalmente el galardón en ninguna ocasión.

Ennio Morricone (Roma, 10 de noviembre de 1928-ib., 6 de julio de 2020) fue un compositor y director de orquesta italiano, conocido por haber compuesto la banda sonora de más de quinientas películas y series de televisión. Recibió un Óscar honorífico en 2006 y ganó el Óscar a la mejor banda sonora en 2016 por la cinta The Hateful Eight.

Sus composiciones se incluyen en más de veinte películas galardonadas, además de realizar también piezas sinfónicas y corales. Destacan, entre otros, sus trabajos en películas del spaghetti western, de la mano de su amigo Sergio Leone, como Por un puñado de dólares de 1964, Per qualche dollaro in più de 1965, El bueno, el feo y el malo de 1966 o C'era una volta il West de 1968. No obstante, su obra se extendió a multitud de géneros de composición, convirtiéndolo así en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo xx. Sus composiciones para Days of Heaven de 1978, La misión de 1986 o Cinema Paradiso de 1988 son catalogadas como auténticas obras maestras.

Evángelos Odysséas Papathanassíou /eˈvaɲɟelos oðiˈseas papaθanaˈsi.u/, más conocido como Vangelis /vaɲˈɟelis/ (Volos, 29 de marzo de 1943-París, 17 de mayo de 2022), fue un compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient, new age y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas se destacan las bandas sonoras originales de las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982) y 1492: La conquista del paraíso (1992).

Su música se caracteriza por la amalgama entre los sonidos procesados propios de los sintetizadores analógicos primero, con equipamientos digitales luego, junto a instrumentos acústicos, voces solistas, coros también, para crear atmósferas envolventes, climáticas, con un amplio abanico que abarca desde sonidos y arreglos propios de sus raíces folclóricas, ademásde arreglos corales y orquestales, pasajes percusivos, donde su riqueza tímbrica no se reduce a un ritmo enérgico repetido en gran parte o de principio a fin, sino a través de cambios sutiles y constantes, generando climas tanto intimistas como jubilosos, otros también grandiosos y solemnes, algunos, ¿por qué no?, invitando a la reflexión, al regocijo mental, a la contemplación sonora, a la sorpresa; llegando en ocasiones al campo de la experimentación. Es un desafío permanente si tratamos de enmarcar sus composiciones dentro de un solo género concreto, aunque es habitual como simple que se le incluya entre las filas del "new age" o, más amplia y acertadamente, como músico clásico contemporáneo. La diversidad y complejidad de su discografía hace difícil su catalogación y resulta también considerado por la crítica como uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica que aconteció a mediados de los años 1970.

Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión como con Cosmos, serie tv gracias a su amplia difusión, también ha logrado reconocimiento por sus álbumes de estudio como Heaven and Hell, Albedo 0.39 o Spiral. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002), ninguna de éstas publicadas oficialmente. También ha compuesto para ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985) y The Beauty and the Beast (1986).

Desarrolló una carrera paralela como pintor realizando varias exposiciones internacionales. Pese a sus reservas a divulgar su vida privada, su aporte a diversos proyectos de interés cultural le afianzaron como una personalidad de considerable peso mediático especialmente en su Grecia natal.

En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: el (6354) Vangelis. Así también recibieron el nombre del compositor calles en Jerez de la Frontera, España, y en Christchurch, Nueva Zelanda.

El nombre del grupo se debe a los apellidos de los tres miembros fundadores, que se conocieron en 2011 mientras estudiaban en el instituto Schiller en Sülz (Colonia). Empezaron tocando en las calles de Colonia y, un día, mientras tocaban en una jam session en el campus de la Universidad, conocieron a Lars Lötgering, que pasaría a ser el contrabajista del grupo.​ En 2013 apareció su primer álbum, grabado por ellos mismos, que se presentó en una fiesta de lanzamiento en la sala de conciertos Gebäude 9 en Colonia.​ Este álbum, de producción propia, fue grabado en parte durante actuaciones en la calle y se han agotado todas las copias del mismo.​ Casi todas sus canciones están subidas en su propio canal de YouTube. Desde agosto de 2014 Malte Huck es el bajista de la banda.​

Después de estrenar el vídeo de la canción "Wohin du gehst" el grupo se embarcó en una gira por locales de toda Alemania. Durante el verano de 2014 la banda tocó en varios festivales importantes, entre los que se encuentran el Appletree Garden Festival, el Open Flair y el Reeperbahn Festival. En otoño del mismo año dieron varios conciertos como teloneros de Beatsteaks, una conocida banda de punk rock alemana, y acompañaron a Clueso en su gira Stadtrandlichter Tour.​ Quedaron finalistas en los premios New Music Award de 2014 de la emisora de radio para jóvenes ARD.​

A principios de 2015, tras el lanzamiento de la canción Oft gefragt, que AnnenMayKantereit interpretó en diciembre de 2014 en el programa de televisión alemán Circus HalliGalli,​ iniciaron otra gira. En el verano de ese año volvieron a actuar en festivales como Haldern Pop Festival y Rock am Ring. El cantante Henning May colaboró además con el grupo de hip-hop alemán K.I.Z interpretando la canción "Hurra die Welt geht unter", sencillo de su álbum homónimo.

En otoño de 2015 la banda firmó un contrato para grabar un disco con la compañía discográfica Universal. Junto al productor alemán Moses Schneider grabaron en los estudios Hansa Studios de Berlín el EP Wird schon irgendwie gehen, que lanzaron el 16 de octubre de ese mismo año bajo el sello discográfico Vertigo Berlin.​ A esto le siguió una nueva gira, en la que se agotaron las entradas para muchos de sus conciertos.​

En febrero de 2016 la banda lanzó el sencillo “Pocahontas” incluido en su álbum Alles Nix Konkretes. El álbum fue publicado en marzo de 2016 y fue número uno en las listas de los álbumes más vendidos en Alemania.​

El 7 de diciembre de 2018, la banda lanzó su álbum Schlagschatten, producido por Markus Ganter y grabado en un pueblo en España.​

El 8 de enero de 2019, BMG Rights Management anunció la firma en exclusiva de un contrato editorial con el grupo.​ En el mismo mes, AnnenMayKantereit inició un tour de clubs en Mannheim. Este tour pasó a grandes recintos a partir de marzo de 2019.​

Debido a la pandemia de COVID-19, la banda se vio forzada a cancelar todos sus conciertos previstos a partir de marzo de 2020. En septiembre de 2020, AnnenMayKantereit participó en la manifestación Fridays for Future en Berlin donde se anunció que Malte Huck abandonaba el grupo.

En noviembre de 2020, la banda lanzó por sorpresa y sin anuncio previo su tercer álbum 12.​ Este álbum surgió del confinamiento, por lo que tiene un gran significado para los autores.

Fue una cantante y compositora británica de diversos géneros musicales, principalmente jazz, rhythm and blues, soul y ska. En la década de los 2000 y principios de los 2010. Asimismo, se le conoce por ser contralto y tener un registro vocal que fue descrito como acústicamente poderoso y capaz de transmitir sentimientos.

https://youtu.be/TJAfLE39ZZ8?si=-JfKNqZPOrjMT5fQ

Sus comienzos fueron en el año 2004. Empezaron a tocar juntos a mediados de los años 90's bajo el nombre de Los Nietos de Chuck, donde hacían covers de Chuck Berry, The Beatles, Creedence, entre otros.

La formación actual cuenta con el vocalista y guitarrista principal Patricio Sardelli, el guitarrista rítmico y cantante Guido Sardelli, el bajista Gastón Sardelli y sus respectivos músicos sesionistas; el tecladista José Luis Berrone y el baterista Sebastián Roascio Goldar.

cantautora francesa

Isabelle Geffroy (Chambray-lès-Tours, Francia, 1 de mayo de 1980), conocida por su nombre artístico Zaz, es una cantautora francesa que fusiona la canción francesa con el gypsy jazz. Se hizo famosa con su canción Je veux, segundo tema de su primer álbum, Zaz, que fue lanzado al mercado el 10 de mayo de 2010. Actualmente cuenta con cinco álbumes de estudio: Zaz (2010), Recto verso (2013), Paris (2014), Effet miroir (2018) e Isa (2021); y dos álbumes en vivo: Sans tsu tsou (2011) y Sur la route (2016).

El k-pop (en hangul, 케이팝; romanización revisada del coreano, keipap; abreviación de Korean popular music, en inglés o «música popular coreana» en español) es un género musical que incluye diversos estilos musicales como el pop, rap, EDM, rock o R&B, y que se refiere específicamente a la música popular de Corea del Sur, debido a que Corea del Norte no posee una industria de música popular con influencia occidental.

De acuerdo al Dr. Timothy Laurie, de la Escuela de Comunicación de la Universidad de Tecnología de Sídney: «Desde finales de la década de 1990, el éxito de los artistas del k-pop ha atraído una atención mundial sin precedentes a las culturas musicales de Asia oriental». La forma más moderna del género surgió con uno de los primeros grupos de k-pop, Seo Taiji & Boys, que se conformó en 1992. Su experimentación con diferentes estilos de música «reformó la escena musical de Corea». Como resultado, la integración de géneros musicales extranjeros se ha convertido en una práctica común de los artistas de este género.

El k-pop ingresó al mercado japonés a principios del siglo xxi y rápidamente se convirtió en una subcultura entre los adolescentes y adultos jóvenes de Asia Oriental y del Sudeste Asiático. Con el advenimiento de los servicios de redes sociales, la actual propagación mundial de k-pop y el entretenimiento coreano conocido como la ola coreana se ve en América Latina, India, África del Norte, el medio Este, y en otras partes de Occidente.

Contenido audiovisual

"K-pop" es una abreviación de Korean popular music, en inglés o música popular coreana en español, es un género musical que incluye diversos estilos como la música dance electrónica, hip hop, rock, R&B, etc, y que se refiere específicamente a la música popular de Corea del Sur, debido a que prácticamente no hay una industria de música popular con influencia occidental en Corea del Norte. En este país, Corea del Norte, la actividad musical está estrictamente controlada por el gobierno, el cual promueve música con tintes patrióticos, a menudo interpretada por grandes orquestas de trabajadores.

Aunque el K-pop generalmente se refiere a la música popular surcoreana, algunos consideran que es un género que abarca un amplio aspecto de elementos musicales y visuales. El Instituto Nacional de Audiovisual francés define el K-pop como una «fusión de música sintetizada, rutinas de baile y ropa colorida de moda».

Formación sistemática de artistas

Las agencias de entretenimiento en Corea del Sur ofrecen contratos a los artistas potenciales, a veces a una edad temprana. Los aprendices viven juntos en un ambiente regulado y pasan muchas horas al día aprendiendo música, baile, idiomas extranjeros y otras habilidades en preparación para su debut. Este sistema «robótico» de formación es a menudo criticado por los medios de comunicación occidentales. En 2012, The Wall Street Journal informó que el costo de la formación de un ídolo de pop coreano bajo la compañía S.M. Entertainment es de un promedio de tres millones de dólares.

Género híbrido y valores transnacionales

El K-pop es un producto cultural que caracteriza «valores, identidades y significados que van más allá del valor estrictamente comercial». Se caracteriza por una mezcla de sonidos occidentales con la visión asiática del rendimiento. Se ha observado que hay una «visión de modernización» inherente en la cultura pop coreana. Para algunos, los valores del K-pop transnacionales son los responsables de su éxito.

Mercadotecnia

Muchas agencias han presentado nuevos grupos de ídolos a una audiencia a través de un «escaparate de debut», que consiste en marketing en línea y promociones de programas de televisión en lugar de la radio. A los grupos se les da un nombre y un «concepto» junto con el gancho comercial. A veces se forman subunidades o subgrupos entre los miembros existentes, tales como Super Junior-K.R.Y. o Super Junior-M, que se han convertido en algunos de los subgrupos de K-pop más vendidos en China.

El marketing en línea incluye vídeos musicales publicados en YouTube con la finalidad de llegar a un público mundial. Antes del vídeo real, el grupo publica fotos y tráileres. Los ciclos promocionales de los artistas se llaman reapariciones (comeback en inglés), aunque el músico o el grupo en cuestión no haya estado inactivo.

Uso de frases en inglés

El K-pop moderno se caracteriza por el uso de frases en inglés, el escritor Jin Dal Yong de Música Popular y Sociedad escribió que su uso puede haber sido influenciado por los «americanos coreanos y/o coreanos que han estudiado en los Estados Unidos, [quienes] sacaron el máximo provecho de su fluidez en inglés y recursos culturales que no se encuentran comúnmente entre los que fueron criados y educados en Corea».

Coreografías

Las principales canciones de los artistas están convencionalmente acompañadas por una coreografía, que a menudo incluye un movimiento clave del baile (conocido como el «punto» del baile), para que coincida con las características o la letra de la canción. «Sorry Sorry» de Super Junior y «Abracadabra» de Brown Eyed Girls son ejemplos de canciones con un notable «punto» en la coreografía. Recientemente, coreógrafos internacionales bien conocidos como Parris Goebel y Anthony Joseph Testa ha trabajado con artistas como CL, BIGBANG y SHINee. Algunos fans han bailado las coreografías de sus ídolos y los han subido en línea, por ejemplo, en Vietnam.

Moda y cosmética

El K-pop tiene una influencia significativa en la moda en Asia, donde las tendencias iniciadas por los ídolos son seguidas por los jóvenes. Algunos artistas se han establecido como iconos de la moda como G-Dragon y CL quién repetidamente ha trabajado con el estilista Jeremy Scott que se identifica como su «musa».

La relación del K-pop con la cosmética coreana es innegable, numerosos idols son imagen de un gran número de marcas de cosmética que inundan el país. En Corea del Sur el uso de la cosmética no solo se cierra al mercado femenino, sino que es usada también por hombres, estos se preocupan de su aspecto tanto como las mujeres. En los últimos años la cosmética coreana está traspasando fronteras llegando hasta otros muchos países en forma de tiendas especializadas, como es el caso de Korean Queens, la primera tienda española en línea especializada en la venta de cosmética coreana.

Hay algún grado de preocupación acerca de tendencias tales como el emblanquecimiento de la piel que se relacionan con los estándares de belleza cuestionables de Corea.

Apoyo gubernamental

El gobierno de Corea del Sur ha reconocido los beneficios para el sector exportador del país como resultado de la Ola coreana (se estima que en 2011, un incremento de cien dólares en la exportación de productos culturales ha sido una consecuencia del aumento de cuatrocientos doce dólares en las exportaciones de otro bienes de consumo como alimentos, ropa, cosméticos y productos de TI) y por lo tanto han subvencionado algunos proyectos. Las iniciativas del gobierno para expandir la popularidad del K-pop se llevan a cabo principalmente por el Ministerio de Cultura, Deportes y Turismo, que es responsable de la creación de los centros mundiales de la cultura coreana. Embajadas y consulados de Corea del Sur también organizan conciertos de K-pop en el extranjero, y el Ministerio de Asuntos Exteriores invita regularmente a los aficionados extranjeros del K-pop para participar en el Festival Mundial de K-Pop en el país.

Nacido en la provincia de Chubut, desciende de tehuelches, su infancia transcurrió en el caserío de Cañadón Perdido y en el barrio General Mosconi de Comodoro Rivadavia.[4] Durante su adolescencia vivió en Sarmiento; mientras estudiaba en la escuela agrotécnica local, comenzó a frecuentar ambientes musicales y comenzó su carrera. Al principio participó de bandas locales, con un repertorio ecléctico que iba desde el rock nacional al chamamé, pero en los festivales comenzó a cantar, como solista, temas folclóricos. En uno de ellos conoció al intérprete Abelardo Epuyén González. Este músico, quien reivindicaba la tradición local, le aconsejó: «nunca cante "al pedo"» (es decir, sin motivo). Esto lo llevó a comprometerse con la música de su región y a reflejar en ella los sentimientos y problemas de los pueblos originarios. Esta insistencia en cantar canciones patagónicas, le valieron su nombre artístico que, según contó su hijo en una entrevista, se debió a una casualidad[5]:

Die Antwoord («La respuesta» en afrikáans) es una banda de electro rap-rave formada en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, en 2008 y la cual autodefine su estilo como un movimiento que mezcla diversas culturas, el cual se denomina Zef. El grupo está integrado por «Ninja», «Yo-Landi Vi$$er» y DJ Hi-Tek. Entre sus sencillos más exitosos se encuentran «Enter the Ninja», «I Fink U Freeky», «Fatty Boom Boom», «Ugly Boy», entre otros.

Watkin Tudor Jones, vocalista de Die Antwoord, formó parte de la escena hip-hop sudafricano por muchos años, estando en grupos como The Original Evergreen, MaxNormal.TV y The Constructus Corporation. Conocido por personificar diferentes personajes en sus bandas, en Die Antwoord utiliza a un personaje agresivo y vulgar, muy diferente a los otros. Su estilo se asemeja al de ciertos artistas holandeses o al personaje ficticio Ali G que interpreta Sacha Baron Cohen.

"Ninja" dijo para la revista Rolling Stone: "Todo lo que hacía antes de Die Antwoord era experimentar, andar por ahí y tratar de encontrar "die antwoord" (la respuesta)... Todo antes era desechable."

Su álbum debut en 2008, $O$, fue distribuido de manera gratuita desde su sitio web. El año siguiente, el cinematógrafo sudafricano Rob Malpage dirigió junto a Watkin el video de su primer sencillo, "Enter the Ninja".

El estilo visual y musical de Die Antwoord incorpora elementos de la cultura Zef, descritos como modernos y 'trashy', apropiándose de lo pasado de moda, y descartando elementos culturales. Sus letras están hechas en afrikáans, inglés y xhosa. La banda también es conocida por sus seguidores de culto, especialmente por la inusual creación prolífica de fanart por dichos seguidores. Algunos de sus videos musicales han incorporado obras de arte del destacado fotógrafo Roger Ballen.

Die Antwoord fue observado por periodistas y críticos, particularmente en los Estados Unidos, que se preguntaban con frecuencia si su producción creativa es una broma o algún tipo de engaño. Cuando se les preguntó si estaban interpretando a un personaje, Ninja dijo: "Ninja es, como decir que, Superman es igual a Clark Kent. La única diferencia es que yo no me despego de este traje de Superman". Ellos describen su trabajo como una "ficción documental" y una "experiencia exagerada", diseñado para ser chocante.

Nacido con el nombre de Job Seda en 1956 en Mombasa, Kenia, Ayub Ogada murió el 1 de febrero de 2019. Cantante, compositor y actor, tocaba la nyatiti, una lira de ocho cuerdas originaria de los Luo, una tribu en el oeste de Kenia y el Djembé, instrumento africano de percusión. Formó parte de la African Heritage Band, y grabó en los Real World Studios de Peter Gabriel.

Mientras estaba en la escuela en Kenia, Ayub tocó varios instrumentos en bandas mesclando la música tradicional y la contemporánea. En 1979 cofundado la African Heritage Band, en la que se fusionaba el folklore africano con el rock y el soul. En 1986 viajó a Londres con su nyatiti tocando en las calles y el metro de la capital inglesa. Dos años después le pidieron que tocara en el Festival WOMAD de Peter Gabriel en Cornwall donde triunfó. Fue invitado a grabar en los Real World Studios de Peter Gabriel en Wiltshire. En 1993, grabó su primer álbum “En Mana Kuoyo (Just Sand)” y realizó una extensa gira con Peter Gabriel y WOMAD.

colaboró con Giovanni Amighetti y Helge Andreas Norbakken en el proyecto Salimie. En julio de 2005, Ayub Ogada actuó en el concierto “Live 8 Eden Project” con su banda, Union Nowhere. Lanzaron el álbum “Tanguru” en 2007, el año en que Ayub regresó a Kenia. En 2012, Trevor Warren fue a Kenia para visitar a Ayub. Con el músico e ingeniero keniano Isaac Gem, compusieron y grabaron el álbum “Kodhi” (que significa semilla en Luo). Lo editó Long Tale Recordings el 20 de abril de 2015.

Su música forma parte de las bandas sonoras de películas como “I Dreamed of Africa” (2000), “The Constant Gardener” (2005), ”Samsara” (2011) y “The Good Lie” (2014), entre otros proyectos para televisión. También ha actuado bajo su nombre de nacimiento, Job Seda, como compañero guerrero Masaii de Robert Redford en “Out of Africa” (1985) y también protagonizó “The Kitchen Toto (1987).

Justin Drew Bieber (London, Ontario; 1 de marzo de 1994) es un cantautor canadiense. En 2008, el exejecutivo de la industria musical Scooter Braun descubrió casualmente el talento de Justin Bieber cuando se encontraba viendo algunos vídeos en YouTube, donde Bieber se dedicaba a subir algunas versiones de sus cantantes favoritos que él interpretaba junto a su guitarra. Tiempo después, Braun se convirtió en su mánager. Scooter Braun reunió a Justin Bieber con el también cantante estadounidense Usher en Atlanta, donde Justin firmaría un contrato con el sello discográfico de Scooter Braun y Usher, Raymond Braun Media Group (RBMG) y otro contrato con Island Records, ofrecido por L.A. Reid.

En el verano de 2009, a la edad de 15 años, Justin Bieber publicó su primer sencillo debut «One Time», canción que se posicionó en las primeras posiciones de las listas de éxitos en más de diez países. El lanzamiento fue seguido por el de su álbum debut My World, el 17 de noviembre de 2009, el cual recibió críticas muy positivas y una certificación de platino por la RIAA. Justin Bieber se había convertido en el primer artista en tener siete sencillos de un álbum debut en la Billboard Hot 100. Su primer álbum de estudio completo, My World 2.0, fue publicado el 23 de marzo de 2010 y fue precedido por el éxito internacional «Baby». En agosto de 2011, el videoclip oficial de la canción «Baby» se convirtió en el vídeo musical más visto de YouTube de la época, con alrededor de más de 300 millones de reproducciones en pocas semanas. En junio de 2010, a la edad de 16 años, realizó su primera gira, My World Tour. Para ese entonces, Justin Bieber ya se había convertido en todo un ídolo adolescente.

Ha sido nominado y galardonado en numerosas ocasiones, ganando el Premio "Artista Del Año" de los American Music Awards en 2010 y siendo nominado en la 53.ª entrega de los Premios Grammy en las categorías de Mejor Artista Revelación y Mejor Álbum Pop.

David Robert Jones (Londres, 8 de enero de 1947-Nueva York, 10 de enero de 2016), más conocido por su nombre artístico David Bowie, fue un cantautor, actor, multiinstrumentista y diseñador británico. Figura importante de la música popular durante casi cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de 1970 y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su obra.

Nacido en Brixton, en el sur de Londres, Bowie mostró gran interés por la música en su niñez, estudiando arte, música y diseño antes de embarcarse en su carrera profesional como músico en 1963. A pesar de haber lanzado un álbum (David Bowie) y varios sencillos, Bowie consiguió notoriedad en julio de 1969, cuando su sencillo «Space Oddity» llegó al top 5 de la lista británica de sencillos. Después de tres años con una etapa de experimentación, resurgió en 1972, en plena era del glam rock, con su extravagante y andrógino alter ego Ziggy Stardust, gracias a su exitoso sencillo «Starman» y el disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. David Buckley, su biógrafo, describe el impacto de Bowie de esa época diciendo que «retó al núcleo de la música rock de la época» y «creó, posiblemente, el personaje más importante de la cultura popular». La corta vida de Ziggy probó ser solo una faceta de una carrera marcada por continuas reinvenciones, innovaciones musicales y presentaciones visuales de todo tipo.

Bowie consiguió, en 1975, su primer éxito número uno en los Estados Unidos, gracias a su exitoso sencillo «Fame», coescrito con John Lennon y a su disco Young Americans, del cual dijo él mismo que era el disco definitivo del plastic soul (término acuñado por un músico de raza negra para describir a un artista blanco interpretando música soul). El sonido significó un cambio radical del estilo que le había hecho famoso en el Reino Unido, aun así el álbum Young Americans llegó al número 1 en las listas de Melody Maker y ese año consiguió otro número 1 con el relanzamiento de Space Oddity, llegó a la posición más alta en las tres listas principales del Reino Unido, su segundo sencillo fue número 1 en Melody Maker y NME, tras The Jean Genie, y ese año logró su segundo sencillo número 1 en Nueva Zelanda con "Young Americans", tras el rotundo éxito de "Sorrow". Después de esto, confundió tanto a su discográfica como a sus seguidores estadounidenses con el disco minimalista Low (1977), la primera de tres colaboraciones con Brian Eno. Todos estos álbumes, conocidos como la «Trilogía de Berlín», entraron en el top 5 británico, además de recibir elogios de la crítica.

Después de dispares éxitos comerciales a finales de la década de 1970, consiguió números uno en el Reino Unido con el sencillo «Ashes to Ashes» y su correspondiente álbum, Scary Monsters (and Super Creeps). Colaboró con Queen en el número uno de las listas de venta «Under Pressure» para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial con su disco de 1983 Let's Dance, del que se extrajeron los exitosos sencillos «Let's Dance», «China Girl» y «Modern Love». A lo largo de las décadas de 1990 y 2000, Bowie siguió experimentando con distintos estilos musicales, incluyendo blue-eyed soul, industrial, adult contemporary, jungle y R&B. No salió de gira desde su gira musical entre 2003 y 2004 A Reality Tour y no se presentó en vivo desde 2006. Su más reciente disco Blackstar salió al mercado el 8 de enero de 2016, dos días antes de fallecer.

Buckley dice de Bowie: «Su influencia fue única en la cultura popular, ha permeado y cambiado más vidas que ninguna otra figura pública». En la encuesta de 2002 de la cadena televisiva BBC de los 100 británicos más importantes, se colocó en el puesto número 29. Ha vendido cerca de 136 millones de discos. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en los Estados Unidos. En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto 39 entre los cien artistas más importantes de todos los tiempos, y en 23 de los mejores cantantes.

Genesis es un grupo británico de rock progresivo creado en 1967 por Tony Banks, Mike Rutherford, Peter Gabriel y Anthony Phillips. Tras la marcha del guitarrista y compositor Anthony Phillips (quien fue brevemente reemplazado por Mick Barnard) y tras varios cambios de bateristas, el grupo quedó conformado en su primera formación "clásica" (1970-1975) por Peter Gabriel (voz y flauta), Tony Banks (teclados), Mike Rutherford (bajo y guitarras), Phil Collins (batería y percusión) y Steve Hackett (guitarra líder). Tras la salida de Gabriel -en 1975- y de Hackett -en 1977- el grupo quedó reducido a un cuarteto, ahora con Daryl Stuermer, y posteriormente a un trío, con Collins como cantante y baterista, Rutherford como guitarrista y bajista y Banks como tecladista. A partir de la década de 1980, la música de Genesis vería un cambio fundamental de estilo, del rock progresivo hacia el pop-rock, coincidiendo con la época de mayor éxito comercial y con Phil Collins como su líder más visible.

En 1996 Phil Collins abandonó oficialmente Genesis, para centrarse en su carrera solista, y Ray Wilson fue su reemplazo como vocalista por un breve lapso de tiempo. Genesis se separó definitivamente en 1998. Sin embargo en 2007 realizaron una exitosa gira de conciertos por Europa y los Estados Unidos, llamada "Turn It On Again", tras la cual en varias ocasiones se ha comentado una posible vuelta a los estudios de grabación. En el 2020 se anunció su regreso a los escenarios con la gira "The Last Domino?", que además de Collins, Banks y Rutherford, incluye al bajista/guitarrista y antiguo colaborador Daryl Stuermer y al hijo de Phil, Nicholas Collins en batería en reemplazo de Chester Thompson. El 26 de marzo del 2022 dieron su último concierto de la gira de despedida en la ciudad de Londres, poniendo punto final a la actividad de la banda.

Con aproximadamente 155 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, Genesis se encuentra entre los treinta grupos más exitosos en ventas de todos los tiempos. Durante su trayectoria han recibido 4 nominaciones y 1 Premio Grammy, 3 nominaciones y 1 Premio American Music y nominaciones a los Premios Brit.

Elton Hercules John (Reginald Kenneth Dwight; Pinner, Middlesex, Inglaterra, 25 de marzo de 1947) es un cantautor, músico y pianista de rock y pop británico. Con una carrera de más de 60 años, ha lanzado 32 álbumes de estudio y ha vendido más de 300 millones de copias en todo el mundo, siendo uno de los artistas musicales más exitosos de la historia.

Ha colaborado con el letrista Bernie Taupin desde 1967 y muchas de sus canciones han alcanzado la cima de las listas de éxito en el mundo. Es el único artista en mantener al menos una canción dentro del Billboard Hot 100 durante 30 años consecutivos, desde 1970 hasta 2000. Su canción «Candle in the Wind 1997», reescrita en ocasión de la muerte de Diana de Gales, vendió más de 33 millones de copias y es el segundo sencillo más vendido en la historia. Su trabajo también se ha extendido hacia la composición, la producción y, en ocasiones, la actuación.

Nacido y criado en Pinner, suburbio de Londres, John aprendió a tocar el piano a una edad muy temprana. Formó su primera banda, Bluesology, en 1962, y se alió con el letrista Bernie Taupin en 1967. Durante los siguientes dos años escribieron canciones para otros artistas como Lulu, y al mismo tiempo, trabajó para las bandas The Hollies y The Scaffold.

En 1969 debutó con el álbum Empty Sky y logró el éxito en 1970 con Elton John, cuya canción «Your Song» alcanzó los primeros lugares en las listas de éxito de Estados Unidos y Reino Unido. Otras canciones importantes de su discografía son: «Rocket Man» y «Crocodile Rock» de 1972, «Goodbye Yellow Brick Road» de 1973, «Bennie and the Jets» de 1974, «Don't Go Breaking My Heart» de 1976 y «Sacrifice» de 1989.

Tras décadas de éxito comercial, incursionó con gran acogida en el teatro musical a finales del siglo xx, tanto en West End como en Broadway, componiendo la música de El rey león (película y obra de teatro), Aida y Billy Elliot.

Ha ganado cinco premios Grammy, cinco premios Brit (dos de ellos honoríficos por su «contribución a la cultura británica» a través de su música), dos Globos de Oro, un Tony, un Emmy, un Disney Legends, dos Óscares (uno compartido con Tim Rice y el otro con Bernie Taupin) y el Premio Kennedy. En 2024, pasó a formar parte de la famosa lista de los EGOT.

En 2004, la revista Rolling Stone lo ubicó en la casilla 49 de su lista de los «100 músicos más influyentes de la era del rock and roll» y en 2013 fue nombrado por Billboard como el cantante de mayor éxito en el Billboard Hot 100 All-Time Top Artists y tercero en general detrás de The Beatles y Madonna. Cuatro de sus canciones fueron incluidas en la lista de las 500 mejores canciones de la historia realizada por la revista Rolling Stone en 2021: "Tiny Dancer" (47), "Rocket Man" (149), "Your Song" (202) y "Bennie and the Jets" (371).

En 1994 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock y en el Salón de la Fama de Compositores, además de ser miembro de la Academia Británica de Cantautores y Compositores. En 1996, fue nombrado «Caballero» después de ser nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II por sus «servicios hacia la música y actos caritativos» y el apelativo de Sir fue añadido a su nombre. La biopic Rocketman, basada en su vida y dirigida por Dexter Fletcher, fue estrenada el 31 de mayo de 2019 y distribuida por Paramount Pictures.

El 8 de julio de 2023, John realizó su último concierto en Estocolmo, Suecia, en el Tele2 Arena. Al abrir el espectáculo, John dijo: "Buenas noches, Estocolmo, bueno, esto es todo". John ha dicho que seguirá "haciendo algún que otro espectáculo" a pesar de su retiro de las giras.

Es uno de los promotores más importantes en la lucha contra el sida desde finales de los ochenta y creó la Fundación Elton John contra el VIH/sida en 1992, encargada de la fiesta de after party de la ceremonia de los Óscar, considerada una de las celebraciones de más alto perfil de Hollywood. Desde su fundación, la organización ha reunido más de $200 millones de dólares. John anunció que era bisexual en 1976, pero fue a partir de 1988 cuando se consideró abiertamente homosexual. En 2005 se comprometió mediante un contrato de unión civil con David Furnish, con quien contrajo matrimonio en 2014, después de que se legalizara el matrimonio igualitario en Reino Unido y Gales.

Alanis Nadine Morissette (Ottawa, 1 de junio de 1974) es una cantante, guitarrista, compositora, productora y actriz canadiense, con gran trayectoria musical y éxito desde los años 1990.

Su tesitura es la de una mezzosoprano, y se ha posicionado como una de las cantantes de mayores ventas de la historia, debido en gran parte a su tercer álbum Jagged Little Pill, que alcanzó alrededor de 33 millones de copias vendidas en todo el mundo convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos en la historia por una artista femenina y uno de los álbumes más exitosos de todos los tiempos. El álbum además, fue incluido en la Lista de los 500 Mejores Álbumes de la Historia según la revista Rolling Stone. A lo largo de su carrera ha sido galardonada con siete Premios Grammy, incluyendo Álbum del año en 1996 y dieciséis premios Juno. En el 2002 la ONU le otorgó el premio «Global Tolerance Award» por su «gran labor en promover la tolerancia».

Alanis ha vendido más de 60 millones de discos en todo el mundo.

Céline Marie Claudette Dion, más conocida como Céline Dion (pronunciación en francés: /selin djɔ̃/; (Charlemagne, 30 de marzo de 1968), es una cantante canadiense. Conocida por su destreza y potencia vocal, Dion es la artista canadiense y cantante francófona más exitosa de todos los tiempos.

Emergió como estrella adolescente en su país natal, lanzando una serie de álbumes en francés que le otorgaron popularidad en Francia y en el resto del mundo francófono. En 1990 lanzó Unison, su primera producción en inglés que marcó el inicio de su destacada y exitosa trayectoria en el mercado anglosajón. Durante los noventa, se estableció como una de las cantantes más exitosas de la historia, tras vender más de 100 millones de discos en un periodo de diez años, con álbumes como Falling into You (1996) y Let's Talk About Love (1997), ambos certificados diamante en los EE. UU., con más de 30 millones de ventas cada uno. Su álbum D'eux (1995) se convirtió en el disco en francés más vendido de todos los tiempos, mientras que S'il suffisait d'aimer (1998), Sans attendre (2012) y Encore un soir (2016) obtuvieron la certificación de diamante en Francia. En 2003 inició una serie de conciertos en el coliseo del hotel Caesars Palace en Las Vegas que se extendió durante dieciséis años y se convirtió en el espectáculo más rentable en la historia de esa ciudad y en uno de los más grandes del planeta.

Dion es una de las artistas musicales más exitosas de todos los tiempos, con ventas récord de más de 200 millones en todo el mundo. Aunque sus lanzamientos a menudo han recibido una crítica mixta, Dion es considerada una de las vocalistas más influyentes y exitosas de la música pop. Ha ganado 5 premios Grammy, 12 World Music Awards, 2 Oscar, 2 Globo de Oro, 7 Billboard Music Awards, 6 American Music Awards, 20 Juno Awards y 50 Premios Félix, entre muchos otros, y ha recibido dos Doctorado Honoris Causa en Música de la Berklee College of Music y la Université Laval. Ha publicado 27 álbumes de estudio, 6 álbumes en vivo, 11 álbumes en DVD y 17 álbumes recopilatorios. Además de francés e inglés, ha cantado en numerosos idiomas como el español, italiano, alemán, latín, japonés y chino mandarín. Billboard la nombró la "Reina del Adulto Contemporáneo" por ser la artista femenina con la mayor cantidad de número uno en sus listas. Dion es la segunda artista femenina con mayores ventas en los EE. UU. durante la era Nielsen SoundScan y la sexta solista mujer con mejores resultados de todos los tiempos en la Billboard 200. En 2004, fue homenajeada en los World Music Awards al convertirse en la cantante mujer más vendida del mundo. En la ceremonia de los World Music Awards de 2007, recibió el Premio Leyenda en reconocimiento a su "éxito mundial y contribución sobresaliente a la industria de la música". Del mismo modo, recibió un homenaje la gala de la Association du disque de l'industrie du spectacle québécois en 2008 y el prestigioso Icon Award en los Billboard Music Awards de 2016 en reconocimiento a toda su carrera.

Ludwig van Beethoven (Bonn, Arzobispado de Colonia; 16 de diciembre de 1770-Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta, pianista y profesor de piano alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el Clasicismo hasta los inicios del Romanticismo. Es considerado uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución posterior de este arte.

Siendo el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del Romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo xix. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Su producción incluye los géneros pianístico (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (incluyendo numerosas obras para conjuntos instrumentales de entre ocho y dos miembros), concertante (conciertos para piano, para violín y triple), sacra (dos misas, un oratorio), lieder, música incidental (la ópera Fidelio, un ballet, músicas para obras teatrales), y orquestal, en la que ocupan lugar preponderante Nueve sinfonías.

Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart (Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, fue un compositor, pianista, director de orquesta y profesor austriaco del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente parte del Sacro Imperio Romano Germánico, actualmente parte de Austria), maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para fortepiano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.

Según críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».

Johann Sebastian Bach (pronunciado /ˈjoːhan zeˈbasti̯an bax/ⓘ; Eisenach, Sacro Imperio Romano Germánico, 21 de marzojul./ 31 de marzo de 1685greg.-Leipzig, Sacro Imperio Romano Germánico, 28 de julio de 1750) fue un compositor, músico, director de orquesta, maestro de capilla, cantor y profesor alemán del período barroco.

Fue el miembro más importante de una de las familias de músicos más destacadas de la historia, con más de 35 compositores famosos: la familia Bach. Tuvo una gran fama como organista y clavecinista en toda Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado. Además del órgano y del clavecín, tocaba el violín y la viola da gamba.

Su fecunda obra es considerada la cima de la música barroca; destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos nacionales de su época y del pasado. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto y fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos, tales como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Felix Mendelssohn, Robert Schumann y Frédéric Chopin, entre muchos otros.

Entre sus obras más conocidas se encuentran los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pequeña fuga en sol menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de cantatas (entre ellas las célebres Wachet auf, ruft uns die Stimme, BWV 140 y Herz und Mund und Tat und Leben, BWV 147), el Concierto italiano, BWV 971, la Obertura en estilo francés, BWV 831, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo, los Conciertos para teclado y las Suites para orquesta.

Sus canciones están escritas casi exclusivamente en alemán aunque algunas contienen inglés, francés, ruso o incluso español; y han vendido más de 35 millones de copias en todo el mundo.​ Entre otros reconocimientos, han sido nominados en dos ediciones de los premios Grammy en la categoría de mejor interpretación de metal: en 1999 con el tema «Du hast» (del álbum Sehnsucht) y en 2006 con «Mein Teil» (del álbum Reise, Reise).Han lanzado al mercado un total de ocho álbumes de estudio y cuatro en directo, así como cinco DVD; toda su discografía se encuentra disponible en el catálogo de la multinacional discográfica Universal Music.

"Dimmu Borgir" proviene de dimmuborgir, que significa "Ciudades Oscuras" en islandés, también es un conjunto de cuevas formadas por la lava en Islandia que según los noruegos son la entrada al averno infernal.

En sus inicios exploró el death metal original, pero sufrió una transformación musical después del cambio de integrantes que tuvo, y comenzó a hacer un death metal más melódico, que sigue haciendo actualmente. Sus letras hablan de rebelión y suelen criticar a la sociedad y a la religión cristiana..

La banda es procedente de Suecia, formada en 1996 por el guitarrista Michael Amott junto al vocalista Johan Liiva. La banda ha publicado diez álbumes de estudio, dos en directo, tres EP y dos DVD. La banda fue originalmente liderada por Johan Liiva, hasta que Angela Gossow se unió a la banda como vocalista en 2001.

En 2014, Gossow dejó la banda y fue remplazada por Alissa White-Gluz.

Lukaz Bruzatti (voz)

Marcos Largayolli (guitarra y samplers)

Hernán Grau (bajo)

Emanuel Murua (bateria)

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (Le Roncole, Busseto, 10 de octubre de 1813 - Milán, 27 de enero de 1901) fue un compositor romántico italiano de ópera, uno de los más importantes de todos los tiempos. Su obra sirve de puente entre el bel canto de Rossini, Bellini y Donizetti, y la corriente del verismo y Puccini.

En sus primeras óperas mostró simpatía por el movimiento del Risorgimento, que buscaba la unificación de Italia. También participó brevemente como político elegido. El coro «Va, pensiero» de su tercera ópera, Nabucco (1842) —y coros similares en óperas posteriores—, estaban muy en el espíritu del movimiento de unificación y se llegó a considerar al propio compositor como un representante de estos ideales. Sin embargo, Verdi, una persona intensamente reservada, no trató de congraciarse con los movimientos populares y, a medida que tuvo éxito profesional, redujo su carga de trabajo operístico y buscó establecerse como terrateniente en su región natal. Sorprendió al mundo musical al regresar, después de su éxito con la ópera Aida (1871), con tres obras maestras tardías: su Réquiem (1874) y las óperas Otelo (1887) y Falstaff (1893).

Fue autor de algunos de los títulos más populares del repertorio lírico, como los que componen su trilogía popular o romántica de su período medio: Rigoletto, El trovador y La traviata.

Achille Claude Debussy (pronunciado /aʃil(ə) klod(ə) dəbysi/; Saint-Germain-en-Laye, 22 de agosto de 1862-París, 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés, uno de los más influyentes de finales del siglo xix y principios del xx. Algunos autores lo consideran el primer compositor impresionista, aunque él rechazaba categóricamente el término.

Nacido en el seno de una familia de recursos modestos y escasa participación cultural, mostró suficiente talento musical para ser admitido en el mejor centro de estudios musicales de Francia, el Conservatorio de París, a la edad de diez años. Inicialmente estudió piano, pero encontró su vocación en la composición de vanguardia, a pesar de la desaprobación de los conservadores profesores del Conservatorio. Le llevó muchos años desarrollar su estilo musical y tenía casi 40 años cuando alcanzó fama internacional en 1902 con la única ópera que concluyó, Peleas y Melisande (Pelléas et Mélisande).

Entre sus composiciones orquestales se encuentran Preludio a la siesta de un fauno (Prélude à l'après-midi d'un faune, 1894), Nocturnos (Nocturnes, 1897-1899) e Images (1905-1912). Su música fue en gran medida una forma de reacción frente a Wagner y a la tradición musical alemana. Consideró obsoleta la sinfonía clásica y buscó una alternativa en sus «bocetos sinfónicos» La mer (1903-1905). Entre sus obras para piano se encuentran dos libros de preludios (Préludes) y dos de estudios (Études). A lo largo de su carrera escribió mélodies basadas en una gran variedad de poesía, incluida la suya propia. Estaba muy influenciado por el movimiento poético simbolista de finales del siglo xix. Un pequeño número de sus obras, como la temprana La Damoiselle élue (1887-1889) y la tardía El martirio de San Sebastián (Le Martyre de saint Sébastien, 1911), incluyen una parte importante para los coros. En sus últimos años se centró en la música de cámara y completó tres de las seis sonatas que tenía previsto componer para diferentes combinaciones de instrumentos.

A partir de las influencias de sus primeros años, como la música rusa y la del lejano oriente, desarrolló su propio estilo de armonía y colorido orquestal, siendo ridiculizado —e infructuosamente combatido— por gran parte del establishment musical de la época. Sus obras han influido notablemente en un gran número de compositores, como Béla Bartók, Olivier Messiaen, George Benjamin o el compositor y pianista de jazz Bill Evans. Falleció de cáncer colorrectal en su casa de París a la edad de 55 años, tras una carrera de poco más de 30 años como compositor

Édith Giovanna Gassion (París, 19 de diciembre de 1915 - Plascassier, Grasse, Alpes Marítimos; 10 de octubre de 1963), conocida por su nombre artístico Édith Piaf, fue una de las cantantes francesas más célebres del siglo XX.

A «La Môme Piaf», así llamada en sus inicios, se le deben numerosas canciones del repertorio francófono como «La vie en rose», «Non, je ne regrette rien», «Hymne à l'amour», «Mon légionnaire», «La Foule» o «Milord», conocidas mundialmente. Personalidad destacada, Piaf inspiró a numerosos compositores y fue la mentora de jóvenes artistas que alcanzaron fama internacional. Édith Piaf también destacó como actriz de cine y teatro, participando en numerosas películas y obras de teatro a lo largo de su carrera artística.

Kraftwerk ([ˈkʀaftvɛʁk], alemán; literalmente planta de energía) es una banda alemana de música electrónica, formada por Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970 en Düsseldorf, liderada conjuntamente hasta la partida de Schneider en 2009.

Kraftwerk (Central Eléctrica) fue uno de los primeros grupos en popularizar la música electrónica, considerados pioneros del género e influencia en muchos subgéneros de la música electrónica, como el dance, house, trance, italo-dance, eurodance, entre otros.

En la década de 1970 y principios de los años 1980, el sonido distintivo de Kraftwerk fue revolucionario, y ha tenido un efecto duradero a través de muchos géneros de la música moderna.

En enero de 2014 la Academia de los Grammy honró a Kraftwerk con un Lifetime Achievement Award.

El característico sonido de Kraftwerk, combina ritmos repetitivos con melodías pegadizas, principalmente siguiendo un estilo clásico occidental de la armonía, con una instrumentación minimalista y estrictamente electrónica. Las letras simplificadas del grupo son a veces cantadas a través de un vocoder o generadas por un sintetizador de habla con la intención de intensificar el tono profético de su sonido.

Tras unos primeros álbumes experimentales, Kraftwerk 1 (1970), Kraftwerk 2 (1972) y Ralf und Florian (1973), en 1974 el grupo logró reconocimiento internacional con Autobahn cuya canción homónima de veintidós minutos demostró su confianza en los sintetizadores como instrumentos de creación musical. Después siguieron tres álbumes muy influyentes para la música pop: Radio-Activity (1975), Trans Europa Express (1977) y The Man-Machine (1978).

La idea central de las letras del grupo es asemejarse a una emisora radiofónica con mensajes sencillos fácilmente entendibles por todo el mundo. Temáticamente se enmarcan en la vida urbana y la tecnología europeas del siglo xx y siglo xxi: viajes en coche, trenes, ciclismo, ordenadores personales, teléfonos etc. Su sencillez expresa una ambigüedad compleja y controvertida. Coherentes con su nombre, celebran el progreso industrial y las modernas morales e inventos con una ingenuidad consciente de las consecuencias.

A partir del álbum Radio-Activität (1975) Kraftwerk publica dos versiones distintas de cada álbum, una en alemán para el mercado doméstico y otra en inglés para el mercado internacional. Además, también emplean otros idiomas, como el francés («Tour de France» o «Les Mannequins»), en japonés («Dentaku») o español («Objeto sexual»). En muchos temas alternan frases multilingües como en «Die Roboter» del álbum Die Mensch-Maschine (1978): la frase en ruso "я твой слуга, я твой работник" (fonéticamente leída como "Ya tvoi sluga, ya tvoi rabotnik") intercalada con el resto de la letra en alemán o inglés. El álbum Electric Café (1986) combina los idiomas alemán, francés, inglés y español.

Daft Punk fue un dúo francés de música electrónica y rock-electrónico formado en 1993 en París por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. Alcanzaron popularidad a fines de la década de 1990 como parte del movimiento house francés, combinando elementos de la música house con funk, disco, rock y pop. Obtuvieron elogios y éxito comercial y son considerados como uno de los actos más influyentes en la música dance así como de la música pop de los años 2010.

Bangalter y Homem-Christo formaron Daft Punk después de que su banda de indie rock Darlin' se disolviera y comenzaran a experimentar con cajas de ritmos y sintetizadores. Su álbum de estudio debut, Homework, fue lanzado por Virgin Records en 1997 con críticas positivas, respaldado por los sencillos «Around the World» y «Da Funk». A partir de 1999, Daft Punk asumió personajes de robots para apariciones públicas, con cascos, atuendos y guantes para disfrazar sus identidades; hicieron pocas apariciones en los medios. Fueron administrados desde 1996 hasta 2008 por Pedro Winter, director de Ed Banger Records.

El segundo álbum de Daft Punk, Discovery (2001), tuvo más éxito, con los exitosos sencillos «One More Time», «Digital Love» y «Harder, Better, Faster, Stronger». Se convirtió en la base de una película animada, Interstella 5555, supervisada por el artista japonés Leiji Matsumoto. El tercer álbum, Human After All (2005), recibió críticas mixtas, aunque los sencillos «Robot Rock» y «Technologic» alcanzaron el éxito en el Reino Unido. Daft Punk dirigió una película de ciencia ficción de vanguardia, Electroma, estrenada en 2006. Estuvieron de gira durante 2006 y 2007 y lanzaron el álbum en vivo Alive 2007, que ganó un premio Grammy al Mejor Álbum de Electrónica/Dance; a la gira se le atribuye la popularización de la música dance en América del Norte. Daft Punk compuso la banda sonora de la película Tron: Legacy de 2010.

En 2013, Daft Punk dejó Virgin por Columbia Records y lanzó su cuarto y último álbum, Random Access Memories, con gran éxito; el sencillo principal, «Get Lucky», alcanzó el top 10 en las listas de 27 países. Random Access Memories ganó cinco premios Grammy en 2014, incluidos Álbum del año y Grabación del año por «Get Lucky». En 2016, Daft Punk obtuvo su único número uno en el Billboard Hot 100 con «Starboy», una colaboración con The Weeknd. En 2015, Rolling Stone los clasificó como el duodécimo mejor dúo musical de todos los tiempos. Anunciaron su separación en el 2021.

Andrew Lloyd Webber (South Kensington, Londres, 22 de marzo de 1948), es un compositor británico, realizador de numerosas obras de teatro de finales del siglo xx. Ha producido 16 musicales, dos bandas sonoras y una misa de Réquiem en latín. Entre sus premios se destacan tres Tony, tres Grammy, un Óscar, un Emmy, siete Olivier y un Globo de Oro.

Obras:

The Likes of Us, 1965 (Tim Rice). Estrenado en 2005

Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, 1968 (Tim Rice)

Jesucristo Superstar, 1972 (Tim Rice)

By Jeeves, 1975 (Alan Ayckbourn)

Evita, 1976 (Tim Rice)

Tell Me on a Sunday (Don Black)

Variations (Instrumental)

Cats, 1981 (T.S. Eliot)

Song and Dance, 1982 (Don Black)

Starlight Express, 1984 (Richard Stilgoe)

Requiem Mass, 1985

El Fantasma de la Ópera, 1986 (Richard Stilgoe/Charles Hart)

Aspects of Love, 1989 (Don Black/Charles Hart)

Sunset Boulevard, 1993 (Don Black/Christopher Hampton)

Whistle Down the Wind, 1997 (Jim Steinman)

The Beautiful Game (nueva versión), 2000 (Ben Elton)

Bombay Dreams, 2002 (Music by A. R. Rahman)

Tell me on Sunday, 2003 (Don Black/Jackie Clune)

The Woman in White, 2004 (David Zippel)

Love Never Dies, 2010 (Ben Elton/Glenn Slater)

The Wizard of Oz, 2011

Stephen Ward (musical), 2013

School of Rock: The Musical, 2015

Cinderella: The Musical, 2021

Henry Mancini, nacido Enrico Nicola Mancini; (Maple Heights, Ohio, 16 de abril de 1924-Beverly Hills, California, 14 de junio de 1994) fue un célebre compositor, director de orquesta, arreglista, pianista y flautista estadounidense de música de cine, de jazz y de influencias latinas. Se le considera uno de los más grandes compositores en la historia del cine, ganador de cuatro premios Óscar, un Globo de Oro y veinte Grammys, así como un Grammy póstumo a su carrera en 1995.

Entre sus trabajos más reconocidos están el tema y banda sonora para las series de televisión Peter Gunn, la banda sonora de La pantera rosa (por la que ganó un Grammy) y su colaboración en las comedias de Blake Edwards, en la que destaca la canción «Moon River» (de Desayuno con diamantes, 1961). Fue el creador de los temas de varias series de televisión (algunas de dibujos animados): Remington Steele (con Pierce Brosnan), El pájaro espino o Peter Gunn, entre otras (sus composiciones para la saga de La Pantera Rosa, el tema de La pantera rosa y el tema de A Shot In the Dark fueron posteriormente usados en las series animadas de la Pantera Rosa y en los cortometrajes del Inspector Closeau, respectivamente). Además compuso las bandas sonoras de Desayuno con diamantes, Charada, Días de vino y rosas, Dear Heart, La carrera del siglo, Dos en la carretera y Victor Victoria.

Fue muy llamativo que Mancini obtuviese su único n° 1 en las listas Billboard durante la era del rock. Sus arreglos y grabación del tema «Love theme from Romeo and Juliet» (Tema de amor de amor de Romeo y Julieta) subió al n.° 1 el 29 de junio de 1969, manteniéndose en ese puesto dos semanas.

Francisco Gustavo Sánchez Gómez (Algeciras, España; 21 de diciembre de 1947-Playa del Carmen, México; 25 de febrero de 2014), más conocido como Paco de Lucía, fue un músico y compositor español considerado el mejor guitarrista de flamenco de toda la historia y el más virtuoso del instrumento a nivel mundial.

Paco de Lucía, junto a sus hermanos Ramón de Algeciras y Pepe de Lucía, recibió educación musical de la mano de su padre, Antonio Sánchez Pecino, también guitarrista. En un ambiente familiar muy cercano al mundo flamenco, Paco de Lucía pronto tomó contacto con algunas de las principales figuras del mundo flamenco, entre las que algunas de sus principales influencias fueron el Niño Ricardo y Sabicas. Tras darse a conocer al mundo flamenco español en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera de 1962, grabó sus primeros discos junto a su hermano Pepe formando parte del conjunto Los Chiquitos de Algeciras. En los años siguientes colaboró al toque con los cantaores Fosforito y El Lebrijano y desde 1969 con Camarón de la Isla.

A partir de la publicación de Fuente y caudal en 1973, su música llegó al público mayoritario. Con el paso de los años su música fue progresivamente abriéndose a nuevos estilos al tiempo que comenzaba a interpretarse en ámbitos más alejados de los tradicionales tablaos españoles. Actuó con éxito en Europa, Norteamérica y Japón, ocupando estas giras la mayor parte de su tiempo.

Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le atribuye la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la escena musical internacional gracias a la inclusión de nuevos ritmos desde el jazz, la bossa nova y la música clásica. De este modo destacan sus colaboraciones con artistas internacionales como Carlos Santana, Al Di Meola o John McLaughlin, pero también con otras figuras del flamenco como Camarón de la Isla o Tomatito, con quienes modernizó el concepto de flamenco clásico. A lo largo de su carrera grabó un total de 38 discos, incluyendo cinco antologías y cinco discos en directo, además de numerosas colaboraciones al toque de cantaores e intérpretes de numerosos estilos musicales.

Recibió, entre otros muchos galardones, un premios Grammy latinos por sus álbumes Cositas buenas (2004) y En vivo Conciertos España (2010), el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), Hijo predilecto de la provincia de Cádiz (1997), Hijo predilecto de Algeciras (1998), la Medalla de Plata de Andalucía, la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004), Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz (2009) y por el Berklee College of Music (2010).

María Dolores Flores Ruiz (Jerez de la Frontera, Cádiz, 21 de enero de 1923-Alcobendas, Madrid, 16 de mayo de 1995), conocida como Lola Flores, fue una actriz, bailaora y cantante española.

Dentro de la música, se inició en el género de copla y también cantó rumbas y rancheras. Como actriz, interpretó más de 35 películas, muchas de ellas ambientadas en el folclorismo andaluz. Fue una de las primeras mujeres en la España de la posguerra en hablar libremente de temas considerados tabú como la violencia contra las mujeres, las relaciones extramatrimoniales y la prostitución.

Como artista, se convirtió en un símbolo y un tópico de una época en la España del siglo xx. También obtuvo reconocimiento en México por su participación en cintas como Reportaje (1953), ¡Ay, pena, penita, pena! (1953), La Faraona (1956) y Los Tres Amores de Lola (1956). Estas además le valieron el haber sido reconocida como una de las actrices que formaron parte de la Época de Oro del cine mexicano.

José Monge Cruz (San Fernando, Cádiz, 5 de diciembre de 1950-Badalona, Barcelona, 2 de julio de 1992), conocido artísticamente como Camarón de la Isla o simplemente Camarón, fue un cantaor de etnia gitana español considerado por muchos como el mejor cantaor de flamenco contemporáneo y una de sus más importantes figuras. También es considerado por muchos como el mejor cantante de la historia independientemente del estilo de música. Fue el más revolucionario pero sin dejar de lado los cánones antiguos y la esencia pura del cante jondo gitano andaluz.

Rosalía Vila Tobella (San Esteban Sasroviras, 25 de septiembre de 1992), conocida simplemente como Rosalía, es una cantante, compositora, productora discográfica y empresaria española.

Nacida y criada en las afueras de Barcelona, ha sido descrita por la emisora de radio estadounidense NPR como una «estrella del pop atípica» debido a «su versatilidad musical y tendencias experimentales que desdibujan los límites entre distintos géneros». Después de descubrir la música folclórica española a los trece años, Rosalía estudió musicología en la Escuela Superior de Música de Cataluña mientras actuaba en bares musicales y bodas.

Rosalía se graduó de la Escuela Superior de Música de Cataluña con honores en virtud de su álbum colaborativo con Raül Refree, Los ángeles (2017) y el proyecto de fin de carrera El mal querer (2018), que es coproducido por el Guincho y reimagina el flamenco mezclándolo con música pop y urbana. Este último generó el sencillo «Malamente», que llamó la atención del público en general español, y fue aclamado por la crítica universal.[cita requerida] Ganador del Premio Grammy Latino al álbum del año, del Premio Grammy al mejor álbum urbano o rock latino e incluido en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone, El mal querer comenzó el ascenso de Rosalía a la escena musical internacional.

Su primer sencillo de éxito internacional fue su colaboración en 2019 con J Balvin, «Con altura», canción de reguetón que marcó el viaje de Rosalía a la música urbana. Con una venta de más de 2 millones de copias, fue nombrada como una de las mejores canciones del año por Billboard y Pitchfork [cita requerida] y fue galardonada con el Premio Grammy Latino a la mejor canción urbana. Más tarde colaboró con otros músicos como Bad Bunny, Ozuna, Billie Eilish y Travis Scott, logrando múltiples elogios. Posteriormente, Rosalía se aventuró más en la música latina con su tercer álbum de estudio Motomami (2022), partiendo del nuevo sonido flamenco de su predecesor. El álbum logró un éxito internacional con sus sencillos «La fama», «Saoko» y «Despechá» y se convirtió en el álbum mejor reseñado del año en Metacritic, con una nota de 94 sobre 100 puntos basada en 17 críticas de medios especializados de gran relevancia.

A lo largo de su carrera, Rosalía ha acumulado diez sencillos número uno en su país de origen, la mayoría para un artista local. También ha ganado dos Premios Grammy, doce Premios Grammy Latinos (incluidos dos premios Álbum del año), cuatro MTV Video Music Awards, un MTV Europe Music Awards, tres UK Music Video Awards y dos Premios Ruido, entre otros. En 2019, Billboard le otorgó el Premio Rising Star por «cambiar el sonido de la música principal de hoy con su nuevo pop influenciado por el flamenco», y se convirtió en la artista española con más galardones otorgados por la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación por un único trabajo y en el primer acto de un cantante español en la historia en ser nominado al mejor artista nuevo en los Grammy. Es ampliamente considerada una de las cantantes españolas más exitosas e influyentes de todos los tiempos.

Ella Marija Lani Yelich-O'Connor (Auckland, 7 de noviembre de 1996), más conocida por su nombre artístico Lorde, es una cantante, compositora y productora discográfica croatoneozelandesa. A los 12 años de edad, firmó un contrato con la discográfica Universal Music Group, gracias a Scott Maclachlan, su futuro representante. Poco tiempo después, empezó a componer sus propias canciones, y se alió con Joel Little, quien las produjo. Lorde publicó su extended play (EP) debut, The Love Club, en noviembre de 2012, de forma gratuita en Soundcloud. Después de que más de 60 mil personas lo descargaran, Universal decidió lanzarlo oficialmente en iTunes el 8 de marzo de 2013. Este debutó en el número dos de la principal lista de álbumes de su país, e ingresó en las primeras veinticinco posiciones del Billboard 200 de Estados Unidos. El primer sencillo del EP, «Royals», alcanzó el número uno en Nueva Zelanda, y tiempo después ingresó a las primeras diez en más de veinte países. Asimismo, en 2014 recibió tres nominaciones en la 56.ª edición de los Premios Grammy en las categorías de grabación del año, canción del año y mejor interpretación pop solista. Ganó las dos últimas, lo que convirtió a Lorde, de entonces 17 años, en la artista neozelandesa más joven en ganar un Grammy, así como la tercera más joven en general.

La discográfica lanzó su primer álbum de estudio, Pure Heroine, el 27 de septiembre de 2013. Este contó con buena recepción crítica y comercial, y para finales de ese año había vendido aproximadamente 1.5 millones de copias en todo el mundo. «Tennis Court», el primer sencillo de este, y «Team», su sucesor, lograron una buena recepción comercial. El primero logró debutar en el número uno en Nueva Zelanda, y el segundo vendió más de dos millones de copias en los Estados Unidos. En 2014, Lorde grabó «Yellow Flicker Beat» para la banda sonora de Los juegos del hambre: Sinsajo - Parte 1, y estuvo encargada de escoger a los demás artistas que participarían en esta. Su sencillo recibió nominaciones en los Premios Globo de Oro en la categoría de mejor canción original y en los Critics' Choice Movie Awards por mejor canción. Para noviembre de 2014, Lorde había vendido aproximadamente 17 millones de sencillos en todo el mundo convirtiéndose en una de las artistas más jóvenes en lograrlo.

Sia Kate Isobelle Furler (Adelaida, Australia, 18 de diciembre de 1975), conocida simplemente como Sia, es una cantautora, compositora, productora , actriz, directora y escritora australiana. Desde 2018 forma parte del supergrupo LSD junto a Labrinth y Diplo.

En 2014, su sencillo «Chandelier» fue un éxito a nivel mundial. Su álbum de 2008, Some People Have Real Problems alcanzó su máxima posición en el top 20 del Billboard 200. En los ARIA Music Awards de 2009 ganó el premio al Best Music DVD, recibió seis nominaciones en los premios ARIA Music Awards de 2010, ganó a la mejor publicación independiente y mejor lanzamiento pop por su álbum We Are Born, y mejor video para la canción «Clap Your Hands». Furler también ha colaborado y tocado con Zero 7, Christina Aguilera y posteriormente con David Guetta, Flo Rida, Zayn, Pink, Afrojack, Labrinth, Diplo, Britney Spears, Jennifer López, Jessie J, Katy Perry, Rihanna, Nicky Jam, Shakira, Eminem, Ariana Grande, The Weeknd, Adele, entre otros. Colaboró en el éxito «Titanium» con el DJ David Guetta y en el sencillo «Wild Ones» con el rapero Flo Rida, alcanzando el éxito internacional por primera vez en 2011.

En 2005, su canción «Breathe Me» se utilizó en las últimas escenas de la serie de televisión estadounidense Six Feet Under. También dicha canción acompañaba a uno de los tráileres del videojuego Prince of Persia lanzado en 2008. En 2013 grabó, junto a The Weeknd y Diplo, su nuevo sencillo titulado «Elastic Heart», que apareció en la película Los juegos del hambre: en llamas.

En 2014 publicó un nuevo álbum con el título 1000 Forms of Fear. El álbum debutó en el número 1 en el conteo estadounidense Billboard 200, vendiendo en su primera semana más de 52 000 copias. También alcanzó la cima de las listas de Australia y Canadá. Su primer sencillo, «Chandelier», que fue lanzado el 17 de marzo de 2014, se convirtió en un top 10 mundial en las listas de éxitos. También alcanzó el puesto número 8 en el conteo estadounidense de Billboard Hot 100, convirtiéndose en la primera canción de Sia que ingresa en la lista como artista principal. Los siguientes sencillos, «Eye of the Needle» y «Big Girls Cry», fueron lanzados en junio de 2014. La versión solista de Sia de «Elastic Heart» canción que fue escrita con The Weeknd, fue lanzada en enero de 2015. En noviembre de 2017 publicó su primer álbum navideño, Everyday Is Christmas. En 2018 formó el grupo musical LSD junto a Labrinth y Diplo, su primer sencillo fue Genius que en Tik Tok se viralizó, haciendo que sea la segunda canción más reconocida del supergrupo LSD, lanzó su primer álbum de estudio en abril de 2019.

Se le considera una de las artistas más influyentes de la industria musical a nivel mundial, ya que ha sido responsable de muchos éxitos de otros artistas, puesto que los ha escrito o coescrito. Se destacan temas como «Let Me Love You (Until You Learn to Love Yourself)» de Ne-Yo, «You Lost Me» de Christina Aguilera, «Diamonds» de Rihanna, «Pretty Hurts» de Beyoncé, «Perfume» de Britney Spears, «Loved Me Back to Life» de Celine Dion, «Sexercize» de Kylie Minogue, «Try Everything» de Shakira, «Chained to the Rhythm» de Katy Perry, y «Crying In The Club» de Camila Cabello, entre muchos otros.

María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano (San Joaquín, 17 de abril de 1919-Cuernavaca, 5 de agosto de 2012), conocida como Chavela Vargas, fue una cantante costarricensemexicana.

Chavela Vargas nació en Costa Rica, en San Joaquín de Flores, de la provincia de Heredia. hija de Francisco Vargas y Herminia Lizano. Fue bautizada en la Basílica de Nuestra Señora de los Ángeles en Cartago, Costa Rica tres meses después, el 15 de julio de 1919, con el nombre María Isabel Anita Carmen de Jesús. Vargas se trasladó a México cuando tenía 17 años y posteriormente adoptó la nacionalidad mexicana.

Su primer álbum fue publicado en 1961. Werner Herzog la incluyó, interpretando a una nativa, en su película Grito de Piedra (1991). El director español Pedro Almodóvar incluyó canciones interpretadas por ella en varios de sus filmes, como Tacones lejanos (1991); alcanzó un importante éxito con la canción de Agustín Lara "Piensa en mí". Chavela apareció después en la película de Julie Taymor, Frida (2002), cantando una versión del popular son istmeño "La Llorona" y de la canción ranchera de Tomás Méndez "Paloma Negra". También apareció en Babel (2006), la multipremiada película de Alejandro González Iñárritu, cantando "Tú Me Acostumbraste", bolero de Frank Domínguez.

Su éxito definitivo en España fue a partir de los años 90, gracias al apoyo de Almodóvar, incluso le permitió actuar en el mítico Teatro Olympia de París en octubre de 1994 . Allí acudieron a verla Almodóvar y la actriz francesa Jeanne Moreau, quien no sabía hablar español, pero le dijo a Almodóvar: «No hace falta que me traduzcas lo que canta, porque la entiendo perfectamente». La «Dama del Poncho Rojo», pareció haberse reconciliado con Costa Rica en abril de 1994, cuando ofreció un majestuoso concierto en el Teatro Nacional de San José y luego en un auditorio de la Universidad de Costa Rica, en los que cautivó con sus interpretaciones de "Macorina", "Un mundo raro", "La Llorona" y "Paloma negra".

En julio de 2012 viajó a España para presentar su último disco en un recital en la Residencia de Estudiantes de Madrid; fue su última aparición pública y su última actuación. Dos días después, el 12 de julio, fue hospitalizada en dicha ciudad por un cuadro de fatiga y taquicardia. Se recuperó y emprendió viaje de regreso a México, sabiendo que le quedaba poco tiempo.

Su estilo de vida se caracterizó por vestirse con prendas para hombre, usar un zarape rojo, fumar cigarros, beber mucho alcohol y portar pistolas. En 2000, con 81 años de edad, expresó abiertamente por primera vez que era lesbiana.

Amr Abdel Basset Abdel Aziz Diab (en árabe, عمرو عبد الباسط عبد العزيز دياب, ʾAmrū ʾAbd āl-Basit ʿAbd āl-ʿAzīz Diyāb; Puerto Saíd, Egipto, 11 de octubre de 1961), conocido como Amr Diab, es un cantante y compositor egipcio, uno de los artistas más exitosos del mundo árabe.

Ha ganado en siete ocasiones el World Music Awards: 1997 por "Nour El Ain"; 2002 por "Aktar Wahed"; 2007 por "El leila di" y 2014 por El Leila.

El 28 de septiembre de 2016, Diab anunció que logró un título de Guinness World Records en la categoría de "Mayor número de premios de World Music Awards al artista de Oriente Medio más vendido" (Most World Music Awards for Best Selling Middle Eastern Artist).

Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra, también conocida por su abreviatura TNSO, es una banda de rock alternativo originario de Serbia también con integrantes anteriormente de Bosnia y Herzegovina formada en los años 1980 por Nenad Janković (más conocido por Dr. Nelle o Nele Karajlić) con el nombre de Zabranjeno Pusenje (en serbocroata: «Prohibido Fumar»).

Siguiendo el movimiento cultural del «Nuevo primitivismo» (surgido tras la muerte de Tito, líder-patriarca de la Yugoslavia de posguerra), la banda se desarrolló como "techno-rock gitano", con mucha sátira a la política y a los musulmanes bosníacos, con lo cual tuvieron muchos problemas con religiosos y políticos. Para antes de los años 1990 el líder de la banda, Nele Karajlić, fue enviado a Belgrado un poco antes que estallara la guerra y es aquí donde forma la TNSO, por haber dejado su antigua banda.

La TNSO es una especie de compresor de la tradición regional, procesadora de la influencia que ejerció en Yugoslavia la música árabe, hindú, rusa, griega, italiana. Comandado por su cantante, el Dr. Nele, el grupo pasó por humo, surrealismo y sarcasmo todos esos sonidos, los reforzó con una armadura tecno rock y definió su esqueleto de criatura de los Balcanes de entreguerra: quilombera, gritona, inspirada[cita requerida]. Al igual que los personajes filmográficos de su guitarrista, la TNSO no conoce el silencio, ni los términos medios. Ampulosa, pasional, siempre parece al borde de los precipicios musicales [cita requerida].

Emir Kusturica se unió al grupo por primera vez en 1986, como bajista, conociéndolos durante la filmación de su película "Recuerdas a Dolly Bell?". La banda grabaría cuatro discos antes de la separación: "Das ist Walter (este es Walter, tributo a la película "Valter Brani Sarajevo" de Hajrudin Krvavac), "Dok cekas sabah sa sejtanom" (esperando por el infierno con el diablo), "Pozdrav iz zemlje Safari" (Los mejores deseos de la tierra de los safaris) y "Male price o velikoj ljubavi" (Pequeña historia de un gran amor).Entretanto Kusta, como le dicen a Kusturica, se consagraría con "Tiempo de Gitanos" (1989), una historia de amor y (des)lealtades en torno de un clan de Zíngaros mafiosos que resume lo mejor de su estilo, poderosamente sensible y original.

Luego vendrían Sueño de Arizona, Underground (su toma de posición más explícita, y polémica por cierto, respecto de la tragedia yugoslava) donde el Dr. Nelle actúa como un gitano tocando acordeón sobre un tanque y Gato negro, Gato blanco, cuya banda sonora, realizada por primera vez por la TNSO, gana la Palma de Oro en Cannes por la mejor música, que venía de rearmarse en 1994 con la incorporación del batería Stribor Kusturica, hijo de Emir. Puede decirse que Gato negro, Gato Blanco incluye el primer hit internacional del grupo: ahí se ve a ese repugnante gitano mafioso, cocainómano y traidor, colocarse cada vez que estalla el estribillo de “Pitbull Terrier”, una explosión de sobrecarga anabólica de eso que sus autores bautizaron el sonido “Unza Unza”.

El Unza Unza mezcla punk, funk, ritmos gitanos, jazz y otros estilos que hacen a este estilo único y movido. Así el siguiente álbum es titulado "Unza Unza Time", con canciones basadas en Gato Negro, Gato Blanco como Pitbull Terrier (Pit Bull), Lubenica (Duj Sandle) o Gruss Gott Trauer (Bulgarian Dance) y canciones nuevas como Was Romeo Really a Jerk? o Prnavor además de la versión en Unza Unza del Kalasnikov de Goran Bregović: Drang Nach Osten.

El año 2001, después del lanzamiento de Unza Unza Time, Kusta lanza Super 8 Stories, un documental sobre la banda y sus integrantes. Para el año 2005, el violinista Dejan "El Juez", Nele y Kusturica componen las canciones para su nueva película "La Vida es un Milagro" y Kustu con su hijo Stribor, crean la ópera punk "Tiempo de Gitanos", presentándose en París y pronto en diversos lugares de Europa.

Alimsultanov comenzó su carrera musical a mediados de la década de 1980, donde transmitía cuentos populares y de héroes chechenos en sus canciones. También escribió canciones sobre poemas escritos por Umar Yarycheva, Musa Geshaev y otros prominentes poetas chechenos. A diferencia de las canciones de su compañero Timur Mutsurayev, la música de Imam tendía a estar más cerca de la música tradicional de aquella región. Algunas de sus canciones más populares incluyen a los títulos "Gazavat", "Daguestan", "Libertad o Muerte" y "Chechenia".

Con el inicio de la Primera guerra chechena en diciembre de 1994, Alimsultanov habló con los combatientes chechenos y, a petición del presidente checheno Dzhojar Dudayev, acompañó a los combatientes heridos a Turquía. Imam grabó varias de sus canciones en Estambul, recaudando dinero para los combatientes heridos.

Después de regresar a Chechenia, Alimsultanov sirvió como negociador y ayudó a que en Odesa, Ucrania, se liberaran a 25 obreros que fueron secuestrados y hechos rehenes.

En la noche del 10 de noviembre de 1996, tres hombres vestidos de policías irrumpieron en la casa de Odesa donde se alojaban Alimsultanov y su equipo artístico, disparando contra Imam y dos colegas a quemarropa. Los tres murieron, pero un testigo, que estaba en el baño en el momento del asesinato, sobrevivió. El crimen sigue sin resolverse. Las autoridades ucranianas aseguraron que el asesinato no tuvo motivos políticos, pero otras investigaciones acusan al FSB (servicio de seguridad nacional ruso).

Anna Lila Downs Sánchez, conocida como Lila Downs (Heroica Ciudad de Tlaxiaco, Oaxaca, 9 de septiembre de 1968), es una cantante, compositora, productora, actriz y antropóloga mexicana. Además de cantar en español e inglés, también interpreta melodías en diversos idiomas nativos de su país, como mixteco y zapoteco, así como maya, purépecha y náhuatl. Reivindica sus raíces mexicanas y de los pueblos originarios, además de la música regional de Oaxaca.

Downs adquirió fama tras el lanzamiento de su álbum La Sandunga en 1999, el cual logró éxito comercial y una recepción crítica positiva. Su disco de 2000 Árbol de la Vida/Tree of Life fue también muy exitoso pero el éxito internacional definitivo lo alcanzó en 2001 con La Línea/Border. Ha sido ganadora en una ocasión del Premio Grammy en 2013 por su disco Pecados y Milagros y ha quedado nominada dos veces por sus álbumes Ojo de Culebra en 2009 y Raíz en 2015. También ha sido ganadora de cinco premios Grammy Latino por los álbumes Una Sangre en 2005, Pecados y Milagros en 2012, Raíz en 2014, Balas y chocolate en 2015, y Salón, lágrimas y deseo en 2017.

Inspirada en cantantes legendarias de música ranchera como Lucha Reyes, Lola Beltrán y Flor Silvestre, así como artistas de música folklórica como Amparo Ochoa y Mercedes Sosa, Downs es conocida por su especial sentido estético. También ha dado de qué hablar su peculiar estilo de vestir, en el que combina trajes regionales de México con estilos modernos y alternativos. También ha ganado notoriedad con sus presentaciones en vivo y sus videos musicales, en los que siempre se presenta con un estilo original. Ha obtenido numerosos reconocimientos.

Sus mayores éxitos incluyen temas como «La sandunga», «Canción mixteca», «El venadito», «La llorona», «La cumbia del mole», «Palomo del comalito (La molienda)», «Pecadora», «Mezcalito» y «Zapata se queda».

En su trayectoria como actriz, ha participado en tres películas y dos documentales. Es considerada una de las artistas femeninas más influyentes de México, por la revista Forbes.

María Concepción Balboa Buika, conocida como Concha Buika o Buika (Palma de Mallorca, 11 de mayo de 1972), es una cantante ecuatoguineana-española. En 2022, fue galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes que otorga el Ministerio de Cultura de España.

Nació en las Islas Baleares, donde vivía su familia, exiliados políticos de Guinea Ecuatorial. Es hija del expolítico y escritor guineano Juan Balboa Boneke y de Honorina Buika. La comunidad gitana del barrio de Son Gotleu en Palma de Mallorca donde se crio fue para ella un segundo hogar, y encontró en el flamenco un modo de expresión auténtico y la salida ideal para escapar de una dura realidad de pobreza y marginalidad.

Mamoru Fujisawa (藤澤守 Fujisawa Mamoru?), conocido profesionalmente como Joe Hisaishi (久石 譲 Hisaishi Jō?) (Nagano, Japón, 6 de diciembre de 1950), es un prolífico compositor japonés y director de orquesta. Creador de una extensa obra desde su debut en 1981 destaca por haber compuesto más de 100 bandas sonoras para directores de cine japoneses como Takeshi Kitano o Yōjirō Takita y, especialmente, para diversas películas de Studio Ghibli dirigidas por Hayao Miyazaki.

Su obra se caracteriza por la fusión armónica del clasicismo europeo y la tradición japonesa, el minimalismo y la música electrónica experimental. A lo largo de su trayectoria ha obtenido 25 nominaciones y 26 galardones incluyendo premios de la Academia Japonesa de Cine.

Yōko Kanno (菅野 よう子 Kanno Yōko?) (18 de marzo de 1963) es una compositora y teclista japonesa famosa por su trabajo en el mundo del anime, los videojuegos y el cine.

Yōko Kanno nació el 18 de marzo de 1963 en la prefectura de Miyagi, Japón. Meow on the Bridge (oficina de música) y Captain Duckling Records (sello musical). Sus principales influencias vienen de Maurice Ravel y Claude Debussy. Es una autodidacta de las artes musicales[cita requerida], comenzó a tocar el piano a los tres años de edad. Cursó estudios formales en la Universidad de Waseda, donde estudió Literatura Japonesa[cita requerida]. Hizo su debut como teclista en el grupo Tetsu 100% y gracias a su habilidad con el piano pronto empezó a ser contratada en televisión para encargarse de la interpretación y composición de temas de anuncios y series[cita requerida]. Cabe destacar su participación en el especial de la NHK “Corporación Radiodifusora de Japón”.

En la década de los ochenta y principios de los noventa estuvo involucrada en numerosas ocasiones con la desarrolladora de videojuegos Koei poniendo música a muchos de sus títulos. En la década de los noventa empezó a trabajar en bandas sonoras de películas, pero no fue hasta 2002 cuando su dedicación al medio se vio acentuada. Su primer gran trabajo como compositora de toda una banda sonora de anime fue con Macross Plus en 1994. A partir de entonces su carrera como compositora, arreglista y productora de música para series de animación cobró notoriedad, catapultándola al éxito y reconocimiento mundial[cita requerida]. Su trabajo más importante en este campo es la banda sonora original del anime Cowboy Bebop (1998) y su versión para videojuego que fue lanzado para la PlayStation el 15 de mayo de 1998, donde están presentes una gran variedad de géneros musicales encabezados por el jazz. Durante el periodo que duró su grabación se formó el grupo The Seatbelts por los músicos y compositores amigos de Kanno, el cual se reunieron tras un periodo de inactividad para la grabación de la banda sonora del segundo título del videojuego Cowboy Bebop, cuya salida en Japón fue el 25 de agosto de 2005. A lo largo de su carrera ha trabajado con renombradas orquestas filarmónicas, como la de Israel, Checoslovaquia y Varsovia (ejército polaco).

Se rumorea que ella misma ha puesto voz a muchas de sus canciones bajo el pseudónimo de Gabriela Robin

Maria Bethânia Vianna Telles Veloso (Santo Amaro, Bahía; 18 de junio de 1946) es una cantante, compositora y poeta brasileña. Es conocida como la "Abeja reina" o la "Reina del MPB"

Desde su juventud, participó en obras de teatro junto con su hermano, el también cantautor y compositor Caetano Veloso, y otros artistas reconocidos de la época. El 13 de febrero de 1964 estrenó su carrera musical en el concierto-espectáculo "Opinião" (Opinión), celebrado en Río de Janeiro, y en donde reemplazó a Nara Leão. El mismo año firmó un contrato con la discográfica RCA y lanzó su primer disco homónimo. En 1965 alcanzó su máxima popularidad a nivel nacional con su sencillo Carcará.

Nació en el seno de una familia de artistas: es hermana de los también cantautores Mabel Veloso, y tía de los cantantes Moreno Veloso, Zeca Veloso, Tom Veloso, Belô Veloso y Jota Veloso.

Ha publicado 50 álbumes de estudio y, según la revista Rolling Stone, es considerada una de las diez mejores cantantes de Brasil. Ha vendido más de 26 millones de copias.

Maria da Graça Costa Penna Burgos (Salvador de Bahía, 26 de septiembre de 1945-São Paulo, 9 de noviembre de 2022), conocida por su nombre artístico Gal Costa (pron. AFI portugués [ɡaw ˈkɔs ta]ⓘ), fue una cantante brasileña. Entre los temas más representativos de su carrera se encuentran «Baby», «Vapor Barato» y «Meu Nome é Gal». Es particularmente recordada en Hispanoamérica por su canción «Festa do interior», que llegó a ser versionada en español por artistas de la talla de Paloma San Basilio o Yuri.

Dueña de una voz suave y aguda, tenía un variado repertorio, en general de canciones románticas, que la colocaron entre las más grandes cantantes brasileñas. Con más de cincuenta años del comienzo de su carrera, poseía una larguísima lista de trabajos propios, además de diversas participaciones en discos de otros artistas. Interpretó canciones de distintos géneros musicales, desde samba hasta baião. Destacada por su versatilidad, su voz poseía una afinación sin par.

Milton Nascimento (Río de Janeiro, 26 de octubre de 1942) es un cantante, compositor y guitarrista brasileño. Su ámbito de interés musical es amplio y abarca la música popular brasileña, el samba, el pop, el rock, y la fusión musical con diversas tradiciones musicales regionales e internacionales. Nascimento es famoso por su falsete, su rango tonal y por la alta calidad de muchas de sus composiciones. También lo es por su compromiso social, lo que se refleja, tanto en algunas de sus letras, Coração de estudante, como en conciertos y discos benéficos.

Su colaboración en el disco Native Dancer, del saxofonista Wayne Shorter, estableció para Milton un lugar dentro de la escena del jazz y del pop internacional de los años 1970. Posteriormente, en 1992, su disco Angelus contó con las colaboraciones de primeras figuras del jazz y del pop internacionales, como el guitarrista de jazz Pat Metheny, los cantantes Peter Gabriel y James Taylor, el saxofonista Wayne Shorter, el contrabajo de Ron Carter o la batería de Jack DeJohnette, entre otros.

Entre sus principales éxitos obtenidos están las nominaciones a los Grammy por sus discos O Planeta Blue Na Estrada Do Sol de 1992 y Angelus de 1995. Ganó la encuesta de 1992 de los Down Beat International Critics y la de 1991 de los Down Beat Readers. En 2000 ganó un Grammy Latino al Best Contemporary Pop Album concedido a su disco Crooner de 1999.

Nascimento ha realizado también varias giras por Estados Unidos, Europa, Japón y Latinoamérica. En Brasil y otros países de América Latina es una gran estrella desde hace 40 años, sirva de ejemplo el concierto que celebró en Belo Horizonte, Brasil, en 1984, que reunió a 150.000 espectadores.

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Río de Janeiro; 25 de enero de 1927 - Nueva York; 8 de diciembre de 1994), también conocido por su nombre artístico Tom Jobim, fue un compositor, arreglista, cantante, guitarrista y pianista brasileño de bossa nova, música popular de su país y música clásica.

Está considerado como uno de los grandes exponentes de la música brasileña, y como uno de los grandes compositores de música popular del siglo xx. Fue el artista que internacionalizó la bossa nova y, con la ayuda de importantes artistas estadounidenses, la fusionó con el jazz para estandarizar en los años 1960 un nuevo sonido cuyo éxito popular fue muy destacable.

Las raíces musicales de Jobim se encuentran en la música clásica de grandes compositores como Claude Debussy, Frédéric Chopin y Heitor Villa-Lobos, que lo influyeron decisivamente. A ello se unen el samba y el folclore brasileños, las armonías del cool jazz y los musicales de Broadway. Como pianista, su toque es sencillo y melódico, al estilo de Claude Thornhill, aunque en algunas de sus grabaciones llegase a demostrar que podía ser sumamente inventivo. Su guitarra está limitada principalmente a un acompañamiento apacible a los ritmos sincopados del jazz; su voz, suave, sencilla y ligeramente ronca, subraya los aspectos emocionales de las letras. De su abundante producción se destaca el tema «Garota de Ipanema», con letra de Vinicius de Moraes, una de las melodías brasileñas más conocidas en el mundo.

Ravi Shankar (del bengalí: রবি শংকর) (Benarés, 7 de abril de 1920-San Diego, 11 de diciembre de 2012) fue un músico indio conocido mundialmente como virtuoso del sitar. Pandit Ravi Shankar era Brahmana de nacimiento, es decir, pertenecía a la casta sacerdotal india propia de los artistas y los músicos.

Discípulo de Allauddin Khan, fundador del Maihar gharana de música India clásica, Pandit Ravi Shankar es probablemente el instrumentista indio más reconocido, famoso tanto por sus ejecuciones en todo el mundo como por su papel pionero en la importación en el mundo occidental de la música india clásica tradicional, que se vio también favorecida por su asociación con el violinista Yehudi Menuhin y con el músico inglés George Harrison, del grupo The Beatles, así como por su carisma personal. Su carrera musical ha durado más de seis décadas y Shankar actualmente posee el Récord Guinness por la carrera internacional más larga.

Ravi Shankar es el padre de la cantante estadounidense Norah Jones y de la sitarista y directora de orquesta Anoushka Shankar.

Edward Kennedy «Duke» Ellington (Washington D. C., 29 de abril de 1899-Nueva York, 24 de mayo de 1974) fue un compositor, pianista y líder de una big band, lo que lo llevó a una carrera que abarcó más de cincuenta años, desde 1923 hasta su muerte.

Nacido en Washington D. C., a partir de mediados de los años veinte vivió en la ciudad de Nueva York, y ganó un perfil nacional a través de sus apariciones con la orquesta en el Cotton Club, en Harlem. En la década de los años treinta, su orquesta salió de gira a Europa. Aunque es considerado una figura fundamental en la historia del jazz, Ellington abraza la frase "más allá de la categoría" como un principio liberador, y se refiere a su música como parte de la categoría general Música estadounidense, más que de un género como el jazz.

Algunos de los miembros de su orquesta, como el saxofonista Johnny Hodges, son considerados parte de los mejores músicos de jazz. Ellington los unió en la más conocida unidad orquestal en la historia del jazz. Algunos miembros se quedaron en la orquesta durante varias décadas. Siendo un maestro en escribir miniaturas para el formato de grabación de tres minutos a 78 rpm (revoluciones por minuto), Ellington a menudo componía específicamente para mostrar el estilo y habilidades individuales de sus músicos.

A menudo colaborando con otros, Ellington escribió más de mil composiciones; su extenso cuerpo de trabajo es el legado personal grabado de jazz más extenso, con muchas de sus obras convirtiéndose en estándares (canción de popularidad establecida que sirve como modelo de un estilo). También grabó canciones escritas por sus compañeros de banda, por ejemplo "Caravan" y "Perdido" de Juan Tizol, lo que dio un tinte español a la big band de jazz. Después de 1941, colaboró con el compositor, arreglista y pianista Billy Strayhorn, a quien llamó su compañero de escritura y arreglo. Con Strayhorn, compuso muchas composiciones extendidas, o suites, así como pequeñas piezas adicionales. Seguido de una presentación en el Newport Jazz Festival, en julio de 1956, Ellington y su orquesta disfrutaron de un gran renacimiento de su carrera, y se embarcaron en giras mundiales. Ellington grabó para la mayoría de las compañías discográficas estadounidenses de su era, actuó en varias películas, compuso para varios filmes también, así como musicales.

Su reputación continuó en ascenso después de su muerte, y se le entregó un Premio Pulitzer especial por su música en 1999.

Miles Dewey Davis III (Alton, Illinois, 26 de mayo de 1926-Santa Mónica, California, 28 de septiembre de 1991), conocido como Miles Davis, fue un trompetista y compositor estadounidense de jazz.

Se trata de una de las figuras más relevantes, innovadoras e influyentes de la historia del jazz, junto con artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker o John Coltrane. La carrera de Davis, que abarca cincuenta años, recorre la historia del jazz a lo largo de toda la segunda mitad del siglo xx, caracterizándose por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos: Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzística, sobre todo en su vertiente modal y de fusión con el rock. El sonido de su trompeta es característico por su uso de la sordina de acero Harmon, que le proporcionaba un toque más personal e íntimo; el sonido es suave y melódico, a base de notas cortas, tendente al lirismo y a la introspección.

Nirvana fue una banda de rock estadounidense formada en Aberdeen (Washington), en 1987. Fundada por el cantante y guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic, la banda pasó por una sucesión de bateristas, sobre todo Chad Channing, y luego reclutó a Dave Grohl en 1990. El éxito de la banda popularizó el rock alternativo y, a menudo, se los mencionaba como la banda proa de la Generación X. A pesar de contar con una corta carrera profesional que duró sólo tres años, su música mantiene un seguimiento popular y continúa influyendo en la cultura del rock moderno.

A fines de la década de 1980, Nirvana se estableció como parte de la escena grunge de Seattle y lanzó su primer álbum, Bleach, para el sello discográfico independiente Sub Pop en 1989. Desarrollaron un sonido que se basaba en contrastes dinámicos, a menudo entre versos tranquilos y coros pesados. Después de firmar con el sello discográfico DGC Records en 1991, Nirvana encontró un inesperado éxito comercial con «Smells Like Teen Spirit», el primer sencillo de su histórico segundo álbum Nevermind (1991). Un fenómeno cultural de la década de 1990, Nevermind fue certificado Diamante por la RIAA y se le atribuye el fin del dominio del hair metal.

Caracterizados por su estética punk, la fusión de melodías pop con noise rock de Nirvana, combinada con sus temas de abyección y alienación social, les dio popularidad mundial. Después de extensas giras y del lanzamiento del álbum recopilatorio de 1992 Incesticide y del EP Hormoaning, la banda lanzó su muy esperado tercer álbum de estudio, In Utero (1993). El álbum encabezó las listas de álbumes de Estados Unidos y Reino Unido y fue aclamado por la crítica. Nirvana se disolvió tras el suicidio de Cobain en abril de 1994. Novoselic, Grohl y la viuda de Cobain, Courtney Love, han supervisado varios lanzamientos póstumos. El álbum póstumo en vivo MTV Unplugged in New York (1994) ganó el premio a la Mejor Interpretación de Música Alternativa en los Premios Grammy de 1996.

Nirvana es una de las bandas más vendidas de todos los tiempos, habiendo vendido más de 75 millones de discos en todo el mundo. Durante sus tres años como acto principal, Nirvana recibió un American Music Award, un Brit Award y un Grammy Award, así como siete MTV Video Music Awards y dos NME Awards. Consiguieron cinco éxitos número uno en la lista Billboard Alternative Songs y cuatro álbumes número uno en el Billboard 200. En 2004, Rolling Stone nombró a Nirvana entre los 100 mejores artistas de todos los tiempos. Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en su primer año de elegibilidad en 2014.

Aretha Louise Franklin (Memphis, 25 de marzo de 1942-Detroit, 16 de agosto de 2018) fue una cantante estadounidense de soul, R&B y góspel. Apodada «Lady Soul» (la Dama del Soul) o «Queen of soul» (la Reina del Soul), fue una de las mayores representante de dicho género.

Franklin grabó 112 sencillos que ingresaron al ranking de Billboard, incluyendo 77 entradas al Hot 100, 17 sencillos en el top 10, 100 entradas en la lista de R&B y 20 sencillos número uno de R&B, siendo la artista femenina que más entradas a las listas tuvo en su historia. Fue conocida también por otros éxitos que incluyen "Rock Steady", "Call Me", "Spanish Harlem", "Bridge over Troubled Water", "Day Dreaming", "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", "Something He Can Feel", "Jump to It", "Freeway of Love", "Who's Zoomin' Who" y "I Knew You Were Waiting (For Me)" (con George Michael). Ganó 18 Grammys, incluidos los primeros ocho premios dados por mejor interpretación vocal femenina de R&B desde 1968 hasta 1975, y una de las mejores vendedoras de discos de todos los tiempos, con 75 millones de discos a través del mundo. En 2019 ha recibido a título póstumo un Premio Pulitzer Mención Especial por “su indeleble contribución a la música y a la cultura estadounidense durante más de cincuenta años".

Anna Mae Bullock (Brownsville, Tennessee, 26 de noviembre de 1939-Küsnacht, Zúrich, 24 de mayo de 2023),conocida como Tina Turner, fue una cantante, compositora y actriz suiza de origen estadounidense. Apodada como la "Reina del rock & roll",desarrolló una carrera musical que abarcó más de cinco décadas. Destacó como una de las principales compositoras del rock, inspirando a varias generaciones de estrellas del rock & roll y del pop. Vendió más de 180 millones de álbumes y sencillos en todo el mundo, convirtiéndola en una de las artistas con mayores ventas discográficas en la historia.

Con una carrera de 55 años, Tina Turner recibió varias disticiones y premios, como 12 premios Grammy, que incluyen ocho premios competitivos, un premio Grammy Lifetime Achievement Award y tres inducciones al Salón de la Fama de los Grammy. Una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en el Paseo de la Fama de St. Louis. Y fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll dos veces, con Ike Turner en 1991 y como solista en 2021. También recibió en 2005 el premio Kennedy Center Honors y el premio a la Mujer del Año.Considerada como un pilar dentro del rock y el soul, Turner influyó directamente en cantantes como Beyoncé o Mick Jagger.La revista Rolling Stone sitúo a Turner en la posición #63 de la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos y por otra parte, la ubicó en la posición #55 de la lista de los 200 mejores cantantes de todos los tiempos.

Zoila Emperatriz Chávarri Castillo (Perú, 13 de septiembre de 1922-Estados Unidos, 1 de noviembre de 2008), conocida como Yma Súmac («Ima sumaq» significa «Qué bello» en quechua), fue una cantante soprano sfogato, descendiente inca, actriz, modelo, compositora y productora musical peruana. En 1955 obtuvo el primer Record Guinness por el rango vocal más extenso de la música. Es la Reina del género musical «Exotica» y pionera de la fusión musical y del World Music. En 1946 fue certificada como descendiente del inca Atahualpa por las embajadas peruanas de EE. UU. y Canadá. Con más de 40 millones de discos vendidos a nivel mundial, es la cantante de origen peruano más sobresaliente y universal de la historia. «Vírgenes del Sol» (1943), «El Condor Pasa» (1972), «Gopher (Mambo)» (1954), «Chuncho» (1953), «Taita Inty» (1950), «Malambo N°1» (1954), «Tumpa!» (1950), entre otros, son de sus piezas más reconocidas.

En 1951 se convirtió en la primera cantante latinoamericana en actuar en Broadway. En 1953 desarrolló su propia técnica de canto única en el mundo en «Chuncho (The Forest Creatures)», denominada «triple coloratura», el cual se asemejó al trinar de las aves. También se presentó en el Lewisohn Stadium. Con The Yma Sumac Concert Tour (1954-1955) llegó a dar conciertos como solista en el Carnegie Hall. En los cincuenta estuvo entre las mujeres con más ventas de álbumes en Estados Unidos junto a Doris Day, Jane Froman y Eartha Kitt. En 1960 fue la primera fémina latinoamericana en ganar una estrella fonográfica en el Paseo de la Fama de Hollywood. Al mismo tiempo viajó alrededor de la Unión Soviética por invitación de Nikita Jruschov, cantando para él, vendiendo más de 20 millones de boletos. En 1974, según Variety había hecho más de 3 mil conciertos en casi todo el globo, batiendo récords de cualquier artista de la época. En 2010, la revista V la incluyó como uno de los 9 iconos de moda más importantes de todos los tiempos. Vendió más de 40 millones de discos en todo el mundo.

Inició su carrera en Perú con el nombre de «Imma Sumack» en 1941, siendo descubierta e introducida por Moisés Vivanco al ambiente artístico, incluyéndola al Conjunto Folklórico Peruano (o Compañía Peruana de Arte), instruyéndola y desposándola, haciendo giras por Sudamérica y México, interpretando líricamente música andina peruana y criolla. Cuando empezó a cantar profesionalmente nunca recibió entrenamiento técnico en lo operístico, ni siquiera sabía leer una partitura, por lo que fue autodidacta. En 1943 firmó con Odeón en Argentina para realizar sus primeras grabaciones musicales, como el reconocido «Vírgenes del Sol». La llamaron «princesa inca» y fue certificada en 1946 en el consulado peruano de Nueva York como descendiente directa del inca Atahualpa. En ese mismo año, Súmac y Vivanco, junto a la boliviana Cholita Rivero, se mudaron a Estados Unidos e hicieron conciertos como The Inca Taky Trio en Nueva York, Washington y Canadá. Llegaron a presentarse en un evento folclórico en el Carnegie Hall en 1948. Fue recién en 1949 cuando Capitol Records descubrió a Súmac en una presentación en un local neoyorkino para luego hacerle firmar un contrato y cambiar su seudónimo a «Yma Sumac» en el comienzo de su carrera como solista.

Paul van Haver (Etterbeek, Bruselas, 12 de marzo de 1985), más conocido por su nombre artístico Stromae, es un cantante y compositor belga, que ha desarrollado su carrera en el hip hop y la música electrónica. Stromae, que canta en francés, saltó a la fama con canciones como «Alors on danse», «Papaoutai» y «Tous les mêmes». Ha publicado tres álbumes de estudio, Cheese, Racine carrée y Multitude.

El belga tiene un talento especial para transformar espacios y conceptos. Lo hace con su música, creando sonidos festivos que invitan a bailar y que reposan sobre letras oscuras, como cuando en Papaoutai cantaba a ritmo de house la ausencia de su padre, un ruandés asesinado en el genocidio que asoló ese país en 1994.

Rhapsody of Fire («Rapsodia de Fuego», en inglés), anteriormente Rhapsody, es una banda italiana de power metal sinfónico formada en Trieste por Luca Turilli (guitarrista) y Alex Staropoli (tecladista) en 1993. Su primer nombre fue Thundercross, con el que sacaron un demo. Posteriormente cambiaron su nombre a Rhapsody, con el que serían conocidos, para finalmente en 2006, debido a problemas legales, modificaron su nombre a Rhapsody of Fire.

La banda se ha caracterizado por ser pionera e innovadora y crear su propio estilo musical, en el que se marcan en cada una de sus canciones grandes arreglos orquestales, guitarras virtuosas que se pueden diferenciar fácilmente de cualquier otra banda, siempre bien acompañados de un teclado y bajo eléctricos bien elaborados, sin olvidar la voz de Fabio Lione (actualmente Giacomo Voli), que demuestra una gran destreza vocal efectuando estilos vocales desde un tenor extremo de ópera hasta incluso falsetto.

Fue, sin duda, uno de los grupos más influyentes de los años noventa. Con su mezcla de power metal con música folk y clásica, que incluye elementos barrocos, operísticos e influenciado por las bandas sonoras de cine, crearon un género completamente nuevo: el Hollywood metal o film score metal.

Además, la banda fue de las primeras si no la primera en incluir letras en latín e italiano antiguo.

Los miembros del grupo citan como principales influencias a Niccolò Paganini, Johann Sebastian Bach y Antonio Vivaldi, entre otros grandes músicos clásicos.

Laura Pausini (pronunciación en italiano: /ˈlaura pauˈziːni/) (Faenza, 16 de mayo de 1974) es una cantante, productora, multinstrumentista y compositora italiana.

Comenzó su carrera con dieciocho años en 1993, ganando el Festival de San Remo, al que regresó el año siguiente, convirtiéndose en la cantante con mayores ventas de esa edición. Su poderosa voz y capacidad técnica la encumbraron rápidamente como la nueva promesa de la canción italiana. Enseguida saltó al mercado internacional en numerosos países de Europa, América del Norte y América Latina, alcanzando niveles muy altos de popularidad, gracias a sus canciones grabadas en español, portugués, inglés, francés, alemán y catalán.

En treinta años de carrera, ha publicado veinte álbumes, casi todos ellos en italiano y español, y ha vendido más de 75 millones de discos. También ha ganado numerosos premios en todo el mundo, entre ellos, un Premio Grammy, cinco Premios Grammy Latinos (uno de ellos a persona del año), seis World Music Awards, veinte TIM Music Awards, cuatro Premios Lo Nuestro, cuatro Premios del Festival de Viña del Mar, dos Premios Billboard o un Premio Globo de Oro. Ha sido nombrada Comendadora del Orden al Mérito de la República Italiana y Embajadora Mundial de Emilia-Romaña.

Además de la música, Pausini ha trabajado en numerosos programas de televisión de Italia, Estados Unidos, España y México, como La Voz, X Factor o La Banda. El diario británico The Sun la ubicó en el puesto número 30 de las 50 cantantes inolvidables.

Israel Kaʻanoʻi Kamakawiwoʻole (pronunciado [kəˌmɐkəˌvivoˈʔole], Honolulu, Hawái; 20 de mayo de 1959-Ib., 26 de junio de 1997), también conocido como IZ, fue un músico estadounidense conocido principalmente por su popurrí «Somewhere Over the Rainbow/What a Wonderful World». Su voz, su habilidad para tocar el ukelele e interpretar música hawaiana fusionada con toques de jazz y reggae caracterizaron durante su vida su estilo peculiar y sonido único.

Israel es considerado una figura emblemática de la cultura musical de Hawái y uno de los músicos hawaianos más destacados de la historia. Destacó también por ser un abierto partidario de la independencia del archipiélago. Sus canciones han sido utilizadas en series de televisión y películas como Descubriendo a Forrester, ¿Conoces a Joe Black?, You've Got Mail, 50 primeras citas y Blended (en voz de Drew Barrymore); así como en capítulos de las series de televisión ER, Glee y Hawaii Five-0. Su voz también inspiró la música del cortometraje de Pixar Lava dentro de la película Inside Out.

Sus integrantes originales fueron Maxi Ledesma (batería) , Hernán Suárez (bajo) y Ezequiel "El Poko" Ortega (voz). Más tarde se incorporarían a la formación Luciano Ledesma (primera guitarra) y Enzo Irastorza (guitarra rítmica).

La banda sufrió modificaciones cuando el vocalista abandonó el proyecto, siendo reemplazado por Sebastián Gonzales.

En los años siguientes la banda se presentó en multiples fechas, grabó su primer EP, y algunos clips de video.

Posteriormente en el año 2023 Sebastían dejó el proyecto, y seguido de este también Luciano. Dejando a la banda con solo tres de sus integrantes originales.

Un año después, luego de muchas audiciones, se uniría al proyecto Tomás Risso (voz) y la banda se presentaría en diferentes fechas con guitarristas temporales hasta agosto de 2024 cuando Axel Faino se unió a la banda como guitarra principal.

Actualmente preparan nuevo material discográfico.

Sus primeros 4 álbumes en estudio, Hopes and Fears (2004), Under The Iron Sea (2006), Perfect Symmetry (2008) y Strangeland (2012) fueron directos al número 1 de la lista británica de ventas UK Albums Chart, inmediatamente después de su lanzamiento consiguiendo cerca de 10 millones de discos vendidos en total. Los miembros de Keane son Tim Rice-Oxley como compositor y teclista, Tom Chaplin como vocalista y guitarrista, Richard Hughes en la batería, y Jesse Quin en el bajo, este último se uniría en 2007. Dominic Scott era el guitarrista del grupo hasta que abandonó en 2001. Fue vocalista de la banda hasta 1997, cuando se unió Tom Chaplin. La banda ha citado artistas como Rufus Wainwright,⁴¹​ U2,⁴²​ Nick Drake,⁴³​ Blur, Oasis, Depeche Mode,⁴⁴​ R.E.M., Massive Attack, David Bowie, The Beatles, Paul Simon, Genesis, A-ha, The Cult, Simple Minds, Radiohead, Pet Shop Boys, Queen, Blondie y Michael Jackson como influencias. "Creo que nuestra principal influencia es el escribir canciones de rock que lleguen a ser clásicas más que alguna banda en particular -adoramos a personas como Nick Drake que vierten mucha emoción en sus canciones y escriben álbumes que serán recordados por muchos años- álbumes que estarán en las colecciones musicales de las personas por el resto de sus vidas". Después de escuchar los talentos de Rice-Oxley con el piano durante un fin de semana en Virginia Water, Chris Martin lo invitó a unirse al emergente Coldplay pero Rice-Oxley no aceptó al no querer abandonar a Keane: “Estaba seriamente interesado, pero Keane ya estaba funcionando y la idea de ser el tecladista de Coldplay fue desechada”. Durante sus primeros años, la mayoría de las canciones eran sobre el amor o las relaciones rotas. Sin embargo, otros temas, como la relación entre Rice-Oxley y Chaplin, han surgido en composiciones más recientes. Otros temas han sido explorados; por ejemplo, “Is It Any Wonder?” y “A Bad Dream” tratan sobre la guerra. Los temas más recientes han incluido el impacto de ser una celebridad en “Better Than This” y “Clear Skies” y la crítica de la violencia religiosa en “Perfect Symmetry”.

Comenzó su carrera musical en 2019, cuando su amigo Addy Maxwell lo invitó a rapear sobre algunos ritmos que había hecho. Esto lo llevó a actuar como telonero en una gira por Estados Unidos con Tyler Carter. En esta gira, comenzó a actuar bajo el nombre de Teddy Swims, que se refiere a un apodo de su infancia que hace referencia a su tamaño y a un acrónimo en Internet para “alguien que a veces no soy yo”, en referencia a la idea de integrar diferentes partes de su personalidad.

Saltó a la fama en 2023, después de que su sencillo "Lose Control", encabezara las listas musicales y alcanzara el top diez en Europa y Estados Unidos. Se considera su sencillo revelación como artista. Fue precedido por el lanzamiento de su primer álbum de estudio, I've Tried Everything but Therapy , que alcanzó el top 10 en Australia y Países Bajos. En 2024, fue nombrado "Artista Push de febrero" por MTV.²​

https://youtu.be/iHSnLRrEC10?si=GYKDAI_jRvYmI7LR

Alice in Chains es una banda de grunge estadounidense fundada en 1987 en Seattle, por Layne Staley (voz), Jerry Cantrell (guitarra/voz), Mike Starr (bajo/voz) y Sean Kinney (batería/percusión). En 1993 Mike Inez se uniría como reemplazo de Starr. Posteriormente William DuVall sería el vocalista, tras el fallecimiento de Staley en 2002

La Skandalosa Tripulación es una banda de Mendoza, Argentina, con un estilo marcado que oscila entre el Ska, Reggae, Rock, Cumbia, Salsa, Cuarteto, Punk y Hip Hop, entre otros. Cuenta con una particular formación de vientos y voces al frente, formada por Rodrigo “Cebolla” Cara (trombón y voz líder), Sebastián “Enano” Sosa (trompeta y voz principal), Agustina Romano (trombón y coros), Guillermo Levis (saxofón), Leandro “Yayo” Alcaraz (2ª guitarra y voz principal), Nicolás Riquero (bajo y voz principal), Martín Brkljacic (1ª guitarra), Mauro Ferrari (percusión y accesorios) y “Gordo” Bruno Potenzone (batería).
Tiene en su haber más de 200 shows que van desde Festivales Provinciales a producciones propias en distintos lugares de la Provincia, acústicos en las principales radios (Rock & Pop, Radio Nihuil, Vorterix, Radio Libertador, Radio UTN). Compartió escenario con las bandas más importantes de Mendoza y otras del under Nacional como lo son: Chancho Va, Parió la Choca, Zona Ganjah, Nueve Millas, Hormigas Negras, El Cogoyo, Pocho Sosa, Mama Perfecta (San Juan), El Timbre de la Tierra (Uruguay), Pucha Che, Oye Primate!, Fuera de Tiempo, Estado Vegetativo (San Juan), Alika, WDK, Running Potatoes, Arbolito, Los Caligaris, etc. Además en 2008 se presentó en Buenos Aires y La Plata junto a Andrea Pródan.
"Que Gire", su primer disco de estudio, fue grabado con el prestigioso músico mendocino Fernando “Fana” Martínez y masterizado por Ezequiel Morfi de “ANDRES MAYO MASTERING”. El disco contiene 12 canciones que pertenecen en su totalidad a La Skandalosa Tripulación y cuenta con grandes invitados nacionales como Martín Pampiglione y Juan Carlos Taleb de “Los Caligaris”, y Murga “El Remolino” (Mendoza) y el mismo “Fana” Martinez en teclados.

En 1988, el bajista Ricardo Iorio convocó primero al guitarrista Antonio Romano y luego a los ex-Mark I Fabián Spataro y Claudio O'Connor, en batería y voz respectivamente.​ Spataro la dejó a fines de 1988 por motivos personales y fue reemplazado por Tony Scotto.​ A finales de 1989 publicaron su álbum de estudio debut titulado Hermética.​ En 1991 expulsaron a Scotto y lo reemplazaron por Claudio Strunz.A fines de ese año lanzaron su segundo álbum de estudio, Ácido argentino, el más exitoso del grupo musical,y al año siguiente se presentan en el Estadio Obras Sanitarias dos veces, como teloneros de Motörhead y luego de Black Sabbath.​ En 1994, finalmente alcanzan su mayor auge en el territorio argentino y lanzan su último álbum de estudio Víctimas del vaciamiento, siendo certificado como disco de oro, participan en el festival Monsters of Rock, y realizan conciertos nuevamente en el Estadio Obras Sanitarias, esta vez como cabeza de cartel.​

A pesar del éxito, el grupo se separó en diciembre de 1994 por conflictos internos y tras su disolución se formaron dos nuevos grupos. Claudio O'Connor, Antonio Romano y Claudio Strunz formaron Malón junto con el bajista Karlos Cuadrado. Por su parte, Ricardo Iorio formó Almafuerte junto al guitarrista Claudio Marciello y al baterista Claudio Cardacci.

Actualmente se están llevando a cabo una serie de recitales en homenaje al legendario grupo musical. Los integrantes de Malón son los responsables de La H no murió, una serie de recitales que recorre la historia de Hermética con las clásicas y míticas canciones que hicieron vibrar a una generación.

En sus inicios se denominaban Nameless —los sin nombre, en español— luego cambiaron a The Scorpions, y posteriormente a finales de 1969 decidieron denominarse simplemente Scorpions. Su primera producción discográfica fue Lonesome Crow (1972), con Klaus Meine en la voz, Rudolf Schenker y Michael Schenker en las guitarras, Lothar Heimberg en el bajo y Wolfgang Dziony en la batería. Sin embargo, durante su gira promocional, Michael anunció su retiro de la banda para unirse a los británicos UFO, que provocó una breve ruptura en 1973. A mediados del mismo año, Rudolf y Klaus reformaron la banda con algunos integrantes de Dawn Road, entre ellos Uli Jon Roth y Francis Buchholz, con los cuales publicaron los álbumes Fly to the Rainbow (1974), In Trance (1975), Virgin Killer (1976) y Taken by Force (1977), con los que obtuvieron gran reconocimiento en Europa y Japón.11​

En 1978 lanzaron su primer disco en vivo, Tokyo Tapes, que fue el último con Roth ya que renunció al grupo para iniciar una carrera solista. Al año siguiente ingresó Matthias Jabs, con quien iniciaron el camino hacia el mercado estadounidense con Lovedrive, que contó además con la participación de Michael Schenker en tres de sus canciones. Durante los ochenta, con Animal Magnetism (1980), Blackout (1982), Love at First Sting (1984) y Savage Amusement (1988) obtuvieron un gran éxito comercial en gran parte del mundo, ubicándose en los primeros puestos de las listas musicales y logrando varios discos de oro y de platino.12​

Con la llegada de los años noventa publicaron Crazy World, que contenía el tema «Wind of Change», que se convertiría en un ícono de las revoluciones político-sociales que vivía el mundo por aquel entonces. En 1993 pusieron a la venta Face the Heat, el primer trabajo con el bajista Ralph Rieckermann que entró en reemplazo de Francis, que salió de la banda a mediados de 1992. En la última parte de la década publicaron Pure Instinct (1996) y Eye II Eye (1999), con James Kottak como nuevo baterista en reemplazo de Herman Rarebell, que demostraron un sonido renovado con toques más suaves y electrónicos —sobre todo en el último mencionado— y que trajo consigo una serie de críticas de la prensa especializada y de sus propios fanáticos.

Durante el primer decenio del nuevo milenio, publicaron el proyecto sinfónico Moment of Glory (2000) y el unplugged Acoustica (2001), que los volvió a posicionar en las listas musicales. Más tarde con Unbreakable (2004) y Humanity: Hour I (2007), que fueron los primeros con el bajista polaco Paweł Mąciwoda, retornaron en gran medida a su sonido clásico.12

Formell incorporó el bajo, la organeta, la guitarra eléctrica, los violines y sustituyó la flauta de cinco por la de sistema. El trabajo vocal se sustituyó por el montaje de voces propio de los cuartetos. Esta experimentación sirvió de punto de partida para que, una vez creado Los Van Van, su contagioso ritmo sentara pautas en la música popular bailable