Escogí a los animales como tema en la historia del arte debido a que, en general, han estado presentes en los diversos contextos que la humanidad a atravesado, y por ello siempre han sido pensados, representados, y se les han otorgado una connotación diferente en cada cultura, en diversos momentos del tiempo. Gracias a este hecho podemos conocer y contrastar las ideas, sentimientos, intereses, circunstancias de muchas culturas, ya que estas reflejaban con frecuencia las anteriores variables en su arte. Este registro tan importante se interpreta con mucha mas facilidad en las representaciones de los animales, ya que al ser plasmados en medio de una caza, o con cierto color, composición o eventos, se pueden establecer relaciones precisas, cosa que es mas difícil con elementos menos presentes o mas abstractos en el arte, como el color, la figura del circulo, la religión. 

 

 

Arista: desconocido 

Titulo: Escena con jirafas y otros animales

Técnica: pigmentos vegetales y minerales sobre roca. 

Dimensiones: desconocido 

Fecha: Datan de entre el 12000 a. C. y el 300 a. C

Estilo: Rupestre, cultural 

Lugar: Tadrart Acacus, Estados Árabes

 

 

 

 

Análisis: 

 

La escena con jirafas y otros animales es una obra rupestre que se origino en una cueva de Tadrart Acacus, una zona desértica del oeste de Libia, y es el lugar en el que aun permanece. fue inscrita junto con otras pinturas de la cueva como patrimonio de la humanidad en 1985.

Es una obra cultural que representa una jirafa siendo rodeada por humanos, quienes al parecer están bailando o cazando. La jirafa esta en tensión con las demás figuras, ya que esta es el punto de foco al que se dirigen los demás elementos, que a su vez, generan en conjunto un ovalo. Los materiales parecen ser pigmentos de origen vegetal. Para el pigmento rojo se pudo haber utilizado la arcilla ocre, y para el blanco calcita molida, mezclados con saliva o grasa animal. La luz y la tridimensionalidad no son factores considerados en la obra, tampoco el espacio, o mejor dicho el paisaje, ya que el suelo es ausente, así como las plantas, cielo, y demás elementos que nos ayudarían a ubicar con mayor precisión el evento que se representa. La obra fue creada para ser vista donde aun permanece, probablemente hecha por y para una cultura que cazaba, y que en la imagen reflejaba algo muy importante. No se sabe cual era la función de esta obra, o si se hacia un ritual en torno a esta, sin embargo es posible que quienes la crearon le asignaran un significado profundo, relacionado a como vivían, a lo que deseaban, y en el caso de que plasmaran lo que anhelaban en relación a los animales, podría decirse que esta obra servía como una herramienta psicológica, pues en sus mentes tendría el poder de ayudarlos a obtener alimento, o mantenerse seguros y estables. 

 

Arista: desconocido 

Titulo: Amuleto de escarabeo 

Técnica: tallado en piedra

Dimensiones: Longitud = 3,50 cm.  anchura = 2,40 cm.   altura = 1,40 cm

Fecha: 1539 a.C – 1077 a.C

Estilo: Egipcio 

Lugar: Egipto 

 

Análisis visual :

 

El amuleto de escarabeo es una joya procedente de Egipto, e hizo parte de muchas obras de gran importancia para la cultura egipcia. Este amuleto con forma de escarabajo representa al Dios Khepri, Dios asociado al sol naciente , simboliza la vida y el poder. En la antigüedad se creía que el escarabajo era solo de genero masculino y que se auto reproducía, de forma similar a Khepri que se creo a si mismo. El hecho de que sea un amuleto sugiere que los egipcios le asignaban un poder al objeto, y en su cultura podría tener la función de proteger y dotar de capacidades a quien le perteneciera. Esta obra es evidencia de que los egipcios representaban a sus Dioses en animales, lo cual plantea una relación entre estos y lo divino. Es posible que los egipcios, al notar que la fauna les permitía subsistir, la asociaran a algo sagrado, tal vez interpretaban que era la forma en que los dioses manifestaban su presencia. La tridimensionalidad es un factor presente en esta obra, pues fue hecha para ser portada como joya, protectora, de quien la poseyera. Este tipo de amuleto se usaba con gran frecuencia en rituales funerarios, pues se pensaba que estos podrían dotar de fuerzas regenerativas en el mas allá a quien lo portase.  

 

Arista: desconocido 

Titulo: Leon de Babilonia 

Técnica: tallado en piedra

Dimensiones:  Altura: 2 metros -Longitud : 2,60 metros 

Fecha:  ( 604 a.C-562 a.C ) 

Estilo: Neo babilónico

Lugar: Basalto, Babilonia 

 

 

Arista: atribuido a “el pintor de Londres”

Titulo: Rhyton ático con forma de cabeza de oveja 

Técnica:  pintura en cerámica

Dimensiones:  desconocido

Fecha:  460 a.C

Estilo: Grecia clásica 

Lugar: Grecia 

 

El Rhyton ático con forma de cabeza de oveja es un objeto que servía para beber vino, este tipo de recipientes tenían forma de cuernos o de cabezas de animales, en los que usualmente se aludía a los faunos. En este ritón en especifico se representaron jóvenes tocando el aulos, el cual es un instrumento similar a la flauta. Esta obra corresponde al periodo Clásico Griego. 

El Friso Este es una parte del altar de pergamo, el cual es un monumento religioso de la era helenística. Esta obra representa la guerra entre Dioses y gigantes, y en la zona interior la historia de Telefeo. En una pate del friso Este se aprecia como Nike y Atenea luchan contra Alcioneo; Del suelo a su vez, se levanta Gea

 

Al considerar la función de los objetos en los que se representan estos animales, surge la idea de que los griegos asociaban la fauna de forma intrínseca a facetas, rituales, cosmología de su cultura. Los animales jugaban un papel significativo en su sistema de creencias, esto explicaría por que están tan presentes en obras que tomaron tanto trabajo. En el caso del Friso Este del altar de pergamo, se pueden ver caballos, serpientes y humanos alados. Los caballos y serpientes aluden a la guerra, a un choque de fuerzas. Y las alas son la forma de distinguir a los Dioses, lo cual evidencia una clara relación en esta cultura entre los animales y lo divino. En el ritón se representa a otro tipo de animal, la oveja, que junto con las cabras hacían parte de los animales que criaban antiguamente en Grecia. Este tipo de animales, debido a su parecido, estaban asociados a los faunos, los cuales eran acompañantes del Dios del vino, Dionisio. 

Lo anterior sugiere que los Griegos asociaban diversas fuerzas como la salud, el combate, el ocio, a animales específicos. 

 

Ficha técnica:

 

Arista: algunos de los escultores conocidos fueron Menécrates, Dionisiades, Melanipo, Orestes o Teorreto

Titulo:  altar de pergamo 

Técnica: Mármol 

Dimensiones:  Anchura- 34.29 metros Altura- 9.7 metros  

Fecha:  188 a.C

Estilo: Barroco helenístico 

Lugar: Grecia 

 

Ficha técnica: 

Arista: desconocido 

Titulo: La apoteosis de Claudio  

Técnica:  Esculpido  

Material: Mármol 

Dimensiones:   245 cm. x 125 cm. x 125 cm.

Fecha:  64 a.C – 8 a.C

Estilo: Romano-Imperial y Barroco

 

 

 

Análisis visual :

 

La apoteosis de Claudio es una escultura procedente del imperio romano, que perteneció al mausoleo del general mésala, y data de 64 a.C a 8 a.C. Esta escultura hace parte de un monumento funerario, en el cual se representa una escena de un águila encima de armas , escudos y armaduras. El águila hace referencia a un símbolo que portaban los suboficiales del ejercito Romano, “el águila del estandarte de las legiones”, que dotaba de prestigio a su poseedor, ya que el águila era un símbolo muy importante para la antigua roma, representando militarmente la victoria. Es tal vez por esto mismo que en la escultura de la apoteosis de Claudio, el águila se alza ante elementos de guerra. Durante las contiendas también tenia una función, pues permitía ubicar la posición de la cabeza de la legión, además de que suponía una motivación para los guerreros, siendo este un símbolo muy ligado a su cultura. La escultura es de mármol y es bastante compleja, el hecho de que sea parte de un monumento para un general fallecido denota la importancia de la guerra para esta cultura, y como reaccionaban la victoria en las contiendas con animales con características en común, siendo el águila afín por ser cazadora, dominante, y superior a los cazadores de su hábitat. Lo anterior sugiere que los Romanos lograban un sentido de identidad a partir de ideales culturales representados en animales, como también sucede con Luperca, la loba que alimento a Romulo y Remo. Además de asociar connotaciones culturales y militares al águila, los romanos, probablemente también la relacionaban con lo divino, puesto que fue utilizada en un ritual funerario

 

Arista: desconocido 

Titulo: Mosaico de un hombre montando a caballo

Técnica:  mosaico  

Material: tezelas

Dimensiones:  desconocidas 

Fecha:   540 d. de. C

Estilo: bizantino 

 

Análisis visual:

 

El mosaico de un hombre a caballo es procedente de la ciudad de Moderno Theodorias Qasr Libia, la cual poseía 2 iglesias en las que, dentro de sus alrededores, fueron hallados 50 paneles de mosaico. Este mosaico data de 540 d. de C y representa a un hombre montando a caballo, con una planta con flores de fondo. No se sabe con exactitud el significado del caballo en esta , sin embargo si es sabido que algunos animales como los patos hacían parte de escenas relacionadas a los 4 ríos del paraíso.  La representación de santos y divinidades en superficies como pavimento era prohibido, quizá por que se asociaba lo terrenal a lo inferior, y representar un ser divino en cosas podría haberse visto como algo irrespetuoso. Es por esto que la representación de animales, flora y geometría son las únicas constantes dentro estas obras de arte. Obras que se utilizaron para decorar muros, columnas, sarcófagos e iglesias. Si es comparada esta obra con otras mas antiguas, en relación a los animales, se puede evidenciar un cambio en la concepción de estos. En este mosaico el caballo es un medio, un recurso. El concepto de alianza entre el humano y la fauna se empieza a transformar en el concepto del uso de la fauna. Este mosaico sugiere que a los animales se les deja de asociar a lo divino, a ideales que unen a la cultura, y comienzan a ser concebidos como cosas útiles, y representados solo para decorar. La cultura empezaba a centrarse en historias religiosas que involucraban cada vez menos a los animales, con excepción del cordero, que aludía al sacrificio de cristo, y el pescado, que simbolizaba la victoria de cristo sobre la muerte y el pecado. 

 

 

 

 

Titulo:  Herkules und die lernäische
 ( Hércules y la hidra de Lerna )

Técnica:  Fresco 

Material: pintura sobre superficie con 2 capas de mortero de cal

Dimensiones:   (108 x 100 cm.)

Fecha: 1537 

Estilo: Renacimiento de Europa del Norte 

 

 

Análisis visual:

Hércules y la hidra de Lerna es una pintura hecha en Alemania por Luchas Cranach en 1537. En esta se representa la escena mitológica en la que Hércules lucha y vence a la Hidra de Lerna. En esta pintura se narra el momento en el que Hércules utiliza el fuego para cauterizar las heridas de la bestia, además, la historia en general simboliza la lucha del bien y el mal. 

La batalla de San Romano es un triptico hecho por Paolo Ucello, en la que representa precisamente el combate entre Florencia y Siena en el año 1432. En cuanto al significado, quiso retratarse la epicidad con la que los florentinos ganaron la batalla, incluso estando en desventaja. Existe profundidad en la escena, además se resalta a Niccolò Maurizi, quien va en el caballo blanco del centro, pues se dice que este fue un héroe en aquella guerra. 

 

Al comparar el rol de los animales dentro de ambas obras surge una gran diferencia, la serpiente en la obra de Cranch es la encarnación del mal, es poderosa, es sobrenatural. Mientras que en la obra de Paolo Ucello los caballos son un medio, una herramienta, son solo recursos que usar. El contraste de la cosmogonía griega con el pensamiento renacentista italiano en relación a los animales es muy notorio, y se vuelve evidente como a través del tiempo los animales pierden esta connotación de sagrado y divino, pasando a ser, gradualmente, recursos y cosas sin relación con lo celestial. 

Evidenciar el cambio de rol y de como se representan a los animales en las obras de arte de distintos periodos de tiempo, es un registro muy útil de como cambio el pensamiento de los humanos en relación a su entorno, siendo en un principio dentro de culturas como la egipcia, que los animales eran sagrados, que todo debía estar en armonía, para mas tarde pasar a la idea, en culturas Europeas, que todo debía estar sublevado al humano, pensando el entorno a partir de su utilidad para el hombre. 

Titulo:  La batalla de San Romano  

Técnica:  pintura  

Material:  pintura al temple

Dimensiones:    

Fecha:  1432

Estilo:  renacentista italiano 

 

Titulo:  El enano del cardenal Granvela 

Técnica: Pintura al Oleo 

Dimensiones: 126 x 92 cm

Fecha: 1560

Estilo: Renacentista 

 

Análisis visual:  

El enano del cardenal Granvela es una pintura al oleo realizada en 1560 por Anthonis Mor Van Dashorst. En esta se representa a un Enano y un perro. Esta pintura tiene gran detalle, pretende representar con precisión a ambos seres, tratando de mostrar incluso la personalidad del Enano, lo que sugiere un progresivo cambio de perspectiva sobre estos, que el Enano sea el protagonista del cuadro también es evidencia de que empezaban a ser humanizados. La temática es la relación de los enanos con los perros, con frecuencia, ambos eran pintados juntos ya que los enanos estaban a cargo de los canes, esto bajo ordenes del rey. 

La función del cuadro era probablemente “inmortalizar” a ambos seres, algo común en la época para las personas adineradas era pagar retratos de si mismos y de sus perros, con el fin de que su imagen perdurara y no se olvidara. Durante el renacimiento comienzan a pintarse perros al lado de sus dueños, como seres de compañía fieles, que hacían parte, cada vez mas, de su vida cotidiana. Esto sugiere que los animales dejan gradualmente de ser pensados como recursos ( en el caso de los perros como cazadores y guardianes ) y empiezan a ser considerados como seres con los que convivir en el día a día. Puede que el concepto de mascota domestica, un animal de compañía, tenga sus inicios o se haya afianzado durante el renacimiento. 

Titulo: “El joven toro”

Técnica: Pintura al Oleo 

Dimensiones:  235 x 339 cm

Fecha: 1647

Estilo: Barroco 

 

Análisis visual:  

 

El joven toro es una pintura hecha por Paulus Potter en 1647, en la que retrata en un cuadro de grandes dimensiones y con gran detalle, a unos animales de granja y su dueño, es una escena de genero, en donde se lleva el protagonismo el toro de en medio. 

Paulus es considerado el fundador de la pintura de animales, se dedico exclusivamente a representar paisajes, animales domésticos y de granja, cosa chocante en la época, resultaba extraño poner tanto trabajo en lo que se consideraba un tema no elevado, en comparación de escenas bíblicas, mitológicas o históricas. 

En la obra podemos ver como el hombre parece estar orgulloso de sus animales, en especial del joven toro que ocupa mas espacio que los demás elementos, la temática es la granja y la vida en esta, posiblemente simbolizando la abundancia. La tendencia de Paulus a retratar animales y paisajes podría deberse a que estaba cautivado por la naturaleza, o tal vez quería impulsar la ganadería. En cualquier caso la obra de este artista anuncia algo importante, y es que se piensa y retrata al animal tal cual es, sin asociarlo a la divinidad, ni a fuerzas sobrenaturales, como herramienta humana o como recurso metafórico. Por primera vez se deja de retratar al animal como medio para decir algo mas, y se plasma como fin en si mismo, mostrar la fauna sin mascaras y hacerla el protagonista. El barroco es una perturbación en las aguas puritanas del renacimiento, y esta obra es evidencia de esto, pues dice que un toro en si mismo, no relacionado a la biblia, es merecedor de ser el centro de una obra de arte. 

Titulo: El luto del Viejo Pastor   

Técnica: pintura al oleo 

Dimensiones:  45,7 x 61 cm

Fecha: 1837

Estilo: Romanticismo   

 

 

Analisis visual: 

 

El luto del Viejo Pastor es una pintura hecha por Sir Edwin Landseer en 1837. En esta se representa la escena de un perro acompañando el ataúd de su viejo amo, donde la temática es la amistad incondicional del perro al humano, simbolizando a su vez la lealtad. Esta obra también sugiere una narrativa, pues el ataúd anuncia que hubo un ritual funerario en el que participaron personas, sin embargo fue únicamente el perro quien se quedo hasta el final, fiel a su amo incluso ya muerto. 

Los animales en el romanticismo, sobre todo los perros, cobraron mayor protagonismo en las pinturas, que reflejan un vinculo cada vez mas estrecho entre los canes y el humano. Pintores como Goya, Ser Edwin, Blake, Fussli tuvieron una faceta pictórica animalista, hicieron cuadros con perros de caza, de compañía, entre otras temáticas.

El luto del viejo pastor confirma a través de su temática, que la perspectiva a los animales, en especial a los perros, empezaba a cambiar y hacerse mas compasiva. En esta obra se trata de representar una profundidad en el perro, atributos mas halla de su función. La pintura empieza a mostrar al perro como un amigo del humano, el perro como un ser valioso, agradable, fiel y amado por el humano. Cada vez adquiere mayor fuerza y valía la representación de animales como tema pictórico en si mismo. 

 

 

Arista: Francisco de Goya 

Titulo:  perros y útiles de caza

Técnica: Pintura al Oleo 

Dimensiones: 112 cm × 174 cm

Fecha:  1775

Estilo:  neoclasismo

Titulo: El tigre 

Técnica: pintura al oleo 

Dimensiones:   111 x 101 cm

Fecha:  1912

Estilo: vanguardias artísticas

 

Análisis visual: 

 

El tigre es una obra realizada en 1912 por Franz Marc. En esta obra se representa a un tigre en la selva, con una posible narrativa, ya que el tigre esta alerta, perece haber sido perturbado por un sonido o animal que no aparece en el cuadro. Este no es un tigre en particular, podría ser un tigre cualquiera, lo importante y la verdadera temática de la obra es el carácter cazador y de asecho de los tigres, lo que Franz entendería como el alma del animal. Las figuras que conforman la obra son en su mayoría rectángulos, con una gran influencia cubista e impresionista, Franz procura usar colores vividos y figuras con ángulos agudos en el tigre y su entorno, los cuales parecen mezclarse.

Es justo con el arte animalista de este pintor que los animales vuelven a verse sin relación al humano, dejan de dibujarse con un afán de exactitud en la representación, y adquieren una cualidad espiritual. Es gracias a esta obra y otras como la torre de caballos azules, que se puede evidenciar el deseo del artista por establecer una relación intima entre los animales y el cosmos, no de la misma manera que lo hacían los egipcios, ya que estos alababan a entidades que se manifestaban a través de los animales. En cambio, Franz propone que el animal en si tiene alma, dice que es sagrado porque hace parte de la naturaleza, y no por que sean la manifestación de algún ser divino. Esto sugiere que en la época se estaba volviendo a transformar la concepción de los animales, es un proceso histórico influenciado por choques culturales, que ha sido reflejado en el arte, pero es solo hasta el periodo de las vanguardias artísticas que la visión a estos seres es parecida a la del humano mismo, ahora se piensa que tienen alma, y son apreciados y valorados por estar vivos.