A arte paleocristã seleciona e toma do mundo romano, tanto ocidental quanto oriental, múltiplos elementos para criar uma nova linguagem que se adapte e corresponda às exigências da crença cristã.

Cronologicamente, no desenvolvimento da arte paleocristã distingue-se duas etapas, separadas pelo Edito de Tolerância do ano 313. Deve-se notar, porém, que a segunda não termina com a destruição do Império Romano do Ocidente em 476, pois, tanto no Oriente, que se funde com as formas iniciais do mundo bizantino, como no Ocidente, onde coexiste com a arte dos povos bárbaros, a arte paleocristã persiste como tal até o início do século VII.

Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo, o qual marcou uma nova era e uma nova filosofia. Com o surgimento de um “novo reino” espiritual, o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um período de perseguição não só a Jesus, mas também a todos aqueles que aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios.

Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase catacumbária, que recebe este nome devido às catacumbas, cemitérios subterrâneos em Roma, onde os primeiros cristãos secretamente celebravam seus cultos. Ainda hoje, podemos visitar as catacumbas de Santa Priscila e Santa Domitila, nos arredores de Roma.

Os cristãos foram perseguidos por três séculos, até que em 313 o imperador Constantino legaliza o Cristianismo, dando início à segunda fase da arte paleocristã: a fase basilical.

Em 395, o imperador Teodósio dividiu o Império Romano entre seus dois filhos: Honório e Arcádio. Honório ficou com o Império Romano do Ocidente, tendo Roma como sua capital, e Arcádio ficou com o Império Romano do Oriente, com a capital Constantinopla (antiga Bizâncio e atual Istambul).

O império Romano do Ocidente sofreu várias invasões, principalmente de povos bárbaros, até que, em 476 foi completamente dominado. Já o Império Romano do Oriente (onde se desenvolveu a arte bizantina), apesar das dificuldades financeiras, dos ataques bárbaros e das pestes, conseguiu manter-se até 1453, quando a sua capital Constantinopla foi totalmente dominada pelos muçulmanos.

ARQUITETURA

O preceito de que o cadáver do cristão devia ser inumado e não incinerado, assim como a ideia de que a terra onde recebia a sepultura era sagrada, por abençoar e receber em depósito um corpo destinado à ressurreição fez aparecerem os cemitérios cristãos.

A partir do século II, a catacumba ou cemitério subterrâneo apresenta a seguinte disposição: uma série de galerias subterrâneas ou corredores (ambulacri), extremamente estreitos para aproveitar o terreno ao máximo, cujas paredes se destinam a abrir várias filas de nichos em sentido longitudinal. Estes corredores alargam-se de vez em quando formando uma pequena câmara (cubiculum ou cripta) para nela reunir algumas sepulturas. Em alguns casos, o cubiculum encontra-se no final de uma galeria, com um banco comprido, como presidência, o assento para o bispo, o que indica que realizavam reuniões comunitárias. Nas galerias superiores situam-se os lucernários abertos para o exterior, que proporcionam a luz e ventilação de que carecem as inferiores.

As primeiras basílicas tiveram influência da casa romana e dos templos de culto oriental. Tinha uma planta estruturada em três partes: parte pública, semi-pública e privada.  A parte pública consta de um grande pátio com fonte no centro. O pátio tem galerias à sua volta que dão para o corpo do templo.  A parte semi-pública da basílica é constituída pelo corpo da igreja, que pode constar de uma, três ou cinco naves, separadas por filas de colunas que suportam as arcadas. Como o templo está orientado, ou seja, com a cabeceira ou presbitério para Leste, uma nave encontra-se ao Norte – e destina-se às mulheres e a outra ao Sul, onde se situam os homens, denominando-se , respectivamente, nave do evangelho e da epístola, porque na sua direção se dirigiam as correspondentes  leituras da missa. Na nave central situa-se o coro menor, para cantores e clérigos menores.  Toda essa parte semi-pública está separada da parte privada mediante uma parede com portas que é o septum: daí que a nave transversal que está atrás (nave do cruzeiro) receba o nome de transeptum ou transepto.

A parte privada da basílica é complexa, evoca nas suas formas o edifício funerário, visto que tudo se relacionava com a câmara subterrânea onde se encontrava a relíquia, corpo ou lugar venerado que justificava a construção da basílica nesse local.

No século V aparecem as variantes fundamentais das primeiras basílicas, que são as seguintes: é frequente um segundo piso sobre as naves laterais ou pela parte central, o problema da iluminação do interior do edifício está resolvido pela maior altura da nave central, que permite abrir amplas janelas por cima das naves laterais.

Ao período inicial do reinado de Constantino pertencem basílicas importantes como em Roma, a desaparecida São Pedro, Santa Inês, San Lorenzo Extramuros e São João de Latrão, hoje em boa parte reconstruídas.

Depois desse período representado por Constantino, as comunidades cristãs do Oriente e do Ocidente empenham-se paralelamente na busca e desenvolvimento de um tipo de templo cristão. Nesta etapa, que vai de 350 a 550, concretizam-se dois tipos diferentes de igreja: a de planta de cruz latina, derivado do tradicional tipo basilical, e a de planta de cruz grega ou de plano central. O fato fundamental é o triunfo da abóboda, especialmente nos edifícios de plano central em que a cúpula virá a ser elemento essencial.


PINTURA

Surgidas no meio cultural romano, as primeiras decorações pictóricas cristãs assumem as características formais da arte de seu tempo. Basta comparar a decoração do cubículo do Bom Pastor das catacumbas de Domitila ou as da cripta de Lucina nas de São Calisto, ambas do início do século III, com as obras não cristãs desses momentos para sentir a identidade das técnicas: paredes e abóbodas, recobertas de cor branca cremosa, aparecem compartimentadas por uma decoração linear em vermelho e verde muito esquemática, que define espaços regulares em cujo centro aparecem representadas pequenas figuras com uma técnica nervosa. Salvo pela sua imperícia e pela natureza tosca (só a partir do Edito da Tolerância de 313 puderam ser obras de artistas notáveis), as primitivas pinturas cristãs não se diferenciam, pois, estilisticamente, das outras romanas do seu tempo e unicamente a partir do século V se poderá falar de um código formal próprio e plenamente adaptado à sua própria religiosidade.

Além das características pictóricas parecidas com as da pintura romana dos séculos III e IV, os temas, talvez por precaução perante as perseguições, talvez como meio mais adequado para penetrar nas consciências, os primeiros cristãos utilizaram motivos correntes na arte pagã os quais, depois de esvaziar de conteúdo, dotaram uma nova simbologia, e assim o tema das estações passou a ser considerado símbolo da renovação da vida, Orfeu com os animais converteu-se em reflexo de Cristo como pastor de almas e este foi figurado com os tributos de Apolo como “luz do mundo”.

Foi provavelmente em finais do século II e início do III (e talvez em conexão com relativa tolerância que se produz durante o reinado dos Severos e com o desenvolvimento de uma arte figurativa judaica, um pouco anterior, e que também encontrou campo de ação nas catacumbas romanas e nas sinagogas), quando se começou a definir o universo de formas cristãs, abrangendo não só imagens simbólicas (Cristo como Bom Pastor, o monograma, o lábaro e o peixe, o Cordeiro eucarístico, o cálice ou os pássaros picando a videira), mas também ciclos narrativos com cenas alusivas à salvação, tanto extraídas do Velho Testamento como do Novo, e para algumas das quais talvez pudessem utilizar como modelos as cenas da Bíblia ilustrada que, ao parecer, se realizavam em Alexandria já no século I.

Ao longo do século IV, o cristianismo deixou de ser perseguido e converteu-se em religião oficial do Estado. Lógico que a aprovação oficial teve consequências importantes no campo das artes, começando pela edificação de um grande número de templos – os mais significativos pagos pelo imperador -, mas embora na arquitetura as consequências tenham sido imediatas e claras, quanto concerne à escultura ou à pintura as mudanças deveriam ter sido bastante mais calmas, e parece clara uma certa continuidade com os modelos do século III.

Nos finais do século IV, e coincidindo com novo período de energia que o reinado de Teodósio supôs a Igreja, as decorações dos templos aparecem já bem definidas. Primeiro, há um evidente afã de riqueza, que leva a preferir o mosaico à pintura mural para recobrir as paredes dos templos. Depois, um incremento de valores narrativos. Finalmente, constata-se agora um evidente aumento da qualidade formal das representações. Quanto ao aspecto temático, deve-se recordar, à margem de que agora começam a estenderem-se as representações de santos e mártires.

MOSAICO

O mosaico, muito utilizado pelos gregos e romanos, foi o material escolhido para o revestimento interno das basílicas, utilizando imagens do Velho e do Novo Testamento. Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos feitos para os fiéis mais ricos e eram decorados com relevos usando imagens de passagens bíblicas.

Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe, pois a palavra peixe, em grego ichtus, forma as iniciais da frase: “Jesus Cristo de Deus Filho Salvador”. Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas “Jesus Cristo é o Bom Pastor” e também, o cordeiro “Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus”.
FONTE: https://www.historiadasartes.com/nomundo/arte-na-antiguidade/arte-paleocrista/

PERSEGUIÇÃO DOS PRIMEIROS CRISTÃOS NO IMPÉRIO ROMANO - MODO DIFERENTE DE RITUAL E CERIMONIAL DOS MORTOS PELA IDEIA DE RESSUREIÇÃO E ARTE FEITA NAS CATACUMBAS, CEMITÉRIOS SUBTERRÂNEOS ESCONDIDOS PARA CULTO TAMBÉM DA NOVA RELIGIÃO QUE CONFRONTAVA AS PERSEGUIÇÕES E OS PRIMEIROS MÁRTIRES DA IGREJA.
https://pt.wikipedia.org/wiki/Persegui%C3%A7%C3%A3o_aos_crist%C3%A3os

O Imperador Constantino foi o responsável por essa transição, sendo também o fundador de Constantinopla, a capital desse Império.

Tal fato ocorreu em 330 d.C. em uma região onde se localizava uma antiga colônia grega chamada Bizâncio. Daí deriva a denominação "arte bizantina", que disseminou-se além das fronteiras do Império Bizantino.

Assim, aos poucos a Igreja passa a ter total controle sobre a produção cultural daquela sociedade e via na arte um maneira de "instruir" o povo e publicizar a fé cristã.

Assim, os fragmentos são fixados em uma argamassa e posteriormente recebem uma mistura de cal, areia e óleo para preencher os espaços entre eles.


O  mosaico foi utilizado por diversos povos e culturas, tendo destaque nas Thermas e palácios dos antigos romanos, mas foi no Império Bizantino, na Idade Média que essa manifestação atingiu seu ápice.

Ele era aplicado nas paredes e abóbodas das igrejas a fim de representar personagens e passagens bíblicas, além dos próprios imperadores.

Tais obras, minuciosamente construídas, proporcionam um colorido intenso dentro das basílicas, transmitindo uma aura suntuosa de solene esplendor.

Anteriormente, os fiéis cristãos costumavam praticar sua devoção em templos humildes e discretos, dada a perseguição que sofriam, inclusive.

Mas assim que a Igreja Católica tornou-se poderosa e instrumento de dominação, os locais de culto também sofreram enormes transformações.

Portanto, começaram a ser erguidas basílicas monumentais que deveriam dar conta de demonstrar todo o poderio divino aliado ao poder político.

Interessante destacar que o termo "basílica" era antes utilizado para designar um "salão real". Em dado momento, a mãe do Imperador Constantino determinou a construção de um desses salões com finalidade religiosa e assim passou-se a identificar esses grandes edifícios católicos como basílicas.

A parte das igrejas onde se localizava o altar foi chamada de "coro". Já a parte principal, onde ficavam os fiéis, era designada "nave" e as divisões laterais receberam o nome de "alas".

As primeiras construções sofreram alterações ao longo dos anos, entretanto ainda é possível se ter a percepção de como eram. Um exemplo é a Basílica de São Apolinário, em Ravena, Itália.

É no românico, a partir do século XI, que iremos conhecer as primeiras obras de escultura monumental, grandes, que surgiam no século V,  observando uma maior produção de pequenas estatuárias e trabalhos em metal, desenvolvidos durante o período pré-românico.

O fator de impulso da nova produção escultórica vai ser o caminho de peregrinação em direcção a Santiago de Compostela, ao longo do qual vão ser erigidas novas igrejas, sob organização da Ordem de Cluny. Estes templos, construídos em locais de passagem neste período de fervor religioso, são virados para o acolhimento espiritual do peregrino e para a exposição de relíquias. A França e o norte de Espanha são assim os locais onde se podem observar os primeiros exemplos da produção escultórica românica aplicados à arquitectura.

A pintura bizantina se deu de maneira menos intensa.

Essa linguagem tem nos ícones uma nova maneira de se expressar. A palavra ícone vem do grego e significa "imagem". Nesse contexto, eles constituíam figuras de santos, profetas, mártires e outras personalidades sacras, como Jesus, Virgem Maria e os apóstolos.

Possuem características suntuosas e eram feitos utilizando o método da têmpera. Nela, a tinta era preparada com pigmentos e uma base de ovos ou outra substância orgânica. Assim, as cores se fixavam melhor e a durabilidade da pintura era maior, gerando um efeito brilhante.

Uma característica comum nessas pinturas era o uso da cor dourada. Também era habitual aplicarem joias nas obras, o que conferia ainda mais grandiosidade para as imagens, veneradas tanto em igrejas quanto em oratórios particulares

O termo ganhou também a conotação de duro ou bárbaro, e desde o século XVIII também é usada para se referir a coisas diferentes, distintas e excêntricas.

O estilo gótico foi uma fase da história da arte, que possuía características muito próprias com valores estéticos e filosóficos e que surgiu como resposta ao estilo românico.
A arte gótica é marcada pela notável arquitetura de catedrais, arcos e abóbadas ogivais, formas esguias e grades vitrais.

A arte gótica desenvolveu-se na Europa na última fase da Idade Média (séculos XII e XIV), num período de profundas transformações em que se assistiu à superação da sociedade feudal e à formação de novos centros de poder: as primeiras monarquias, as grandes cidades, o clero, as classes novas e ricas dos comerciantes e dos banqueiros. Tem início uma economia fundamentada no comércio, fazendo com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana.

Nascida no coração da França (tornada reino sob a dinastia dos Capetos), precisamente na Ïle-de-France, a fértil e próspera região a Norte de Paris, onde ainda hoje se pode encontrar um ótimo tipo de rocha calcária, resistente e fácil de trabalhar.

A solução óbvia era aumentar a igreja. Durante a reforma, no entanto, Surger teve uma visão. Queria demolir as pesadas paredes, aumentar as janelas diminutas e dispersar a escuridão geral das abadias românicas. O abade imaginou um interior onde fluiria livremente pelo espaço, sem divisões, onde as paredes seriam extremamente delgadas e onde, principalmente, a luz de Deus preencheria a igreja de maneira figurada e literal. Quando Suger reconstruiu o coro, em Saint Denis (1135-44), segundo essa linha, inventou o estilo gótico.

A partir desse momento, as cidades francesas pareceram competir entre si na construção ou reconstrução de suas próprias igrejas no estilo gótico: a fachada da catedral de Chartres, Notre-Dame de Paris, a catedral de Reims, Notre-Dame de Amiens e a catedral de Beauvais assinalam o apogeu do gótico francês.

FONTES:
 https://www.historiadasartes.com/nomundo/arte-medieval/arte-gotica/
https://www.significados.com.br/gotico/

Na pintura religiosa assiste-se à difusão das pinturas sobre madeira. Nobres e ricos burgueses encomendavam, para a prática das suas devoções, pequenos retábulos ou altares portáteis, enquanto que o clero mandava fazer, para os altares das igrejas, grandes pinturas que podem surgir como um ou mais painéis (retábulo), ou serem dobradas em várias partes (políptico).

Outra obra danificada é o grande Crucifixo da Basílica da Santa Cruz, em Florença. Foi a maior obra de arte perdida na enchente de Florença , em 1966.

Outra obra que sobreviveu foi a Madonna da Santa Trinita, que estava na Igreja da Santa Trindade, e que agora se encontra na Galeria Uffizi.

Na Basílica inferior da Basílica de São Francisco de Assis, existe um importantíssimo afresco de Cimabue: A Virgem com São Francisco, Anjos e Santos, considerada uma obra já de sua fase adulta.

A escultura monumental gótica surge concentrada no exterior das catedrais, enquanto o interior apresenta-se recolhidas em nichos limitados por pequenas colunas e cobertas por baldaquinos. As feições são feitas de forma que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada: São Firmino é um bispo hierático e pouco resignado, Santa Isabel uma senhora anciã com um ar um pouco resignado, Maria tem uma expressão juvenil e fresca beleza. As estátuas da Virgem e, em geral, de todas as figuras femininas, têm proporções mais alongadas e são, muitas vezes, dispostas numa posição curvilínea, de maneira a desenharem um S.

Para uma melhor compreensão de escultura gótica, deve ter-se presente qu, originalmente, as estátuas eram pintadas: o rosto e as mãos tinham cor natural; os cabelos eram de um louro dourado; as vestes tinham cores vivas, as joias, as fivelas, as orlas dos mantos tinham incrustados vidros coloridos ou pedras decorativas.

Mais realistas e longas, cumpridas para acompanhar a arquitetura na sua verticalidade de estilo gótico.

O corpo de Cristo se destaca no fundo dourado, chamado na iconografia grega «céu», para indicar que a pessoa representada se encontra agora na glória do céu. A auréola, chamada «coroa» e também «glória», desenhada com traço fino sobre o mesmo fundo dourado, é sinal da santidade do personagem. Em todas as imagens de Cristo, na auréola estão desenhados três braços de uma cruz; esta, que se tornou comum no decurso do séc. VI desde o tempo de Justiniano, é uma clara alusão à dimensão salvífica da personagem representada.

 O FUNDO DOURADO

O fundo em ouro, material mais nobre da natureza, representa a luz pura, ao contrário dos pigmentos que refletem a luz do ambiente, o ouro rebate a luz de maneira única, representando o imutável, o ambiente divino onde se desenvolve a cena. O ouro é o tom da luz solar na iconografia, a luz mais forte de todas.

O AZUL

O azul do fundo, frequentemente profundo, serve como pano de fundo para as estrelas do universo, sobre o qual o Cristo aparece como luz reveladora. Cor celeste por excelência, sua profundidade lembra a interiorização espiritual, sobre a qual paira a luz. O azul tem um caráter introvertido e discreto, sugerindo a humildade silenciosa. 
Cor espiritual, era utilizada como símbolo da imortalidade pelos chineses, e da verdade pelos Egípcios, quando o grande sacerdote utilizava uma safira e celebrava ofícios vestido de azul, cor com ligação divina.

A importância da pintura de manuscritos, mais comuns sobre pergaminho e realizada por diferentes técnicas, foi muito grande na Idade Média, especialmente durante os séculos 13 e 15. Pode-se falar em autêntica “idade de ouro da iluminura”, com obras de excepcional refinamento. Tais iluminuras têm sempre relação com um texto. Aparecem a princípio inseridas entre as frases ou intercaladas.

Na Idade Média os livros que ais utilizaram iluminuras foram a Bíblia (ou fragmentos de algumas de suas partes), os saltérios (livros de coro ou de devoção com salmos), ou os Livros das horas, que eram livros de devoções para distintas “horas”, relacionadas com a vida de Cristo ou da Virgem Maria, e as atividades ligadas aos mortos ou de orações a santos.

Não obstante, os Livros das horas, continham variantes ao incorporar calendários com atividades atribuídas ao longo dos meses do ano, o que permitiu a representação de cenas diversas.

Fonte: https://www.historiadasartes.com/sala-dos-professores/tecnicas-artisticas-a-iluminura/

As bibliotecas do mosteiro abrigavam a maioria dos livros e todos os livros eram copiados à mão

Esse processo era feito pelos Monges Copiadores (ou copistas), que reescreviam os livros a mão, palavra por palavra, incluindo desenhos e gravuras.

Esse processo de copiar e disseminar livros foi essencial para a preservação do conhecimento.

Alguns monges viajavam para mosteiros distantes para ver e copiar livros e trazer de volta à biblioteca do seu próprio mosteiro.

Um livro interessante para conhecer mais sobre o assunto é O nome da rosa,  de Umberto Eco. Existem também uma versão cinematográfica. 

Além de terem favorecido a construção de castelos e fortalezas de pedras que antes eram realizados com madeira, as incursões estimularam a descentralização política durante o feudalismo.

tas acreditavam que havia alma em tudo o que existe, um conceito conhecido como animismo.

Por exemplo, havia a clientela, a relação de dependência social entre os indivíduos em Roma, base da relação entre senhor e servo; e o colonato, que em Roma significava a fixação do homem na terra, dificultando a mobilidade da população servil durante sua passagem para o feudalismo.

Outro elemento romano que serviu para a constituição do feudalismo foi o precarium, a entrega de terras a um senhor em troca de proteção. Colonato e precarium formaram as bases da instituição da servidão durante o feudalismo.

Guido foi um monge nascido por volta de 991 ou 992, sua carreira inicial foi passada no mosteiro de Pomposa, na costa adriática, perto de Ferrara. Enquanto lá, ele notou a dificuldade que os cantores tinham em se lembrar de cantos gregorianos.

Ele veio com um método para ensinar os cantores a aprender cantos em pouco tempo, e rapidamente se tornou famoso em todo o norte da Itália. No entanto, ele atraiu a hostilidade dos outros monges na abadia, levando-o a se mudar para Arezzo, uma cidade que não tinha abadia, mas que tinha um grande grupo de cantores da catedral, cujo treinamento o bispo Tedald o convidou a conduzir.

A Origem do Nome das Notas

Com o intuito de utilizar novas técnicas musicais para um ensino mais qualificado, Guido se inspirou no hino a São João Batista, composto por outro monge, Paolo Diacono, três séculos antes.

Guido retirou a primeira sílaba da primeira palavra de cada verso do hino e as utilizou para representar as notas musicais, que depois de sofrerem pequenas alterações se transformaram nas notas que conhecemos e cantamos nos dias de hoje: dó, ré, mi, fá, sol, lá e si.

A nota Si (última da escala) foi o resultado de uma adaptação, a junção das primeiras duas letras das palavras Sancte e Iohannes, presentes no último verso do poema.

mente este tipo de prática musical podia ser utilizada na liturgia ou outros ofícios católicos. Só nos finais da Idade Média é que a polifonia (harmonia obtida com mais de uma linha melódica em contraponto) começou a ser introduzida nos ofícios da cristandade de então, e a coexistir com a prática do canto gregoriano.

Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Canto_gregoriano
Vídeo pra assistir um canto Gregoriano: 
https://youtu.be/4cmIwJUrTyg