Para realizarlo usaban pigmentos del carbón vegetal, heces, sangre y otros fluidos corporales.

En su gran mayoría priman en ellos solo algunos colores como: negros, rojos, amarillos y marrones los cuales se untaban sobre la piedra directamente con los dedos, aunque las figuras animales a menudo se raspaban con alguna piedra o herramienta para generar efectos de realismo y tridimensionalidad.

Su estética puede variar enormemente entre diferentes culturas y períodos por lo que las características específicas pueden variar según la civilización y la época.

Las técnicas y medios utilizados en el arte antiguo incluyen la talla en piedra y madera, la fundición en metal, la pintura mural y de cerámica, la caligrafía en manuscritos, entre otros.

Un rasgo típico de la pintura egipcia es que las figuras se dibujaban de perfil, quedando únicamente de frente el tronco y los ojos. También a los hombres se los representaban con piel más oscura que el de las mujeres.

Pero al igual que la cultura minoica, los micénicos emplearon el estuco ejecutando sus obras con frescos coloridos tales como el rojo, el amarillo, el azul y el blanco principalmente, mientras que el color negro lo utilizaban para remarcar.

Los murales micénicos incluyen escenas cotidianas y representaciones de escenas bélicas y de cacería. Otro tema en común, eran las figuras geométricas empleadas.

Se trata de dibujos pre figurativos, a veces con alto nivel de detalle y otras veces abstractos, de figuras naturalistas, generalmente bisontes u otras criaturas de caza talladas en huesos y piedras.

-Influencias mixtas: combina elementos visigodos, romanos y árabes en un estilo híbrido que refleja la diversidad cultural de la Península Ibérica durante este período.

-Decoración intrincada: están adornadas con motivos geométricos, vegetales y florales, así como con inscripciones en árabe y caracteres visigodos, que crean un efecto visualmente impresionante. No hay profundidad ni volumen en las figuras.

-Abstracción simbólica: utiliza formas abstractas y símbolos religiosos para representar conceptos espirituales y doctrinales, como la trinidad cristiana o la naturaleza divina de Cristo.

-Uso de materiales y técnicas: Los artistas mozárabes utilizaron una variedad de materiales, incluyendo yeso, madera, metal y pergamino, así como técnicas como la pintura al fresco, el relieve y la caligrafía, para crear obras de gran belleza y profundidad espiritual. Uso de colores primarios estridentes.

• Una mayor variedad de temas.

• La figura humana gana importancia sobre la de los animales.

• Estas figuras se vuelven más estilizadas y próximas al simbolismo en vez de naturalistas.

• Se organizan múltiples elementos para la representación de escenas.

• Aparecen más elementos de la naturaleza asociados a la fertilidad.

Mediante la utilización de piedras brillantes, mosaicos dorados, vívidas pinturas murales, marfil esculpido de forma intrincada y metales preciosos en general, los artistas bizantinos lo embellecieron todo, desde edificios hasta libros, y su principal legado, y también el más duradero, son sin duda los iconos (representaciones de figuras sagradas), que continúan decorando iglesias cristianas en todo el mundo. Las figuras se representan de forma totalmente frontal, ya sea de cuerpo entero o solamente cabeza y hombros, mirando fijamente al observador como si estuvieran diseñadas para facilitar la comunicación con la divinidad. A menudo tenían un nimbo o halo a su alrededor, para hacer énfasis en su santidad.

Una de las técnicas mas usadas fue la encáustica, en la que se mezclaban los pigmentos con cera y se aplicaban en caliente sobre la madera, donde quedaban incrustados.

En el Renacimiento se buscaba principalmente la simetría y la perfección en las proporciones, siguiendo un canon clásico.

Este movimiento y sus obras destacan por las siguientes características:

• La recuperación de temas y aspectos propios de la cultura greco-romana, como la armonía, la mitología griega o la perfección de las proporciones como símbolo de belleza.

• El ser humano como centro del universo.

• Pérdida del poder de la Iglesia en favor de la idea de la razón. La fe pasa a un segundo plano.

• Creencia en que el conocimiento es la causa principal de la felicidad del ser humano y, a su vez, el sufrimiento es una consecuencia de su ignorancia.

• Búsqueda de la perfección y la simetría con líneas proporcionadas, en artes como la pintura o la escultura, para la representación del cuerpo humano.

• Una revaloración de ciencias como las matemáticas, la geometría, la anatomía, la filosofía o la botánica.

• Temáticas mitológicas y relacionadas con el cuerpo humano, la historia, la religión y la naturaleza.

• En pintura, el empleo de la técnica del óleo sobre lienzo.

• Dentro de la literatura, la creación de un nuevo género: el ensayo.

• La realización de encargos por mecenazgo a grandes artistas para decorar palacios e iglesias.

El panorama muestra una gran diversidad y comprende un conjunto muy heterogéneo de prácticas artísticas, así como diferentes abordajes a la hora de acotar el período que comprende. Entender el arte contemporáneo es entender conflictos, realidades y sociedades. Conocer el arte nos lleva indefectiblemente a entender al hombre.
Características:

• Comprende las expresiones artísticas que rompieron con los estilos tradicionales y con los conceptos socialmente aceptables.

• Refleja innovación, tanto por su modo de expresión como por sus técnicas.

• Está basado en un estilo experimental y con influencias del arte abstracto.

• Es una crítica a la nueva sociedad materialista basada en el consumo masivo.

• Considera al arte como un fin en sí mismo, y no como una mercancía más de consumo.

Es el arte que se impone sobre el rococó (que expresa el modo de vida del antiguo régimen), expresando los nuevos ideales que aspiran al orden, a la armonía, a la pureza, a la exaltación de los valores morales y a la racionalidad. En cuestiones artísticas: una vuelta a los ideales de la Antigüedad clásica.

-Perfección formal, armonía.

-Escenas sobrias, austeras. Búsqueda de la pureza, lejos de lo abarrotado y lo sofisticado de las obras barrocas y rococó (movimientos precedentes).

-El dibujo se impone sobre el color. Líneas puras.

-Pincelada meticulosa, nada espontánea.

-Posturas contenidas y serenas. Serenidad, calma.

-Paleta donde predominan los colores primarios. En contraposición a la artificiosa paleta de colores pastel del rococó.

-Temas predominantes: la historia y la mitología. La mitología, recuperando los valores de la antigüedad clásica. Y la historia, fundamentalmente referida a la Revolución Francesa.

-Exaltación de los valores de la Antigüedad clásica.

En el arte barroco hay dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo

Soporte: Lienzo

Año: 1875

Cuadro en que el artista francés interpreta el paisaje veneciano del Gran Canal con una góndola típica del lugar.

Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas bastas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, que es la obra en sí. Por ello, al observar los lienzos es necesario tomar cierta distancia, para que aparezcan las luces sombras y figuras. Se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar.

Los impresionistas se centraron en la pintura al aire libre, buscando plasmar el cambio de la luminosidad y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba.

Año: 1919

El cubismo fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Nació en el año 1907 y finalizó en 1914 de la mano de los pintores Pablo Picasso y Georges Braque. Su impacto fue tal que se le considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido contemporáneo. Rompió con el estilo renacentista y resulto una de las mas influyentes para las corrientes siguientes.

El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los objetos no se representan como “son” o como se "ven", sino como han sido concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas geométricas esenciales. El cubismo yuxtapone diferentes planos en uno solo.

El movimiento surgió en la década de 1960 en Estados Unidos y estuvo conformado por un grupo de jóvenes artistas que esperaban innovar a través de la simpleza.

Son aquellas obras que se construyen a través del mínimo de elementos, despojándose de todo aquello que no resulte esencial. No buscan generar pensamiento crítico o plantear consignas, sólo quieren explorar la naturalidad y pureza de los objetos.

En aquellos años el Pop Art dominaba la escena artística, y lo hacía a través del exceso, de los colores y la saturación de información. En forma de respuesta, esta nueva tendencia abogaba por el carácter objetual del arte y por una expresión austera y sobria.