Las manifestaciones artísticas más antiguas que se conservan son aquellas que realizó el hombre hace unos 35.000 años y que, claramente, están vinculadas con el modo de vida cazador-recolector.
Sólo en Europa occidental, se han hallado unas 300 cuevas con pinturas rupestres, entre las que destacan las de las cavernas de Chauvet y Lascaux, en Francia, y las de la cueva de Altamira, en España.
Los grandes santuarios del arte rupestre, sin embargo, no son las únicas expresiones artísticas surgidas durante el Paleolítico Superior. Tan importante e incluso más antiguo que este arte parietal -es decir, el inmortalizado en los techos y paredes de las cuevas- resulta el arte mueble o mobiliar, del que forman parte numerosos objetos decorados, entre ellos las famosas estatuillas conocidas como "Venus", que fueron realizados con hueso, marfil, piedra y otros materiales.

- La sociedad humana también empieza a cambiar y surgen las primeras familias, luego colonias y también tribus.
- Se conoce la pesca y se desarrollan técnicas para cazar peces.
- La caza y la pesca se desarrollan mucho más debido a la creación de armas especiales para estos trabajos, como redes, anzuelos y hasta embarcaciones.
- En este período se empieza a implementar la práctica de enterrar a los muertos en cementerios.

Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas (de ahí la denominación de geométrico que recibe este primer período siglos IX y VIII a. C. ) que apenas se destacaban sobre la superficie. Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta cobrar volumen.
Las escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas que permitían su lectura girando la pieza de cerámica. Con el reemplazo del punzón por el pincel los trazados se volvieron más exactos y detallistas.
- Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas hechas en materiales muy maleables tales como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período arcaico (siglos VII y VI a. C.) que los griegos comenzaron a trabajar la piedra. Gracias al estudio de las proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron definitivamente en expresividad y realismo.
- El templo fue, sin lugar a dudas, uno de los legados más importantes de la arquitectura griega a occidente. Era de una forma bastante simple: una sala rectangular a la que se accedía a través de un pequeño pórtico y cuatro columnas que sostenían un techo bastante similar al actual tejado a dos aguas. En los comienzos éste fue el esquema que marcó los cánones. Pero a partir del siglo VII a.C. (período arcaico), éstos fueron reemplazados por la piedra, lo que permitió el agregado de una nueva hilera de columnas en el exterior (peristilo). Entonces surgieron los primeros órdenes arquitectónicos: el "dórico". Luego, la construcción jónica de mayores dimensiones. A los dos órdenes ya conocidos se sumó el "corintio", con su típico capitel terminado en hojas de acanto.
Las formas se estilizaron aún más y se agregó una tercera hilera de columnas. El Partenòn de Atenas es la más clara ilustración de este brillante período arquitectónico griego.

El arte romano son todas aquellas manifestaciones de las artes visuales que fueron exportadas a todos los territorios del Imperio romano. Las primeras manifestaciones surgieron bajo el influjo del arte etrusco y fueron después influenciadas por el arte griego. La influencia griega se acrecienta cuando, en el siglo II a. C., Roma ocupa Macedonia y Grecia.

Podría pensarse que el arte de Roma es una imitación y ampliación del arte griego, y por supuesto de uno de los mejores artes "arte etrusco". La Roma conquistadora y urbanista trató de unir al sentido estético griego, el carácter utilitario y funcional que sus obras requerían.

El arte romano se desarrolló con bastante homogeneidad y autonomía desde el siglo III a. C. hasta el siglo V.

- Los temas principales que se desarrollaron como mosaicos no fueron solamente religiosos, sino incluso políticos, con varios que representan al emperador, considerando que el mayor desarrollo de éste se dio durante el reinado del emperador Justiniano (526 a 565), en la llamada Edad de Oro.

Generalmente se ubicaban en los interiores de las iglesias, así como en muros.
El simbolismo generado en estos mosaicos era fundamentado por la ubicación de los personajes en él. Los que se representaban en el inferior del mosaico eran terrestres, mientras que si se ubicaban en el centro, representaban la transición, pero los que estaban arriba, representaban superioridad, estando, simbólicamente, más cerca del cielo.

- Pintores del gótico francés: vidrieras de la Catedral de Chartres, las de la Catedral de León.
- Pintores del gótico italiano: Cimabue, Seudónimo de Cenni di Pepo, fue el fundador de la escuela florentina. Giotto, es otro de los autores de la pintura gótica más reconocidos de su época, siendo uno de los iniciadores del Renacimiento en Italia.
El estilo arquitectónico que ahora llamamos gótico surgió por primera vez en el norte de Francia alrededor de 1140.
Se desarrolló durante la construcción de grandes iglesias en la región de París, en un movimiento hacia una mayor altura, luz y volumen.

El gótico alcanzó su máxima expresión en la arquitectura, especialmente en las catedrales góticas del norte de Francia, se destaca la consideración de la luz como representación de teocentrismo. Los vitrales de color dejan pasar la luz y también los colores vivos. Las vidrieras se inspiran en la biblia. El gótico consolidò la relación entre arte y religión.

La colonización de América y el fin de la época medieval cambiaron la comprensión de la realidad. El hombre comenzó a creer en su propia individualidad, en su propia mente y en las ilimitadas posibilidades del conocimiento.

El movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de desarrollo de nuevas tecnologías como la imprenta, que impactó de manera directa en la difusión del conocimiento, las artes y la filosofía.

El Renacimiento fue un movimiento cultural y artístico europeo basado en el "renacer" de los valores de la Antigüedad clásica, ocurrió aproximadamente desde el siglo XIV hasta el siglo XVII. Este período vió a algunos de los artistas más grandes en la historia de la humanidad, incluyendo a Leonardo Da Vinci y a Michelangelo Buonarroti.
Este período histórico recibió el nombre de Renacimiento por tratarse, justamente, de un renacer del interés en el pasado grecolatino, de particular importancia para el orgullo de las ciudades-estado italianas, que se sentían herederas de primera mano de la gloria imperial. Algunos autores toman como referencia el fin de la peste negra en 1348. Otros autores establecen el origen del Renacimiento en el año 1453, cuando el Imperio bizantino cayó tras el asedio otomano.
El arte renacentista atravesó dos etapas principales:

El arte renacentista se caracterizó por:

En cuanto a la pintura dentro del marianismo, predominan machismo los colores oscuros, por lo general se trabajan mucho los desnudos o los retratos con muy pocas prendas de vestir. A su vez se trabaja bajo una perspectiva directa en donde no se encuentran grandes rasgos con respecto a las expresiones, en donde el brillo juega un papel muy importante ya que da mayor contexto a la emoción que se intenta trasmitir.
Dentro de los representantes más destacados del manierismo se encuentran:

Dentro de las obras más destacadas del manierismo se encuentran:

Los artistas genuinamente deseaban participar en el nacimiento de una cultura basada en la razón, la moral y el progreso. Por ello se plantearon seguir una serie de características y valores: 
- El propósito y fin del neoclasicismo era la educación y la moralización de la sociedad con miras a la construcción del proyecto moderno. Los artistas y escritores creían que a través de sus obras ayudaban a difundir los valores necesarios para construir una sociedad racional, moral, culta y progresista que superara la ignorancia, a la que veían como madre de la intolerancia y el dogmatismo.
- Entre los artistas existía una convicción por crear una estética que le confiriera un nuevo sentido al paso de la tradición a la modernidad, bajo una escala de valores que se consideraban racionales y, en esa medida, universales. Entre ellos estaban:

- El neoclasicismo retoma la indagación e investigación de la Antigüedad Clásica y le confiere un nuevo sentido: la interpreta como expresión “culta” y modelo ético de carácter universal y racional.
- Con la Antigüedad Clásica como modelo, resurgió el interés en el equilibrio, la proporción y la simetría. De esta manera los artistas neoclásicos rechazaban el efectismo, la espectacularidad y el exceso decorativo del arte barroco y rococó. Equilibrio, proporción y simetría fueron entendidos como metáfora formal del carácter moral, es decir, pretendían simbolizar, por medio de la forma, el código de valores de la civilización moderna. Este canon se aplicó en las artes plásticas, la música, la arquitectura y la literatura.
- Los artistas y escritores neoclásicos veían a la Razón como una diosa garante del orden civilizatorio. El racionalismo en la composición estética, es decir, la representación organizada y metódica, así como los temas que resaltaban la templanza, la virtud y el autodominio, eran una forma de ejercer y difundir el culto a la razón.
- Paradójicamente, el nacionalismo emergente de aquellos años aspiraba a la universalidad, que se expresara en la inclusión de todas las civilizaciones en una narrativa racionalista o, al menos, en la conformación de un Estado nacional laico y republicano de vocación universal, que acogiera por igual a todos los ciudadanos.
- El arte neoclásico abordaba especialmente temas como la historia grecolatina (modelos morales), la historia del republicanismo y de la revolución francesa y la mitología romana (como alegoría de la virtud).
Algunos de los más importantes representantes de la pintura neoclásica fueron los siguientes:

El Romanticismo rompió con las ideas de la Ilustración y el Neoclasicismo y buscó destacar a través de la música, el arte y la literatura la emoción que despiertan los espacios agrestes, la naturaleza y la melancolía que genera.
Características del Romanticismo:

Así nacieron muchos realismos, tales como el realismo socialista, comprometido con la causa política revolucionaria y la novela social; o el kitchen sink realism, vertiente que quiso indagar en lo más sucio, feo y corriente de la realidad.
La fotografía ya hacía sus primeras apariciones cuando el realismo se convirtió en la escuela imperante, por lo que de un modo u otro se aspiraba a una exactitud, objetividad y nivel de detalles en el arte que nunca antes habían sido posibles, gracias a las innovaciones científicas, y que en el caso de la pintura y la escultura, derivaron luego en el hiperrealismo del siglo XX.

Alejándose de los motivos románticos, el arte realista apuntó a una perspectiva local, costumbrista, que coincidió además con el surgimiento de numerosos movimientos nacionalistas en la Europa del siglo XIX. Obviamente, sus pinturas son siempre figurativas, lejanas a la abstracción, y sus motivos siempre explicables en términos laicos, casi científicos.
Características del realismo:

- El arte realista propone una mirada centrada en el ser humano y en su existencia cotidiana, dándole la espalda a los temas mitológicos, religiosos, fantásticos y oníricos, prefiriendo en cambio la denuncia social y política. Esto condujo a técnicas pictóricas que aspiraban a la objetividad: la reproducción casi fotográfica de lo observado.
- Los personajes y las escenas predilectas del realismo fueron siempre las más mundanas, protagonizadas generalmente por el pueblo llano, asumiendo el arte como un vehículo para captar la vida real de los de abajo: el campesinado, las nacientes clases obreras, etc.
Artistas de la Pintura: Los franceses Gustave Courbet (1819-1877), Thomas Couture (1815-1879), Jean-Francois Millet (1814-1875), Jules Breton (1827-1906), así como otros muchos representantes de Inglaterra, Alemania, Italia y Estados Unidos mayormente.

Estos pintores se dan a conocer a partir de 1870 entre un gran escándalo por parte del público y de ciertos críticos. Cabe resaltar que en esas épocas, las obras impresionistas parecían ser extremadamente modernas.
Características del impresionismo:
El impresionismo aspiraba a plasmar la luz en sus pinturas, mediante la combinación de colores y pinceladas, en vez de formas y siluetas. La pincelada impresionista, bautizada posteriormente como “pincelada gestáltica”, era breve y usaba colores puros, sin importar que en solitario no fueran pertinentes al modelo real, ya que una vez completa la imagen, se podría percibir globalmente la obra y reproducir así una totalidad bien definida, con mucha luminosidad y vibrancia. Esta técnica inspiraría posteriormente a los neoimpresionistas o puntillistas.

Otro de los avances del impresionismo fue la creación de nuevos pigmentos para obtener colores más puros. Gracias a ello los pintores pudieron replantear muchas leyes cromáticas de la época, entendiendo el color en relación a sus acompañantes y al contraste que con ellos generan. Por eso los impresionistas hacían juegos de sombra rompiendo con la dinámica usual del claroscuro, en favor de sombras hechas con colores complementarios que dotaban de mayor profundidad a la obra.

De modo similar, los impresionistas relegaron la forma a un segundo plano, prefiriendo explorar en cambio los paisajes. Los panoramas abiertos permitían la justa de luz y colores para sus métodos pictóricos.
Los principales representantes del Impresionismo fueron:

Un uso el color y la luz para plasmar las emociones y los sentimientos del artista, dando espacio a la subjetividad y a temas más personales. Así, el cuadro se transforma en un ejercicio espiritual en el que el autor refleja sus preocupaciones, experiencias y sentimientos más íntimos.
El postimpresionismo es una palabra artificial, lógicamente. Se acuñó a posteriori, cuando los artistas postimpresionistas estaba ya muertos. Ningún postimpresionista era consciente de estar en el postimpresionismo.

Sin embargo hoy podemos agrupar a un cierto número de artistas que trabajaron después del impresionismo, reaccionando contra él en muchos aspectos, y que reúnen las siguientes características:

En general todos los postimpresionistas utilizaron colores vivos, pinceladas poco discretas y unas temáticas basadas en la vida real.
Todos ellos intentaron también dar un paso más en cuanto emoción y expresión a la pintura y todos presentaron una visión particular de la naturaleza, una visión subjetiva del mundo.