Gustav Klimt nacque il 14 luglio 1862 a Baumgarten, oggi quartiere periferico di Vienna. Fin da bambino si appassionò d’arte insieme ai suoi fratelli. Nonostante i problemi economici della sua famiglia riuscì lo stesso a frequentare la Scuola d’Arte e Mestieri dell’Austria, dove si iscrisse nel 1876 a soli 14 anni, dopo aver terminati gli studi alla scuola primaria. Durante i suoi studi accademici, che durarono fino al 1883, sperimentò varie tecniche artistiche, tra cui la ceramica e il mosaico. Dotato di particolare talento fin da giovanissimo, durante gli anni della formazione, fu considerato e riconosciuto come il più grande continuatore dell’opera di Hans Makart, uno dei più importanti artisti austriaci del tempo.

Con il passare degli anni, il grande pittore diede sempre di più dimostrazione della sua abilità e le commissioni non tardarono ad arrivare. Nel 1880 prese parte a una compagnia d’artisti chiamata Künstlerhaus e nelle stesso anno dipinse le quattro allegorie di Palazzo Sturany a Vienna e il soffitto della Kurhaus di Karlsbad. Nel 1883, finiti gli studi accademici, fondò insieme a Franz Matsch e a suo fratello Ernst, anch’egli decoratore e intagliatore, un gruppo di lavoro. I tre collaborarono per anni, lavorando a decorazioni tra i quali il soffitto delle due grandi scalinate del famosissimo Burgtheater. All’interno del celebre teatro si cimentarono nella decorazione di una serie di pannelli raffiguranti sia scene antiche che scene contemporanee. Grazie alle numerose commissioni, il nuovo sodalizio creativo riscontrò particolare successo e ammirazione sia da parte del pubblico sia da parte della committenza. Questa notorietà li portò ad avere anche un appagamento economico, che permise a loro il passaggio in una società altolocata. La bravura di Gustav Klimt, il più talentoso dei tre, gli fu ampiamente riconosciuta e nel 1888 ricevette la Croce d’oro al merito artistico dall’imperatore Francesco Giuseppe I.

Nel 1892, a causa della morte del fratello Ernst, avvenuta pochi mesi più tardi della morte di loro padre, la società si sciolse e Klimt decise così di continuare la sua produzione artistica in solitaria. Proprio durante questo anno non facile ebbe la fortuna di incontrare Emilie Flöge, sua compagna di vita. Gli anni che seguirono furono molto difficili per il pittore, sia a causa dei lutti del fratello e del padre, a cui era molto legato, sia per problemi professionali e artistici che lo portarono a rivoluzionare il suo stile, abbandonando e rinnegando lo stile accademico con il quale aveva dipinto fino a quel momento. Nel 1897, decise così di fondare insieme ad altri diciannove compagni la Wiener Sezession, gruppo di artisti controversi e controcorrente, il cui scopo comune era quello di liberarsi dal conformismo accademico viennese contemporaneo e di mirare verso un’opera d’arte totale dove arte, architettura e design si unissero tra loro fondendosi in un’unica entità, tema comune anche ad altri gruppi formatasi in Europa in quegli anni come il gruppo Arts&Crafts di William Morris e le varie nuove avanguardie nascenti come lo Jugendstil in Germania o l’Art Nouveau in Francia. Nonostante Klimt avesse sposato lo stile classico per anni, ad un certo punto della sua carriera non si rispecchiò più nelle sue opere e decise quindi di liberarsi dalla costrizione accademica imposta dall’università dove per anni studiò.

Seppur oggi le decorazioni del soffitto dell’Università di Vienna rappresentino uno dei capolavori assoluti del maestro (nonostante la distruzione a seguito di un incendio avvenuto nel 1945 al Castello di Immendorf), furono molti gli scontri e le critiche ricevute. Nel 1894 fu incaricato insieme a Franz Matsch (suo precedente socio) di realizzare una serie di decorazioni per il soffitto dell’Aula Magna in cui il tema proposto era “La vittoria della luce sulle tenebre”, le opere dovevano essere realizzate per la facoltà di Filosofia, Giurisprudenza e Medicina. Klimt fu aspramente attaccato ancor prima di finire le sue opere: le rappresentazioni femminili furono considerate dai caratteri eccessivamente sensuali e dall’estetica anticlassicista. Molti professori e frequentatori dell’università si opposero avidamente alle decorazioni tanto da presentare una petizione al Ministero dell’Istruzione, chiedendo l’interruzione dei lavori. Wilhelm von Hartel, allora ministro dell’Istruzione, rifiutò varie volte la petizione e a Klimt fu consentito di continuare i suoi lavori. Successivamente l’artista dichiarò: “Ne ho abbastanza della censura, adesso faccio da me. Desidero liberarmene. Desidero liberarmi da tutte queste stupidaggini che mi ostacolano e mi impediscono di lavorare”. Klimt e i suoi compagni secessionisti, malgrado la sfortunata vicenda dell’università, con il passare degli anni riuscirono a trovare la notorietà e l’approvazione da parte di ricche famiglie borghesi, amanti della nuova Avanguardia da loro fondata.

Grazie ad un viaggio in Italia, in particolare a Ravenna, avvenuto nel 1903, il famoso artista ebbe la possibilità di mettersi in contatto e vedere dal vivo gli importanti mosaici bizantini della città. Da questo viaggio trasse molte ispirazioni per le opere successive, che furono infatti caratterizzate dall’uso dell’oro e dallo sfarzo: questi dipinti definiranno il periodo “aureo” o “dorato” dell’artista. Opere frutto di questo periodo rappresentano ad oggi importantissimi lavori del maestro, troviamo per esempio: Il bacio (1907-08), Giuditta I (1901), L’albero della vita(1905-1909). Con la seconda versione di Giuditta nel 1909, Klimt abbandonò il periodo aureo, e superato quest’ultimo l’artista entrò in conflitto con il movimento da lui stesso fondato, decidendo successivamente di abbandonare il gruppo per divergenze di vedute e di avvicinarsi ai Laboratori Viennesi dove lasciò definitivamente la delicatezza e la graziosità delle linee secessioniste passando ad una linea più marcata e grezza, ad un uso del colore più sgargiante, per il quale trasse spunti anche dalle nuove avanguardie presenti sulla scena contemporanea, come gli impressionisti o gli espressionisti. Le opere frutto del nuovo periodo, come per esempio Le Tre Età della Donna (1905) gli permisero di partecipare e di vincere, nel 1911, il premio dell’Esposizione Internazionale di Arte di Roma, conquistando ancora una volta l’elogio della critica. Pochi anni anni dopo, nel 1918, a seguito di una polmonite e ictus causati dall’influenza spagnola, il pittore morì, in data 11 gennaio, lasciando incompiuti numerosi dipinti.

Dopo il 1903, grazie un viaggio in Italia che influenzò il suo modo di fare arte, cominciò a realizzare una serie di opere con inserti di mosaici dorati che ricordano quelli bizantini della città di Ravenna. Quadri simbolo di questo periodo saranno: Il bacio (1907-08), Giuditta I (1901) e Giuditta II (1909:quest’ultimo decretò la fine del periodo aureo. Successivamente, influenzato dalle nuove avanguardie nascenti come l’Espressionismo e l’Impressionismo Klimt decise di mettere ancora una volta in discussione la propria arte sperimentando uno stile pittorico a lui nuovo, costituito da una pittura grezza e poco pulita, dai tratti meno precisi e dai colori più vivi (ne è un esempio il Ritratto di signora della Galleria Ricci Oddi di Piacenza). Malgrado le diverse sperimentazioni, Klimt ha sempre avuto modo di dimostrare la sua grandezza e la sua versatilità nel campo artistico ponendo sempre al centro dell’attenzione il suo grande talento.

Tra i temi ricorrenti del celebre maestro vi è l’attenzione particolare verso il mondo femminile. Numerose sono le rappresentazioni di figure femminili che trasudano sensualità e lussuria; le femme fatale che rappresenta sono donne lucenti, arricchite da ori e dallo sguardo inquietante che intimorisce e lascia abbagliato. La donna in Klimt è protagonista e raffigura l’emblema della femminilità. Il suo massimo interesse verso questo mondo culmina con la creazione di opere come Giuditta I (1901) e Giuditta II (1909).

In Giuditta I, Klimt utilizza come solito fare un linguaggio tipicamente simbolista e decorativo, inserendo anche con l’oro che dona all’opera ancora più sfarzo e lussuria. La figura rappresentata è una donna crudele e potente che tiene tra le braccia la testa di Oloferne, suo amato. La testa di quest’ultimo è rappresentata solo di scorcio mentre la figura della femme fatale predomina la scena sottolineando la sua maestosità e imposizione. In Giuditta II, la figura è rappresentata in tutta la sua altezza, accentuando ancora di più, rispetto la prima versione, la verticalità del dipinto. Il volto della donna questa volta è rappresentato quasi di profilo, qui la donna è nuda e scopre il seno che esce dalle sue decorate vesti. La modella da cui prese ispirazione per dipingere queste due versioni fu Adele Bloch-Bauer, musa preferita del pittore. Il loro rapporto lavorativo e forse affettivo iniziò quando il marito di Adele commissionò al pittore il ritratto della sua amata. Da quel momento diventò la musa ispiratrice del maestro diventando così la protagonista di molte opere celebri tra cui Il Bacio, una delle opere più importanti e note di tutta la storia dell’arte. È un dipinto appartenente al periodo aureo e raffigura due giovani innamorati nell’atto di un abbraccio (si nota infatti che la donna si lascia cadere tra le braccia del suo amato che la sorregge e la bacia). Entrambi le figure sono avvolte da drappi dorati e intensamente decorati da mosaici. Oltre al tema della rappresentazione femminile in questo quadro è presente un altro tema ricorrente nella pittura dell’artista, l’amore, caratteristico di opere come l’Abbraccio (1905-1909)o il Fregio di Beethoven (1902). L’opera emana dolcezza e serenità, e l’atmosfera è enfatizzata anche dallo sfondo completamente dorato tranne che sul terreno, dove in un pezzo di terra fiorito i due amanti si sorreggono.

Tra le opere più importanti del Klimt maturo figura anche Le tre età della donna del 1905 (leggi qui un approfondimento sul dipinto). Questo dipinto fa parte delle opere più mature dell’attività artistica di Klimt, in cui si verifica l’abbandono dell’uso dell’oro, per andare incontro a una pittura meno vistosa e più immediata. Nel dipinto sono rappresentate, come suo solito fare, tre donne che rappresentano tre diversi periodi della vita femminile. Vi troviamo raffigurata anzitutto l’infanzia, attraverso la rappresentazione di una bambina piccola in braccio ad un’altra donna che rappresenta anch’essa un’altra fase, quella della maternità, in cui viene raffigurata una figura femminile con capelli lunghi e ricci cosparsi di fiori. Al suo fianco si nota un’altra donna: simboleggia la vecchiaia, l’ultimo stadio della vita. La donna qui è dipinta con il viso nascosto dai suoi lunghi capelli grigi e dal corpo nudo in tutta la sua interezza e imperfezione. Le tre figure sono estremamente ravvicinate e occupano la parte centrale del dipinto. Lo sfondo scuro, che occupa la maggior parte dello spazio, è dato da un insieme di colori come l’ocra o il marrone. L’oscurità dello sfondo tende a fare esaltare le tre figure esaltandone lo scorrere del tempo e la loro bellezza.

Lui stringe delicatamente la testa dell’amata e si protende verso di lei in segno di protezione e di affetto. Entrambi, inginocchiati su un piccolo rettangolo erboso, indossano delle tuniche dorate e mosaicate che coprono interamente i loro corpi. La capigliatura della donna è adornata con dei piccoli fiori, mentre l’amante indossa sul capo una ghirlanda di foglie d’erba.

In questo quadro ritorna il tema dell’amore tanto caro al pittore viennese, che riesce a trasportare in pittura quel momento effimero in cui l’universo maschile e quello femminile riescono a compenetrarsi.

Il significato de Il bacio di Klimt è infatti il trionfo della potenza vivificatrice dell’eros, capace di trascendere le antitesi tra sesso machile e sesso femminile.

Queste differenze sono evidenti nell’opera attraverso alcuni dettagli visivi. Le mani nodose, affusolate dell’uomo, dalla colorazione grigiastra, contrastano con il colorito diafano e la lucentezza del viso della fanciulla. Le tuniche, pur essendo entrambe dorate, differiscono per la loro decorazione: quella dell’uomo ha elementi geometrici spigolosi colorati di bianco, nero e grigio, mentre quella della ragazza ha forme circolari, morbide e variopinte. Questa apparente separazione fra i due viene superata dal luminoso “contenitore” dorato che racchiude i due protagonisti. In quest’opera viene, quindi, celebrato il potere dell’amore: l’unica cosa in grado di unire due essere così diversi.

Il bacio di Klimt è forse una delle opere più romantiche del mondo dell’arte. Vedere l’uomo e la donna, due universi completamente differenti, fondersi assieme, grazie al potere dell’amore, è qualcosa di profondamente romantico e profondamente vero, perché universale. Osservando questo spazio indefinito, avvolto in un'aura quasi mistica, si ha la sensazione che il tempo e lo spazio non esistano più.

L’immagine della donna, in totale abbandono, che si affida completamente alla forza dell’eros ha un potere così travolgente e intenso che dà alla vita un significato profondo.

Il bacio di Klimt, per la sua eleganza dello stile e la sua aura mistico-erotica, rappresenta il manifesto dell’arte secessionista viennese e il maggior esempio della corrente artistica dell’Art Nouveau della Belle Époque, di cui il pittore viennese fu protagonista.

La storia d’amore dietro Il bacio di Klimt

Non si conosce l’identità dei due amanti raffigurati nel dipinto de Il bacio di Klimt, ma, grazie a dei collegamenti biografici, diversi esperti dell'artista viennese concordano sul che possa trattarsi della stilista Emilie Flöge e dello stesso Klimt.

La storia d’amore tra i due è solamente supposta perché non c’è nessuna testimonianza che lo attesti, quello che è certo è che i due si frequentarono per 27 anni.

Gustav conobbe Emilie, che gestiva un atelier d’alta moda, perché la sorella della stilista aveva sposato Ernst, il fratello dell’artista. Sicuramente Klimt rimase affascinato dalla donna: la ritroviamo raffigurata in diverse opere, come nel ritratto in abito blu lungo e lineare in stile Reform Kleider, cioè la riforma nell’abbigliamento che permetteva, soprattutto alle donne, di indossare abiti in ci si poteva muovere più liberamente.

Questi abiti sono anche quelli che indossano i due amanti de Il bacio e che utilizzavano spesso sia l’artista che Emilie. I due vestivano in modo moderno per l’epoca: ampi camicioni come quelli dei protagonisti del quadro.

Klimt, rispetto, per esempio, alla più cruda versione di Caravaggio, ci regala una visione in cui il gesto sanguinario di Giuditta è messo in secondo piano, così come la testa di Oloferne, relegata all’angolo destro della composizione. L’artista austriaco delinea un’immagine di una donna seducente e moderna: il volto appena reclinato, lo sguardo fiero e sensuale, molto probabilmente ritratto dell’amica Adele Bloch-Bauer, spesso protagonista delle sue opere, sono accompagnati da gioielli arcaizzanti.

Una bellezza seducente e mortifera, dunque, quella che Klimt descrive per Giuditta, unendo la classicità del tema biblico al perturbante di origine freudiana. Non a caso, dunque, la principale fonte iconografica per Klimt non furono le grandi tele del passato raffiguranti l’eroina biblica, bensì un’opera del pieno periodo simbolista. La donna che si cela nell’ombra de Il Peccato di Franz von Stuck rappresenta chiaramente una grande influenza per la realizzazione di Giuditta I. La donna di Klimt si rifà così a quella simbolista, la cui sensualità si mescola ad un senso di morte che pervade la composizione.

La Giuditta di Klimt: personaggio biblico senza tempo

La vicenda che vede come protagonisti Giuditta ed Oloferne è raccontata nel Libro di Giuditta, testo accolto all’interno nella versione cristiana della Bibbia. La narrazione ha luogo ai tempi del re Nabucodonosor: il potente sovrano è nel bel mezzo di numerose guerre di occupazione. Le campagne militari sono affidate al grande condottiero Oloferne che, nel mezzo delle sue conquiste si trova di fronte il popolo d’Israele.

L’esercito di Oloferne riduce alla fame la popolazione israelita che non può nulla di fronte alla forza degli uomini mandati da Nabucodonosor. Proprio prima della resa, una giovane vedova, Giuditta, si reca dagli anziani legislatori, criticandone la poca fede in Dio e nella vittoria. Giuditta era una ricca vedova di bell’aspetto e dall’ancora giovane età: sveglia e intraprendente, non aveva nessuna intenzione di lasciare in mano agli uomini di Oloferne il suo popolo.

Si presenta così dal comandante nemico con abiti da cerimonia, seguita dai suoi servi, in un incontro che avrebbe dovuto sancire la conclusione degli scontri, in cui la giovane avrebbe dovuto rivelare i segreti per entrare a Gerusalemme. Giuditta fu così ben accolta da Oloferne che, pensando di avere ormai sconfitto i suoi nemici, festeggiò l’imminente vittoria invitando la giovane vedova ad un grande banchetto da lui organizzato. Ubriaco e volenteroso di avere un rapporto sessuale con la giovane, Oloferne accettò di buon grado di appartarsi con Giuditta. Appena soli, però, la donna approfittò della poca lucidità del comandante e lo decapitò.

Nell’opera sono raffigurate tre figure femminili: a sinistra una donna anziana e a destra una giovane con una bimba in braccio.

La prima posta di profilo è completamente nuda, ha il capo chinato, il braccio sinistro piegato con la mano che copre gli occhi, mentre il destro scende lungo il corpo. La sua immagine è molto espressiva e di forte impatto a causa dell’estremo realismo: le spalle sono molto curve, i capelli lunghi castani non sono luminosi, il seno è deformato e il ventre gonfio fa contrasto con il corpo magro dalla pelle di un colore ormai spento e quasi scuro. La donna giovane invece è raffigurata frontalmente ed è coperta soltanto da un velo semitrasparente azzurro e violetto. Ha il capo chinato a sinistra (che ricorda la figura della donna rappresentata ne “Il bacio”) appoggiato sulla testa della bimba. La sua carnagione diafana e luminosa contrasta fortemente con quella dell’anziana, così come i capelli dal colore biondo dorato. La piccola è paffuta ed ha le guance rosate. Entrambe hanno gli occhi chiusi come se stessero sognando o fossero immerse in una dimensione irreale, felice, spirituale. Questo perchè si trovano su uno sfondo dorato, colorato di tinte pastello e molto decorato anche di motivi geometrici. La donna vecchia invece si trova su un piano arretrato, dallo sfondo più scuro, composto di toni che vanno dall’ocra al marrone al nero.

In quest’opera Klimt rappresenta un tema che ricorre spesso nei suoi quadri ed a lui molto caro: la precarietà della vita e della bellezza. E’ un’allegoria della vita, nella quale c’è la nascita, la fanciullezza, la maternità, la vecchiaia e la morte.

Il gesto dell’anziana che si copre gli occhi è molto drammatico e rappresenta la rinuncia ad affrontare la nuda realtà della morte. Essa simboleggia quindi il tempo che scorre inesorabile e la morte che minaccia l’uomo.

In netto contrasto è invece la giovane con la bimba, simbolo di maternità e proprio per questo immersa in un’atmosfera irreale, trasognata e quasi sacra. L’abbraccio della madre è delicatissimo e avvolgente, tanto che i loro corpi sembrano un tutt’uno. Entrambe si trovano distanti dalla vecchiaia (e dalla morte) sia concettualmente che visivamente. Le tre donne hanno gli occhi chiusi, ma con significati ben diversi: la mamma e la bambina infatti sono immerse nei loro sogni, mentre la vecchia, nascondendosi il volto con la mano, è l’impossibilità di sognare. Klimt inoltre sceglie tre figure femminili a rappresentare questo tema perchè è tramite la donna che può nascere la vita. Infatti nell’anziana uno dei particolari più evidenti è il grembo ormai deformato e freddo, incapace di donare la vita. Molto particolare è lo sfondo, ricco di sfumature grigie e brune, illuminate nella parte superiore specialmente da una sorta di pulviscolo bianco. In alto una fascia nera che si interrompe sulla sinistra, somiglia ad una voragine. Lo sfondo così piatto e dorato riduce l’immagine a due sole dimensioni, tratto che caratterizza i mosaici bizantini che l’artista ebbe modo di vedere durante un viaggio in Italia.

In “Maternità”, Klimt rappresenta una madre che tiene in braccio il suo bambino, in un abbraccio intimo e protettivo. Spesso, la figura della madre è inserita in un contesto decorativo ricco di motivi floreali e geometrici, che richiamano il legame tra la figura umana e la natura. La madre è il centro dell’opera, mentre il bambino, piccolo e vulnerabile, è raffigurato in modo tale da enfatizzare la sua dipendenza e la sua fiducia nella figura materna.

Il trattamento della figura umana è caratteristico dello stile di Klimt, con corpi stilizzati e volti espressivi che trasmettono una forte emotività. La madre è rappresentata in una posizione di calma e protezione, con un’espressione che suggerisce tenerezza e amore incondizionato. Il bambino, invece, è avvolto in un manto decorato, che crea un legame visivo tra la madre e il suo ambiente.

Klimt è noto per l’uso audace del colore e dei materiali, e la “Maternità” non fa eccezione. Le tonalità calde e dorate dominano l’opera, con l’oro che simboleggia la sacralità e la bellezza dell’atto materno. L’uso dell’oro richiama le icone bizantine, ma Klimt lo reinterpreta in chiave moderna, creando un’opera che è allo stesso tempo decorativa e profondamente simbolica.

Le decorazioni floreali e geometriche, tipiche del suo stile, non sono solo elementi decorativi, ma contribuiscono a creare un’atmosfera quasi onirica, in cui la maternità viene elevata a un’esperienza trascendentale. I colori utilizzati da Klimt – in particolare i toni dorati, rossi e verdi – creano un contrasto tra la morbidezza della pelle della madre e la brillantezza del fondo decorativo, enfatizzando così la centralità della figura umana.

La maternità in Klimt non è solo un tema naturalistico, ma è carica di simbolismo. La madre rappresenta non solo la donna come portatrice di vita, ma anche come custode di un amore che è al tempo stesso terreno e spirituale. La figura materna è simbolo di protezione, nutrimento e continuità della vita, ma Klimt inserisce anche elementi che suggeriscono la fragilità e la transitorietà della vita stessa.

Il bambino, raffigurato in modo tenero e vulnerabile, rappresenta l’innocenza e la dipendenza, ma anche la promessa di futuro e di rinnovamento. La stretta connessione tra madre e figlio è sottolineata non solo dalla loro vicinanza fisica, ma anche dai motivi decorativi che li circondano, creando un legame visivo e simbolico che è centrale nell’opera.